sinopsis En zona apartada y pantanosa de Luisiana se están produciendo una serie de extraños crímenes. En menos de dos años, ocho mujeres (todas jóvenes y guapas) han sido asesinadas de una forma que evoca algún tipo de ritual (los cadáveres aparecen colgados de un árbol, boca abajo, totalmente desangrados y con un “cruz ansata” –o ankh- dibujada con su propia sangre sobre el vientre).
La zona cuenta con cierta tradición brujeril y los lugareños creen que detrás de todo se encuentra la práctica de la magia negra.
Para intentar aclarar el misterio llega a la comarca un pequeño equipo de investigadores psíquicos y parapsicológicos. Como mandan los cánones (esto es una peli de miedo), se instalan, por supuesto, en una cabaña aislada en lo más profundo del bayou. Bien lejos de cualquier posible ayuda y bien cerca de los malos que acechan en los pantanos…
Ficha Técnica Director: William O. Brown / Productor: William O. Brown y L. Q. Jones (LQ/Las Cruces-Arrow) / Guión: William O. Brown / Fotografía: John Arthur Morrill / Música: Jaime Mendoza-Navas / Intérpretes: Thordis Brandt, Anthony Eisley, Alvy Moore, John Lodge, Shelby Grant, Tony Benson, Robyn Millan, Sue Bernard, Teska Moreau, Helen Winston, Warrene Ott, Rudy Haydel, Kathy Linn, Howard Viet, Nancy Crawford, Patricia Wymer, Burt Mustin / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1968 / Duración y datos técnicos: 97min. Color DVDRip (aunque la copia original no es para tirar cohetes. A veces parece un VHSRip. Bien hecho, eso sí...) (V.O.S.E.)
Comentario Pues aquí estoy de nuevo, mes amis, después de una larga ausencia (por razones ajenas a mi intención.... Eso sí: ninguna cosa grave, Allah sea loado).
He intentado aprovechar (dentro de lo posible) ese retiro forzoso para seguir “arrebuscando” rarezas y pelis difíciles de ver. Con razonable éxito. Lo que ocurre es que todas las que he encontrado están en el taller porque o bien necesitan algún tipo de montaje o bien requieren la creación de subtítulos exnovo. Y esas cosas llevan su tiempo (y tiempo, precisamente, es lo que no he tenido hasta ahora).
Bueh... Pero vayamos a la chicha, que es lo que importa.
En algunos de los últimos posts y comentarios en los que intervine salió a relucir, más de una vez, una especie de subgénero que a mí me llama mucho la atención y que me parece menos conocido (y reconocido) de lo que se merece. Me refiero a esa corriente de películas americanas, producidas entre finales de los 60’s y principios de los 70’s, que abordan el satanismo desde un punto de vista que no tiene nada que ver con películas como La Semilla Del Diablo (1967) o El Exorcista (1973), cintas que servirían para “acotar” cronológicamente (de una forma muy laxa) el subgénero al que me estoy refiriendo. Pero a las que, curiosamente, no debe nada, ni estética ni argumental ni ideológicamente.
Ese subgénero para el que no se me ocurre ningún nombre (¿Satanismo Hillbilly, quizás? Ejem...) se caracteriza por enfocar el tema del diabolismo de una forma muy peculiar, presentando comunidades enteras, organizadas, dedicadas a la adoración del diablo, ubicadas en zonas rurales más o menos aisladas, perfectamente definidas y cohesionadas. Como una especie de reflejo enloquecido (aunque no explícito) del cinturón bíblico del Medio Oeste o del Sur profundo redneck, conservador y ultracristiano.
Poco a poco, gracias a los dioses (o a vaya usté a saber a quién... mejor no pensarlo mucho, tratándose del tema que se trata, ejem) esas películas han ido saliendo a la luz en éste y otros foros. Hablo de The Devil’s Rain, Enter The Devil, The Warlock Moon, The Brotherhood Of Satan, Werewolves In Wheels, Blood Sabath (ésta todavía en V.O., aunque puedo anunciar un inmediata subida con doblaje) o Race With The Devil.
Bueh... Pues ahora le toca a una de las primeras, The Witchmaker.
Se trata de una curiosa peli de 1968, a medio camino entre las bizarradas sesenteras que suele editar Something Weird Video y el subgénero del que acabo de hablar.
