Plan 9...

RIP Megaupload... ¿RIP Plan 9?

2012-01-20T00:57:00.003+01:00

Hoy es un día aciago, han cerrado Megaupload. Parece que han cargado sus armas y ha comenzado la escabechina. Porque después de Megaupload (mi más apreciado servidor desde hace años) se intuye que irán cayendo todos los demás poco a poco. Y los muy cabrones podrán, aunque parezca imposible, ponerle puertas al campo, que es lo que era internet hasta la fecha, un lugar abierto inmenso, libre...Un precioso campo! Hay que joderse!!!!

Aún no he comprobado los daños en este blog pero creo que la mayoría del material subido se ha perdido, por lo que habrá que hacer un inventario y ver que es lo que queda a través de Rapidshare (del que ya no soy premium). Pero me parece que es poco. Y entonces habrá que plantearse si comenzar otra vez de cero, poco a poco, resubiendo peli a peli o mandarlo todo al carajo.

Tendré que comentarlo con el amigo Ente. Y bueno, ya veremos lo que hacemos.

Aunque de todos modos pienso que más o menos tarde, blogs como éste que de una manera u otra nos lo curramos por afición, irán desapareciendo. Porque parece que comienza el control de internet. La distopía hecha realidad.

Os adjunto una más que elaborada explicación sobre la ley SOPA. Os abrirá los ojos. Salud!!!

Rollerball (1975) (Dual Español/Inglés + Subs)

2011-11-15T14:42:00.011+01:00

sinopsis

En el año 2018, el mundo se encuentra agrupado en seis corporaciones: Energia, Alimentación, Lujo, Vivienda, Comunicación y Transporte. La tranquilidad social es absoluta, pero la gente carece de libertad. Se desahogan con el Rollerball, un violento juego donde los jugadores corren peligro de muerte.

Ficha Técnica

Director: Norman Jewison / Productor: Norman Jewison para United Artist / Guión: William Harrison, basado en su relato "Roller Ball Murders" / Fotografía: Douglas Slocombe / Música: Tomaso Albinoni, Johann Sebastian Bach, Dmitri Shostakovich, Pyotr Ilyich Tcaikovsky / Efectos especiales: Sass Bedig, John Richardson, Joe Fitt / Montaje: Anthony Gibbs / Intérpretes: James Caan (Jonathan E.), John Houseman (Bartholomew), Maud Adams (Ella), Ralph Richardson (bibliotecario), John Beck (Moonpie), Moses Gunn (Cletus), Pamela Hensley (Mackie), Barbara Trentham (Daphne), John Normington, Shane Rimmer, Burt Kwouk, Nancy Bleier, Robert Ito, Anthony Chinn, Craig R. Baxley... / Nacionalidad y año: USA 1975 / Duración y datos técnicos: 129 min. Color Scope (Dual Español/Inglés + Subs)

Comentario

Actualmente vivimos una crisis económica que nos ha hecho ver a la gran mayoría de los mortales el inmenso poder que los mercados tienen sobre nuestras vidas. En un abrir y cerrar de ojos el futuro de millones de personas se va al garete porque una serie de acciones/decisiones llevadas a cabo por imbéciles encorbatados que viven a kilómetros de distancia de nuestras casas provocan la caída de gobiernos, el paro, la miseria... El mundo vive atenazado por el inmenso poder de ejecutivos, burócratas, tecnócratas que obvian al individuo (pequeña chinche que respira, produce y consume)supeditando su bienestar a la especulación y a un modelo económico que para todos nosotros resulta incomprensible, pero que, por lo visto a ellos les divierte sobremanera. ¡Dios, como les pone el poder!
Por ello esta película viene como anillo al dedo, aunque sólo sea en su ambientación y propósito ideológico. Aunque, y es una pena, al final quede en agua de borrajas. Nos encontramos en el año 2018 y la Tierra vive en un estado de "forzada" armonía gracias a la ausencia de gobiernos y países que son sustituidos por un todopoderoso grupo de seis corporaciones que se encargan de proveer a los habitantes del planeta de sus necesidades más básicas (así dichos entes empresariales se llaman "Energía", "Comida", "Lujo",...) y cuyo omnímodo poder en la práctica resulta equiparable al de un gobierno totalitario, en una suerte de magistral globalización en la que las diferencias sociales son abismales. Por un lado están los ejecutivos que son los que manejan el cotarro y por el otro el resto de los mortales que, aunque tienen cubiertas todas sus necesidades básicas viven alienados por un sistema en el que el conjunto lo es todo, eliminando al individuo.
Y como por lo visto no tienen bastante con la televisión y sus programas del corazón, mantienen sedados a los terrestres, encauzando sus instintos agresivos y sentimientos antisociales hacia la morbosa contemplación de un salvaje espectáculo llamado "Rollerball", extravagante combinación de hockey sobre hielo, motociclismo y fútbol americano donde la ausencia casi absoluta de reglas limitadoras de la violencia propician el desatado sadismo de sus participantes. De manera que este deporte se convierte en el mejor instrumento para mantener apaciguada a la población, y así perpetuarse en el mando. Nos hallamos ante un más que aberrante "juego de la muerte" que supone la sublimación de las antiguas estrategias romanas de "pan y circo" (se puede sustituir el pan por drogas, ya que a lo largo del todo el film los protagonistas no paran de ingerir pastillitas por doquier).
James Caan es la máxima estrella de toda la sangrienta historia del "Rollerball", al haber conseguido sobrevivir hasta el momento a diez temporadas, cuando la vida media de un jugador se sitúa aproximadamente en dos. Debido a su cada vez mayor protagonismo, el Sistema decide persuadirle/obligarle a que se retire, ya que, según ellos, el verdadero impacto social de tan demencial deporte (y por tanto su efectividad) radicda en la frecuencia con que las figuras ascienden e inexorablemente caen. Sin embargo, al recibir la orden de retirarse de la competición, Caan comenzará a hacerse preguntas sobre el funcionamiento del Sistema, negándose finalmente a abandonar, lo que le convertirá, en última instancia, en el auténtico verdugo de tan inhumano espectáculo.
Adaptado de un relato del propio guionista William Harrison llamado "Rollerball Murders", este largometraje resultó en su día más célebre por la inusual (por entonces) virulencia de las escenas del juego que le da titulo que por su aceptación entre el público. Con todo, el conjunto despide un narcotizante hedor de intelectualismo barato, ese en el que se suelen estrellar los cineastas con muchas ganas de decir cosas y escasas posibilidades de trascender sus más bien llanos referentes. En este caso, fue el rara vez interesante Norman Jewison quien tropezó en su intento de hacer una densa alegada sobre la violencia y el control de las masas a través de los medios de comunicación. Ocasionalmente tediosa en su aparatosa vacuidad, "Rollerball" se salva por la solidez de las interpretaciones tanto del desaprovechado James Caan como de los ilustrísimos veteranos John Houseman y Ralph Richardson. Además, la belleza de Maud Adams no deja de resultar un balsámico oasis en el seno de este largometraje formalmente artificial y algo fallido.
En definitivas cuentas, "Rollerball" es una película distópica con mensaje realizada en una década prolífica en ciencia ficción seria, ya que la década de los 70 está llena de filmes que nos ofrecen parábolas que muestran un futuro anti-utópico y desesperanzador, pero que no pasa de ser un bodrio entretenido que aunque en su trasfondo resulta acertado dados los tiempos que corren, estéticamente ha envejecido mal y resulta a ratos aburrida a más no poder. Pensad que hablamos de la década en que se realizaron grandes filmes como: "THX 1138", de George Lucas, "El último hombre... vivo", de Boris Sagal, "Naves misteriosas", de Douglas Trumbull, "Edicto siglo XXI: Prohibido tener hijos", de Michael Campus, "Cuando el destino nos alcance", de Richard Fleischer, de 1973, "A Boy and his Dog", de L. Q. Jones,"La fuga de Logan", de Michael Anderson... Y por otro lado "La carrera de la muerte del año 2000", de Paul Bartel o "Nueva York: año 2012", de Robert Clouse (distopía light con mucha violencia). "Rollerball" entraría de lleno en este segundo grupo.

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Pass: jewison

Hola de Nuevo

2011-11-02T10:51:00.002+01:00

Da gusto regresar y ver el chiringuito tan bien atendido por Maese Ente. Quizás no esté tan presente como antes, pero espero ya retomar el asunto con ganas, como antaño. En principio voy a realizar unas labores de mantenimiento ya que me he desligado completamente de rapidshare, y creo que debo subir las películas borradas, y además añadir enlaces en Filesonic y Hotfiles, de manera que todas las películas que suba podrán ser descargadas a través de tres servidores (enlaces intercambiables, por supuesto). Bueno, amigos, es un placer volver al hogar. Os echaba de menos.

Messiah Of Evil (USA 1973) Director's Cut - V.O.S.E.

2011-10-09T11:14:00.002+02:00

sinopsis:

Arletty Long viaja hasta Point Dune, un pequeño pueblo costero del norte de California, para reunirse con su padre, un artista retirado que reside allí desde que enviudó. La joven está preocupada porque, en los últimos meses, las cartas que él le ha enviado son cada vez más extrañas e inquietantes.

Cuando llega, encuentra la casa de su padre vacía, como si acabase de dejarla. Cuando pregunta por él en el pueblo sólo consigue evasivas; casi nadie parece conocer al viejo pintor. Su búsqueda la lleva a conocer a otros recién llegados a Point Dune, un curioso trío formado por Tom, un joven aristócrata de origen europeo (portugués o español) y Toni y Laura, sus dos guapas y desinhibidas amigas.

Ficha Técnica

Director: Willard Huyck y Gloria Katz / Productor: Willard Huyck y Gloria Katz para International Cine Film Corporation. / Guión:Willard Huyck y Gloria Katz / Fotografía: Stephen Katz / Música: : Phillan Bishop / Montaje: Scott Conrad / Intérpretes: Michael Creer, Marianna Hill, Joy Bang, Anitra Ford, Elisha Cook Jr, Royal Dano, Charles Dierkop, Bennie Robinson, Morgan Fisher, Emma Truckman, Dyanne Asimow, Hew Margolis, Alex Michaels, Walter Hill, Laurie Charlap-Hyman, Bill Norton / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1973 / Duración y datos técnicos: 90 min. Color. DVDRip. Director's Cut. Versión original en inglés con subtítulos en castellano. Extra: Escena inicial alternativa (versión original).

Comentario

No sé vosotros, pero yo, pese a mi compulsiva afición al cine y la literatura de terror, no soy especialmente propenso a las pesadillas. Lo que demuestra que una cosa nada tiene que ver con la otra (yo tengo para mí que las pesadillas, más que las malas digestiones o las malas conciencias, las provoca el frío que coges al dormir, jejeje). En serio. He tenido algunas, claro está, como todo hijo de vecino. Pero pocas y más bien prosaicas.

Aunque, a veces, ha habido algunas que sí me han parecido singulares. Algunas que, a pesar de haberlas tenido hace muchísimos años, recuerdo con especial lucidez. Pesadillas que, por una u otra razón, forman parte de mi particular bagaje de imágenes y sensaciones. De una forma consciente, además. Pesadillas por las que siento cierto cariño, hasta el punto de empeñarme en conservarlas y atesorarlas como hago con otras cosas (películas, libros, sí... Algo de relación guardan).

Os voy a hablar de una de ellas. La tuve en Septiembre de 1977, cuando yo sólo era un crío de once años.

En ese sueño yo caminaba, al final de la tarde, con mis padres y mi hermano pequeño por las calles de mi pueblo. Volvíamos a casa. Todo, aparentemente, era normal. Atardecía y los escaparates de las calles comerciales se iban encendiendo. No obstante, y a diferencia de lo que solía ser habitual (lo es todavía) la calle estaba prácticamente vacía y a través de esos escaparates iluminados tampoco se apreciaba a nadie en el interior de las tiendas. Era como si nosotros cuatro estuviésemos totalmente solos en el pueblo. Como si todo el mundo se hubiera marchado de repente, dejando las luces encendidas.

Al llegar a casa, mi madre empezaba a preparar la cena. Todavía no se había hecho de noche (el atardecer duraba muchísimo) y yo sentía un frío raro, impropio de finales del verano o principios del otoño. Mientras mis padres y mi hermano actuaban con normalidad yo tenía una sensación extraña, como si algo indefinido nos amenazara. En la televisión estaban transmitiendo una autopsia en su integridad, con toda la crudeza del mundo (ahora esas cosas serían posibles, pero en 1977 era algo inimaginable) ambientándola con una música electrónica chirriante, arrítmica y desazonadora. Luego salía el presentador del telediario y leía las noticias. En una de ellas decía que se estaban produciendo casos de canibalismo en las periferias de algunas ciudades. Salían imágenes en blanco y negro de barrios degradados, casi en ruinas, como si fuesen escenarios de una guerra. La sensación de amenaza, de miedo, se me hacía casi insoportable.

Al otro lado de la ventana seguía atardeciendo. El cielo tenía un color rojo intenso, rojo sangre, sin matices, casi violento. Las nubes trazaban líneas extrañas. Como venas negras sobre un corazón hinchado y sangrante.

Y nada más. Eso era todo. En realidad no ocurría nada, no aparecía ningún monstruo ni ese tipo de cosas. Pero la sensación de amenaza era tan grande que resultaba asfixiante.

¿Por qué recordamos según qué sueños, según qué pesadillas y olvidamos otras? No tengo ni idea. Pero insisto en que ésta la recuerdo muy bien desde aquel lejano septiembre de 1977. Los colores, las sensaciones, el frío y el miedo que tenía. Nunca más he vuelto a soñarla. En realidad yo no tengo sueños recurrentes. Sí vuelvo a encontrarme con paisajes y escenarios más o menos constantes a lo largo de los años y los sueños. Pero no repito situaciones. Cada sueño es diferente. Unos buenos (los más) otros malos (los menos) pero nunca se repiten.

Bueh... ¿Por qué os cuento todo esto? Los que me conocéis ya sabéis que soy un pelmazo que no sabe presentar una película sin recurrir a la subjetividad más aberrante y ofensiva. Y reconozco que esto de contaros pesadillas absurdas que tenía cuando era un crío (y en las que además no pasaba nada) ya pasa de castaño oscuro y roza la chifladura… Pero es que al ver esta película reconocí en ella (lo juro!) aquella pesadilla mía de 1977. Algo inquietante de verdad, mes amis. De hecho, quizás sea esa la causa principal de mi enganche con esta peli, de mi absoluta y subjetiva rendición. Es como si con aquel sueño el crío de once años que yo era hubiese adivinado el escenario, el paisaje, el espíritu, la atmósfera extraña y fría de esta cinta (que sí, que había sido rodada y estrenada unos cuatro años antes. Pero que yo no había visto en absoluto. De hecho, la primera vez que le eché el ojo fue hace apenas año y medio). Incluso el color y la textura de la fotografía, la curiosa frialdad del ambiente, la inquietud que producen las pinturas murales del chalet del padre de Arletty Long, las calles semivacías, la normalidad aparente pero llena de desazón. Todo me resultó familiar, ya conocido... No fue un Dèja-Vu de ésos, en absoluto. Fue, simplemente, que yo ya había estado allí. En septiembre de 1977 soñé que mi pueblo era Point Dune y que la Luna de Sangre se alzaba sobre un cielo rojo oscuro, casi negro en un atardecer interminable.

Pues eso. Avisados estáis de que (como me ocurre casi siempre… Esto empieza a ser preocupante. E insoportable) no voy a ser imparcial. Esta película me ha tocado algo por ahí adentro. No es que la haya hecho mía, es que siempre lo ha sido. Sin saberlo, sin tener noticia de ella, sin haberla visto nunca hasta hace relativamente poco tiempo la reconozco como parte de mí, como algo que ha estado ahí, al lado, toda mi vida. Al menos desde hace treinta y cuatro años (desde septiembre de 1977).

Bueh... Pues aclarado esto, vamos con la película, que es lo importante.

Messiah Of Evil (también conocida como Dead People) es, para mi indigente y subjetivísimo criterio, una auténtica joya, una pequeña obra maestra. Tan perfecta, inteligente, elegante, impecable, efectiva y original (sí, todo eso) que uno no entiende cómo no figura en las enciclopedias sobre el género como un auténtico clásico del Terror de los 70’s (cosa que, sin lugar a dudas, es; con todas las consecuencias).

Por contra (y para variar) la peli es bastante desconocida. En realidad, totalmente desconocida para buena parte del público (incluidos, y eso es más grave, los propios aficionados al cine de horror).

Algunas reseñas aquí y allá, comentarios (por lo general favorables) a pie de página en libros como American Gothic; El Cine de Terror USA 1968-1980 y encendidos elogios (aunque también breves) en libros tan entrañables e importantes como ese viejo clásico que es El Vampiro En El Cine, de David Pirie (que, de hecho, se cierra con una especie de elegía triste y resignada a esta peli, doliéndose de la escasa repercusión que había tenido, todavía reciente su estreno). Pero no mucho más.

