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sábado, 21 de mayo de 2011

Devils Of Darkness (1964) (V.O.S.E.)





sinopsis
Tras pasar unos días de vacaciones en la Francia rural (donde la tragedia ha golpeado a una pareja con la que viajaba), Paul Baxter regresa a Londres e inicia una relación con una guapa modelo. Todo iría como la seda si no fuese porque por allí en medio anda zascandileando un aristócrata francés (al que Paul ha conocido poco antes, precisamente con motivo de la desafortunada muerte de sus compañeros) llamado Armand De Moliere y que pretende ser un artista. Como es de rigor en este tipo de casos, la chica desaparece y a Paul no le queda otra que tomar cartas en el asunto.
Atando unos cuantos cabos, descubre que el puñetero gabacho no es otro que el mismísimo conde Sinistre, un brujo ejecutado en el siglo XVIII que ha vuelto de la muerte convertido en vampiro para dirigir un culto satánico, amargarle la vida y robarle la novia.




Ficha Técnica

Director: Lance Comfort / Productora: Planet Films / Guión: Lynn Fairhust / Fotografía: Reg Wyer / Música: Bernie Fenton / Montaje: John Trumper / Intérpretes: William Sylvester, Hubert Nöel, Carole Gray, Tracy Reed, Diana Decker, Rona Anderson, Peter Illing, Eddie Vyrne, Victor Brooks, Marianne Stone, Gerard Heinz, Brian Oulton, Walter Brown, Avril Angers, John Taylor / Nacionalidad y año: Reino Unido 1964 / Duración y datos técnicos: 90 min. Color. DVDRip. Versión original con subtítulos en archivo aparte.



Comentario
Pues aquí estamos de nuevo, dispuestos a enredar y a daros la lata, mes amis. Ya os lo advertí... Estabais avisados.

Hace un tiempo prometí que subiría esta peli, y las promesas hay que cumplirlas, así que ahí va.

“Devils of Darkness” es una pequeña joyica semiolvidada del cine británico, realizada en 1965, en pleno apogeo del género. En esa época la Hammer dominaba la escena, la Amicus había iniciado su andadura al rebufo de la primera (Dr Terror es de 1964) y la Tigon estaba velando armas. Otras compañías británicas ya habían hecho también sus escarceos (el periodo que va de 1957 a 1962 es muy prolífico), aprovechando una veta que rendía sus frutos en taquilla. Era la época dorada del Brit-Terror (como no me he cansado de repetir machaconamente cientos de veces. Tenéis razón... soy un pelma).

Entre todo ese aluvión es relativamente comprensible que Devils Of Darkness haya pasado desapercibida. Producida por una compañía menor (Planet Films) y literalmente anegada entre auténticas operae magnae de la Hammer y de otras productoras, la peli de Lance Comfort no deja de ser una cosica humilde, de escaso presupuesto y todavía menores pretensiones.

No obstante, la cinta tiene su originalidad y su importancia (dentro de su modestia). Echadle un vistazo... leed el argumento... Que yo sepa es la primera vez que el cine británico (el Brit-Terror en su momento cumbre, etc, etc) maneja el personaje del vampiro situándolo en la época contemporánea (la suya, claro está. La de 1964). Cuando la Hammer recupera los viejos monstruos de la Universal lo hace ubicándolos en contextos (paisajes, lugares, años) estrictamente góticos. En concreto, los vampiros hammerianos (Dracula, Brides Of Dracula o Kiss Of The Vampire) se mueven en una nebulosa Centroeuropa del siglo XIX. Aquí no. Aquí el conde Sinistre es un vampiro muy bien relacionado que se mueve como pez en el agua en ciertos ambientes artísticos y culturales del Londres de mediados de los 60’s (ay... ese Swingin’ London de mis amores) anticipando, en cierto modo, lo que en 1970 harían los americanos con su Count Yorga y la ciudad de Los Angeles.

Porque, insisto, los vampiros hammerianos viven en castillos de Estiria, Transilvania o de cualquier otro punto de la Europa Central con nombre raro y población más o menos multiétnica (alemanes, eslavos, etc...). Y las historias que nos cuentan sus películas suceden en una indefinida segunda mitad del siglo XIX (salvo en Vampire Lovers y Lust For A Vampire, ya que en esas pelis la acción transcurre durante las primeras décadas de ese mismo siglo. Uséase... Unos cincuenta años antes). No es hasta el estreno de Dracula 72 A.C. que nuestro entrañable conde decide darse una vuelta por el siglo XX y, ya puestos, por el mismísimo Londres (No era tonto el hombre... porque de optar por quedarse en casa, habría tenido serios problemas con las autoridades político-militares del momento –alemanas orientales, polacas, checas, húngaras, yugoslavas o rumanas- que no estaban muy por la labor de transigir con aristócratas. Vamos... Es una impresión mía). Así pues, Devils Of Darkness supone una curiosa novedad al situar su vampiro en el Londres contemporáneo y al hacerlo alternar con los mortales bajo una identidad falsa. Armand De Moliere/Sinistre es un tipo fino, elegante y chic, con suficiente clase y don de gentes como para hacerse un hueco en según qué círculos elitistas. Nada que ver con el intratable de Drácula, que es un monstruo feroz (aunque elegante, eso sí... Sólo hay que recordar cómo le sienta la capa) y con muy mala leche y que en ningún momento piensa tratar como iguales a unos humanos con los que las únicas relaciones que establece son las del depredador con sus presas.

Otra novedad de la película es la relación del vampirismo con el culto satánico. En efecto, Sinistre es un no-muerto que en su día fue ejecutado por practicar la brujería y pactar con el diablo. En su nuevo avatar como vampiro dirige un conventículo dedicado a adorar al diablo que incluso practica sacrificios rituales. El tema y la relación ya habían surgido, indirectamente, en una película de la Hammer, Kiss Of The Vampire (1963). En la cinta hammeriana todos los miembros del grupo eran vampiros; de hecho, eso hacía que no quedase totalmente claro el carácter satánico del coven, entreverado como estaba con la condición vampírica de sus componentes. En Devils Of Darkness, en cambio, no hay duda alguna. Esto es cosa de brujas y diablos y, para marcar todavía mayor diferencia, los acólitos no son vampiros. Sinistre/De Moliere lo es, sí (vampiro, digo) y de paso el sumo sacerdote y director del aquelarre. Pero el resto de los participantes (salvo su esposa ritual) son meros sectarios que lo reconocen como líder y maestro y que siguen siendo perfectamente humanos.

En cuanto al personaje de Moliere/Sinistre, hay que puntualizar que tiene muy poco que ver con el tipo de vampiro que Cristopher Lee y la Hammer habían establecido como canon pocos años antes (y que todavía habían de desarrollar en su particular saga). No sólo por lo que antes he apuntado (su capacidad para alternar con los mortales, su relación con ellos, etc) sino también por su aspecto físico y sus modales. Quizás condicionado por eso mismo (Sinistre no es un lobo solitario como Dracula; necesita acólitos) sus modales son más suaves y su aspecto infinitamente menos amenazador. De hecho, Hubert Noël queda un tanto “blandito” como vampiro. No hay violencia ni salvajismo en él. Es un señor de maneras finas y rasgos suaves que no da miedo ni inspira una especial prevención, más allá de la que siempre le toca al malo de la película. Un aristócrata francés refinado y con un punto decadente. De hecho, ni siquiera luce los característicos colmillos lobunos de nuestro entrañable tío transilvano. Los franceses, ya se sabe, son gente muy fina y muy civilizada...