Producida por L.Q. Jones (un secundario habitual en las cintas de Sam Peckimpah que manifestó cierta afición al género satánico, ya que también está detrás de The Brotherhood Of Satan) con un presupuesto realmente ínfimo y un argumento que oscila entre lo delirante y lo riguroso, sin términos medios, no termina de pertenecer de hoz y coz al subgénero de Satanismo Hillbilly aunque ya tiene presentes muchas de sus claves.
En The Witchmaker no se nos presenta, en realidad, una de esas comunidades rurales y cerradas a las que antes he aludido. Aquí los adoradores de Satán son más “profesionales” y escasos. Y parecen sacados de una película primeriza de Roger Corman o de una serie-Z que intentase imitar los modelos británicos de principios de la década. El elemento fantástico pesa mucho más (transformaciones, materializaciones y demás “ones”... Todas muy mágicas y poco realistas). Uno no tiene muy claro qué relación tienen con el entorno y, para colmo, montan una suerte de aquelarre a medio camino entre un espectáculo de burlesque (bailarina de danza del vientre incluida. Lo juro!) y un picnic familiar en el que los participantes (invocación mediante) parecen extras rechazados en el cásting de La Máscara De La Muerte Roja o The Cry Of The Banshee (tanto da... No los hubieran querido en ninguno de los dos).
Pero, por otro lado, su localización en los bayous pantanosos de la Luisiana, en una zona apartada, aislada y extrañamente pintoresca que en el imaginario estadounidense está muy relacionada con lo sobrenatural, lo siniestro y lo fantástico (el vudú, la licantropía, la brujería africana y europea, las viejas tradiciones sobrenaturales francesas y españolas) y alguna cosa más la relacionan directamente con ese Satanismo Hillbilly del que hablamos.
La aparición de un equipo de investigadores, decididos a esclarecer las extrañas muertes producidas en los últimos años recurriendo a técnicas parapsicológicas no hace sino acentuar ese parentesco. Pero ya digo: es como si, teniendo todos los componentes, el director y guionista no se hubiera decidido del todo a apostar por el realismo satánico. Como si a última hora se hubiera aferrado a las viejas convenciones de brujas volando encima de escobas y cierta imaginería gotizante (en el sentido europeo) que ya entonces estaba siendo abandonada.
Pero bueh… Con todo y con eso, la peli tiene su interés y es entretenida. Además, en medio de un batiburrillo de referencias, chicas en bikini, escotes generosos y bailarinas del vientre, juega con cosas curiosamente rigurosas como la aparición del ankh (la cruz ansata de origen egipcio) o la caracterización del brujo mayor (el siniestro y excesivo John Lodge) como berserker (lo que remite al paganismo germano… Ya sabéis que los bersekers eran guerreros poseídos por la divinidad, por demonios o por el espíritu de un oso). Ya lo he dicho antes, la película está un poco a medio camino entre las bizarradas de Something Weird Video y las rarezas underground de finales de los 60’s. No es Simon, King Of The Witches, desde luego (ni se le acerca… En absoluto) pero tampoco es una nuddie enloquecida o una mera exploitation.
Es una honesta y humilde serie sub-B, hecha con cierta imaginación y que, aunque todavía no se decide a tomar partido por ese Satanismo Hillbily con todas las consecuencias, participa y prefigura de varias de sus características.
Una última curiosidad al respecto. La película no tuvo estreno en España, aunque sí se editó en los 80’s en formato VHS (por eso podemos postear una versión dual). El título que se le dio para la ocasión fue La Hechicera. Lo más curioso es que en la propia USA y a pesar de ser una cinta de limitada distribución y cuya reedición actual es bastante sui-géneris (luego hablo de ella) la cinta fue conocida, además de por su título original de The Witchmaker (algo así como “El Hacedor De Brujas”) por otro bastante más largo: The Legend Of The Witch Hollow.
Y, según parece, por un tercero: The Naked Witch. De hecho, uno de los carteles que he posteado como imagen (y el que me resulta más elegante de todos, la verdad) recoge este último título. La cosa me resulta muy curiosa. Más que nada porque ya existía una película con ese nombre, rodada unos cuantos años antes (en 1961), dirigida por un tal Larry Buchannan, de apenas 60 minutos de duración (directamente realizada para una sesión doble, evidentemente) y que aborda el tema de la brujería desde un punto de vista muy curioso también. Aunque tiene poco que ver con ésta.
Tengo una copia en mi colección, formando parte de una doble-feature de Something Weird Video, pero es una V.O. sin subs. Quizás un día le haga unos subtítulos y la suba.