Las razones son varias. En primer lugar, la película pasó casi desapercibida cuando se estrenó, en 1973. En un evidente paralelismo con otro gran clásico “oculto” (pero que el tiempo ha terminado reivindicando totalmente) como es The Wicker Man, el hecho de haber sido estrenada precisamente ese año la condenó de forma irremisible. En efecto, en 1973 llegó a las pantallas El Exorcista, lo que supuso algo así como un punto de inflexión en el género terrorífico. La película de Friedkin creó un auténtico subgénero; tras ella las pantallas de todo el mundo se vieron inundadas por un aluvión de posesiones demoníacas y satanismos varios. Las cintas que abordaban el terror desde otras premisas (y más, como era el caso de las dos citadas, si jugaban cartas tan originales como lo hacían ellas) fueron anegadas por la avalancha satanista. Su recorrido comercial (cuando lo hubo) fue, más que fugaz, casi inexistente. Se cayeron, literalmente, de las carteleras para dejar paso a las nuevas producciones.

Con semejante punto de partida, lo que vino después estaba cantado. A pesar de ser películas que daban sopas con honda a la mayor parte de sus contemporáneas (estamos hablando de Messiah Of Evil y de The Wicker Man), nadaban contra corriente. Esa invisibilidad inicial las condenó a una especie de limbo extraño, en el que nadie se acordaba de ellas por la sencilla razón de que prácticamente nadie las había conocido antes.

Messiah Of Evil se vio lastrada, además, por otras circunstancias. Su exiguo presupuesto, su condición de obra primeriza e independiente y hasta su mismo título parecían emparentarla con las producciones de serie sub-B que tanto menudeaban en la época (toda esa corriente de satanismo rural y comunitario del que algunas veces os he hablado y que no tiene nada que ver con El Exorcista y lo que éste desencadenó. Ni estética ni espiritualmente) y cuyo destino eran los autocines y salas de sesión doble en los barrios periféricos. Pero al no ser ni una cosa ni otra, quedó aislada en una tierra de nadie a la que ningún aficionado acudió a rescatarla durante muchos, muchos años.

Y eso que hubo modestos intentos de relanzarla (para amortizar la inversión, supongo) a lo largo de los años 70’s. Una de esas historias tristes que siempre consisten en lo mismo. Sucesivos reestrenos (siempre fallidos) con diferentes títulos, algunos sugerentes como Dead People o The Second Coming (éste para apuntarse a la desesperada a la moda “exorcista”, quizás), pero otros tan tramposos y falaces como The Return Of The Living Dead (ya a finales de la década, en un intento de beneficiarse del exitoso come-back de los zombis de Romero tras el estreno de su Dawn Of The Dead) o, directamente absurdos, como Deep Swamp (¿Qué coño querían decir con lo de Pantano Profundo?). Vanos esfuerzos por aprovechar modas diferentes, trampas a las que las distribuidoras han recurrido una y otra vez, intentando hacer pasar a ciertas películas por algo que no eran y tratando de colar gato por liebre (aunque en este caso, la mercancía era de primera... Bastante mejor que los subproductos exploit junto a los que se la empaquetaba).

Y, en el fondo, ese malditismo, esa jodida mala suerte que Messiah Of Evil tuvo, no deja de ser algo también extraño. Porque sus autores, la pareja formada por Willard Huyck y Gloria Katz, no eran unos indocumentados. Amigos de George Lucas desde sus días en la Facultad de Cine, fueron los guionistas de su entrañable (y absolutamente clásica) American Graffitti, e incluso posteriormente llegaron a participar en el guión de La Guerra De Las Galaxias y a colaborar con Spielberg en la segunda entrega de Indiana Jones. Vamos... que la pareja estaba en el sitio donde había que estar y conocía a la gente que había que conocer. Hasta el punto de que el propio Lucas encargó a Huyck la dirección de Howard The Duck (Howard, Un Nuevo Héroe), una apuesta que resultó fallida pero que demuestra hasta qué punto Willard y su esposa formaban parte de la elite más celebrada del Hollywood de la época. Así que con esos mimbres, no deja de resultar algo raro que su ópera prima (de la que no tenían por qué sentirse avergonzados. En absoluto) no fuera reivindicada antes. También es cierto que Huyck no tuvo una carrera prolífica y que las escasas películas que dirigió aparte de las reseñadas no fueron, precisamente, obras de arte.

Por otra parte, tampoco el reparto está compuesto por absolutos desconocidos. Michael Greer y Marianna Hill, la pareja protagonista, sin ser unas estrellas mantuvieron una carrera más o menos constante desde los años 60 hasta los 80 (bien es verdad que sobre todo en TV). Lejos de encasillarse en el género, sus apariciones son bastante heterogéneas. Anitra Ford es una vieja conocida nuestra; especialista en entrañables series B como Invassion Of Bee Girls, también terminó en el medio televisivo. La rubia y pizpireta Joy Bang (qué pedazo de nombre, vivediós!!) tuvo su humildísimo momento de gloria entre finales de los 60’s y principios de los 70’s, llegando a ser medio novia del genial chiflado Keith Moon (batería de los Who), aunque abandonó la interpretación a mediados de la década y desde entonces nunca más se ha sabido de ella (salvo que se dedicó a trabajar como enfermera. Su auténtica vocación). En cuanto a Royal Dano o el magnífico Elisha Cook Jr, ¿Qué puedo decir? Eran excelentes secundarios, verdaderos y eficaces todoterreno, que lo mismo hacían un western que una comedia o una de gángsteres y que tuvieron carreras muy largas (iniciadas en plenos años 50 en el caso del primero y en los mismísimos 30 en el del viejo Cook).

Sea como fuere, el caso es que hasta hace relativamente poco la peli no fue debidamente reivindicada. Me consta que se editó en VHS en USA durante los 80’s (y quizás en algún otro sitio). Y que luego conoció un par de ediciones en DVD absolutamente infames (como ripeos de VHS mal hechos). Fue por entonces cuando los aficionados comenzaron a tener acceso a ella, a valorarla y a defender su condición de auténtica joya, como dan fe algunos comentarios y reseñas que pueden encontrarse en internet. Por fin, el año pasado, Code Red realizó una reedición en condiciones para Zona-1 (USA), en un DVD decente que incluye extras (entrevistas, cortometrajes de Huyck y Katz, etc) y en la que película fue restaurada y remontada por los autores (algo así como el Director’s Cut, incluyendo metraje adicional). De ahí ha salido este ripeo.

La edición venía sin subs de ninguna clase, y no me quedó otra que hacerlos ex-profeso. Cuando ya los tenía terminados, descubrí que nuestros primos franceses habían editado también un DVD bastante potable con la versión original, la “Theatrical”, la de toda la vida, que incluía subtítulos en gabacho. Si lo llego a saber antes, me habría ahorrado un trabajo de chinos. Pero bueh... Ya estaba hecho. Y, al menos, aproveché la edición francesa para repasar los diálogos y comprobar que mi traducción “de oído” no era intolerablemente mentirosa, ejem.

Así que allá va nuestro particular granito de arena (lo de nuestro lo digo por mí y por vosotros... o eso espero), mes amis, y a ver si entre todos la convertimos por fin en el clásico que siempre mereció ser.

Como he avisado antes (y como me pasa casi siempre) no voy a ser imparcial. Así que todo lo que os cuente tenéis que ponerlo en cuarentena para no crearos demasiadas expectativas (y, de paso, perdonar a este pobre viejo que se deja llevar con excesiva frecuencia por sus bajas pasiones).

Messiah Of Evil es una película rara en varios sentidos. Y todos positivos. Realizada durante la primera mitad de los 70’s, tiene débitos e influencias de muchas cosas anteriores y, al mismo tiempo, es tremendamente original. Mantiene cierta conexión con esa corriente de satanismo hillbilly del que os he hablado alguna vez, sí... pero con muchos matices. Tantos como para terminar siendo, en realidad, algo muy diferente. Es cierto que maneja elementos comunes, como la comunidad pequeña, cerrada, amenazadora y hostil hacia el protagonista recién llegado y fuera de lugar. Pero, siendo sinceros, ahí acaba el parentesco. Messiah Of Evil cuenta una historia diferente y, sobre todo, la cuenta de una forma distinta.

Cuando se habla de la influencia de Lovecraft y su obra en el cine se nombran siempre ciertas películas pero nunca, que yo sepa, se cita ésta. Y a fe mía que Messiah Of Evil es, en muchos sentidos, puritito Lovecraft. Bastante más lovecraftiana que algunas de las supuestas adaptaciones de sus historias. Como ya he dicho, no hay satanismos aquí, ni adoradores del diablo, ni nada parecido. Hay cosas más oscuras e indefinidas. En algún momento se habla de una nueva religión, y en otro se alude a los dioses antiguos... Todo eso de la Luna de Sangre (Blood Red Moon) y el Segundo Advenimiento del Forastero Oscuro (Dark Stranger), que surgirá del mar y al que los habitantes de Point Dune esperan durante las noches encendiendo hogueras en las playas, remite a los relatos del viejo Howard Phillips. Y no sólo a él. Hay ecos de ese panteísmo pagano (y terrorífico) que cultivaron a principios del siglo XX autores como Arthur Machen y Algernoon Blackwood. Y también de esa oscuridad opresiva y siniestra, de ese provincianismo hostil, de ese ruralismo degenerado y maléfico que gente como Nathaniel Hawthorne plasmó en algunos de sus cuentos y novelas en el siglo XIX. O del horror crudo, áspero, demoledor de los mejores relatos de Ambrose Bierce.

Pero también hay (y esto es muy importante) conexiones con la historia americana. Con su intrahistoria, mejor dicho... con esa “historia menuda”, “semifantástica”, que vive en la memoria popular, construida a base de viejas leyendas, hechos reales más o menos deformados (cuanto más trágicos y truculentos, mejor) y mentiras evidentes y que existe allí de la misma forma que lo hace en todos los países y culturas del mundo. En este caso, el referente es la famosa Expedición Donner (o Partida de Donner).

Para los que no hayáis oído hablar de ella, os voy a contar sucintamente de qué se trata (entre otras cosas porque es importante saberlo para entender algunas cosas de la película... O, mejor dicho, para seguir sin entenderlas pero saber, al menos, de qué están hablando. Y establecer ciertas conexiones, jejejeje):

En 1846 una caravana formada por varias familias de granjeros (mujeres y niños incluídos) y dirigida (o algo parecido) por dos colonos llamados Donner y Reed, decidió emigrar desde el Este hacia California, atravesando los desiertos y sierras que se extendían entre las fronteras occidentales de los Estados Unidos (que sólo llegaban hasta lo que ahora sería el Mid-West. A partir de ahí y hasta la costa californiana, se abría un inmenso vacío de cientos de miles de kilómetros cuadrados, teóricamente bajo soberanía mexicana, compuesto por desiertos, montañas, bosques y praderas y, salvo en el extremo sur –actuales Texas y Nuevo México-, prácticamente deshabitado) y la costa del Pacífico. La típica historia a la que tan acostumbrados estamos por haberla visto en infinidad de películas del Oeste. Como ocurrió miles de veces (antes y después) la caravana encontró muchas dificultades en el camino, aunque en este caso se volvieron especialmente graves al desencadenarse una ola de frío (con tremendas nevadas) que la sorprendió atravesando Sierra Nevada (una parte de las Rocosas). El frío y las tormentas de nieve y hielo mataron al ganado de carne y tiro. Los pioneros tuvieron que refugiarse en cuevas, totalmente aislados y sin posibilidad de establecer contacto ni con su base de partida ni con su todavía lejano destino. Durante aquel crudísimo invierno no pudieron moverse ni un paso, agotando sus provisiones y siendo víctimas de enfermedades y todo tipo de penalidades. De los casi 100 miembros originales, sólo sobrevivieron la mitad, que fueron finalmente rescatados en la primavera de 1847 por una partida proveniente de California. Los supervivientes fueron tratados como héroes y, establecidos en varias zonas del estado occidental, tuvieron unas vidas relativamente prósperas. Un final feliz.

Pero lo que ha hecho que la Expedición Donner figure en el imaginario popular americano es algo que sólo se supo un tiempo después: los que sobrevivieron durante aquellos meses de invierno lo hicieron devorando los cadáveres de sus compañeros muertos por frío o enfermedad. El agotamiento de las provisiones y la absoluta imposibilidad de conseguir otras había obligado a los supervivientes a practicar el canibalismo.

Os suena ¿Verdad?

Ha ocurrido más veces. Ésa no fue ni la primera ni la última.

Pero a partir de entonces la Expedición Donner adquirió un carácter legendario, entreverado de imágenes truculentas y connotaciones siniestras y pasó a formar parte de esa “historia maldita”, esa historia oculta, menuda, de los Estados Unidos que poco a poco va convirtiéndose en leyenda, en patrimonio de la memoria popular y es progresivamente transmitida, asumida y deformada en una especie de sucedáneo de la antigua tradición oral (insisto... En todos los países pasa lo mismo. Lo que ocurre es que USA, por su devenir histórico mucho más breve, ha de recurrir a elementos más recientes, más modernos y, por decirlo de alguna forma, menos fantásticos).

Bueh... Pues eso fue la Expedición (o Partida de) Donner. Lo que los yanquis llaman The Donner Party.

Y, como curiosidad, señalar que hay, al menos, otra película aparte de ésta en la que sale a relucir con implicaciones igualmente oscuras y pseudofantásticas. Se trata de esa curiosa mezcla entre el Western y el cine de terror que se titula Ravenous, que tuvo peores críticas de las que, en mi humilde opinión, merecía y que algún día habrá que reivindicar también, aunque sea con menos entusiasmo. Pero vaya... Ésa es otra historia...

En la película sólo nombran la Expedición Donner una vez, pero insisto en que creo que es importante saber de qué se trata para (no) entender algunas cosas. Y lo de “no entender” es literal, mes amis, no estoy haciendo un chiste. Messiah Of Evil es, ya os lo he dicho, una película rara en todos los (buenos) sentidos, incluyendo la historia que nos cuenta y la forma de hacerlo. Entendedme, no recurre a experimentalismos ni nada parecido, de hecho es bastante convencional desde el punto de vista narrativo. Pero sí es cierto que toda la cinta tiene un aire onírico tremendo, como si los autores filmasen una pesadilla.

Sí... Eso es... De eso se trata en realidad. Messiah Of Evil nos cuenta una pesadilla. Desde las imágenes iniciales (que parecen no guardar ninguna relación con el resto) hasta el mismo final, todo es como un mal sueño, horrible, agobiante.

A despecho de lo que alguno podría pensar, no es un problema de guión. El guión (o eso me parece a mí) está bien como está y cuenta lo que quiere contar. Las situaciones e imágenes que evocan un mal sueño se suceden una tras otra (la llegada de Arletty a la gasolinera y la irrupción del negro albino, los dependientes de la galería de arte, el viejo borracho contando la extraña historia de la Luna de Sangre en el motel Seven Seas a Tom y sus compañeras, la misma presencia de éstos y su indefinida relación, la decoración de la casa del padre de Arletty, las abracadabrantes escenas en el supermercado y el cine, la odisea de Tom por las calles de Point Dune en plena noche, la aparición de la patrulla policial). Respetando las convenciones narrativas y sin caer en experimentalismos, la película nos va sumergiendo, cada vez más profundamente, en una sensación de absoluta pesadilla. Las incoherencias, los cabos sueltos, las aparentes contradicciones, la falta de explicaciones, la indefinición en los personajes, el uso de la iluminación y el color, la planificación de las escenas, todo funciona en el mismo sentido y termina apoderándose de nosotros, llevándonos a donde los autores querían llevarnos.

Insisto, yo creo que los supuestos fallos de guión (de los que alguien ha acusado a Huyck y Katz) no son tales... Son parte de una estrategia consciente, encaminada a dotar de un aire surrealista, onírico a toda la película. Y lo consiguen, desde luego.

Por supuesto que, a pesar de su originalidad, la película no nace por generación espontánea y tiene un montón de débitos con cosas anteriores. Pero de ahí a asegurar (como he leído en algún sitio; en este internete de nuestros pecados) que es una especie de remake de Carnival Of Souls o una mera exploitation de The Night Of The Living Dead va un abismo. Es cierto que algo de esas dos películas hay en ésta. Pero menos de lo que parece. De la primera toma el aire onírico del que ya hemos hablado, la indefinición, la contención (dentro de un orden y de una forma bastante libre). De la segunda (también con sus débitos a la anterior, por cierto) coge alguna cosilla más y con mayor concreción, aunque no voy a extenderme en ello para no destripar nada.