Para terminar quiero insistir en la humildad de intenciones y de presupuesto de esta peli. Efectivamente, se trata de una cinta de serie B sin ninguna pretensión; realizada, eso sí, con eficacia y fotografiada con un color maravilloso (a lo que ayuda la escenografía y el vestuario... Esas capas rabiosamente rojas de los satanistas son todo un hallazgo cromático y deliciosamente sesentero). Quizás por eso mismo resulta tan agradecida y reivindicable. No es una obra maestra perdida como podría serlo (para mi indigente criterio) The City Of The Dead. Está más cerca de esas pequeñas joyas que, en una especie de aluvión, llenaron los cines británicos (y del mundo entero) entre finales de los 50’s y los primerísimos 60’s. Porque, y ésa es otra, Devils Of Darkness está, de alguna manera, más cerca de cosas como Circus Of Horror, The Horrors Of Black Museum y otras joyicas de ese tipo que de lo que el Brit-Terror de 1964 y 1965 estaba haciendo o era capaz de hacer. En la peli de Comfort hay todavía un regusto naif, casi ingenuo, tanto en el argumento como en su desarrollo, que ya estaba desapareciendo en las producciones de la Hammer y, en general, en las películas de terror británicas de mediados de los 60’s.

Y nada más, mes amis.

Como (casi) siempre está cortada con File Splitter & Joiner. Se trata de un ripeo que yo mismo he hecho del DVD de Midnite Movies (Zona 1) que poseo (una Double Feature de ésas que dicen los yanquis realmente encantadora, porque comparte sesión con Witchcraft, ya posteada aquí). Los subs son los mismos que van en esa edición (los de Midnite Movies incluyen siempre subtítulos en español, benditos sean) aunque he hecho algunas ligerísimas modificaciones en ellos para suavizarlos, hacerlos menos literales, menos “latinos” (que se dice ahora). Nada, cuatro cosillas...

Que voacés disfruten de la peli tanto como lo he hecho yo.






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viernes, 5 de noviembre de 2010

Punto Límite (1964) (Dúal Esp/Ing + Subs) ("Fail-Safe")






sinopsis:

Por un error militar, un cazabombardero nuclear americano recibe la orden de destruir Moscu. Los jefes militares y politicos de los dos países tratan de evitar la catástrofe.



Ficha Técnica

Dirección: Sidney Lumet / Productor: Max E. Youngstein / Guión: Walter Bernstein, basado en la novela de Eugene Burdick y Harvey Wheeler / Fotografía: Gerald Hirschfeld / Montaje: Ralph Rosenblum / Intérpretes: Dan O'Herlihy (General Black), Walter Matthau (Groeteschele), Frank Overton (General Bogan), Edward Binns (Coronel Grady), Fritz Weaver (Coronel Cascio), Henry Fonda (El Presidente), Larry Hagman (Buck, el traductor), William Hansen (Secretario Swenson), Russell Hardie (General Stark). Sorrell Booke (Congresista Raskob), .... Nacionalidad y año: Estados Unidos 1964. Duración y datos técnicos: 110 min. B/N 1.85 : 1 (Dúal Español/Inglés + Subs) 


Comentario



Casi toda la ciencia-ficción de la década de los 50, de alguna manera alude al fantasma de la bomba atómica, la guerra nuclear y la exterminación humana por el átomo, que permanece flotando por encima de las cabezas de todos los habitantes del planeta. Hay que pensar que la guerra mundial ha terminado, con dos demenciales demostraciones de fuerza (Hiroshima y Nagasaki) y se ha dado el pistoletazo de salida para una carrera armamentística sin sentido ni razón de ser. Bueno, un instrumento para la lucha por la hegemonía mundial de dos sistemas de gobierno/economía/sociedad/etc… que se mantendrán enfrentados más de 40 años. Empieza la guerra fría. Por ello, a lo largo de la década de los años 50, esa paranoia global se ve reflejada en filmes donde seres monstruosos son revividos o creados, gracias al átomo (explosiones nucleares, experimentos realizados por mad profesors, etc…). Pero siempre, en última instancia, son vencidos por las fuerzas del orden público. O bien relatos de supervivencia, donde, tras una catástrofe nuclear, un grupo de personas luchan por sobrevivir, siendo el germen de una nueva sociedad (ingenua esperanza en un futuro mejor, y creencia en la bondad natural del hombre).
Llegaron los años 60 y La Guerra Fría se intensificó (claro ejemplo fue La crisis de los misiles en Cuba, que mantuvo al mundo expectante ante una posible guerra mundial. Ya no era un temor inminente, sino una inminente posibilidad.). Y esa nueva y creciente tensión se vio reflejada en el cine de ciencia ficción. A partir de “On the Beach” (1959), las películas de los 60 se ocupan de la guerra nuclear como un hecho más que probable y el tema es tratado con mayor seriedad ideológica (o sea, un mensaje más contundente y realista). Así, filmes como el citado “On The Beach”, el clásico de Kubrick “Dr. Strangelove” (1964) y el pseudo-documental “The War Game” (1965), entre otros, ahora traducen esas alegorías al tema en una realidad verdadera y, evidentemente, sombría y terrorífica.
En “Punto Límite” (1964), el director Sidney Lumet nos introduce de lleno en el tema, creando un ambiente opresivo y lleno de una tensión real y brutal, que posiblemente evoca, de alguna manera, lo que pudo ser “La Crisis de los Misiles”. Con el reloj que marca los segundos lentamente dirigiéndose hacia la catástrofe, las gotas de sudor que perlan las frentes de los personajes que ven como todo se acaba, la impotencia y el desaliento, incluso la locura de los responsables de una posible hecatombe que poco a poco se hace cada vez más real… Lumet utiliza hábilmente el dramatismo de las escenas que, paso a paso va fluctuando hacia los picos máximos de tensión y desesperanza. Se pasa de la débil esperanza al desasosiego y la tensión, a las confrontaciones, para acabar reflejando simplemente miedo e impotencia. Todo ello manejado con pericia por la extraordinaria realización de Sidney Lumet que utiliza la cámara hábilmente con un sentido asfixiante del encuadre y repleto de primeros planos que consiguen recrear esas emociones de las que hablamos. Ayudado además por un crudísimo (casi cegador) blanco y negro y un minimalismo escenográfico absorbente y agobiante. Especialmente una pequeña habitación vacía donde hay dos hombres, una mesa con sus sillas, una jarra de agua con dos vasos, y un teléfono. Es en esa sala donde se conseguirán las escenas más crudamente efectivas.
También hay que destacar el elenco de actores que realizan una gran interpretación. Porque, “Punto Límite” es un film de actores y son estos los que al final, consiguen que todo sea creíble, no teatral. Cada personaje simboliza una opinión, una postura ante el hecho en sí. Y así, toda la película transcurre entre intensos debates y opiniones enfrentadas. Entre otros está Henry Fonda (como presidente de los Estados Unidos.) que refleja fielmente el peso del poder y las responsabilidades que tiene su cargo; Dan O´Helirhy (como el General Black) que llega a aludir al mutuo desarme nuclear; y el menos creíble de todos, el asesor civil Groeteschele, interpretado por Walter Matthau que personalmente a mi parecer es prescindible para el desarrollo de la trama (y doblado, no te digo nada).
Quizás lo menos razonable sea el final (que no desvelaremos), bastante improbable. Pero útil para la consecución de la trama. Es necesario que el dramatismo se atenúe un poco y aparezca un atisbo de esperanza. Una brutal esperanza que nace de la colaboración y el entendimiento entre dos potencias enfrentadas. No es el fin de todo, quizás el comienzo de algo. Al contrario que en “On The Beach” donde la presencia del miedo a la muerte de cada personaje y la realidad de la desaparición de la raza humana es un hecho, no tiene arreglo. C'est Fini.
Resulta curioso que al final de la cinta aparece un mensaje donde se asegura, por parte del Departamento de Defensa y la Fuerza Aérea de los EE.UU., que eso nunca podría llegar a suceder.
En definitivas cuentas, un film realista donde los haya que refleja, pienso, fielmente la situación que existía en aquellos años en el mundo y, en especial, las relaciones entre los EE.UU. y la U.R.S.S.
Si no la habéis visto, no os la podéis perder. Recomendación “Plan 9”

Evidentemente tiene bastantes similitudes con "Dr. Strangelove", de Kubrick. pero éste consideraba que la mejor manera de tratar el tema era a través de la comedia. Corrosiva ella, pero comedia. Creo que ambos filmes son imprescindibles para conocer el significado de "La Guerra fría" y la amenaza nuclear en los años 60. En breve la postearemos, por cierto.