La copia que ahora posteo es un ripeo de un DVD americano al que se ha montado un audio español procedente de una edición en VHS. Yo tengo el DVD original yanqui, una cosa muy curiosa… Se trata de una edición de Sinister Cinema, una casa que se dedica a editar y vender rarezas en VHS y DVD de una forma que yo definiría como semiamateur. Me da que lo que hacen es pasar VHS’s a DVD con cuidado, limpiando un poquico la imagen y esmerándose por conseguir un resultado digno. Al menos bastante mejor que lo que hacen los de Alpha Video (que es de juzgado de guardia). La edición que hicieron de esta película es “especial” y cuenta con dos discos. Uno con el formato scope y otro con el flap. Dado el origen, la calidad de imagen no es precisamente óptima (parece un VHSRip, aunque hecho con mucho cuidado, eso sí) pero sí muy digna. Y, en cualquier caso, es lo único que hay, mes amis. Eso sí, la versión ripeada es la scope, como podréis apreciar por las capturas.
Bueh… Y nada más. Como veis esta vez he sido breve. Eso debe ser por haber perdido la costumbre y porque tengo que ir entrando en calor, jejejeje. Lo que sí espero (estoy seguro) es que mi ausencia ha terminado y que, a partir de ahora, volveré a aparecer con una frecuencia más o menos regular. Lo siento, mes amis, pero no os vais a librar de mí tan fácilmente.
Como siempre, la película está cortada con File Splitter & Joiner. La he subido a Megaupload, aunque he oído que últimamente también este servidor está haciendo la puñeta con especial fruición. No sé si tendré que cambiarme a otros, como Mediafire y tal… Ya veremos… En cualquier caso, un amigo la resubió a Mediafire y yo incluyo los enlaces.
Nuevo repost de un clásico ya posteado antes en versión original con subtítulos. Esta es la versión doblada al español. Si preferís la versión subtitulada, sólo debéis ir al post original, a través de este Link
sinopsis
Es el año 2000, y se realizan habituales vuelos a la base espacial sita en la Luna. En Monster Island, todos los monstruos prehistóricos que perviven, como Godzilla, están confinados, con una barrera electromagnética que les impide escapar. Unos extraterrestres atacan el lugar, toman el control de los monstruos y los lanzan de uno en uno contra distintas ciudades del mundo.
Ficha Técnica
Dirección: Ishirô Honda. Productor: Tomoyuki Tanaka para Toho Co. Guión: Kaoru Mabuchi [Takeshi Kimura], Ishirô Honda. Fotografía: Taiichi Kankura. Música: Akira Ifukube. Montaje: Ryohei Fujii. Efectos especiales: Eiji Tsuburaya. Intérpretes: Akira Kubo (capitán Katsuo Yamabe del SY-3), Jun Tazaki (doctor Yoshido), Yoshio Tsuchiya (doctor Otani), Kyôko Ai (reina Kilaak), Yukiko Kobayashi (Kyoko Yamabe), Kenji Sahara (comandante Nishikawa), Andrew Hughes (doctor Stevenson), Chotaro Togin, Yoshifumi Tajima, Hisaya Ito, Yoshio Katsuda, Heihachiro Okawa, Koji Uno, Ikio Sawamura.... Nacionalidad y año: Japón 1968. Duración y datos técnicos: 89 min. color 2.55:1. (V.O.S.E.)
Comentario
Especie de revisión pop de la fundacional “Japón bajo el terror del monstruo” (1954). De hecho una reunión de todos los bichejos “made in Toho” en una única película, a saber: el inefable Godzilla, Mosura, Ebirah, Ghidorah, Baragón, Rodan, Wenda. Anzilla y un largo etcétera destinado a divertir a un público de corta edad. Estos ya no eran films de terror, eran aventuras ingenuas en las cuales los gigantescos protagonistas tenían una psicología de marioneta. La novedad de este (eso sí, alucinantemente fotografiado) capítulo estribaba en situarlo cronológicamente en el futuro, incorporando a la serie elementos de las epopeyas espaciales: extraterrestres, naves, batallas, refugios secretos, armas terribles, invasiones... Las criaturas de Eiji Tsuburaya, encerradas en una isla, se escaparán y ayudarán a los japoneses frente a malvados aliens. ¿Una alegoría infantil? No tanto. Japón hacía ya veintitrés años que se rindió (a muchas cosas) y su poder tecnológico empezaba a ser importante. Las secuelas al histerismo atómico personificadas en Godzilla pulverizando ciudades, desaparecieron o se enmascararon en la llamada al progreso, solazando a las nuevas generaciones, adoctrinándolas de paso para ser los hijos de un nuevo tecnocrático lmperio con un sol naciente de dinero y poder... El cambio, la evolución apreciada en estos productos, resulta significativo. Muy entretenida y espectacular.