Pero no sólo de esas dos cintas aprovecha referencias, mes amis. Ya antes he hablado de la tenue relación que puede guardar con ese subgénero del satanismo hillbilly (la más forzada, la menos importante, que conste). Y ahora me gustaría señalar una nueva influencia, bastante más curiosa, inesperada e importante: la del cine de Terror europeo continental de la época (finales de los 60’s y principios de los 70’s), sobre todo del giallo italiano. Efectivamente, hay un “no sé qué” impreciso y etéreo que relaciona esta película con el subgénero “amarillo” que en Italia (y no sólo allí) conocía su edad dorada. No es la historia, ni la línea argumental, es otra cosa. El espíritu, la estética. La forma de planificar algunas escenas, el prurito pop-art que late en buena parte de la película, la visión de las calles vacías durante la noche mientras los escaparates están iluminados y los tubos de neón parpadean, los murales que decoran las habitaciones de la casa del padre de Arletty, la frialdad “ambiental” y “anímica”, el uso de la iluminación y de los colores (azules, rojos). Cosas así. Incluso la caracterización de los personajes, su aparente inconsistencia (poco sabemos de ellos. Poco se nos cuenta sino es en cuatro brochazos) guarda relación con el giallo. Coñe... Si hasta el propio Tom, con su traje chaleco blanco y su sombrero de ala ancha parece recién salido de una película italiana: Y, para que no queden dudas, el personaje ni siquiera es realmente americano. Es de origen portugués (o español... no queda claro del todo). En cualquier caso, europeo continental... Yo creo que esos detalles aparentemente menores son un guiño, una confesión evidente de esas influencias que he apuntado. Pero bueh... Ya saben voacés que mis teorías, más que peregrinas, suelen ser directamente disparatadas.

¿Qué les parece a vuesas mercedes? Una película con influencias y resabios de Howard Phillips Lovecraft y otros autores de terror heterodoxo (Machen, Blackwood, Hawthorne, Bierce), que recurre a motivos de la tradición histórico-legendaria de Estados Unidos, que maneja además elementos de títulos tan característicos como Carnival Of Souls o The Night Of The Living Dead, que va a contracorriente de su tiempo y su lugar, que no sabemos con certeza si es de zombies o de vampiros y que hasta entronca, en espíritu y estética (las opiniones son libres) con el Giallo italiano y todo ese rollete europeo de principios de los 70’s. ¿A que suena raro y sugerente? Pues todo eso (y mucho más) es esta maravillosa Messiah Of Evil que me tiene deslumbrado y que espero que a voacés les guste siquiera sea una décima parte de lo que me gusta a mí.

En cuanto a la versión de la que está sacado este ripeo, ya he comentado que se trata de la reciente edición de Code Red en USA y que pretende ser la versión definitiva y completa, el Director’s Cut, con un montaje ligeramente diferente al que se estrenó en su día y el metraje ampliado en unos minutos.

No obstante, quiero señalar que esta versión definitiva, a pesar de haber completado y mejorado la película, ha eliminado un detalle de la original que, al menos a mí, me parecía muy acertado.

Hablo de la escena inicial, con la que se abre la peli. Ésa en la que un hombre corre por las calles vacías en medio de la noche, huyendo de algo que no sabemos qué es. En esta versión “del director” la escena aparece tal cual, con el sonido ambiente y sin ningún tipo de música de fondo. En cambio, cuando se estrenó en su día, esa escena tenía un fondo musical. Y no era un motivo circunstancial o de creación de ambiente, nada de eso. Sonaba una canción titulada Hold On To Love, compuesta por una tal Eliane Tortel y cantada por otra (para mí) desconocida llamada Raun McKinnon. Es una canción rara (para variar), con cierto aire retro a lo años 30, dramática y afectada. Una canción de amor orquestada e intensa, pasada de moda, que no pega en absoluto con las imágenes ni con el resto de la película pero que, precisamente por eso, ayuda a incrementar todavía más la sensación de extrañeza casi surrealista, de absoluta pesadilla que tiene toda la cinta.

Tan curioso me parecía el efecto que no he podido evitar la tentación de ripear del DVD francés la escena (exclusivamente eso… La escena inicial) y colgarla también, como una especie de extra, para que puedan voacés comparar y comprobar si tengo o no razón.

Y nada más, mes amis.

El ripeo lo he hecho yo mismo del DVD americano. Los subs (ya lo he comentado) también los elaboré yo, y “de oído”, para hacerlo más difícil. Como he advertido en otras ocasiones, intento respetar escrupulosamente el sentido de las frases y diálogos, pero evito en lo posible la excesiva literalidad.

El archivo pesa bastante (casi 1,5 Gb), va dividido en 15 partes con File Splitter & Joiner. El decimosexto enlace es el de los subtítulos. Y, como ya he comentado, añado un último enlace (el 17º) para que puedan descargar la escena inicial tal como aparece en la película original, la estrenada en su día, en la que suena la extraña canción que fue suprimida en el Director’s Cut.

Pues eso, que voacés disfruten esta peli siquiera sea la centésima parte de lo que la he disfrutado yo.

Felices pesadillas, mes amis.

Links descarga

Película:

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Subtítulos:

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Escena inicial alternativa (Versión original. Con música):

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The Legend Of Hell House (UK 1973) V.O.S.E.

2011-09-30T18:09:00.011+02:00

Sinopsis:

La Casa Belasco es una enorme mansión construida a principios del siglo XIX por el excéntrico y depravado millonario que le ha dado el nombre. El edificio arrastra, desde la desaparición de su antiguo propietario, la terrible fama de estar encantada, hasta el punto de que varios intentos de acabar con su mala reputación han terminado de forma trágica. El nuevo propietario está decidido a volver a intentarlo y para ello contrata a un equipo formado por dos médiums y un físico especializado en campos de energía. Los tres, junto a la esposa de este último, deben pasar una semana en la casa y desentrañar el misterio.

Ficha Técnica

Director: John Hough / Productora: Academy Pictures Corporation / Guión: Richard Matheson (basado en su novela Hell House) / Fotografía: Alan Hume / Música: Derbyshire y Brian Hodson / Montaje: Geoffrey Foot / Intérpretes: Pamela Franklin, Roddy McDowall, Clive Revill, Gayle Hunnicutt, Roland Culver, Peter Bowles, Michael Gough / Nacionalidad y año: Reino Unido 1973 / Duración y datos técnicos: 95 min. Color. DVDRip. Versión original en inglés con subtítulos en archivo aparte.

Comentario

Decir que The Legend Of Hell House es una de las mejores películas de casas encantadas que he visto nunca puede sonar a una de mis típicas exageraciones a la hora de presentar un posteo. Sí... Ya sé... Soy incorregible, y este tipo de cosas sólo sirven para crear expectativas que, muchas veces, se ven defraudadas y, en consecuencia, ir reduciendo progresivamente la credibilidad de mis recomendaciones. Pero lo siento, mes amis. Soy así. Ya me vais conociendo. No lo puedo evitar.

Pues eso. The Legend Of Hell House es, ciertamente, una de las mejores películas de casas encantadas que he visto nunca. La mejor, de hecho, junto a The Haunting (Robert Wise 1963). Y lo digo con todas las consecuencias. LA MEJOR. Con todas las letras. Lejos, lejísimos de esos sucedáneos absolutamente inanes que en las últimas décadas (desde los años 90) ha perpetrado la industria a base de efectismos baratos, directores mongoloides, guiones escritos por críos de quince años (y dirigidos a chavales todavía más jóvenes, ejem), pésimas interpretaciones y los puñeteros, inevitables y omnipresentes efectos digitales que, a mí, me resultan más artificiosos que los dibujos animados de toda la vida.

Al contrario que en ésas, en The Legend Of Hell House las interpretaciones son excelentes (las de los cuatro intérpretes, porque no hay más… pero especialmente las de Roddy McDowall y la adorable Pamela Franklin, casi especializada en el género), la dirección es de una eficacia apabullante, los efectos especiales prácticamente innecesarios (pero resultones, cuando hacen acto de presencia) y el guión un prodigio de sobriedad e inteligencia, que consigue meternos el miedo en el cuerpo a partir del momento en que el grupo protagonista cruza la puerta de la mansión (si no antes) y mantenernos en tensión y con los pelos de punta durante la hora y media que dura la peli. Claro que viniendo de la mano del genial Richard Matheson, la duda casi ofende. Por cierto que Matheson no hizo sino adaptar su propia novela de casi idéntico título, publicada un par de años antes (en 1970 o 1971) y con una fidelidad casi pasmosa. El material era excelente, así que no hacía falta mucho esfuerzo (no obstante, seguro que si ahora le dedicasen un remake, serían capaces de crear la típica basura infográfica para público adolescente que se lleva en estos tiempos. No lo dudéis).

Yo vi esta peli con quince o dieciséis años, en el invierno de 1981-82, en la tele (la 2ª de TVE, el UHF que todavía se decía entonces) en un ciclo presentado por Chicho Ibáñez Serrador, titulado Mis Terrores Favoritos. Qué maravilloso programa fue aquel, coñe... Para un chaval como yo, aficionado desde temprano al terror cinematográfico y literario, era un auténtico regalo (la selección de pelis era espléndida. Al menos en esa primera temporada, que es la que yo vi). Y seguro que para cualquiera que pudiese verlo y lo recuerde habrá sido algo así como el inicio de su querencia, lo que despertó su interés en el género.

Uno habría jurado que el propio Chicho era el que seleccionaba las películas que se programaban, pero el día en que presentó ésta confesó que no la había visto nunca, y que albergaba serias dudas sobre su calidad (quizás el título le pareció demasiado tremendista). De hecho, escenificó la cosa “lavándose las manos”, literalmente… aunque en lugar de agua, utilizó sangre (o lo que por tal pasaba) en una de sus bromas de humor negro. Bueh… El caso es que a la semana siguiente, al volver a salir para presentar la peli de turno (ahora no recuerdo cuál era) volvió a mencionar la cosa y dijo que, pese a sus impresiones y comentarios referidos a La Leyenda De La Mansión Del Infierno, al haberla visto por fin (al mismo tiempo que nosotros, según él) la había encontrado verdaderamente buena, impecable, y que se retractaba de su prejuicios.

Yo no sé si don Narciso era realmente sincero o si todo formaba parte de una de sus particulares puestas en escena televisivas (en las que era un genio). Pero como fue os lo cuento. Al menos tal y como lo recuerdo (han pasado ya 30 años. Casi ná…).

Pero volviendo a la cinta, que es lo importante, me gustaría añadir algunas cosas más.

Su director, John Hough, había velado armas dirigiendo algunos episodios de la mítica serie británica Los Vengadores (cantera y pista de pruebas de algunos otros destacados realizadores y guionistas del Brit-Terror setentero, por cierto). Y, antes y después de esta peli, hizo cosas más que notables. Suyas son la interesantísima y hammeriana Twins Of Evil (Drácula Y Las Mellizas) y las producciones Disney Escape To Witch Mountain (La Montaña Embrujada) y su secuela Return To Witch Mountain (Los Pequeños Extraterrestre) que conocieron cierto éxito. En cualquier caso, no se prodigó demasiado en el género terrorífico, tocando, por así decir, varios palos. Unas veces con más acierto y otras (como en una de las secuelas de Un Hombre Llamado Caballo y algunas pelis más) con menos y alternando la pantalla grande con el medio televisivo. En cualquier caso, en The Legend Of Hell House estuvo sembrado, como suele decirse, y la película le salió absolutamente redonda, perfecta.

Curiosamente, cuando la película se estrenó alcanzó cierto éxito, hizo una respetable taquilla y tuvo un recorrido comercial normal. ¿Por qué comento esto como algo “curioso”? Pues porque en muchas ocasiones he hablado de esa especie de “crack”, de esa suerte de cesura que para el género terrorífico en general y para algunas películas concretas en particular supuso el estreno a finales de 1973 de El Exorcista. Y esta peli que ahora os presento es, precisamente, de ese año. No obstante, a diferencia de lo que les ocurrió a dos estrictas contemporáneas suyas como The Wicker Man o Messiah Of Evil (por citar dos joyas especialmente preciosas, dos auténticas películas-fetiche de este intratable sargento) a The Legend Of Hell House la cosa no le perjudicó demasiado. Ya digo, sin ser un boom de taquilla, tuvo su recorrido y su éxito.

¿Por qué unas sí y a otras no? No lo sé, la verdad... Las tres son espléndidos ejemplos de terror, obras espléndidas, redondas, auténticos clásicos del género. No obstante, y a modo de hipótesis, es posible que a favor de la cinta de Hough jugase un elemento que las otras dos no manejaban. A ver si sé explicarlo... Mientras que The Wicker Man y Messiah Of Evil son cintas difícilmente clasificables, que abordan historias de terror desde un punto de vista absolutamente original y novedoso, la historia que The Legend Of Hell House es más clara, más definida, más reconocible. Se trata de una peli de casa encantada strictu-sensu. No despista, no induce a equívocos. El eficaz tratamiento (y el excelente guión de Matheson) puede ser más o menos original, más o menos realista, pero no se permite ninguna alegría, ninguna indefinición. Da exactamente lo que promete. La gente que acudió a verla en su día al cine sabía lo que iba a ver (más o menos).

Bueh... Acabo de decir eso y tengo que matizarlo.Porque (no os riáis) lo cierto es que The Legend Of Hell House sí que hace trampas. Mejor dicho... hace una trampa, una sola. Sí, mes amis, hay un pequeño engaño ahí, un señuelo para atraer público, uno solo. Y ese señuelo, ese cebo tramposillo y mentiroso es el cartel elegido para su estreno (e, incluso, el propio título). Me explico: Observad otra vez el cartel de la peli, esa imagen tremendista de la calavera (con un globo ocular ocupando una de sus cuencas) sobre la casa maldita, mientras ésta chorrea sangre sobre una mano femenina. Todo muy tremebundo y horrible, muy espantoso, como de mucho miedo y mucha carnicería; muy poco sutil, la verdad. A cada uno os evocará una cosa, desde luego, pero seguro que, en general, todos coincidiréis en imaginar cierta truculencia visual, cierta explicitud sangrienta (no necesariamente gore). Pero nada más lejos de la realidad, mes amis. Porque la película elude radicalmente las explicitudes, las truculencias y hasta la sangre... No voy a decir que no sale ni una gota, porque alguna sí que sale (vamos... pero sólo dos o tres... Gotas, digo) y, desde luego, tampoco voy a destripar nada aclarándoos que en The Legend Of Hell House el Mal, la amenaza que anida en la casa y se cierne sobre los protagonistas, no necesita materializarse, ni adquirir forma, ni convertirse en un monstruo feo y malencarado con afición a destripar a nadie para dar muchísimo miedo. Lo mismo ocurre en esa otra inmensa película que es The Haunting (Robert Wise, 1963) y que junto a ésta forma el doblete de las, para mí, mejores cintas de casas encantadas del cine de terror moderno. Al fin y al cabo ¿Para qué diablos traicionar la historia, la atmósfera y, sobre todo, la inteligencia del público, dando forma física a algo que no la necesita para nada? A ver si aprenden de ellas los subdesarrollados mentales que dominan la industria en la actualidad y que son incapaces de hacer una película de terror fantástico sin meter, aunque sea con calzador, un monstruo o fantasma hecho con esa especie de dibujos animados sin gracia que llaman “efectos digitales”.

Y antes de terminar quiero añadir dos cosas más. La primera tiene poca relación con lo estrictamente cinematográfico; es, simplemente, otra de mis chifladuras sin importancia. Se trata del nombre del antiguo propietario de la casa, y de la casa en sí. Un tal Emerich Belasco (la mansión se conoce como Casa Belasco). Nombre castizo e hispánico donde los haya, vivediós (aunque en el listín telefónico aparece muchas más veces con V que con B, ejem). Bien... Cualquiera pensaría que el tío Emerich era de origen español o asimilable. Si bien en la peli no hacen alusión a ello en ningún momento en la novela Matheson presenta al individuo (y a su apellido) como de origen magiar. Húngaros, vaya...

Es posible que el apellido exista en Hungría y que sea una coincidencia, pura homofonía (como, por ejemplo, Bela-Vela. De hecho, hay una cineasta francesa de origen húngaro que se llama Josianne Balasko, o algo parecido). Pero como que no puedo evitar mencionar la cosa... Siempre me ha hecho gracia eso de que en algunas pelis anglosajonas asignen a apellidos claramente españoles (ahora mismo recuerdo Manero, Balboa o Vega, todos procedentes de pelis muuuuy famosas) un origen muy distinto del que les corresponde (italiano en esos tres casos. Pero hay más ejemplos). Quizás en este caso no se trata de eso, sino, ya lo he dicho, de una simple cuestión de homofonía. Pero bueh... no puedo evitar nombrarlo.

La segunda es un detalle con su punto mitómano. Como ya os he dicho, en esta película apenas salen cuatro actores, los componentes del equipo investigador en la mansión encantada (Roddy McDowall, Pamela Franklin, Clive Revill y Gayle Hunnicutt). Aparte de ellos también aparecen un par de personajes, al principio (el actual propietario de la casa, que les encarga el trabajo, encarnado por Roland Culver, y una especie de guardés al que da vida Peter Bowles) aunque éstos salen sólo un minuto o dos. Bueh... Pues además de esos seis, también hace una brevísima (y curiosa) aparición el entrañable Michael Gough, todo un icono del viejo Brit-Terror clásico, con su aspecto de gentleman impecable, tan apropiado para protagonizar una novela de Wodehouse como para encarnar una especie de réplica británica a Vincent Price. Esas cosas (lo de la aparición de Mr Gough, digo) siempre son detalles de agradecer, coñe.