Existe un remake de "Fail-Safe" hecho para televisión en el año 2000. Fue realizado Por Stephen Frears y con Richard Dreyfuss como el Presidente junto a un elenco de estrellas. También fue filmada en blanco y negro.








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miércoles, 20 de octubre de 2010

Kiss me Quick! (1964) (V.O.)






sinopsis:

Sterilox, un ser de otro planeta, viene a la Tierra en busca de mujeres. Un científico loco, le ayudará en su búsqueda y en la creación del espécimen perfecto.



Ficha Técnica

Dirección: Peter Perry Jr. / Productor: Max Gardens y Harry H. Novak / Guión: Peter Perry Jr. / Fotografía: László Kovács / Música: The Gallstones / Intérpretes: Max Gardens (Dr. Breedlove / El Gran Glom), Frank A. Coe (Sterilox / Frankenstein), Natasha (Boobra ), Jackie De Witt (Kissme), Bibi (Barebra ), Claudia Banks (Hotty Totty), Althea Currier (Gertie Tassle), Donna (Gigi String ), Lucky (Lotta Cash), Pat Hall (Gina Catchafanni... Nacionalidad y año: Estados Unidos 1953. Duración y datos técnicos: 67 min. Color 1.37:1. (Versión original sin Subtítulos)


Comentario


Aquí va el primer post en versión original, ya que me ha resultado imposible conseguir los subtítulos aun en inglés. Por lo que no he podido subtitular la película. Algo que me exaspera ya que mientras contemplas este producto ultra-híper-mega bizarro y a sus bellas (¿?) señoritas, su protagonista, el mad profesor de las nudie-cuties: el Dr. Breedlove, no para de hablar sin parar, diciendo gran cantidad de (supongo) sandeces de pésimo gusto que me gustaría entender. He cogido alguna de sus estupideces al vuelo, pero mi nivel de inglés es bastante básico. Aun así, merece la pena que veáis “Kiss Me Quick!” ya que de golpe y porrazo os trasladaréis a un bar de strip tease de los años 60 y conoceréis los gustos del momento (pero sólo por eso y poco más merece ser visto este engendro). Y como tengo previsto postear tras ésta la, a mi gusto, un pelín pedantorra y soporífera “Zardoz”, del irregular John Boorman, y se ha acabado el verano, me pareció refrescante ofreceros este clásico de la ciencia ficción para adultos, lleno de trepidantes bailes con mujeres desnudas abducidas, stripteases, sugerentes baños, aliens, monstruos clásicos y un grotesco mad profesor. Para que luego no digáis que no tocamos todos los palos de la sci-fi. La banda sonora, a cargo de The Gallstones, alegra el film con sus sonidos sesenteros. Además, de regalo, he posteado, aunque no tenga nada que ver con el género, “Varietease” (claro ejemplo del “burlesque cinema”), también en inglés sin subtítulos donde aparece la explosiva Bettie Page. Y como remate final el primer volumen de una fantástica colección del sello Crypt, “Las Vegas Grind”, que recoge la música que acompañaba a las strippers en su trabajo durante los 50-60´s. Pero antes, hagamos un poco de historia:



A principios de la década de los 60, aparecieron en el mercado una serie de películas para adultos que, además de mostrarnos bellas señoritas desnudas y en actitudes más o menos eróticas, contaban con una trama (las más de las veces inverosímil) que podía ir desde historias policíacas, comedias, hasta, como en este caso, la ciencia-ficción, el terror clásico y la comedia salpicada con grandes dosis de erotismo (bueno, eso dicen ellos). Eran las “nudie cuties”, palabra que unifica los términos “nude” y “cut”. Filmes cutres hasta más no poder en lo que lo verdaderamente importante eran las señoras desnudas, ya que, al igual que el porno actual, se rodaban con muy bajo presupuesto y en ellas primaban unos delirantes guiones, escasos decorados y unas actuaciones pésimas. Vamos, auténticamente bizarras.
Todo comenzó en los años 50 con una curiosas criaturas denominadas “the burlesque movies” (los últimos vestigios del vodevil). Películas en la que aparecen (a veces) atrevidos stripteases intercalados con cantantes y bailarines y, como no, comediantes trasnochados soltando chistes que ya eran viejos en tiempos de Lope De Vega y Cervantes. Era como una forma de trasladar el teatro de variedades al cine. Las más famosas del género son: “Striporama” (1953) y “Varietease” (1954), principalmente por la aparición en ellas de un icono de la época. La más célebre pin-up de todos los tiempos: Bettie Page.
El decadente “Burlesque” se mantuvo hasta la década de los 70. Pero ya el olor a rancio era insoportable.
Durante finales de los 50 y los 60 llegó la evolución. Y el cine europeo se filtró en la industria americana. Los distribuidores importaban filmes en los que aparecían señoras que irradiaban erotismo y sexo por todos sus poros (véase Brigitte Bardot, Sophia Loren, etc.) y que aunque no enseñaran más que en cualquier película para adultos de los EE.UU., trataban la sexualidad de una manera más franca, directa y, sobre todo, natural. Así nace la subcultura de las “Art House Movies”. La generación Beat está en su apogeo y debido a la influencia del cine europeo, las películas comienzan a ser más reales, sin florituras edulcoradas ni convencionalismos trasnochados. El dúo Doris Day/Rock Hudson, hasta el momento insuperable, comienza a tambalearse en su pedestal híper colorido y familiar.
En la búsqueda de un camino que fuera equiparable al del continente europeo, el contingente estadounidense retoma la “nudists movies”. Y digo retoma puesto que ya se había hecho algo sobre el tema en los años 30. Semi-documentales sobre las colonias nudistas (a menudo disfrazado de propaganda en favor de la forma de vida nudista), que mostraban interminables escenas de personas desnudas jugando al voleibol, tomando el sol, yendo de picnic... todos de espaldas a la cámara, o en pantalones cortos. El vello púbico y los órganos genitales siguen estando prohibidos. En resumen, son aburridos, hasta para los que buscaban ver un poco de carne. Aunque las películas nudistas tuvieron su importancia ya que una de ellas, “Garden of Eden “(de las más aburridas, por cierto) fue el centro de una sentencia del Tribunal Supremo en 1957 que determinó que la desnudez, “per se”, no era obscena. Y aunque las puertas no se abrieron del todo, ya asomaba una rendija hacia la lógica evolución del cine de adultos.
La venta de entradas para las películas nudistas comenzó a declinar poco a poco en cuanto la gente iba descubriendo lo soporíferas que eran hasta que, en 1959, alguien tuvo la brillante idea de combinar el burlesque con el documental nudista y así nació la nudie-cutie. Al parecer, esta persona no era otro que el simpar Russ Meyer, que realizó en 1959, “The Immoral Mr. Teas”, un film que narra la historia de un vendedor (de los de puerta a puerta) que se recupera de una anestesia sólo para descubrir que tiene la capacidad de ver mujeres desnudas, lo que sin duda lleva a la hilaridad y al calentón (pensad que estamos entrando en los 60). Este truco fue copiado hasta la saciedad por sólo Dios sabe cuántos otros productores, en una tendencia que iba a permanecer los próximos seis o siete años.
Las reglas de las “nudie-cuties” son simples: Mostrar el mayor número de mujeres desnudas posibles, sin incluir el pubis, aún prohibido. Añadir uno o dos hombres que las devoren con los ojos, sirviendo como sustitutos del público, y encargados de soltar pésimos chistes. Está prohibido que mujeres y hombres interactúen entre sí. A pesar de que pueden hablar entre ellos, el contacto físico de cualquier otro tipo está terminantemente prohibido. Hombres y mujeres casi nunca coinciden en la misma habitación, y cuando lo hacen, es como si un campo de fuerza los separara. Como dijo el poeta: “las películas más estúpidas jamás realizadas sobre la faz de la Tierra”. Y una de las más importantes, en cuanto a estupidez y bizarreo, es la que nos ocupa: “Kiss Me Quick”.