Unos astronautas aterrizan en Venus en busca de otra expedición pérdida, para su sorpresa, se toparán con un clan de mujeres, que aparentemente paracen salidas de la edad de piedra.
Ficha Técnica
Dirección: Peter Bogdanovich / Productores: Norman D. Wells y Roger Corman / Guión: Henry Ney / Fotografía: Flemming Olsen / Música: Keith Benjamin / Montaje: Bob Collins / Efectos especiales: Giovanni De Palma / Intérpretes: Mamie Van Doren (Moana), Mary Marr (Verba), Paige Lee (Twyla), Gennadi Vernos (Astronauta Andre Freneau), Margot Hartman (Mayaway), Irene Orton (Meriama), Pam Helton (Wearie), Frankie Smith (Mujer de Venus), Georgi Tejkh (Capitán Alfred Kern), Vladimir Yemelyanov (Comandante William 'Billy' Lockhart), Yuri Sarantsev (Astronauta Howard Sherman), Georgi Zhzhyonov (Astronauta Hans Walters), Peter Bogdanovich (Narrador)... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1968. Duración y datos técnicos: 78 min. Color (V.O.S.E.)
Comentario
“Voyage to the Planet of Prehistoric Women” fue la cuarta de una serie de películas que el legendario productor-director, rey del baratillo, Roger Corman logró hacer mediante la compra de dos películas de ciencia ficción soviéticas que fueron rehechas (gracias a un nuevo doblaje, y a unos cuantos añadidos) para el público estadounidense. Corman primero comenzó con “Nebo zovyot” (1960), que fue rehecha por un novato Francis Ford Coppola para convertirse en “Batalla más Allá del Sol“ (“Battle Beyond the Sun”, 1963), y de la que sacaría imágenes para “El Planeta Sangriento “ (“Queen Of Blood”, 1966). Más tarde se haría también con los derechos de “El Planeta De Las Tormentas” (“Planeta Bur”, 1962), y la reconvirtió como “Viaje Al Planeta Prehistórico” (“Voyage to the Prehistoric Planet, 1965), que es el film soviético entero doblado por actores norteamericanos, y con unas cuantas escenas más con Basil Rathbone. Por último, volvió a coger “Planeta Bur”, y algunas imágenes de “Nebo zovyot” y realizó otro refrito que se tituló “Voyage to the Planet of Prehistoric Women”, dirigida por un novel Peter Bogdanovich. Porque la verdad, Corman tenía muy buena vista y se rodeó de jóvenes directores, a los que concedía sus primeras oportunidades de entrar en la industria del cine y realizar filmes al mismo tiempo que se aprovechaba de su ilusión y su voluntad de trabajar, pagándoles una miseria. Así, los “prehistoric planet” films cuentan con nombres como Ford Coppola, Harrington Curtis, Stephanie Rothmann y el productor de “Star Wars” (1977) Gary Kurtz. Con “Voyage to the Planet of Prehistoric Women”, Corman le dio una oportunidad a un joven Bogdanovich, que dirige la película con el pseudónimo de Derek Thomas. Un año más tarde, Corman le cedería a Peter Bogdanovich tres días de un contrato que no había utilizado con Boris Karloff y Bogdanovich pudo realizar el excelente psico-thriller “Targets” (1968) que aseguró su carrera. Posteriormente, Bogdanovich nos regalaría películas tan aclamadas como la genial “The Last Picture Show"(1971), “¿Qué me pasa doctor?” (1972), “Paper Moon” (1973), “Daisy Millar” (1974), “Nickelodeon” (1976) y “Mask” (1985). Las tres cuartas partes de “Voyage to the Planet of Prehistoric Women” se compone de imágenes registradas en los dos films rusos de ciencia ficción anteriormente citados. El lanzamiento, el acoplamiento con la estación espacial y el viaje al planeta todo viene de “Nebo zovyot”, mientras que las escenas explorando la superficie de Venus son de “Planeta Bur”. Peter Bogdanovich sólo rodaría unos 15-20 minutos de escenas originales con las mujeres sirena, comandadas por la escultural Mamie Van Doren. No hay diálogo en ninguna de estas escenas, sólo voces en off. “Voyage to the Planet of Prehistoric Women” cae en los clichés de varias películas del género de la década de los1950, como “Abbott and Costello Go to Mars” (1953), “Cat Women of the Moon” (1953), “Fire Maidens from Outer Space” (1955), “Queen of Outer Space” (1958) que nos muestran planetas poblado por razas de mujeres sin hombres, ansiosos de ellos. La desventaja de