Y nada más, maeses. Por esta vez ya está bien de rollo.

Sólo insistir en lo que les dije al principio. Para mí (y junto a The Haunting) ésta es la mejor película de casas encantadas que he visto nunca. En serio.

Que voacés disfruten de la peli tanto como lo he hecho yo

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Película:

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Subtítulos:

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Captain Kronos, Vampire Hunter (UK 1972) [Hammer] V.O.S.E.

2011-09-29T19:57:00.009+02:00

sinopsis:

El lugar: una comarca centroeuropea germanófona (o eso parece). El tiempo: algún momento indeterminado de la segunda mitad del siglo XVIII. Una serie de extrañas muertes en las que las víctimas aparecen sin una gota de sangre y con un aspecto horriblemente envejecido (a pesar de ser jóvenes) hace que el doctor Marcus, médico local, requiera la presencia de su antiguo conmilitón Kronos, y su ayudante, el jorobado profesor Grost.

El capitán Kronos (ducho en el arte de la esgrima y veterano del Ejército Imperial) y el profesor Grost no son médicos, ni detectives, ni policías... Son una especie de equivalente (en su época) a las actuales empresas de desratización y desinfección.
Son cazadores de vampiros...

Ficha Técnica

Director: Brian Clemens / Productora: Hammer Films. / Guión: Brian Clemens / Fotografía: Ian Wilson / Música: Laurie Johnson / Montaje: James Needs / Intérpretes: Horst Janson, John Cater, Caroline Munro, John Carson, Wanda Ventham, Shane Briant, Lois Dane, Ian Hendry, William Hobs, Brian Tully, Robert James, Perry Soblosky, Paul Greenwood, Lisa Collins, Susana East, John Hollis, Elisabeth Dear / Nacionalidad y año: Reino Unido 1972 / Duración y datos técnicos: 91 min. Color DVDRip. Versión original en inglés con subtítulos en español en archivo aparte.

Comentario

A principios de los 70’s el género terrorífico estaba cambiando a toda velocidad. La vieja escuela británica, con sus resabios góticos y su estética clasicista y elegantona se hacía a un lado para dejar paso a una nueva tendencia, mucho más explícita y truculenta. Había que buscar nuevos lenguajes, nuevos recursos, nuevas ideas para seguir provocando esa misma sensación de “agradable y reconfortante” escalofrío en las jóvenes generaciones de espectadores, muy diferentes de sus hermanos mayores en cuanto a gustos y exigencias. Para lograrlo, las películas de terror cada vez recurrían más al tremendismo visual (pre-gore) y, tangencialmente, a un erotismo menos elusivo, más explícito (dentro de un orden). Los argumentos abandonaban los motivos sobrenaturales y “de época” para ofrecer ambientaciones contemporáneas y horrores más realistas, mientras la carga erótica (que siempre había estado ahí, ojo... aunque de forma más elusiva) se dejaba de sutilezas y empezaba a recurrir al menudeo de desnudos femeninos (benditos sean, por lo demas, ejem).

Efectivamente, los protagonistas de las cintas de terror de principios de los 70’s ya no son criaturas fantásticas como vampiros, o fantasmas... Son monstruos humanos, de carne y hueso, asesinos psicópatas, familias disfuncionales y enloquecidas, sádicos amorales, gente con problemas psicológicos. En realidad, el cambio de rumbo comienza a detectarse a finales de los 60’s. Cosas como Horror House, Twisted Nerve o Corruption, aunque todavía se mueven “entre dos aguas”, prefiguran lo que va a venir. Pero ya en fecha tan temprana como 1970 se estrena la humilde (no por ello menos notable y eficaz) 10 Rillington Place (El Estrangulador De Rillington Place) en la que, pese a la ausencia de casquería y similares (no hay un gota de sangre en toda la película) ya está codificada buena parte del nuevo lenguaje. La estética feísta y sórdida, la atmósfera fría (esa especie de indiferencia moral), la aparente ausencia de emotividad.

La Hammer, que había conocido su época gloriosa entre 1958 y 1968, empezaba a estas alturas a mostrar ciertos síntomas de crisis (lo que no le impidió firmar, entre 1970 y 1971, auténticas obras maestras como Vampire Lovers, Dr Jeckill & Mrs Hyde o Blood On Mummy’s Tomb). Pero no de agotamiento... porque entre 1970 y su último vagido cinematográfico de 1976 demostró, al menos, una capacidad de esfuerzo, imaginación y riesgo que hace buenos hasta sus errores.

Así, fue capaz de darle una vuelta fabulosa al mito del Dr. Jeckill con la aparición de una (estupenda) señora Hyde. De recuperar la Carmilla de Le Fanu potenciando la cosa erótico-festiva-lésbica en su famosa trilogía Karnstein (de las tres películas, The Vampire Lovers es una absoluta maravilla se mire como se mire. Twins Of Evil aguanta perfectamente el tipo. Sólo Lust For A Vampire baja el listón). De enfocar los horrores del antiguo Egipto bajo el prisma de Stocker y del revival pagano, sin necesidad de recurrir a momias propiamente dichas con la espléndida Blood On The Mummy’s Tomb. De inventarse el Circo de los Vampiros (a medio camino entre Bradbury, los Rolling Stones de la época y los geeks del siglo XIX). De fundir los recursos y estéticas del gótico de toda la vida con el terror psicológico moderno en películas tan satisfactorias como Los Demonios De La Mente. De abordar el tema de Jack El Destripador desde un novedoso punto de vista (similar al apuntado para el Dr Jeckyll). De explicarnos, con detallado realismo británico y espíritu de película histórica, el curioso proceso por el cual se forman las leyendas (La Condesa Drácula). Joder.... ¡¡Hasta llegó a mezclar (gloria eterna le sea debida) los vampiros con las películas de chinos!! (Cuando en el cine de mi pueblo “estrenaron” Kung Fu Contra Los Siete Vampiros De Oro, en 1975, los críos de nueve años supimos que Dios existía y había escuchado, por fin, nuestras plegarias).

La Hammer le echó arrestos y, sobre todo, inventiva... buscando con todas sus fuerzas una salida novedosa que, al final, no la salvó de la crisis y de la muerte por agotamiento. Pero es esa misma búsqueda, ese afán lo que, en realidad, le honra. Y hace doblemente disfrutables las películas que la productora alumbró entre 1971 y 1976.

Captain Kronos Vampire Hunter es un ejemplo perfecto de todo lo que acaba de señalar. En este caso concreto, lo que se intentó hacer fue un atrevido crossover entre el género de Aventuras y Espadachines y el de Terror propiamente dicho.
No es una idea absolutamente original. Ya en los años 30 el escritor americano Robert E. Howard (el creador de Conan) imaginó al puritano y correoso Solomon Kane; una mezcla de Roundhead inglés y Veterano de la guerra de los Treinta Años que, en pleno siglo XVII, se dedica a exterminar monstruos, vampiros y abominaciones varias a golpe de espada y pistolón de yesca. Es evidente que al imaginar la figura del cazavampiros dieciochesco, Brian Clemens (director y guionista de la peli) tenía en mente los relatos de Howard sobre el puritano inglés. Pero eso no quita mérito a la peli ni a la figura del capitán Kronos, que evoca, además de al susodicho, al cowboy hierático y justiciero de los mejores spaghetti-westerns.

En efecto, otra de las influencias destacables de la película proviene, precisamente de ese subgénero italo-americano tan en boga a finales de los 60’s y principios de los 70’s (en serio… sólo hay que ver la peli para darse cuenta). Y no faltan tampoco elementos directamente sacados del cómic de aventuras fantásticas. De hecho, en uno de esos feed-backs que se dan en tantos campos, el propio Kronos llegó a protagonizar alguna aventura gráfica cuando la Hammer, ya a finales de su historia (y de la década) intentó jugar (con escaso éxito) en el campo de los tebeos.

El resultado es una película más correcta y eficaz de lo que a priori podría pensarse. Tremendamente simpática, para nada ridícula ni pretenciosa, y condenadamente entretenida. Hecha para ser disfrutada sin prejuicios (con cierta predisposición de nuestra parte, cierto… Pero de verdad que no cuesta ningún esfuerzo olvidarse de ellos), lo que no deja de ser inevitable en el 99% del género fantástico y de ciencia-ficción. Incluso tiene sus toques de humor (negrísimo, por cierto)… Y si no, echadle un vistazo a la chocante escena en que deben dar muerte al primer vampiro que atrapan, sometiéndolo a diferentes pruebas para saber cuál es el método apropiado para los de su especie, jejejeje.

Se nota la mano de Brian Clemens, experto y eficaz guionista con experiencia tanto televisiva (en la fabulosa serie Los Vengadores, por ejemplo) como cinematográfica. En efecto, suyos son los guiones de la magistral And Soon The Darkness (ya posteada aquí), la maravillosa The Golden Voyage Of Simbad o la notabilísima Dr Jeckyll & Sister Hyde. Como director firmó, además de la que ahora os presento, una película tan estimable como Blind Terror (Terror Ciego). Después volvió al medio televisivo en el que ha seguido hasta la actualidad.

Y, además, la cinta tiene otro punto a su favor que no puede ser pasado por alto: la presencia de la hermosísima y desarmante Caroline Munro, una de las actrices más condenadamente hermosas y mordisqueables de los años 70’s, vivediós.

Pero, por el contrario, también es cierto que no es precisamente la mejor película de la Hammer. Ni siquiera de las más redondas que produjo en esa época de decadencia. Uno de sus principales defectos, si no el mayor, está en las limitaciones interpretativas del protagonista. Horts Janson no es que sea hierático; es que parece un trozo de madera. He visto panes de pueblo con mayor capacidad expresiva que la cara de ese hombre; y el zumbido que hace un ventilador tiene más sentimiento que la dicción de este tío. Mandagüevos. Una cosa es la frialdad y el hieratismo de un Clint Eastwood en los spaghetti-westerns de Sergio Leone y otra la incapacidad de este hombre para hacernos creer que es un ser humano y no un buzón de correos.

También se resiente la peli de cierto ajuste presupuestario mayor del acostumbrado (la Hammer debía de estar apretándose el cinturón... al menos desde 1971), aunque en esto la productora tenía ya mucha experiencia y, como era habitual en ella, apenas se nota.

En cualquier caso, y pese a todas sus virtudes, su simpatía y su audacia, lo del crossover entre espadachines y vampiros fue un intento fallido (y eso que el final se pensó para dejar abierta la posibilidad de sucesivas continuaciones.De hecho, la Hammer llegó a manejar la posibilidad de crear algo parecido a una saga con el capitán Kronos como protagonista, lo que hubiese remarcado todavía más el parentesco antes aludido con el howardiano Solomon Kane y con el mundo del comic). Un camino truncado que no tuvo continuidad (Hay una expresión inglesa para eso... En Historia, digo. Sirve para referirse a una especie de experimentos sociales, económicos o culturales que, a pesar de haber tenido continuidad durante varios siglos y muchas generaciones, al final no han fructificado. No han dejado otra huella que la arqueológica... Por ejemplo, la domesticación de algunos animales –como la hiena-, o colonizaciones como la de Groenlandia por los noruegos entre los siglos XI y XIV. Algo así como Vía Muerta o Calle Sin Salida... Aunque me mataran ahora mismo no podría recordar la expresión... pero ése es el sentido).
Un camino truncado que no tuvo continuidad, digo.

O sí...

Porque películas relativamente recientes, de hace unos pocos años, como Van Helsing (abominable, por lo demás) o Solomon Kane recuperan totalmente esos planteamientos (espadas y sombreros de ala ancha contra chupasangres, vaya... Y duelos de esgrima si es posible...).

Y cosas como Blade o Underworld (por citar pseudo-sagas recientes, igual de abyectas y aberrantes que lsa anteriormente citadas) juegan con todo ese rollo de la “mística guerrera y combatiente” que ya está prefigurada claramente aquí...

Pues eso.

Que voacés disfruten de la peli como lo he hecho yo. Porque de eso se trata, mes amis. De disfrutarla.

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Película:

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Subtítulos:

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Let's Scare Jessica To Death (USA 1971) V.O.S.E.

2011-09-26T17:53:00.016+02:00

sinopsis:

Jessica es una mujer que, tras la muerte de su padre, ha sufrido una crisis mental tan grave como para tener que ser ingresada en un sanatorio psiquiátrico. Una vez recuperada y con sus miedos superados, decide, junto a su marido Duncan, abandonar Nueva York e iniciar una nueva vida en una granja de Nueva Inglaterra. Acompañados por su amigo Woody, se establecen en su nuevo hogar, un viejo caserón de madera construido en el siglo XIX, al que la gente de los alrededores conoce como Casa Bishop. Al llegar se encuentran con una joven “okupa”, una pelirroja llamada Emily, que se había establecido en el lugar pensando que la granja no tenía dueño y con la que congenian hasta el punto de permitir que siga vivienda con ellos, al menos durante un tiempo.

Los problemas empiezan cuando Jessica se da cuenta de que no está tan recuperada como creía. O, al menos, eso es lo que parece…

Ficha Técnica

Director: John D. Hancock / Productora: Paramount Pictures / Guión: John D. Hancock y Lee Calcheim / Fotografía:Robert M Baldwin / Música: Orville Stoeber / Montaje: Murray Solomon / Intérpretes: Zohra Lambert, Barton Heyman, Kevin O’Connor, Mariclare Costello, Alan Manson, Gretchen Corbett / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1971 / Duración y datos técnicos: 90 min. Color. DVDRip. Versión original en inglés con subtítulos en castellano.

Comentario

Todos habréis oído hablar del Gótico como género literario y cinematográfico (sí, ya sé que, además de eso, y sobre todo, es un estilo artístico desarrollado durante la Baja Edad Media y principios de la Moderna, ejem. Pero yo creo que nos entendemos, mes amis). Al respecto hay diferentes opiniones y (sobre todo últimamente) cada vez más indigencia y laxitud en la caracterización. Yo mismo, sin ir más lejos, he visto cómo se catalogaban de “góticas” cosas que no tenían nada que ver con el adjetivo. Desde las novelas de Stephen King hasta las sagas vampíricas de moda destinadas al público adolescente. Quien así hace está confundiendo el todo con la parte. Si bien es cierto (a grandes rasgos) que lo Gótico pertenece al género terrorífico, no todo lo terrorífico es gótico. No son términos sinónimos. Ni mucho menos.

No es cuestión de entrar ahora en definiciones, sobre todo porque aquí cada uno tiene su opinión, y la mía es igual de discutible que cualquier otra, pero conviene aclarar las cosas. Algún día habrá que abordar el tema y debatirlo en condiciones (civilizadamente, quiero decir, jejeje) pero vayan por delante unos ejemplos para dar una idea de lo que (yo creo) es el Gótico y deslindarlo de lo que no lo es.

El Drácula de Bram Stoker (la novela) no es gótico (mal que les pese a los que lo repiten, incansablemente, una y otra vez). El Drácula de Terence Fisher (la peli de la Hammer de 1958) sí es Gótico.

Melmoth El Errabundo, la novela de Maturin de 1840, es Gótico (quintaesencial, además). El Conde Magnus, de M.R. James no es gótico (a pesar de ser uno de los mejores relatos de terror de todos los tiempos).

La Maschera Del Demonio (la película de Mario Bava de 1960) es Gótico (pluscuamperfecto). El Viy (la cinta soviética de 1967), que se inspira en el mismo relato y con mayor fidelidad, no es gótico. Como no lo es el cuento original de Gogol al que las dos toman como base.

En literatura son góticos autores como el mencionado Maturin, Walpole, M.R. Lewis, Mary Shelley (aunque yo, su Frankenstein, no lo veo gótico... Cosas mías), Anne Radcliffe, etc. Parte de la producción de Poe podría considerarse gótica también (aunque otra, la mayor y más famosa, no tiene absolutamente nada que ver). Y lo mismo ocurre con gente como Hoffman, Dumas y otros.

Pero los autores de la segunda mitad del siglo XIX como Dickens, Le Fanu, Benson, Maupassant, M.R. James etc, no son góticos (con independencia de que, a veces, contengan elementos que si podrían guardar relación con el goticismo. Sobre todo Le Fanu). Y ya no digamos lo alejada que está de ese estilo gente como Ambrose Bierce, Arthur Machen, Algernoon Blackwood, Robert E Chambers... Por no hablar de Lovecraft (al que en algún sitio he visto citar, ya en el colmo del disparate, como gran gurú del género gótico. Lo dicho... Hay quien confunde el culo con las témporas).

Pues establecido esto (y os aseguro que sobre el tema escribiría un tocho insoportable. Soy un pelma) quiero hablar de un término que, aunque parezca guardar relación con lo anteriormente expuesto, en realidad no tiene nada que ver. Se trata de lo que se ha venido denominando AMERICAN GOTHIC.