La película comienza con una voz en off de mujer que nos recita los títulos de crédito (¿se basaría en esto Truffaut para su “Fahrenheit 451”?) mientras nos enfoca los rostros de las protagonistas femeninas poniendo supuestas caras de placer. De repente, unas luces desenfocadas (estamos en el espacio), sonidos típicos de la ciencia ficción, y nos encontramos en el espacio exterior. Más concretamente en la sala del consejo del gran Glom, gobernante supremo de la Galaxia Buttless (creo que es una grosería pero no sé su significado) que en esos momentos está reprendiendo a Sterilox (interpretado por Frank Coe, que hace una buena imitación, aunque cansina, de Stan Laurel), al que le da una última oportunidad (porque por lo visto es un patoso redomado) cumpliendo una misión para su planeta: cansados de hacerlo todo ellos mismos, la gente de la galaxia Buttless (en la que sólo existe el sexo masculino) busca sirvientes que les atiendan. Así, Sterilox será transportado a la Tierra (donde hay dos sexos). El Glom está especialmente interesado en las mujeres ya que son ideales para ser esclavas si son debidamente entrenadas (primer ejemplo de que nos hallamos ante un producto mas que sexista, y la cosa no mejorará).
En cualquier caso, Sterilox se teletransporta al laboratorio de un tal Dr. Breedlove (nuestro mad profesor de hoy), para estudiar la feminidad y a las mujeres en general, y encontrar un espécimen perfecto para llevarlo de vuelta a su planeta y así perpetuar una nueva raza de sirvientes.
Y llegamos al castillo de cartón (¡vaya decorados malos!) de Breedlove. La cámara enfoca el laboratorio mientras una voz en off imita a Peter Lorre… Y dice así:

"High in the mountains of Broadislavia, in the secret castle retreat of Dr. Breedlove, a strange experiment is taking place! Something so strange and so terrifying that it could rock the entire world! Every master spy and secret organization is trying to steal this fantastic device- THE SEX MACHINE!"

“En lo más alto de las montañas de Broadislavia, en el Castillo secreto del Dr. Breedlove, un experimento se está llevando a cabo. Algo tan extraño y terrible que podría sacudir el mundo entero. Cada maestro espía, cada organización secreta está intentando robar este excepcional dispositivo: ¡LA MÁQUINA DEL SEXO!

La máquina del sexo está en uso en ese momento por una de las creaciones del Doctor. Es Kissme (Jackie). Mientras la máquina funciona, sonidos clásicos de sci-fi y Kissme retorciéndose de placer mientras, poco a poco, se va desnudando. Una calavera azul (el narrador que imita a Peter Lorre) dice: “cool it baby!” (Tranquila, muñeca). Es el primero de unos cuantos streapteases que aparecerán a lo largo de toda la cinta.
Es entonces cuando aparece Breedlove (hay que decir que dicho nombre está basado en el film de Kubrick del mismo año "Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb" o “¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú“ y la película originalmente se llamaba “Dr. Breedlove, or, How I Learned to Stop Worrying and Love”. Pero una demanda impidió que el film saliera con dicho título). El doctor lleva gafas oscuras, collarín y su brazo izquierdo está cubierto con un guante de cuero (por lo visto dicha extremidad tiene una mente propia. ¿Os suena? Sí, Kubrick otra vez). Además está maquillado de un color grisáceo con líneas dibujadas en el rostro (por cierto, fijaros en dichas líneas en diferentes tomas… ¡Cambian!). Breedlove está interpretado por Max Gardens que durante todo el film imita a Bela Lugosi.
Pues nada, amigos míos, al buen doctor no le gusta que usen su máquina sin su permiso y la apaga. Kissme se pone el sujetador, mientras que Breedlove se prepara para su próximo experimento. Se trata de ofrecer una poción inventada por él a sus "bombas sexuales", tres mujeres en topless llamadas Boobra (Natasha), Barebra (BeBe) y Hotty Totty (Claudia). Se supone que la bebida las tranquiliza, pero cuando Breedlove les dice: "Mix it up!", las tres comienzan a bailar de manera desenfrenada con los ritmos sincopados de The Gallstones (temazos). Así conocemos lo que se llevaba en los bares de strip tease de la época.
De repente aparece Sterilox. Kissme se acerca a él, le acaricia y le dice “Kiss me quick” (bésame, rápido). Él responde: “bésame, ¿qué?” Claro, desconoce el sexo y todo lo que se relaciona con él… Bueno, pues Sterilox le cuenta al buen doctor cual es su misión. Éste lo escucha asombrado antes de mirar directamente a cámara y preguntar: “¿Y estamos tratando de vencer a los rusos en el espacio?". Después le muestra a sus mujeres, que siguen bailando sin parar. A Sterilox le gusta y le indica que ese es el tipo de mujeres que él busca. Y le pide que cree para él el espécimen perfecto.
Para su primer experimento, Breedlove activa un robot con forma humana femenina que, como no, se quita la ropa. Mientras lo hace, nuestro entrañable mad profesor nos explica cuales son sus objetivos: “Estoy buscando una fórmula que transformarme a una detestable mujer del montón en el espécimen perfecto. Una mujer que sea amable, considerada y capaz. Una criatura que solo viva para amar y preocuparse de su amo, y que su única preocupación sea cumplir las órdenes y hacer todo lo que su hombre le pida”. (Un poco más de machismo/sexismo de los 60).
Sterilox no queda impresionado con la moza, y es entonces cuando hace aparición el monstruo de Frankenstein. O, de acuerdo con la tradición, simplemente Frankenstein. O, como Breedlove insiste, "Fannie Stein", un experimento de cambio de sexo. Y las “Sex Bombs” baila que te baila. Fannie Stein se larga.
Breedlove decide entonces teletransportar a las “Sex Bombs” a la piscina. El cráneo con voz de Peter Lorre dice: “Eh, tío. Tráelas otra vez”.
Pero deben seguir buscando el espécimen perfecto, y con su lupa-circuito cerrado de televisión, exploran la “Catacumba 69” donde una buena mujer practica con una de esas máquinas de ejercicio pasivo tan de moda en los 50-60, la cinta vibratoria. Primero lo hace vestida y luego, como debe ser, medio desnuda.
Usan otra vez la lupa y enfocan el dormitorio, donde un Conde Drácula demasiado maquillado le chupa la sangre a otra fémina. ¿A qué viene esto? No lo sé. Así que vuelven a centrarse en la catacumba donde otra muchacha se desnuda sobre una máquina de ejercicio pasivo. Esto ya comienza a aburrir un poco.
Ahora nos vamos a la piscina donde las “Sex bombs” juegan. Es, para mi gusto, de las escenas más ridículas de este espantoso film. Juzgad, juzgad y vedla. Vergüenza ajena.
Un rato de conversaciones y chistes entre Sterilox y el buen doctor. Aparecen Drácula y una momia, más desnudos... ¡Sterilox, coño, decídete! Han pasado 50 minutos y parece que ha sido hora y media.
Al final se queda con una máquina expendedora (pintada con ceras de colores) y se lleva, como no, a Kissme (pobre civilización Buttless). Y la película termina… Bueno, en realidad acaba cuando Breedlove recibe un nuevo envío de mujeres con las que experimentar. Caen por una rampa y nuestro mad profesor les va colocando etiquetas: OK, choice, prime… A la única que lleva bragas le coloca la etiqueta de “kosher”. ¡Dios! Es de lo más bajuno que he visto en años. Más que una película baja, es subterránea.
En fin, un producto bizarro hasta más no poder, sexista, machista, extravagante, grotesco, absurdo, aburrido,… Pero para los que no han visto películas para adultos de aquella época, curioso de ver. Aunque dudo mucho que a nadie le ponga esta película. Por lo menos, a mí no. Aunque la música ayuda a digerirla.
Aunque si alguien se atreviera a traducirla, sería interesante ver el cúmulo de sandeces y chistes malos que son escupidos a lo largo del film.
Aviso. Es mala, cutre. Eso sí, sírvete una copa, ponte la película y estarás de golpe y porrazo en un antro de Los Ángeles (por ejemplo) en el año 1964





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VARIETEASE (1954)(V.O.)





sinopsis: 

Clásico exponente del Burlesque Cinema. Se plasma en pantalla lo que sucede en un teatro de variedades. Con la más famosa pin-up de todos los tiempos: Bettie Page..





Ficha Técnica

Dirección: Irving Klaw / Productor: Irving Klaw y Paula Kramer / Fotografía: Daniel D. Cavelli / Música: Ben Blossner, Irma Hollander y Metis / Intérpretes: Lili St. Cyr, Baros & Rogers, Cass Franklin, Irving Klaw, Chris LaChris, Monica Lane, Shelley Leigh, Vicki Lynn, Christine Nelson, Bettie Page, Peppe & Roccio, Bobby Shields, Dave Starr, Twinnie Wallen Nacionalidad y año: Estados Unidos 1954. Duración y datos técnicos: 71 min. Color 1.37:1. (Versión original sin Subtítulos)






                            

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VV.AA. "Las Vegas Grind, part 1" (Crypt Records)



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sábado, 25 de septiembre de 2010

La Maldición De Los Karnstein (1964) ("La cripta e l'incubo")






sinopsis:

Ludwig Von Karnstein es un aristócrata centroeuropeo que vive en un apartado castillo junto a su hija Laura. Sobre la familia pesa una terrible maldición. Hace siglos, una de sus antepasadas, llamada Sheena, fue condenada y ejecutada por sus propios familiares tras ser acusada de practicar la brujería. Antes de morir, la hechicera maldijo a su estirpe y juró volver, reencarnada en una de sus descendientes, para matar, uno a uno, a todos los Karstein.
El caso es que Laura lleva una temporada sufriendo pesadillas en las que ve morir a jóvenes parientes suyas al tiempo que van llegando noticias de que, efectivamente, las chicas han sido asesinadas. El propio conde Ludwig comienza a inquietarse y solicita los servicios de un experto anticuario llamado Friedrich Von Klaus para tratar de encontrar alguna pista, un retrato de la bruja Sheena, que confirme o alivie sus sospechas acerca de si su propia hija es la reencarnación de la hechicera. Casi al mismo tiempo que el restaurador, llega al castillo una joven desconocida llamada Liuba, cuyo carruaje ha sufrido un percance y a la que los Karnstein ofrecen alojamiento hasta que su aristocrática madre (que ha de realizar unas urgentes gestiones que no admiten demora) pase a recogerla.




Ficha Técnica

Director: Camillo Mastrocinque / Productora: Hispamer Films S.A. / Guión: Ernesto Gastaldi, Carmen Martínez Román, José Luis Montero (basado, muy libremente, en el relato Carmilla de Joseph Sheridan Le Fanu) / Fotografía: Julio Ortas / Música: Carlos Sabina / Montaje: Heriberto Marco / Intérpretes: Cristopher Lee, José Campos, Adriana Ambesi, Pier Anna Quaglia, Vera Valmont, Angel Midlin, Nela Conjiu, José Villasante, Luis Campos, José Cortés, John Karlsen, Cicely Clayton, Rafael Vaquero / Nacionalidad y año: España-Italia 1964 / Duración y datos técnicos: 84 min. Blanco y Negro. Idioma: Dual Castellano (audio algo envejecido) e italiano, con algunas escenas exclusivamente en italiano y subtítulos realizados expresamente para ellas (y sólo para ellas).


Comentario


La Maldición De Los Karnstein es una peli curiosísima en más de un sentido. En primer lugar porque se trata, al mismo tiempo, de un ejemplo de Gótico Italiano (realizado en su momento álgido, además) y de Fantaterror español (y bien temprano, por cierto). En segundo lugar porque supone, que yo sepa, la primera adaptación del relato Carmilla de Joseph Sheridan Le Fanu (que tanto juego ha dado después… sobre todo en manos de la Hammer). Y en tercero porque la película conoció, casi desde su estreno, tres montajes diferentes (el español y el italiano, por supuesto, al fin y al cabo ambos podrían ser considerados los “originales”… a los que se unió un tercero, americano, para el mercado yanqui).

Yo conseguí, tras una búsqueda digna de una de esas noveluchas de Dan Brown, los tres. Deseché inmediatamente el estadounidense por ser muy parecido al español (y porque estaba doblado al inglés, sin rastro de audios originales). Hice lo mismo con el montaje patrio, ya que la copia de la que dispongo es un TVRip con una calidad de imagen realmente mala (tremenda, desesperante… maese Coxtra, que es el amigo que me ayudó con el montaje –bueh… en realidad el que lo hizo todo- podrá dar fe de que no exagero nada). No obstante, el audio era aprovechable (a pesar de estar bastante envejecido) así que, contando con la versión italiana, podía intentarse algo al respecto. Como yo soy un auténtico zote en lo que a temas técnicos respecta, solicité la ayuda del anteriormente citado maese Coxtra. Y mi buen amigo acometió la tarea de hacer un montaje aprovechando el audio español y la imagen italiana. Y a fe mía (y suya) que fue un trabajo arduo. Las versiones española e italiana eran muy diferentes. No se trataba sólo de escenas cortadas… eran montajes distintos. Al final, con mucho esfuerzo, paciencia y habilidad, maese Coxtra consiguió dejar una versión dual impecable (en la que incluso me parece notar que el envejecido audio español ha mejorado un poco… lo juro). Como hay algunas escenas en toscano que no llevan doblaje, hemos elaborado unos subtítulos para ellas (exclusivamente para ellas… Y lo advierto porque al ser una versión dual lo ideal habría sido crear unos subs en español para el que quiera disfrutar la peli en VOSE. Pero no he podido hacerlos, mes amis… Quizás algún día…).

Bueh… En cualquier caso la película es una obra más que notable. Bien es verdad que como ejemplo de Gótico italiano, siendo arquetípica, no es la mejor (su propio director, Mastrocinque, firmó dos años después una cinta titulada Un Angelo Per Satana que, al menos a mí, me parece infinitamente superior; casi rozando la categoría de obra maestra) pero eso no impide que la considere una pequeña joya, una delicia disfrutable y encantadora.