La idea es, en sí misma, una contradicción. Estados Unidos no es un país con tradición gótica (ni literaria, ni arquitectónica, of course). América es un continente joven al que la civilización occidental llegó en pleno Renacimiento. Incluso cuando el género literario (la novela de terror) nació y tuvo su auge, entre finales del siglo XVIII y principios del XIX, los yanquis se mantuvieron algo apartados (con matices… Wieland O La Transformación es una obra seminal, pionera del género terrorífico en muchísimos aspectos). Poe, ya digo, tiene su puntico gotizante en algunos relatos, pero no puede considerarse un autor gótico. Lo mismo (pero corregido y aumentado) le pasa a Hawthorne. Washington Irving es el que, en cierto modo, más se acerca al modelo europeo... pero tampoco es un prototipo.

Curiosamente, en el cine suele achacarse a los norteamericanos la fijación del canon gótico con las producciones de la Universal, aunque yo albergo ciertas dudas... No tengo claro que el Dracula de Lugosi fuese una peli gótica strictu-sensu (aunque sí los Frankensteins de Whale), ni, desde luego, los diferentes hombres-lobo de los 40’s. La RKO sólo tocó el subgénero (desde mi discutible e indigente punto de vista) en Bedlam. Y poco más.

Las películas del ciclo Poe-Corman-Price (y algunas otras, desde The Undead hasta Twice Told Tales, por nombrar apenas dos) son finísimos ejemplos de Gótico cinematográfico, eso sí. Pero ojo: que sean películas góticas americanas no quiere decir que pertenezcan al American Gothic; en absoluto. De hecho no tienen nada que ver con él. Sí, ya sé que la cosa suena confusa, pero os lo puedo explicar. El American Gothic y el Gótico (literario, cinematográfico) son, más allá de la homofonía, dos cosas completamente diferentes, sin apenas punto de contacto (más allá de tratarse de subgéneros del terror)

En realidad el término American Gothic proviene de un cuadro pintado en 1932 por Grant Wood que todos conoceréis (incluso los que penséis que no) porque, de alguna forma, es algo así como un icono del siglo XX. Ya sabéis... Ése en el que aparece una pareja de granjeros mirando hieráticos al frente, plantados delante de su granja de madera (en la que se advierte, en el piso superior, una ventana de estilo neogótico victoriano... Quizás de ahí el título que Wood le dio a su obra. No sé.). Un cuadro a la vez costumbrista e inquietante. Naif y complejo al mismo tiempo.

¿En qué consiste en realidad el American Gothic cinematográfico? No lo tengo claro del todo. Hay quien usa el término simplemente como una acotación cronológica, designando con él a las películas norteamericanas de terror realizadas entre 1968 y 1980. Yo, humildemente, me apunto a otra acepción (no soy original, que conste...). Para mí el American Gothic sería un subgénero con ciertos elementos comunes más o menos claros. Películas yanquis realizadas, sí, entre finales de los 60’s y finales de los 70’s, ambientadas siempre en el medio rural, preferentemente en ese medio-Oeste arquetípico que en cierta imaginería es el corazón espiritual de los Estados Unidos. Un medio-Oeste conservador y religioso, de comunidades pequeñas y cerradas, granjas apacibles, tartas de arándanos puestas a enfriar en la ventana y atardeceres dorado de verano. Pero que, tras esa imagen de postal costumbrista, esconde secretos inconfesables y horribles. Una especie de contrafigura siniestra de los cuadros de Edward Hopper. Como si la depresión de los años 30 no hubiese terminado nunca y se hubiera enquistado en el alma de la gente creando algo negro y terrible. Como si detrás de ese escenario de granjas de madera, campos interminables de maíz o de trigo y vías de ferrocarril hubiese algo espantoso, sucio, inconcebible. Como si esos graneros pintados de rojo con entramado blanco que tan reconocibles nos resultan escondiesen monstruos informes, asesinos degenerados y salas de tortura chorreantes de sangre.

Por otra parte, he de decir que yo acepto la expresión American Gothic como término para definir ese subgénero. Que me gusta incluso, pero siempre reconociendo que no tiene absolutamente nada que ver con el gótico literario ni cinematográfico del que antes he hablado. Lo de American Gothic no deja de ser una convención, una especie de licencia poética, un nombre elegido para etiquetar un tipo de cine que no guarda ninguna relación con lo que siempre se ha entendido por gótico pero que resulta evocador y hasta epatante. No obstante, precisamente porque al manejarlo sabemos de qué estamos hablando y somos conscientes de la distancia y las diferencias (de la absoluta alienidad, más bien) me parece un término válido e incluso sugestivo.

Bueh... pues una vez largado semejante tocho, toca decir que Let’s Scare Jessica To Death, la peli que ahora os presento, es una de las obras seminales (casi casi inaugurales) de ese subgénero, ese American Gothic que os acabo de presentar.

Realizada en 1971 por John Hancock (un director que volvió a tocar el tema fantástico en algunas producciones para TV pero que ni fue demasiado prolífico ni ha vuelto ha firmar nada de especial relevancia) y protagonizada por actores que también desarrollaron casi toda su carrera en el medio televisivo, la película ha ido adquiriendo un status de culto casi desde el principio (por cierto, que en España o algún país latinoamericano se estrenó como La Maldición De Los Bishop. Pero nunca he visto un audio en castellano por ningún lado).

Ni la historia es excesivamente original, ni el lenguaje utilizado resulta revolucionario, ni, en su momento, supuso ningún punto de ruptura con nada. Pero, no obstante, Let’s Scare Jessica To Death es, con todos los honores, uno de los momentos culminantes (e inaugurales) del American Gothic. Con una vocación perfectamente clásica, con escaso presupuesto (como pasa casi siempre) y con una sobriedad y contención narrativa admirables, la peli es absolutamente eficaz. Inquietante, elusiva, desazonadora (Sí... Ya sé que siempre empleo los mismos adjetivos... Pero es que son los que van a este tipo de películas, mes amis), no necesita truculencias ni golpes de efecto para conseguir su objetivo: meternos miedo.

Aquí no hay sótanos oscuros, ni pasillos interminables, ni casas siniestras, ni paisajes desolados, ni demás lugares comunes. Los cementerios que aparecen al principio de la película no tienen ningún carácter ominoso (se nos muestran a plena luz del día... Son casi parques por los que pasear). La vieja granja de los Bishop es simplemente eso: una vieja granja de madera en medio de un paisaje singularmente hermoso, junto a un río y un lago, rodeada de bosques. La comunidad donde Jessica y su marido se establecen parece, a primera vista, un pueblecito apacible y acogedor en el que nunca pasa nada.

Pero esto es American Gothic, mes amis. Todos esos elementos son parte integrante y necesaria del subgénero. Y ahí entra en juego lo que antes os he explicado. Detrás de toda esa apariencia reconocible y tranquilizadora se esconde algo oscuro y jodido; algo horrible y amenazador. Nuestro viejo conocido El Mal (así, con mayúsculas, para que dé más miedo). En este caso se trata de un elemento claramente sobrenatural, una mezcla de fantasma clásico y vampiro... Aunque en otros ejemplos (otras películas) el Mal puede encarnarse en horrores perfectamente humanos. Lo importante es que esté ahí, oculto, escondido tras el paisaje, esperando su oportunidad para entrar en acción.

Y así ocurre en Let’s Scare Jessica To Death. Poco a poco, de forma casi imperceptible, todo lo que en un principio era normal y apacible va quitándose la máscara y ofreciendo un rostro siniestro, maligno. La granja se llena de sombras y viejos fantasmas. El paisaje deja de ser apacible y bucólico y pasa a ser amenazante. El pequeño villorrio se convierte en un sitio hostil y peligroso. Incluso el lago y los bosques, a plena luz del día, parecen esconder horrores inimaginables.

Y Emily, claro, deja de ser esa jipi simpática y pelirroja que canta canciones de amor y siempre está sonriendo para parecerse, cada vez más, a la chica de un viejo retrato decimonónico en tonos sepia...

Aunque, y eso es uno de los puntos característicos de esta película, en el fondo nunca sabremos si todo lo que ha ocurrido (lo que está pasando delante de nuestros ojos) es real o una pesadilla de la mente trastornada de Jessica. Porque, no lo olvidemos, la pobre moza acaba de salir de una crisis psiquiátrica muy grave en la que incluso ha llegado a estar internada en un centro especial...

El ripeo procede de un DVD americano. Los subs los he traducido yo mismo porque, aunque circulaban por Internet algunas traducciones, no terminaban de gustarme del todo (manías de viejo). En realidad ésa ha sido la principal razón para colgarla.

Como siempre he cortado la peli en varios archivos con el File Splitter & Joiner. Los subs van aparte.

Y nada más, mes amis. Que voacés disfruten de la peli.

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The Asphyx (UK 1972) V.O.S.E.

2011-09-26T17:44:00.016+02:00

Sinopsis:

Sir Hugo Cunningham es un científico prestigioso que vive en la Inglaterra victoriana. Viudo, padre de dos hijos y tutor de un joven adoptado, está a punto de casarse de nuevo. Aparte de eso, está llevando a cabo una curiosa investigación que puede tener trascendentales consecuencias.Mediante un sistema de su invención (que él denomina “imágenes en movimiento”) y que combina la fotografía y una especie de antecedente del cinematógrafo, ha registrado un extraño fenómeno: Al filmar o fotografiar a personas agonizantes, justo en el momento antes de morir, las placas reveladas muestran, junto a los enfermos, la presencia de una entidad etérea, indefinida, que él identifica con el Asphyx, el espíritu de la muerte.

Su vida, que hasta ese momento era dichosa y ordenada, sufre un giro trágico. Y la obsesión por controlar y dominar al Asphyx se hace enfermiza…

Ficha Técnica

Director: Peter Newbrool / Productora: Glendale Films. / Guión: Christina Beers, Lawrence Beers y Brian Comport / Fotografía: Freddie Young / Música: Bill McGuffie / Montaje: Maxine Julius / Intérpretes: Robert Stephens, Robert Powell, Jane Lapotaire, Alex Scott, Ralph Arliss, Fiona Walker, Terry Scully, John Lawrence, David Grey, Tony Caunter / Nacionalidad y año: Reino Unido 1972/ Duración y datos técnicos: 100 min. Color. Versión original en inglés con subtítulos en castellano.

Comentario

Sitúense vuesas mercedes en 1972. El terror británico, que hasta la fecha había sido totalmente hegemónico, había empezado a ceder el testigo a una nueva forma de hacer que era la americana. Estados Unidos había reaccionado (ya a finales de los 60’s empezó a hacerlo, en realidad) y era cuestión de tiempo que recuperase su preeminencia. En Europa el Gótico italiano era sólo un recuerdo, el Giallo estaba en pleno apogeo (aunque llevaba dentro de sí la célula cancerosa que iba a terminar provocando su muerte... Desde mi discutible e indigente punto de vista el Giallo era un subgénero con menos recorrido vital y artístico –así, a priori- que sus predecesores y contemporáneos... Otra cosa es que, por unas razones u otras, alargara su ciclo más de lo que su propia naturaleza hubiese hecho pensar), el Fantaterror español dominaba la escena eurotrash (aunque no todo eran obras menores, que conste) y, lo que es más importante, se había producido un evidente recambio generacional en el público. Los jóvenes consumidores de cine de terror de principios de los 70’s eran diferentes de sus hermanos mayores. Demandaban otras cosas, otras explicitudes, otras truculencias, otros escenarios y argumentos.

El estreno, en 1973, de El Exorcista acabó definitivamente con la primacía británica (y, por extensión, con la europea). Al mismo tiempo que la moda satánico-exorcista se adueñaba de las pantallas, la avalancha de splatters, slashers y demás cintas con toque gore terminó de condicionar los 70’s y fue recibida como agua de mayo por esas nuevas generaciones de espectadores a las que antes he aludido, ávidas de realismo sanguinolento y de ambientaciones rigurosamente contemporáneas.

Bueh... pues rodada precisamente en ese año, The Asphyx es, curiosamente, un ejemplo pluscuamperfecto de Brit-Terror al viejo estilo. Tanto que podría estar fechada, tranquilamente, seis o siete años antes sin ningún problema (bueh... tal vez hubiesen llamado un poco la atención los peinados de los protagonistas. Nada más). En eso recuerda muchísimo a aquellos intentos de la Tyburn tan estimables y encantadores (The Night Of The Ghoul o The Legend Of The Werewolf) , destellos tardíos del viejo hacer a cargo de la Tigon (The Creeping Flesh) o a algunas de las últimas propuestas de la propia Hammer.

Todo en The Asphyx evoca la época dorada del Brit Terror. La ambientación (excelente, como no podía ser menos) en plena era victoriana, la inclusión de elementos sobrenaturales, la desbordante imaginación, el cuidado de la fotografía, la música, la total ausencia de tremendismos visuales (en toda la película no aparece una sola gota de sangre... Ni falta que hace...), la suavidad en las formas y los lenguajes, la absoluta elegancia que la caracteriza. La dirección e interpretación son excelentes (o a mí me lo parecen) y el guión impecable. Es, en definitiva, una pequeña joya del terror británico que no desmerece en absoluto la vieja tradición y que resiste cualquier comparación con sus (por así decir) hermanas mayores.

La historia es muy original y el tratamiento que recibe de una eficacia admirable. La película engancha desde el principio, sin detenerse en morosidades ni recurrir a golpes de efecto o a giros inesperados. Todo discurre suave y ligero, como debe ser, contando una historia a medio camino entre el terror y esa ciencia-ficción de ambientación victoriana que ahora se ha dado en llamar steam-punk, pero que entronca directamente con la fantasía de algunos de los relatos de Julio Verne o de otros autores de la época bastante menos conocidos.

Por cierto, que el tal “Asphyx” o Asfyx del título, al que se nos presenta como una especie de genio o numen de la mitología griega (a medio camino entre una personificación del alma, la representación medieval de la Muerte -aunque sin guadaña- y un psicopompo algo extravagante), es absolutamente desconocido para mí. Jamás había oído hablar de él. No soy una autoridad en la materia (ni en ésa ni en ninguna, la verdad…) pero me da a mí que los guionistas de la película inventaron esa figura de la nada, que no hay ninguna antigüedad griega detrás, vaya... En cualquier caso, tanto da. El bichejo cumple con creces su cometido y la historia, como ya he dicho, es enormemente entretenida y eficaz.

La película conoció edición en España, en DVD, hace un par de años. Tengo por costumbre no colgar nunca ripeos de cintas editadas aquí, pero en este caso creo que el posteo está totalmente justificado, ya que ésta es una versión diferente de la que se publicó en nuestro país. Se trata, efectivamente, de una edición británica muy cuidadosa (de Odeon, en dos DVD’s) en la que se incluía el montaje original británico y el que se hizo para su estreno en USA. El que ahora os traigo es el de la versión íntegra, con un metraje más largo (unos diez minutos más). Además, la calidad de imagen es también muy superior a la de la edición española. Por supuesto, va en inglés original. Los subs los he hecho yo mismo.

Y nada más, mes amis. Por esta vez voy a ser breve (es un decir, ejem). Insistir en que se trata de una película tremendamente disfrutable, una auténtica joyica de la vieja escuela, de ésas que te hacen añorar (al menos a mí) las antiguas formas de hacer cine de terror, la elegancia, el buen gusto, el maravilloso respeto por el público que, desgraciadamente, escasea cada vez más en el género.

Que voacés la disfruten tanto como lo he hecho yo.

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Monster On The Campus (1958) (V.O.S.E.)

2011-06-17T23:56:00.004+02:00

sinopsis

En la universidad de Dunsfield, el profesor Donald Blake recibe de Madagascar un espécimen de celacanto, un pez que se creía extinguido desde hacía más de 50 millones de años. Poco después, el terror se apodera del campus. Un perro dócil parece rabioso, aparece una libélula gigante y tiene lugar un crimen salvaje...

Ficha Técnica

Director: Jack Arnold / Productor: Joseph Gershenson / Guión: David Duncan / Fotografía: Russell Metty / Montaje: Ted J. Kent / Intérpretes: Arthur Franz (Prof. Donald Blake), Joanna Moore (Madeline Howard), Judson Pratt (Teniente Mike Stevens), Nancy Walters (Sylvia Lockwood), Troy Donahue (Jimmy Flanders), Phil Harvey (Sargento Powell), Helen Westcott (Enfermera Molly Riordan), Alexander Lockwood (Profesor Gilbert Howard), Whit Bissell (Dr. Oliver Cole), Ross Elliott (Sargento Eddie Daniels),... / Nacionalidad y año: USA 1958 / Duración y datos técnicos: 77 min. b/n 1.37 : 1(V.O.S.E.)

Comentario

“Monster on the Campus” es uno de los títulos más flojos de Jack Arnold, no obstante ser un maestro del género fantástico.
El profesor Donald Blake (Arthur Franz) experimenta con un pez de un millón de años de edad; algo sale mal y el científico sufre una metamorfosis regresiva tras la que deviene un horrible y violento simio cuya única ambición parece ser destruir el máximo número de cosas.
Film de argumento pobre y grisácea puesta en escena, “Monster on the Campus” no es más que una aportación más al subgénero “hombre-convertido en-monstruo”, tan en boga en la época.
Tras haber encandilado con la pieza maestra de ese subgénero: “El increíble hombre menguante” (1957), Arnold debería haberse cuidado de no engrosar la lista de malas películas sobre el tema. No lo hizo; y ahí queda este pequeño engendro.