Ahora… eso sí… como muestra del temprano Fantaterror patrio no tiene precio. Y me sirve, una vez más, para arrimar el ascua a mi sardina (o traer el agua a mi molino, o la expresión que voacés prefieran) y defender, aportando otra prueba más, mi sempiterna, machacona y cansina teoría de que el género de terror, al menos desde 1961 (y “Gritos En La Noche”) conoció un auge evidente en España durante la década de los 60’s. A despecho de ese disco rayado (tan rayado como el mío, lo reconozco) que insiste en que no es hasta finales de esa misma década y principios de los 70’s cuando realmente arranca. Ejem.

Y, además, me sirve para demostrar que el nivel medio de calidad de las producciones de ese Fantaterror estrictamente sesentero era superior al de las pelis que le siguieron… Porque, mal que nos pese, el aluvión de películas de miedo producidas a partir de 1970 en España no se caracteriza, precisamente, por sus valores cinéfilos. Y mira que me gustan a mí, que conste… Pero las cosas como son: Hay que reconocer que el nivel de exigencia se relajó un poquico… Que el listón bajó algo, coñe. Que, disfrutables y entrañables como son (y absolutamente imprescindibles. No concibo mi vida sin ellas), sus pretensiones eran muy claras. Y en la mayor parte de los casos no incluían entre ellas el reconocimiento de la crítica, desde luego...

En los 60’s la cosa era diferente. Seguía primando la contención, la elegancia, la búsqueda de una especie de legimitación estética y artística que, si bien no siempre se lograba, no dejaba de percibirse en la mayor parte de las producciones de la época. En “La Maldición De Los Karnstein”, desde luego, se nota mucho.

La peli es la quintaesencia de lo Gótico. Ambientada en el siglo XIX en un indefinido lugar de Europa Central (germanófono, supongo; por los apellidos y nombres, más que nada… Aunque bien es cierto que el ama de llaves se llama Rowena –nombre que me suena muy celtobritánico- y que la joven recién llegada responde por Liuba o Ljuva, que uno juraría que parece eslavo), aparecen todos y cada uno de los ingredientes del género. Lo sobrenatural, desde luego. Pero también los escenarios y elementos más típicos como son el viejo castillo lleno de largos y oscuros corredores, los candelabros, los amplios salones, los ventanales azotados por la lluvia y las ramas de los árboles, las ruinas, las criptas, las estatuas de piedra, los sepulcros familiares, las campanas de la iglesia abandonada, las jóvenes protagonistas corriendo a través de la noche vestidas con sus camisones blancos, los mayordomos siniestros y los nobles atormentados. Vamos… de enciclopedia.

Antes he aludido a sus valores formales. Y a fe mía que le sobran… Contenida, elegante, con una fotografía espléndida (llena de claroscuros y muy deudora de las producciones italianas de la época) y con la presencia del fabuloso Cristopher Lee, espléndido como siempre. La peli es una joyica de principio a fin, dignísima representante de una época en que hasta las producciones de serie B y vocación estrictamente comercial mimaban cada detalle (la ambientación es una maravilla) con un esmero que se echa en falta desde hace muchos años incluso en la gran industria.

Como ya he comentado, el argumento se inspira, de forma muy libre, en el relato Carmilla, de Joseph Sheridan Le Fanu. La historia del escritor irlandés de Ghost-Stories tiene el honor de ser, junto al Drácula de Bram Stoker, uno de los grandes textos clásicos sobre el vampirismo (desde mi punto de vista, las dos obras, mano a mano, fijaron el canon estético, iconográfico, del vampiro tal y como lo conocemos… Al menos hasta el advenimiento de esas languideces pseudoliterarias de Anne Rice y sus espúreos e indeseables descendientes de los últimos años). Que yo sepa, es la primera vez que una película adaptó el relato. Pero cuidado… porque “La Maldición De Los Karnstein” no es exactamente una peli de vampiros. O no lo es en el sentido al que estamos acostumbrados (o, mejor dicho, en el que cabría esperar de una producción de aquella época). Para empezar, lo de “adaptación libre” hay que matizarlo. El argumento, en cierto modo, es muy fiel al cuento de Le Fanu. Pero lo inserta (o envuelve) en otras historias diferentes, como la de la maldición familiar, la bruja ejecutada cientos de años atrás y un evidente tono de peli de suspense que juega a mantener la tensión sin que sepamos quién es el malo hasta los minutos finales…

Por otro lado, ya lo he dicho, aunque la Carmilla original era un relato de vampiros en sentido estricto, aquí no hay un decantamiento tan claro. De hecho, que nadie espere colmillos puntiagudos, mordiscos en el cuello ni cosas parecidas, porque no aparecen en ningún momento… Ni siquiera se mantienen los nombres originales. Aquí no hay Carmillas ni Mircallas. Aunque, eso sí, la familia se apellida, claramente, Karnstein; por si había dudas. Lo que sí se respeta, e incluso se potencia, es ese erotismo soterrado y homoerótico, de la obra de Fanu (la ambigua relación entre Carmilla y su joven anfitriona… en este caso entre Liuba –o Ljuva- y Laura) que en la peli es bastante evidente (aunque no explícito… Aquí no hay desnudos ni camisones transparentes. Desgraciadamente para los que como yo, tenemos cierta inconfesable pulsión voyeurística, ay… 1964, of course). Como no podía ser menos, en la versión española buena parte de los “cortes” corresponden a esas escenas en las que la amistad entre las dos jóvenes deja entrever connotaciones sáficas. Pero (y esto es lo más curioso) ni todos los cortes afectan a ese tipo de escenas ni todas las que serían susceptibles de ser interpretadas de esa forma están cortadas… Cosas veredes, Sancho…

Y un último comentario sobre la peli. De todos los títulos con los que ha sido conocida, es evidente (o al menos así me lo parece a mí) que el italiano “La Cripta E L’Incubo” es el más hermoso y evocador. Y que el español (tan original como el toscano, cuidado… hablamos de una coproducción literal) es bastante menos llamativo; más tópico, más previsible. Sí, vale. Pero tengo que decir que, siendo así, el hermoso título italiano es bastante tramposo. Que es mentira, vaya…

Aquí no salen íncubos, señores. Vamos… ni uno (aunque criptas sí… eso desde luego). Ya saben voacés lo que es un íncubo. Un demonio que adopta apariencia masculina para, básicamente, dedicarse a seducir a alguna moza o dama de buen ver. En contraposición, el súcubo es un demonio con aspecto femenino que se dedica a hacer lo propio con señores y muchachotes rijosillos. Ignoro si en el infierno se aplica la política de cuotas (por género, que dirían los políticos… por sexo, creo que es la forma correcta de decirlo) pero, con independencia de que Satanás tenga en nómina más íncubos o más súcubos (o un estricto 50% según las normas legales recientemente aprobadas) tengo la impresión de que el nivel de eficacia laboral y cumplimiento de objetivos (mensuales, trimestrales, anuales y lo que haga falta) de los súcubos ha de ser muchísimo mayor que el de sus compañeros íncubos. Vamos… Estoy seguro. Comohaydiós. Jejejejeje.

Por eso, el título español “La Maldición De Los Karnstein”, humilde, tópico, poco imaginativo como es, se ajusta infinitamente más a la verdad que el de nuestros primos y socios. Y ya, de los títulos alternativos franceses y yanquis ni les cuento…

Y nada más, que ya vale. Recordar, sobre todo, que el formidable trabajo de montaje (en el sentido estrictamente cinematográfico… como los de verdad) lo ha realizado maese Coxtra. Y ha debido ser como construir una pirámide egipcia con tu cuadrilla de amigos de toda la vida en mes y medio. Titánico, de verdad. De los que parece mentira que puedan hacerse. Así que si a alguien hay que agradecerle algo (y yo creo que sí que hay que agradecer, coñe) es a maese Coxtra.

Por cierto… que ahora me acuerdo de una curiosidad muy curiosa. El audio español utilizado incluía, en la escena final, la de la calesa (cuando vean la peli voacé sabrá de qué escena hablo) un extraño diálogo en off entre un abuelo y su nieto (o un cura y un niño… no estoy seguro a pesar de haberlo escuchado por última vez hace una hora) en el que, sin venir a cuento, el viejo daba una serie de consejos al chaval y aclaraba que si uno es buen cristiano, cumplidor y formal, no tiene que tener miedo a nada. Y que los fantasmas y vampiros no existen… En serio. Tal cual. Como una especie de coda final moralizante y tranquilizadora. Como el comentario de un padre a su hijo tras ver una peli de miedo que ha asustado mucho al chiquillo. Como un mecanismo de desactivación (pues eso es lo que era… ni más ni menos) que en un minuto, se cargaba todo el clímax de la peli, todo el sentido catártico que una buena película de terror ha de tener. Coñe.

Por supuesto, y de común acuerdo, maese Coxtra y este servidor hemos acordado suprimirlo en aras del bien común y el interés general que siempre nos mueve (ejem). Pues eso.

La peli puede descargarse desde Rapidshare y Megaupload. Ojo, que no son links intercambiables. Eso sí, aunque no son el mismo número de enlaces, el archivo final (la película) es el mismo. En ambos casos están cortados con Hacha (no con el File Splitter, como hago habitualmente).

Los subs para las escasas escenas no dobladas al castellano van en archivo aparte. Y sólo están en Rapid.



Que voacés la disfruten.









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Subtítulos para las Escenas en Italiano:

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Cortada con Hacha.



miércoles, 15 de septiembre de 2010

The Earth Dies Screaming (1964) (V.O.S.E.)






sinopsis:

Un piloto de pruebas regresa de una misión para encontrar que Gran Bretaña ha sido invadida y conquistada por una raza de robots que convierten a la gente en zombies. Pero también descubre que hay más gente que como él ha sobrevivido. Deberán unirse para sobrevivir y contrarrestar al invasor.



Ficha Técnica

Director: Terence Fisher / Productor: Robert L. Lippert y Jack Parsons / Guión: Harry Spalding / Fotografía: Arthur Lavis / Música: Elisabeth Lutyens / Intérpretes: Willard Parker (Jeff Nolan), Virginia Field (Peggy), Dennis Price (Quinn Taggart), Thorley Walters (Edgar Otis), Vanda Godsell (Violet Courtland), David Spenser (Mel), Anna Palk (Lorna) / Nacionalidad y año: Reino Unido 1964 / Duración y datos técnicos: 62 min. b/n 1.66 : 1 (V.O.S.E.) 


Comentario


Con “The Earth Dies Screaming”, “S.O.S. El Mundo en Peligro” (1965) y “Night of the Big Heat (1967), Terence Fisher construyó una extraña trilogía en la que todos los títulos eran adaptaciones de un mismo argumento, casi sucesivos remakes: las tres películas de la serie explicaban, con escasas variaciones, el enfrentamiento de un reducido grupo de seres humanos con amenazas de orden global. “The Earth Dies Screaming”, concretamente, narra la devastación de la Tierra por parte de unos invasores del espacio exterior cuya arma es una legión de robots inmunes al armamento terrestre y capaces de transmutar humanos en zombies sin voluntad. Un piloto de pruebas en el aire durante la invasión, aterriza en Inglaterra y descubre con horror la trágica situación. Con admirable valentía, el piloto consigue formar un grupo con algunos de los
supervivientes y contrarrestar dicha invasión, dándole una esperanza a la raza humana.
El eficaz, cuando no genial, Terence Fisher hizo lo que pudo con semejante
guión (una libérrima e inconfesa versión, de estética y ética un tanto trasnochadas para la época, de la excelente novela de John Wyndham “El día de los trífidos”) en su segundo trabajo para Lippert Productions, realizado inmediatamente después de la incomprendida “The Horror of It AII” (1964).
Es una cinta corta, que se deja ver sin ningún problema que bien podría haber sido un episodio de, por ejemplo, “The Twilight Zone”, ya que, en realidad, no sucede nada. O, mejor dicho, sucede todo (invasión y salvación de la raza humana) en un villorrio inglés con seis supervivientes. Pero la historia es superficial y no se profundiza en nada, sino que tras casi una hora de film, de repente, de golpe y porrazo, el protagonista principal, Willard Parker (Jeff Nolan) descubre como repeler el ataque y parar la invasión. No hay intriga, ni emoción, ni siquiera unas pocas dosis de protociencia… Es casi más un drama (modesto y anodino) ya que se fija sobre todo en como los personajes sobrellevan la invasión, que un film de ciencia ficción. Pero aún así no lo consigue, no llega, se queda en la superficie. Vamos, que no convence ni por asomo.
Lo mejor de la cinta, los robots que, aunque se mueven como patos mareados, tienen un aspecto sobrecogedor. Entretenida, por lo corta que es. No es de lo mejor del amigo Fisher.









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miércoles, 8 de septiembre de 2010

La gran sorpresa (1964) (Dual Español/Inglés + Subs) ("The first men in the moon")



Nuevo repost de un clásico ya posteado antes, ripeado del dvd. En versión dúal y con los subtítulos aparte (dentro del archivo rar). Si preferís la versión doblada al español, sólo debéis ir al post original, a través de este Link



Sinopsis:

El relato fantástico sobre la vida en la luna de H. G. Wells cobra vida en la gran pantalla de la mano del mago de los efectos especiales Ray Harryhausen en esta sorprendente cinta de ciencia-ficción sobre extraterrestres. La película comienza con un equipo de astronautas estadounidenses inmersos en los preparativos de un viaje a la luna. Los astronautas se quedan confundidos y muy intrigados por un hombre que asegura que él, su novia y un científico viajaron a la luna 65 años antes y fueron atacados por los selenitas, unas criaturas extrañas mitad hombre, mitad hormiga que viven en enormes cavernas de cristal.


Ficha Técnica:

Título original: The first men in the moon / Nacionalidad: Reino Unido / Año: 1964 /Género : Ciencia-Ficcion / Formato: Color / Duración: 104 min. / Director: Nathan Juran / Guión: Nigel Kneale, Jan Red, basado en la novela de H.G. Wells / Fotografía: Wilkie Cooper / Música: Laurie Johnson / Criaturas: Ray Harryhausen /Producción: Ray Harryhausen, Charles H. Sehneer / Reparto: Edward Judd (Arnold Bedford), Martha Hyer (Kate Callender), Lionel Jeffries (J.Carvor), Miles Malleson, Norman Bird.


Comentario:

Película de los sesenta que se basa en la obra de H.G. Wells que ya había sido llevada al cine (mudo) por el genial pionero Georges Méliès en la famosa "Le voyage dans la lune" de 1902.Explica como a finales del S.XIX, dos hombres y una mujer de la Inglaterra victoriana llegan a la luna gracias a una cápsula impulsada por cavorita, una sustancia capaz de vencer la gravedad inventada por el excéntrico dr. Cavor, que es uno de los tripulantes. Le acompañan su socio Arnold Bedford, un caradura hombre de negocios que busca el posible beneficio económico y la novia de éste, Kate Callender.En la luna se encontrarán con los selenitas, una civilización de insectors inteligentes que los capturarán. Las actitudes frente a los selenitas enfrentarán al conciliador Cavor y al impulsivo (e intolerante) Bedford.