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Pass: arnold

Queen Of Outer Space (1958) (V.O.S.E.)

2011-06-17T23:14:00.002+02:00

sinopsis

Tres astronautas estadounidenses realizan, junto al profesor Konrad, una misión rutinaria cuando son atacados y desviados de su rumbo, estrellandose en el planeta Venus. Allí descubren que está habitado sólo por mujeres, que los toman prisioneros ya que la reina odia a todos los hombres y cree que son espías venidos para preparar una invasión.

Ficha Técnica

Director: Edward Bernds / Productor: Ben Schwalb / Guión: Charles Beaumont sobre una historia de Ben Hecht / Fotografía: William P. Whitley / Música: Marlin Skiles / Montaje: William Austin / Efectos especiales: Milt Rice, Jack Cosgrove(efectos visuales) / Intérpretes: Zsa Zsa Gabor (Talleah), Eric Fleming (Capt. Neal Patterson), Dave Willock (Teniente Mike Cruze), Laurie Mitchell (Reina Yllana), Lisa Davis (Motiya), Paul Birch (Profesor. Konrad), Patrick Waltz (Teniente Larry Turner), Barbara Darrow (Kaeel), Marilyn Buferd (Odeena),... / Nacionalidad y año: USA 1958 / Duración y datos técnicos: 80 min. color 2.35 : 1(V.O.S.E.)

Comentario

Como ya comentábamos en la reseña de “El planeta de las mujeres invasoras” (1966), en el cine, al igual que en la literatura, mitología,…, desde sus inicios ha existido un subgénero en el que aventureros, náufragos, astronautas,… Hombres en general, se encuentran con civilizaciones perdidas compuestas sólo por mujeres. Oportunidad para mostrar mujeres ligeritas de ropa y, en la mayoría de los casos, presentar un mensaje marcadamente machista ya que en casi todos los filmes se deja claro que la mujer sin el hombre no puede vivir.
Y este es un claro ejemplo de ello, ya que nuestros náufragos espaciales llegan a Venus (no podía ser otro, tenía que ser Venus) encontrándose con un planeta habitado sólo por mujeres ya que el hombre ha sido erradicado por ser sinónimo de dominación, violencia y belicismo. Aunque existe un grupo de subversivas que añoran la compañía masculina, y que ayudarán a nuestros protagonistas a derrocar el gobierno tiránico anti-hombres, para restablecer “el orden natural de las cosas”.
Así “Queen of outer space” podríamos considerarla como una fantasía sexual interestelar por dos razones: en primer lugar ya que el único planeta habitado del Sistema Solar, además de la tierra, está completamente lleno de preciosas mujeres en minifalda ansiosas (aunque sea en su fuero más interno) de hombres. Y, en segundo lugar, porque unos pocos astronautas muy machotes conseguirán cambiarlo todo y destruir su orden establecido, domándolas a fuerza de piropos y seducción.
La película es un pestiño desde el principio, con una historia absurda, a pesar de contar con unos escritores bastante competentes (el guionista Charles Beaumont escribiría los libretos para, entre otras “Night of the Eagle/Burn, Witch, Burn” (1961) y “The Masque of Red Death” (1964), además de varios episodios de “The Twilight Zone” (1959-63). La historia original correría a cargo del reputado guionista de Hollywood, autor de “Gunga Din” (1939), “Spellbound” (1945), “Notorious” (1946) y “Kiss of Death” (1947). Pero aquí se lucieron con este argumento tan demencial que, para colmo está escrito de una manera que roza el bajuneo y la chabacanería. Es increíble como unos astronautas a punto de ser ejecutados se muestren no sólo enteros e impávidos ante su próximo final, sino que se tiran todo el rato haciendo chistes malos y tirándoles los tejos a sus captoras. Infumable.
Sí, amigos. “Queen of Outer Space” es mala con avaricia. Con unos decorados cutres a más no poder (se nota que es de muy bajo presupuesto), unos efectos casi inexistentes (lo mejor las imágenes de archivo del lanzamiento) y que en verdad ha adquirido en algunos sitios el carácter de película de culto porque la protagoniza es la exuberante Zsa Zsa Gabor.
El director es Edward L. Bernds, (“The Bowery Boys Meet the Monsters” (1955), “Bowery to Bagdad” (1955), “Jungle Gents” (1956), “World Without End” (1956), “Spacemaster X-7” (1958), “Return of the Fly” (1959), “Valley of the Dragons” (1961), “The Three Stooges Meet Hercules” (1962) y “The Three Stooges in Orbit” (1962), que en este film se lució. Madre del amor hermoso!!!

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Pass: zsazsa

La Furia (1978) (Dual Español/Inglés+Subs) ("The Fury")

2011-05-31T15:05:00.003+02:00

sinopsis

El hijo de un agente del gobierno es secuestrado por sus poderes psíquicos. Su padre intentara recuperarlo a toda costa, descubriendo los planes de una agencia secreta del gobierno de los Estados Unidos que realiza peligrosos experimentos con el poder mental del muchacho.

Ficha Técnica

Director: Brian de Palma / Productor: Frank Yablans para 20th Century Fox / Guión: John Farris, según su propia novela / Fotografía: Richard H. Kline / Música: John Williams / Montaje: Paul Hirsch / Efectos especiales: Rick Baker, Greg Cannom (efectos de maquillaje), Frank Tuttle (supervisor de maquillajes) / Intérpretes: Kirk Douglas (Peter Sandza), John Cassavetes (Ben Childress), Carrie Snodgress (Hester), Charles Durning (Dr. Jim McKeever), Amy Irving (Gillian Bellaver), Fiona Lewis (Dra. Susan Charles), Andrew Stevens (Robin Sandza), Carol Eve Rossen (Dra. Ellen Lindstrom), William Finley (Raymond Dunwoodie), Dennos Franz (Bob, el policía), Daryl Hannah (Pam), Laura Innes, Rutanya Alda, Joyce Easton, Jane Lambert, Sam Laws, J. Patrick McNamara, Melody Thomas Scott, James Belushi / Nacionalidad y año: USA 1978 / Duración y datos técnicos: 116 min. color 1.85:1. (Dual Español/Inglés + Subs)

Comentario

No me gusta en exceso Brian de palma, y aunque esta película lleva subida bastante tiempo, siempre se me ha atragantado el comentario. Por ello, como en otras ocasiones, echo mano de una crítica que a mí parecer define bien el film. Para mí es una película más de las de sábado por la tarde-me aburro-a ver que echan en la tele.

Ah, un aviso: el comentario revela partes del argumento.

Después del gran éxito de Carrie, el siguiente proyecto que tomó en sus manos Brian De Palma fué "La Furia". Todo parecía indicar que se trataba de una elección más que adecuada - otra historia de adolescentes con poderes psíquicos; un buen reparto; el libreto basado en un best seller -. Pero lo cierto es que el guión de John Farris es tan abominable que no hay nada que De Palma pueda hacer para salvarlo. El dictamen final de La Furia se puede resumir en tres palabras: incoherente, ridículo y aburrido.

El libreto está plagado de problemas. El filme arranca con una no muy inspirada escena de acción, en donde Kirk Douglas se salva raspando del ataque de unos asesinos árabes (verdaderos, falsos... qué importa) contratados por Childress (John Cassavetes, en otra de sus clásicas interpretaciones estoicas) para quedarse con su hijo. Fast forward y nos encontramos ahora en Norteamérica, en donde Douglas ha contratado a un investigador idiota (cameo de William "Fantasma en el Paraíso" Finley) para rastrear a una de las alumnas de la Escuela Para Jovenes Dotados del Profesor X... no, perdón, el Instituto Paragon que regentea Childress. La chica es la ex Sra Spielberg Amy Irving, la que parece tener un vínculo síquico con el hijo de Douglas. Digo yo, ¿para qué contratar a un investigador privado si Douglas ya se encamaba con la secretaria del instituto?. Para colmo, a Douglas lo rastrean los hombres de Cassavetes, y el otrora astro debe salir corriendo de su hotel en calzoncillos, tomando de rehenes a una familia de viejos que viven en la zona. En el medio de todo esto, hay diálogos malísimos.

En realidad el problema principal de La Furia es el autor y libretista que está demasiado enamorado de su propia prosa y piensa que es brillante. Es una historia a la que había podarle un montón de pedazos, rearmarla con otro tono, y dársela a otro guionista más inteligente para que hiciera los diálogos desde cero. Durante el primer tercio, el filme no parece tomarse muy en serio a sí mismo y se despacha con algunas secuencias seudo cómicas que son bochornosas. En la mitad de la película, la historia cae en un sopor casi comatoso - se terminaron las ridiculeces, pero hay un montón de idas, venidas y charlas redundantes extremadamente aburridas -. Lo peor de todo es que estamos hablando de una película acerca de gente con poderes síquicos, y éstos recién aparecen sobre los 20 minutos finales (para una película interminable que dura una hora 50). En vez de centrarse en las intimidades del instituto, el libreto podría haber puesto el ojo sobre el entrenamiento / encierro de Robin... pero no lo hace. Y cuando por fin se acerca el final, es bastante lamentable. No sólo está mal orquestado, sino que tiene tensión cero. Recién en los últimos dos minutos hay un momento de shock... pero a esa altura la platea ya tiene el cerebro licuado.

La Furia es un filme terrible desde el momento que no cumple lo que promete. Se centra en sandeces, con malos diálogos y pésimas perfomances, y menosprecia totalmente la premisa de la historia - termina siendo un thriller mediocre con algunos toques fantásticos -. Hay un par de momentos en que De Palma logra escaparse del temible guión de John Farris, como cuando Amy Irving se conecta síquicamente a Andrew Stevens mientras le "succiona" la vida a la doctora del instituto, y por supuesto el final con un explosivo John Cassavetes al estilo de Scanners, Amos de la Muerte. Pero el resto resulta ser un bodrio letal e imposible de recomendar.

Autor: Alejandro Franco.
Fuente: Arlequín

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Pass: depalma

Excursion Dans la Lune (1908) (Muda)

2011-05-31T14:42:00.004+02:00

sinopsis

Un grupo de personajes discute la posibilidad de viajar a la Luna. Hacen construir una bala hueca, que es disparada a la boca del satélite, y una vez allí se echan la siesta, pero una copiosa nevada les induce a entrar en un cráter, llegando a una zona con setas gigantescas. Los selenitas le llevan ante su rey, quien hace que sus mujeres bailen para los visitantes, pero uno de ellos escapa con una muchacha. El rey monta en cólera, pero ellos rápidamente se embarcan en la bala y se arrojan desde un acantilado de regreso a la Tierra.

Ficha Técnica

Director: Segundo de Chomón / Productora: Pathé Frères / Guión: Segundo de Chomón / Fotografía: Segundo de Chomón / Diseño de producción: Vincent Lorant-Heilbronn / Efectos especiales: Segundo de Chomón / Supervisor: Ferdinand Zecca / Intérpretes: Desconocidos / Nacionalidad y año: Francia 1908 / Duración y datos técnicos: 7 min. B/N con tintados 1.33:1.

Comentario

Segundo Víctor Aurelio Chomón y Ruiz (17 de octubre de 1871 en Teruel - 2 de mayo 1929) fue un director pionero del cine español. Produjo varios cortometrajes en Francia, mientras trabajaba para Pathé Frères y ha sido comparado a Georges Méliès, debido a sus trucos de cámara frecuentes y las ilusiones ópticas. Todos recordaréis la simpática "El Hotel Eléctrico", ya posteada aquí.

Excursión dans la Lune fue rodada en 1908 por Segundo de Chomón y es un remake de "Un Viaje a La Luna" de Georges Méliès, basadas amabas en la obra de Julio Verne. Aunque, claro está, con el estilo inconfundible de De Chomón que gustaba de colorear sus películas, fotograma a fotograma, en distintos tonos, según los personajes y decorados.

Otra joya antediluviana que hay que ver sin prejuicios y con una sonrisa en la cara.

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Pass: segundo

Santo Contra La Invasión De Los marcianos (1966)

2011-05-27T10:35:00.006+02:00

sinopsis

Esta vez, el Enmascarado de Plata se enfrentará a una invasión marciana con maléficos planes para nuestro planeta, al que trata de reducir ante la escalada nuclear que amenaza al mundo.

Ficha Técnica

Alfredo B. Crevenna. Productor: Alfonso Rosas Priego para Producciones Cinematográficas, Películas Nacionales. Guión: Rafael García Travesí. Fotografía: Jorge Stahl Jr. Música: Antonio Díaz Conde. Montaje: Alfredo Rosas Priego. Diseño de producción: Francisco Marco Chillet. Intérpretes: Santo (Santo, el Enmascarado de Plata), Wolf Ruvinskis (Argos), El Nazi (marciano), Beny Galán (marciano), Ham Lee (Morfeo), Eduardo Bonada, Antonio Montoro, Maura Monti (Afrodita), Eva Nordind (Selene), Belinda Corel (Diana), Manuel Zozaya (profesor Ordorica)... Nacionalidad y año: México 1966. Duración y datos técnicos: 85 min. B/N 1.66:1.

Comentario

De nuevo otra obra maestra de nuestro amigo Alfredo B. Crevenna que rebosa esa estética camp que tanto nos gusta, esta vez con Santo “el enmascarado de plata” como súper héroe.

En México se realizaron gran cantidad de películas con púgiles de lucha libre como protagonistas. Uno de los más famosos fue “Santo, el enmascarado de plata”. Personaje que se enfrentó contra todo lo habido y por haber (fantasmas, vampiros, momias aztecas,…) en una interminable saga llena de aventuras y luchas coreografiadas. En este caso, nuestro héroe se enfrenta a una invasión alienígena.

Lo curioso que aunque la película parezca una auténtica chorrada, sigue los postulados de la ciencia-ficción norteamericana de los 50, encontrándonos con la versión mejicana de “Ultimátum a la tierra” (1951). Los invasores vienen a la Tierra a darnos un ultimátum: o dejamos de jugar con el átomo o destruyen el planeta. Bueno, y ya de paso apoderarse de la fuerza de “Santo”, que con sus puños desnudos y sus llaves infernales, combate a los invasores con tesón y, como no, con éxito.

La trama argumental es difícil de tragar y está llena de momentos que de absurdos rozan el surrealismo. Por ejemplo, los extraterrestres deciden cambiar sus vestimentas marcianas por otras más acordes con las costumbres terrestres. Y se embuten en unos trajes más propios de la antigüedad romana que otra cosa. Momentos memorables como éste los hay a espuertas.

En definitivas cuentas, es un film infumable recomendado para adeptos de la lucha libre y el cine mejicano de enmascarados.

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Pass: controlmachete

Mr. Freedom (1969 (V.O.S.E.)

2011-05-27T09:39:00.009+02:00

sinopsis

Mr. Freedom, un superhéroe de Estados Unidos que lucha por Dios y su país robando, violando y matando a cualquier persona que parece que podrían estar en desacuerdo con él. Cuando se entera de que Francia está en peligro de caer en manos de los comunistas, Mr. Freedom se va de cabeza al extranjero para arreglar las cosas.

Ficha Técnica

Director: William Klein / Productor: Guy Belfond, Christian Thivat, Michel Zemer / Guión: William Klein / Fotografía: Pierre Lhomme / Música: Michel Colombier y Serge Gainsbourg / Montaje: Anne-Marie Cotret / Intérpretes: Delphine Seyrig (Marie-Madeleine), John Abbey (Mr. Freedom), Donald Pleasence (Dr. Freedom), Jean-Claude Drouot (Dick Sensass), Serge Gainsbourg (M. Drugstore), Rufus (Freddie Fric), Philippe Noiret (Moujik Man), Yves Montand (Capt. Formidable),... / Nacionalidad y año: Francia 1969 / Duración y datos técnicos: 95 min. Color 1.66 : 1

Comentario

Fotógrafo y cineasta neoyorquino, William Klein se ha interesado siempre por las artes plásticas, sobre todo a partir de su llegada a Paris en 1949, donde realizó varias pinturas murales paralelamente a su cada vez más prestigiosa labor fotográfica. En el año 1955, Klein comenzará su relación con la revista Vogue, para la cual firmaría numerosos reportajes de moda, debutando en el cine tres años después con un cortometraje titulado “Broadway by Night”. En adelante su relación con el celuloide será constante: en 1960, trabaja como consejero artístico de Louis Malle en “Zaize en el Metro”; en 1966 dirige el largometraje “¿Quién eres tú, PoIly Magoo?”, seguido de Mister Freedom en 1969 y “La Couple Tenoin”, ya en 1977. Pero, sin duda, el apartado fílmico donde Klein se ha labrado una mayor reputación a ambos lados del Atlántico ha sido el del documental. Obras como “Cassius Clay” (1964), “Grands Soirs et Petits Matins” (1968-1978), “Muhamad Ali The Grearest” (1974) o “The French” (1982), constituyen excelentes ejemplos de su talento como documentalista. faceta en la cual ha dejado hasta el momento una mayor impronta creativa que como cineasta de ficción.
“Mister Freedom” constituye una aproximación paródica, por momentos divertida e inspirada, al “modelo de vida americano” en general y los tópicos de los superhéroes en particular. La excusa argumental es la siguiente: Mr Freedom (super héroe típicamente norteamericano interpretado por John Abbey) acude a París tras el asesinato de su amigo Capitaine Formidable (Yves Montand). Una vez allí esta especie de Superman chapucero (que para colmo es un fascista y un racista) tendrá que defender Europa de la amenaza de unos súper villanos que ponen en peligro la “libertad” de los habitantes del continente, para lo cual Mr. Freedom utilizará unos métodos tan expeditivos como contraproducentes.
Rareza cinematográfica en toda regla, “Mister Freedom” manifiesta el innegable gusto visual de su director (a veces la película parece un dibujo animado), aunque también, por desgracia, sus obvias debilidades como narrador, quedando a la postre como un loable pero irregular intento de sátira en clave pop de la cultura americana y sus resbaladizas relaciones con el resto del mundo.
A destacar, por último, las siempre gratas presencias de tres pesos pesados de la interpretación europea como son PhiIippe Noiret, Donald Pleasance e Yves Montand (qué bien hace de muerto), y la aparición del grandísimo sinvergüenza (poeta, músico, artista con mayúsculas) y al que admiro una barbaridad: Serge Gainsbourg.

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Pass: gainsbourg

El planeta de las mujeres invasoras (1966) (TvRip)

2011-05-27T09:20:00.001+02:00

sinopsis

Procedentes de un planeta habitado sólo por mujeres guerreras, aterriza en México una nave espacial con un grupo de sexys alienígenas. Su objetivo: capturar algunos especímenes humanos para hacer pruebas con ellos y hallar la manera de fabricar un filtro para sus sistemas respiratorios y soportar el aire de la atmósfera terrestre, para preparar una invasión en toda regla.

Ficha Técnica

Director: Alfredo B. Crevenna / Productor: Emilio Gómez Muriel / Guión: Emilio Gómez Muriel sobre una historia de Alfredo Ruanova / Fotografía: Alfredo Uribe / Música: Antonio Díaz Conde / Montaje: Raul J. Casso / Intérpretes: Lorena Velázquez (Adastrea; Alburnia), Elizabeth Campbell (Martesia), Maura Monti (Eritrea), Guillermo Murray (Daniel Wolf), Adriana Roel (Silvia), Rogelio Guerra (Marcos Godoy), José Ángel Espinosa 'Ferrusquilla' (Rey Taquito), Raúl Ramírez (Tono), Ethel Carrillo (Desinea), Graciela Doring (Mujer secuestrada), Guillermo Álvarez Bianchi (Hombre gordo secuestrado), José Chávez (Beto), Enrique Ramírez (Ramón), Aarón Hernán (Hombre secuestrado), Monica Miguel (Fitia), ... / Nacionalidad y año: México 1966 / Duración y datos técnicos: 87 min. ByN 1.33:1.

Comentario

Si pensabais que íbamos a acabar con la bizarra filmografía del simpar Alfredo B. Crevenna, estabais equivocados. Y menos teniendo en cuenta que para aprobar esta asignatura es de obligado visionado el film que nos ocupa: “El Planeta de Las Mujeres Invasoras”. Película que alcanza la categoría de psicotrónica por méritos propios. Pero vayamos paso a paso.
Alfredo B. Crevenna fue un muy prolífico realizador mejicano con más de 150 películas a sus espaldas (la última la dirigió un año antes de su muerte, con 81 años), entre las que hay unas cuantas dedicadas al género. Pero su más importante aportación a la serie Z más casposa y bizarra es ésta.
“El Planeta de las Mujeres Invasoras” viene a ser la secuela de “Gigantes Planetarios”. Bueno, más que una secuela un remake. Ya que prácticamente ambas películas son idénticas (hasta en equipo técnico y actores) pero con una salvedad: en esta ocasión las malvadas alienígenas son hermosas señoras con trajes muy cortos luciendo palmito.
Ya desde la antigüedad (con las amazonas) la historia de la existencia de tribus, civilizaciones o, como es el caso, planetas poblados únicamente por féminas ha aparecido cientos de veces en novelas, comics y, como no, en el cine. Desde el mismísimo Tarzán hasta nuestros simpáticos viajeros interplanetarios del film de Crevenna, la idea de una sociedad sólo compuesta por mujeres supuso un filón de oro para los estudios de cine, ya que permitía la aparición de decenas de mujeres en paños menores en muchos casos ávidas de presencia masculina (para, por ejemplo, la perpetuación de la especie) que al final eran cautivadas por el apuesto protagonista. En el género, filmes como “Queen Of Outer Space” (1958), “Missile to the Moon” (1959), “Cat Women Of The Moon” o la lisérgica (ya que hay que estar colocado para entenderla) “Mesa Of Lost Women” (1953) son un claro ejemplo de esta corriente. “El Planeta de las Mujeres Invasoras” será la aportación mejicana. Aunque, en este caso, la intención de las alienígenas, aparte de exhibirse, no tiene ningún afán sexual o amoroso, sino que sólo desean de los humanos sus pulmones para poder respirar en la Tierra y así poder invadirla.
Pero eso no quita para que el elenco de bellas mozas que no pronuncian frase se pasen casi toda la película posando, con la mano en la cintura y en una actitud más de un concurso de belleza que de una invasión en toda regla. Y qué más da. La película es mala con avaricia, aunque yo la incluiría en ese pequeño grupo de productos infumables que de malas que son provocan, como mínimo, la simpatía del espectador.
Porque “El Planeta de las Mujeres Invasoras” tiene su gracia. Es un film simpático, lleno de humor (provocado o no) que causa la hilaridad del que la ve. Con unos diálogos tontos a más no poder, llenos de chistes malos, dentro de un delirante hilo argumental sin pies ni cabeza. Si a esto le añadimos unos paupérrimos efectos especiales (se ven los hilos que sujetan los platillos, o la forma tan ruda de aterrizarlos que tienen, por ejemplo), y que no hacen nada por disimularlos, y una realización más que discreta (opta sobre todo por el plano general para evitar calentamientos de cabeza) nos encontramos con una de esas maravillas que te hacen, como mínimo, sonreír durante todo su visionado.
También hay que destacar que esta modesta “space opera” mejicana bebe de las fuentes de los seriales pulps nortamericanos, especialmente de “Flash Gordon”, como podréis comprobar por la estética (y el rayo de la muerte).
En fin, para amantes de lo “camp” y en general, para todos los que querráis pasar un muy buen rato. Ideal para ver con amigotes (esta vez no es necesaria la cerveza. La risa sale sola)

P.D.: No he destripado nada del argumento porque es una de estas ocasiones en que es preferible ver el film sin ninguna referencia externa. Gusta aún más.

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Valerie A Tyden Divu ("Valerie And Her Week Of Wonders") (1970) (V.O.S.E.)

2011-05-22T19:28:00.005+02:00

sinopsis

Valerie es una niña de 13 años que acaba de entrar en la adolescencia (al principio de la película sabemos que la noche anterior ha tenido su primera menstruación). Vive con su abuela (su madre, a la que no recuerda, fue repudiada al quedar embarazada de un sacerdote y murió poco después de su nacimiento. Al menos eso es lo que siempre le han contado), es morena, dulce, ama a los animales, le gustan las flores y tiene una desbordante imaginación.
Todo transcurre en unos pocos días de un verano bohemio (o moravo) especialmente dorado y hermoso, a finales del siglo XIX. En el pueblo se celebra una boda, unos sacerdotes llegan a la localidad para dirigir una especie de ejercicios espirituales, una compañía de cómicos y trovadores se deja caer por la zona, los hurones atacan de vez en cuando los gallineros y palomares.
Y los vampiros acechan por la noche a las novias recién casadas y a las niñas que empiezan a ser mujeres…

Ficha Técnica

Director: Jaromil Jires / Productora: Filmove Studio Barramdov / Guión: Jaromil Jires, Ester Krumbachova y Jiri Musil (basado en una novela de Vitezslav Nezval) / Fotografía: Jan Curik / Música(preciosa, por cierto): Lubos Fiser y Jan Klusak / Montaje: Josef Valusiak / Intérpretes:Jaroslava Schallerova, Elena Anyzova, Petr Kopriva, Jiri Prymek, Jan Klusak, Libuse Komankova, Karel Engel, Alena Stojakova, Otto Hradecky, Martin Wielgus, Jirina Machalicka, Michaela Klocova. / Nacionalidad y año: República Checa (Ex Checoslovaquia) 1970/ Duración y datos técnicos: 71 minutos. DVDRip. Idioma original Checo con subtítulos en castellano en archivo aparte.

Comentario

Pues aquí va una película que a mí me gusta mucho pero que, durante un tiempo, tuve ciertos reparos en postear.
Me he terminado de decidir al ver que se ha estrenado en los cines una cosa llamada Caperucita Roja y que pretende ser una peli de miedo que disecciona científica y espiritualmente el cuento-de-toda-la-vida para que nosotros, pobres mortales ignorantes, nos demos cuenta de dónde coño viene y la carga de perversión, terror y desazón que contiene…
Mandagüevos (que dijo el poeta). Estos impresentables que se dirigen a adolescentes abducidos por el éxito de pseudos-sagas ridículas como Crepúsculo et alia deben creer que somos todos idiotas y que no nos acordamos de nada…. Deben de pensar que porque ellos han descubierto el Mediterráneo los demás tenemos que rendirles pleitesía y reconocer su mérito.
Cagüentodolomalo.
Me molesta esto. Me molesta este eterno redescubrimiento de la pólvora (cada mañana, oigan ustedes) y, sobre todo, el descenso de nivel que conlleva (cada mañana también… Ese Mediterráneo y esa pólvora recién descubiertos son cada vez peores, cada vez más pequeños, cada vez más inútiles, cada vez más impostados e inservibles).
¿Pretenden descubrir, a estas alturas, la perversión y el horror que se esconden en los cuentos de hadas? Amos, anda… Que todo está escrito ya y (como se dice en mi pueblo) no se puede engañar a los abuelos con pistolas de agua…
Porque de eso se trata, maeses. De eso va esta película. Del horror extraño que se esconde bajo la superficie de los cuentos de hadas. No es la única que lo ha destapado, hay más… Ahora mismo me acuerdo de En Compañía De Lobos (Neil Jordan, 1984. Por cierto, para mi discutible e indigente criterio, la versión definitiva sobre el tema de las caperuzas rojas, las niñas inocentes y los lobos acechando en la espesura del bosque). O de La Noche Del Cazador (Charles Laughton, 1955. Pero ésta desde otro punto de vista. Diferente).
Valerie A Tyden Divu es parte de eso. Una especie de vivisección psicodélica y amable (dentro de lo que cabe) del horror que late bajo la superficie de un cuento de hadas. La pobre niña inocente, el malvado depredador, la abuela, el mozo esforzado y rescatador… No falta de nada. Pero hay más cosas aún.
Imagínenlo vuesas mercedes: Checoslovaquia (un país que, por cierto, ya no existe) en 1970. Checoslovaquia era un país raro.
Caía al otro lado de aquel Telón de Acero que dividió Europa entre 1945 y 1990, pero era una cosa rara. Desde su nacimiento, tras la implosión del Imperio austro-húngaro, era una nación con vocación occidental. Un país industrializado, culto, de clase media; más parecido a Austria que a Bulgaria (a pesar de su carácter eslavo). La Centroeuropa por antonomasia. ¿Habéis leído a Karel Capek (el inventor de la palabra “Robot” por cierto)? Y no hablo de Kafka o de Kubin porque, aunque checos, eran de expresión alemana. Ésa es otra historia. No vale.
Bueh… Pues situémonos. Tras la II Guerra Mundial Checoslovaquia era un país situado al otro lado del telón de acero, con un régimen comunista y todo lo que eso conllevaba. Pero era diferente a sus vecinos y socios. Mucho.
Y eso empieza a notarse, sobre todo, en los años 60. Cuando en las calles de Praga o Bratislava (más de la primera que de la segunda) los jóvenes comienzan a dejarse el pelo largo y a montar bandas de rocanrol como sus primos hacían en Occidente.
Lo de Dubcek y su primavera es lo de menos… Porque la cosa venía de lejos. Era sólo una manifestación más de la evidente diferencia.
Sólo hay que ver las pelis que se hicieron allí entre 1964 y 1968 (Los Amores De Una Rubia, Margaritas, Trenes Rigurosamente Vigilados, ¿Quién Quiere Matar A Jessica?). La estética pop “occidental” estaba tan presente en Checoslovaquia como en la España franquista (por citar un país –el mío- con un régimen en aquel entonces también autoritario pero en las antípodas ideológicas). Era el Pop, joder, el Pop (el mismo que reinaba en Londres, en París, en Roma, en Nueva York, en Tokio, en Madrid, en Ámsterdam, en Buenos Aires o en Los Angeles, coñe… El mismo).
El caso es que todo acabó como el rosario de la aurora y los tanques de Breznev ocuparon Praga (y el resto del país) en agosto de 1968. Y la primavera se fue al carajo.
Pero (cuenta la leyenda) en el aspecto cinematográfico la cosa siguió funcionando durante un tiempo, como una especie de inercia extraña y curiosa. Y Valerie A Tyden Divu es una de las pruebas.
Yo no lo tengo tan claro. Es cierto que la película es el producto de una cinematografía y una sociedad perfectamente maduras y asimilables a los estándares occidentales-civilizados (ejem). Pero, al mismo tiempo, no estoy seguro de que si dos años antes (en 1968) los tanques soviéticos no se hubiesen llevado por delante los 60’s checoslovacos la película no hubiese sido diferente. Todo ese rollo anticlerical y tal y tal queda muy bien en una película hecha en cualquier país occidental, pero allí era una especie de peaje, mes amis… No sé si me explico (cuando la veáis entenderéis a lo que me refiero). Dicho en cristiano: no encuentro en la peli ningún punto crítico con el socialismo real y con el statu quo posterior a la invasión, la verdad. Todo muy bonito, muy poético pero, en el fondo, muy asumible por las autoridades. Todo esto lo digo porque, insisto, me he cansado de leer que la primavera checoslovaca sobrevivió, de alguna manera, en el cine hasta principios de los 70’s. Y que esta peli forma parte de ese rollo. Si esto es así, yo no he encontrado pruebas. Y menos aquí. Desde el punto de vista político e ideológico, digo…
Porque desde el estético, siempre fue como si los tanques nunca hubiesen entrado en Praga.
Son cosas diferentes.
Bueh… Pero dejémonos de disgresiones histórico-políticas y volvamos a la peli.
He hablado antes de los reparos que tuve para postearla. Y quiero aclarar la cosa. Valerie A Tyden Divu no es exactamente una película de terror (aunque también). En realidad juega a otro juego.
Es una cinta poética, onírica, llena de símbolos y de segundas lecturas. Es un cuento de hadas para adultos que maneja muchas cosas al mismo tiempo. Una alegoría del fin de la infancia, de los veranos dorados, del descubrimiento del amor, del miedo a la oscuridad y a lo desconocido en clave de poema surrealista. La acción no es lineal (o no lo es del todo). Los hechos se suceden de forma aparentemente caótica, los personajes parecen contradecirse de una escena a otra… Cada poco tiempo, todo vuelve a empezar (sin que los acontecimientos anteriores parezcan haber tenido consecuencias, sin que los protagonistas establezcan ninguna relación causa-efecto entre ellos).
Como un sueño, sí. Como una sucesión de sueños que a veces son gozosos y a veces adoptan la forma de una pesadilla.
El argumento, una mezcla entre Caperucita Roja y Alicia En El País De Las Maravillas, maneja todos los elementos del cuento de hadas, situándolos en un indefinido siglo XIX checo, en un pequeño pueblo de Bohemia (o Moravia, vaya usted a saber) y contándonos, a base de alegorías e imágenes simbólicas, el paso de la infancia a la adolescencia de una niña de trece años que acaba de tener su primera menstruación.
Hay humor, poesía, hedonismo y celebración del goce de vivir. Hay, también, una sensualidad explícita, evidente (no menos lírica y hermosa), descaradamente erótica que a veces tiene su contrafigura inquietante.
Y hay terror.
El autor juega con elementos característicos de la cultura centroeuropea (quizás sólo checa… Quizás algo más amplio). Ese siglo XIX idealizado que parece compuesto por una sucesión de postales coloreadas del imperio austro-húngaro, con un toque de decadente languidez. El verano dorado y amable. Las costumbres populares, las tradiciones y supersticiones. La propia Valerie, con su instintivo rechazo a la iglesia y al rito católico, parece tener resabios paganos (el viejo paganismo eslavo) al rezar a las figuras de madera que sirven de panal a las abejas.
El propio vampiro, cuya imagen se inspira sobre todo en el Nosferatu de Murnau (la vieja tradición centroeuropea otra vez) y que en ningún momento sabemos muy bien quién es en realidad (El verdadero padre de Valerie, el antiguo amante de la abuela, el predicador en la iglesia, el hurón voraz que adquiere forma humana…).
Y luego está la música. El leit motiv de la película es una curiosa mezcla de clasicismo y folclore que a mí (que estoy medio enfermo… no puedo evitarlo) me recuerda, en cierto modo, al psych-folk británico de aquella época. Escuchadlo y ya me diréis.
Al final, a película concluye como una especie de musical extraño, inquietante, como si David Hamilton (aquel fotógrafo obsesionado con las adolescentes de aspecto prepúber al que le dio por torturarnos con su cine esteticista y huero a finales de los 70’s) hubiese intentado rodar un viejo libreto de Gilbert y O’Sullivan. Es una cosa sorprendente y rara. Difícil de explicar.
Antes he aludido al carácter psicodélico de la película. De eso se trata. Porque, a fe mía, la cinta es pura psicodelia sesentera. Pero no de la ácida, eléctrica y americana, sino de la británica, victoriana (en este caso sería mejor hablar, como hacía Berlanga, de “austrohúngara”, jejeje) y decimonónica. No la de Jefferson Airplane o los 13th Floor Elevators, no… Sino de la de Syd Barret, el primer Kevin Ayers o los Kaleidoscope británicos.
Sí, eso es… Psicodelia Austrohúngara.
Me gusta cómo suena.
Nada más, mes amis. Perdonadme el tocho y la dispersión. No puedo evitarlo.
Disfrutad la peli como lo he hecho yo. Y no os olvidéis de que, a pesar de todo, es (pero no sólo) una cinta de miedo.