Para apreciar la película tiene que mirarse con los ojos de la época en que se hizo, porque hoy los decorados nos pueden parecer muy de cartón piedra y la caracterización de los selenitas unos tipos con ridículos disfraces de abejorro.
Lo mejor son las criaturas del mago de la stop-motion Ray Harryhausen, aunque tienen una importancia algo anécdotica en el film, por lo que se considera una obra menor en su carrera. Aún así, su magia está presente en las orugas gigantes o una de las castas de selenitas animadas gracias a la Dynamation que él patentó.

La película recuerda al cine de invasiones americano de los cincuenta, mezclado con el toque victoriano de cintas como ""20.000 leguas de viaje submarino", "Viaje al centro de la tierra", basadas en obras de Verne, o la genial "El tiempo en sus manos" que adapta a Wells. El mismo director, Nathan Juran, era un experto en aventuras fantásticas como "Simbad y la princesa" (también con Harryhausen), "Jack y el gigante asesino" o "El ataque de la mujer de 50 pies".

"La gran sorpresa" también tiene una importante parte cómica, sobretodo en la primera parte desarrollada en la tierra gracias al hiperactivo dr. Cavor.

Hay que destacar que en las labores de guionista encontramos a Nigel Kneale, el creador del dr. Quatermass.

Atención al final, cogido de otra famosa novela de H.G. Wells.



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sábado, 3 de julio de 2010

El Más Allá (1964) (V.O.S.E.) ("Kwaidan")




sinopsis:

La película consta de cuatro episodios independientes, basados en relatos tradicionales japoneses de fantasmas que Lafcadio Hearn (de origen británico, pero nacionalizado japonés) recogió en su libro "Kwaidan" a fines del siglo XIX.

Los títulos son: “El Pelo Negro”, “La Mujer De Las Nieves”, “Hoichi El Desorejado” y “En Una Taza De Te”.




Ficha Técnica

Director: Masaki Kobayashi / Productor: Shigeru Wakatsuki / Guión: Yoko Mizuki, según relatos extraídos del libro KWAIDAN de Lafcadio Hearn / Fotografía: Yoshio Miyajima / Música: Toru Takemitsu / Montaje: Hisashi Sagara / Intérpretes: Rentaro Mikuni, Michiyo Arayama, Misado Watanabe, Tatsuya Nakadai, Keiko Kishi, Yuko Mochizuki, Katsuo Nakamura, Tetsuro Tamba, Takashi Shimura, Kanemon Nakamura, Osamu Takizawa, Seiji Miyaguchi / Nacionalidad y año: Japón 1964 / Duración y datos técnicos: 183 min. Color (maravilloso, esplendoroso color) Subtítulos incrustados en la película. DVDRip


Comentario



Vamos allá con el viejo y entrañable terror japonés hecho en los 60’s (a despecho de todos los que, al leer las dos palabras juntas –“terror” y “japonés”, of course- creen que la cosa empezó en los 90’s con chicas de pelo negro y lacio saliendo de un pozo y horrores domésticos y urbanos relacionados con aparatos eléctricos, ejem).


¿Qué puedo deciros de esta película que no sepáis ya? Es una auténtica maravilla. Una obra maestra del cine japonés (y del mundial, qué diablos...). De hecho, creo que clasificarla como peli de Terror es imponerle una etiqueta que, de algún modo, le viene pequeña. En las tiendas, desde luego, no la busquéis en los estantes que últimamente sólo ocupan burradas gore, el enésimo remake tremendista de alguna cosa de hace treinta años y las veintisiete partes de “Saw”, sino en los de Clásicos o Cine De Autor. Por cierto, aprovecho para recomendaros encarecidamente su compra, la del DVD original, digo... Si es que todavía la encontráis. Filmax la editó en su serie Maestros Del Cine Japonés, aunque con el título de “El Más Allá”, así, a secas. Lo que hizo que me volviera loco (y volviese también loco, de paso, a algún amable dependiente) hasta que conseguí encontrarla, hace unos cinco años. Ahora creo que ya está descatalogada, pero es posible que todavía se esconda una copia en el fondo de algún cajón de saldo, en el exhibidor de una gasolinera de carretera o donde menos se la espera uno. Si es así, no dudéis en pillarla. Es una inversión provechosísima.


Las cuatro historias, como ya he dicho, se basan en relatos del libro de Lafcadio Hearn (en España hay dos ediciones, que yo sepa: en Siruela y en Alianza Bolsillo. Las dos son buenísimas. Otra recomendación imprescindible...). Este señor era un occidental cuya historia parece sacada de una novela. Hijo de un militar británico (irlandés) destinado en el Mar Jónico y de una isleña griega, se crió en Irlanda e Inglaterra. Cuando alcanzó la mayoría de edad emigró a Estados Unidos para trabajar como periodista. Allí residió más de 10 años, hasta que los avatares de su profesión lo llevaron al Japón. En el país del sol naciente se casó con una chica de linaje samurai, tuvo cuatro hijos, adoptó el nombre de Koizumi Yakumo y se nacionalizó japonés, dedicándose a escribir y a vivir apaciblemente hasta su muerte, en 1903.


La película, aparte de ser otro de mis fetiches cinematográficos (junto a The Wicker Man y El Viy, ya colgadas aquí) es una maravilla de principio a fin. Especialmente la fotografía, realizada con un preciosismo y un colorido extraordinarios. De hecho, a mí me recuerda muchísimo a lo que el maestro Mario Bava estaba haciendo en ese momento en Italia. En serio, las imágenes son tan hermosas que aunque la cinta no estuviese subtitulada uno podría disfrutarla igual, simplemente admirando los colores y las escenas, sin entender lo que dicen los personajes. Lo juro (bueh... al menos a mí me lo parece). También recuerda (estética, visualmente) a esas joyicas que el soviético Paradjanov filmó entre 1964 y 1969. Es casi pictórica, en serio. Preciosa.

De hecho, aunque no lo haya dicho nadie, yo creo que Coppola se acordaba de ella (o la tenía en mente) cuando filmó según qué escenas de su Drácula en 1992. Aunque no tenga nada que ver. Cuando la veáis me entenderéis…



Pero bueno... que me enrollo... Ahí tenéis la peli. Antes del advenimiento de “The Ring/Ringu” y todo el boom del terror japonés de los 90’s, antes del Miike y los discípulos coreanos, antes de la llegada de los fantasmas urbanos y de las niñas siniestras de melena negra y lacia, ya estaban los viejos espectros y aparecidos tradicionales de “Kwaidan”. Más poéticos, más hermosos (infinitamente más), igual de inquietantes...


Esto no es sólo cine de terror. Es CINE. Así, con mayúsculas y a secas...


Como siempre, está cortada con File Splitter & Joiner. Y no es un ripeo propio (aunque ya he dicho que tengo el DVD original) sino una descarga de la mula. Se trata de un DVDRip con una calidad excelente, fabulosa, lo que hace ocioso que yo ripee mi DVD. Ocupa 1,5 megas, vaya... Y va en japonés original con subtítulos en castellano (sactamente como en el DVD original, que conste). Los subs van incrustados.

Eso sí, os aviso: la peli dura nada y nada menos que 183 minutos (tres horas). Aunque a mí, cada vez que la veo, se me pasan como un suspiro…


Que voacés la disfruten tanto como yo (con que sea una décima parte será suficiente, jejeje).







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