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Devils Of Darkness (1964) (V.O.S.E.)

2011-05-21T21:08:00.008+02:00

2011-02-25T23:34:00.002+01:00

La verdad es que estoy hasta emocionado. Hemos aguantado casi tres años. Y, poco a poco, nuestra familia (por llamarlo de alguna manera) ha crecido gradualmente y hemos llegado a la friolera de medio millón de clicks en "Plan 9". ¡Esto es la repanocha! Señores, en mi nombre y, supongo, que en el del Ente Dilucidado, muchísimas gracias por seguirnos. No sé cuanto tiempo más seguiremos por aquí, pero evidentemente el nuevo reto es el millón. En serio, agradecido por vuestros comentarios (aunque algo escasos), peticiones, dudas,... Siempre es bueno que haya un sitio en el que te encuentras con gente que tiene tus mismas aficiones y gustos (por lo menos en el cine). Bueno, lo dicho, muchísimas gracias y salud!!! a todos.

Habrá post especial aniversario

Un Marciano En California (1960) (Dual Español/Inglés) ("Visit To A Small Planet")

2011-02-24T14:08:00.012+01:00

sinopsis

Un extraterrestre es enviado a la Tierra para que redacte un informe sobre el comportamiento y las costumbres humanas. Irá a parar a California y sus pesquisas le resultarán soprendentes.

Ficha Técnica

Director: Norman Taurog / Productor: Hal B. Wallis / Guión: Edmund Beloin y Henry Garson, sobre la obra de teatro de Gore Vidal / Fotografía: Loyal Griggs / Música: Leigh Harline / Montaje: Frank Brach / Efectos Visuales: John P. Fulton / Intérpretes: Jerry Lewis (Kreton), Joan Blackman (Ellen Spelding), Earl Holliman (Conrad), Fred Clark (Mayor Roger Putnam Spelding), John Williams (Delton), Jerome Cowan (George Abercrombie), Gale Gordon (Bob Mayberry), Lee Patrick (Rheba Spelding), Milton Frome (Comisionado de la policía), Ellen Corby (Mabel Mayberry); Barbara Lawson ( Desdemona), ... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1960 / Duración y datos técnicos: 85 min. ByN 1.85 : 1 (Dual Español/Inglés)

Comentario

“Visit to a Small Planet” es el primer film que toca el tema de visitantes alienígenas a nuestro planeta, en clave de comedia. Hay que recordar que esta película se produjo al final de una década donde la ciencia-ficción se había convertido en un reflejo de los miedos del ser humano, fuera por invasiones, plagas o accidentes nucleares (claro reflejo de La Guerra Fría, la era atómica y el temor a lo desconocido incluido el espacio exterior): “The Thing from Another World” (1951), “The War of the Worlds” (1953), “Invaders from Mars” (1953), “Invasion of the Body Snatchers” (1956), etc… son claros ejemplos de ello. Era necesario desdramatizar el género, y para ello nadie mejor que el simpar Jerry Lewis.
Es casi seguro que “Visit to a Small Planet” sirvió de inspiración a la comedia televisiva que se estrenaría poco después y cuyo tema principal eran las aventuras de un alocado estraterrestre en nuestro planeta: “Mi marciano favorito/My Favorite Martian” (1963-6). Dicha serie daría paso a otras tales como “Mork and Mindy” (1978-82), “ALF” (1986-90) y “Cosas De Marcianos /3rd Rock from the Sun” (1996-2001) y películas como “My Stepmother is an Alien” (1988) y “What Planet Are You From?” (2000).
La película nace como una obra de teatro satírica escrita por el famoso ensayista y escritor Gore Vidal. Por supuesto, cuando se traslada al cine se convierte en un vehículo para el popular Jerry Lewis, que se encuentra en el apogeo de su carrera con películas como “The Delicate Delinquent” (1957), “The Sad Sack” (1958), “The Geisha Boy” (1958), “The Bellboy” (1960), “Cinderfella” (1960), “The Ladies Man” (1961) y “The Nutty Profesor” (1963). Gore Vidal había escrito su obra en forma de sátira sobre la Guerra Fría y la caza de brujas del senador Joseph McCarthy, incluyendo una segunda parte donde Kreton (el extraterrestre), después de haber perdido la Guerra Civil, decide iniciar su propia guerra y causa el caos con armas de destrucción masiva. En la versión cinematográfica, la sátira se fue por la ventana y la película se convirtió en una comedia ligera adaptada a la personalidad de Jerry Lewis. De hecho, resulta imposible deducir lo que Gore Vidal estaba tratando de satirizar en su obra de teatro (hay que decir que Gore Vidal quedó muy insatisfecho del resultado final del film).
Aunque por lo general es una película denostada por la crítica, “Visit to a Small Planet” tiene que ser vista como lo que es, una tontería al servicio del histriónico Lewis que nos ofrece lo que en casi todos sus filmes; muecas, aspavientos, chistes, … Esas payasadas que a todos nos hacen gracia, la verdad. Con momentos inspirados y escenas muy divertidas. Norman Taurog, un director de comedias ligeras más conocido por una serie de películas de Elvis Presley y otras del género, como “Dr Goldfoot and the Bikini Machina” (1965), realiza el film con un ritmo vertiginoso, sin parar, de manera alocada. Tanto, que a veces parece simplemente ser una sucesión de “gags” sin trama ninguna. La película también nos ofrece una mirada divertida sobre la Generación Beat (de lo mejor del film).
Lo dicho, una comedia realizada para mayor gloria del simpático Lewis. Para ver y divertirse sin complejos. Además, debo confesarlo, me encanta la voz del que lo dobla en las películas de aquella época. Carcajadas “Plan 9”.

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THX 1138 (Director´s Cut) (1971) (Dual Español/Inglés + Subs) (+ Corto "THX 1138 EB")

2011-02-23T19:02:00.024+01:00

Nuevo repost de un clásico ya posteado antes. En versión dúal y con los subtítulos aparte (dentro del archivo rar), que incluye además dos "making off" del film (en un mismo rar), y el corto “THX 1138 EB”, realizado por Lucas cuando estudiaba y sobre el que está basado este film.

Si preferís la versión doblada al español, sólo debéis ir al post original, a través de este Link

sinopsis

Siglo XXV. En una central de fabricación de robots, uno de los operarios llamado THX 1138 comete un error debido a una incorrecta administración de las drogas legales que le son suministradas habitualmente por el gobierno. Detenido y encarcelado junto a otros delincuentes cuyos delitos resultan ser insignificantes, THX 1138 decide buscar una salida a ese mundo de pesadilla autárquica…

Ficha Técnica

Director: George Lucas / Productor ejecutivo: Francis Ford Coppola para American Zoetrope – Warner Bros. / Guión: George Lucas, Walter Murch, según argumento de G. Lucas, basado en el guión de G. Lucas / Fotografía: Albert Kihn, David Myers / Música: Lalo Schifrin / Montaje: George Lucas / Intérpretes: Robert Duvall (THX 1138), Donald Pleasence (SEN 5241), Don Pedro Colley (SRT, holograma), Maggie McOmie (LUH 3417), Ian Wolfe (PTO, prisionero), Marshall Efron, Sid Haig, John Pearce, Irene Forrest, Gary Alan Marsh, Johnny Weissmuller Jr., David Ogden Stiers... / Nacionalidad y año: USA 1971 / Duración y datos técnicos: 88’ C 2.35:1.

Comentario

La andadura de los estudios “American Zoetrope” se inició en los años 1960, en San Francisco. Francis Ford Coppola, un joven director promesa, convenció a Warner Bros para ayudar a financiar y distribuir un grupo de películas realizadas por los nuevos cineastas que había reunido a su alrededor. Coppola había terminado con éxito la producción de su film “El Valle del Arco Iris" (‘Finian's Rainbow’. Francis Ford Coppola, 1968), y su propuesta sonaba bien en una época en la que el cine necesitaba y buscaba desesperadamente cambios sustanciales en sus propuestas. Pero todo resultó un fiasco, causas perdidas. Y muchas de las películas de American Zoetrope ni se hicieron, y las que sobrevivieron no tuvieron demasiado éxito. Warner Bros., tras haber decidido abandonar el experimento de San Francisco, no respalda esas producciones con mucho entusiasmo. El mayor batacazo fue el film de George Lucas: "THX-1138", una parábola de ciencia ficción que se desarrolla en el siglo 25 y que tiene un lenguaje visual muy certero y una escenografía magistral

La fuerza de la película no está en su historia, sino en su inquietante y extrañamente eficaz estilo visual y sonoro. La historia mantiene los estándares de la ciencia ficción: Cinco siglos en el futuro, la humanidad vive en ciudades subterráneas que son programadas por computadoras y vigiladas por robots. El individuo es sustituido por el conjunto y así, los ciudadanos son obligados a tomar drogas para inhibir sus pasiones, pero THX 1138 (Robert Duvall) y su compañera LUH 3417 (Maggie McOmie) reducen sus raciones de drogas y descubren que tienen apetitos sexuales. Peor aún, está en el amor.

Lo que sigue es una batalla contra el sistema informático centralizado, la lucha contra los robots policías, y una ¿persecución hacia la libertad? Nada de esto es muy original, porque revisando el guón podemos comprobar que el tema de la alineación humana, la distopía total es un tema manido que ha sido tratado de manera más profunda por Orwell, Ray Bradbury o Philip K. Dick, entre otros innumerables escritores.

Esta película en sí es un excelente ejercicio de realización que parte de la anterior experiencia adquirida como estudiante cinematográfico de Lucas con su cortometraje “THX 1138 EB”.

Hay que añadir que el sonido ayuda a crear ese efecto de distancia, de despersonalización. La gente mantiene un tono impersonal, como si la droga les hiciera indiferentes a todo lo que les rodea. Sólo los anuncios de televisión tienen vitalidad, fuerza, vida con el objeto de transmitir confianza.

A destacar también el importante reparto encabezado por el gran actor Robert Duvall y el secundario (pero no menos famoso) Donald Pleasence, cuyos personajes son muy bien interpretados, y son de lo mejor de este título junto a la extraordinaria y nada convencional música de Lalo Schifrin y, por supuesto la ambientación de la ciudad que consigue crear un ambiente opresivo simplemente con ese blanco luminoso que casi llega a cegar y puede llegar a provocar angustia y claustrofobia.

En conclusión, “THX 1138” no es una típica película de ciencia-ficción hecha para un público convencional, de ahí su sonado fracaso en taquilla y su conversión en película de culto en años posteriores. A mí personalmente, me gusta.

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Electronic Labyrinth: THX 1138 4EB (1967)(V.O.S.E.) (corto)

THX-1138 4EB es un corto dirigido por George Lucas en 1967 mientras que estudiaba en la Universidad de California meridional. Rodada en 16 mm y con una duración de 15 minutos fue el germen, el origen de THX 1138.
Este cortometraje nos muestra una huída, el afán de escapar de 1138 de su mundo frío y distópico y los esfuerzos que hacen las autoridades para detenerlo.
Fue rodado en puertas de acceso y garajes subterráneos del Aeropuerto internacional de Los Ángeles para representar una ciudad subterránea en un futuro distópico.
Este corto fue primordial para que Lucas fuera contratado por la Warner y pudiera rodar "THX 1138".

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Dos "Making Off" del Film:

- "Artifact from the future. The Making Of THX 1138"

- "Bald (The Making Of THX 1138)"

Ambos "Making off" están metidos en el mismo rar

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Spaceways (1953) (V.O.S.E.)

2011-02-23T13:33:00.011+01:00

sinopsis

Las autoridades británicas acusan a un científico de cohetes americano de asesinar a un camarada. Para limpiar su nombre él toma la medida drástica de viajar en el próximo cohete para ver si la víctima del asesinato está en un satélite recientemente lanzado.

Ficha Técnica

Director: Terence Fisher / Productor: Michael Carreras, para la Hammer / Guión: Paul Tabori Y Richard Landau, basado en el serial radiofónico de Charles Eric Maine / Fotografía: Reginald H. Wyer / Música: Ivor Slaney / Montaje: Maurice Rootes / Efectos Visuales: Les Bowie y Vic Margutti / Intérpretes: Howard Duff (Dr. Stephen Mitchell), Eva Bartok (Dr. Lisa Frank), Alan Wheatley (Dr. Smith), Philip Leaver (Profesor Koepler), Michael Medwin (Dr. Toby Andrews), Andrew Osborn (Dr. Philip Crenshaw), Cecile Chevreau (Vanessa Mitchell), Anthony Ireland (General Hayes), Hugh Moxey (Coronel Alfred Daniels), David Horne (Ministro), Leo Phillips (Sargento Peterson), Marianne Stone (Señorita Rogers), Jean Webster-Brough (Señorita Daniels),... / Nacionalidad y año: Reino Unido 1953 / Duración y datos técnicos: 76 min. ByN 1.37 : 1 (V.O.S.E.)

Comentario

En los años 50 se produce el nacimiento de la era espacial, lo que abría las puertas a un incipiente cine de ciencia-ficción que mostraba lo que podía deparar el futuro. Algo ansiado por el público en general que se encontraba deseoso de ver películas llenas de nuevas tecnologías, viajes interestelares e invasiones alienígenas.
Evidentemente Hollywood se adelantó a esta nueva moda con un film que contaba con un gran presupuesto y una deliciosa fotografía en Technicolor. Hablamos, claro está, de “Destination Moon” (1950). Pero, aprovechando la expectación ante el film de Irving Pichel, Kurt Neumann rodó en tan solo18 días, con un presupuesto ínfimo y en blanco y negro tintado, “Rocketship X-M” (1950), que se estrenó antes en el cine y obtuvo un grandísimo éxito. La película fue distribuida en el Reino Unido por Exclusive Pictures que puso a la Hammer en marcha para rodar aprovechando la popularidad del film. Como era normal en aquellos tiempos, se cogió un guión de un drama radiofónico, y se rodó una película de ciencia ficción sin apenas presupuesto.
Aunque en realidad, “Spaceways” es más un thriller que una película de ciencia ficción. Terence Fisher combina con acierto la ciencia ficción y el melodrama psicológico, siendo esta segunda opción la que predomina en el film. Y gracias a su talento el resultado es más que aceptable. Ya que Fisher consigue plasmar de manera más que acertada los conflictos que se generan a lo largo del film, y que le añaden seriedad y dramatismo, dándose momentos ciertamente brillantes, como cuando un científico actúa de manera maliciosa y es visto distorsionado a través de un espejo del laboratorio por un colega. O los destellos de incomodidad y malestar en la cara de uno de los ingenieros cuando en un momento de éxito de su proyecto espacial, se ve obligado a mencionar los experimentos con cohetes de la Alemania nazi. El guión está repleto de un diálogo serio que se presta a detalles como éstos, ninguno de los cuales parecen estar fuera de lugar.
Además, “Spaceways” cuenta con un grupo de buenos actores que ayudan al resultado final del film. A destacar Howard Duff, que parece estar disfrutando del trabajo en uno de los papeles más cerebrales e introspectivos de su carrera;
En definitivas cuentas, un modesto producto de serie B que, a pesar de ser vendido como un film de ciencia-ficción, es un thriller psicológico que fue dirigido con presteza y eficacia por terence Fisher que consigue crear una atmósfera de tensión e intriga bastante efectiva. En fin, que se deja ver sin problemas.

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