este supuesto es que, debido a la naturaleza misma de la forma en que fue concebida “Voyage to the Planet of Prehistoric Women”, los astronautas (que aparecen en el material de archivo que proviene del film soviético) y las mujeres sirena (que provienen del material rodado por Peter Bogdanovich) nunca llegan a juntarse, que suele ser la recompensa en estas otras películas. Hay escenas de las rubias mujeres sirena descansando sobre las rocas y de vez en cuando se sumergen en el océano. Para estos planos, Bogdanovich simplemente cogió un puñado de bellezas y las llevó a Malibú. Las escenas de ellas con sus bikinis de conchas y sus pantaloncillos cortos resultan, en verdad, bastante absurdas y claramente un parche. Pero bueno, algo debían variar las tres películas (la rusa y sus dos refritos). Lo que sí nos encontramos es con un final bastante peculiar. Las mujeres sirena terminan destruyendo su monumento al dios reptil Terra, siendo sustituido por los restos del robot que fue abandonado por los astronautas al caer éste en la lava, y lo toman como su nuevo dios. Una escena que en verdad tiene cierta poesía y que resulta un más que acertado y original final. Por cierto, no es porque nos caiga muy bien, pero podemos llegar a justificar ese placer innato de Corman de exprimir obras soviéticas para reutilizarlas como filmes propios por dos razones. Primero, le salía más barato, y lo más importante, los efectos de las películas soviéticas eran mucho mejores, estaban más cuidados, que los que Corman podría llegar a realizar. Pero esa poca vergüenza vampírica creo que resulta excesiva. Aunque puede llegar a resultar curioso ver las tres películas seguidas y comprobar como, a pesar de ser el mismo film, cambia totalmente por unos nuevos doblaje y guión. Quien lo haga, que nos lo cuente, por favor.
Dos hermanos, Barbra y Johnny, viajan hasta un cementerio para visitar a sus familiares difuntos. Pronto son atacados por un hombre fuera de sí que mata a Johnny. Barbra consigue escapar y llega a una casa abandonada donde conocerá a Ben, un joven de color que también escapa de la misma amenaza: los muertos recientes han vuelto a la vida y están atacando a los vivos en busca de saciar su hambre de carne.
Ficha Técnica
Director: George A. Romero / Productores: Russel W. Streiner, Karl Hardman para Image Ten / Guión: George A. Romero y John A. Russo, según el relato “Anubis” de George A. Romero / Fotografía: George A. Romero / Música: Biblioteca Capitol Hi-Q [Ib Glidemann, Philip Green, Geordie Hormel, William Loose, Jack Meakin, Spencer Moore] / Montaje: George A. Romero, John A. Russo / Maquillaje: Marilyn Esatman, Karl Hardman / Efectos especiales: Regis Survinsky, Tony Pantanello / Intérpretes: Judith O’Dea (Barbra), Duane Jones (Ben), Karl Hardman (Harry Cooper), Keith Wayne (Tom), Judith Ridley (Judy), Marilyn Eastman (Helen Cooper), Russell Streiner (Johnny), Kyra Schon (Karen)... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1968 / Duración y datos técnicos: 96 min. B/N 1:37:1. (V.O.S.E.)
Comentario
Dos hermanos, Johnny y Barbara via¡an hasta un cementerio rural en el que pretenden visitar la tumba de su finado padre. De paseo por el camposanto, son atacados por un individuo extraño (luego se sabrá que es un muerto viviente), que mata a Johnny y está a punto de hacer lo mismo con su hermana. Barbara consigue huir y llegar hasta un caserón, donde se han reunido varios supervivientes, que irán siendo eliminados progresivamente... Defenestrada por críticos de postura irreductible e idolatrada por cinéfagos omnívoros, “La noche de los muertos vivientes”, aun siendo una película pobre en contenidos, se erigió al poco de estrenarse en uno de los títulos fundacionales del moderno cine fantástico. El osado debut de George A. Romero, de presupuesto ridículo y producción rabiosamente independiente (puesto que no había más remedio), abría una importante nueva ola en la comercialización del cine de género: gracias a su ilusorio contenido (pese a la miríada de interpretaciones que suscitó, la película no era más que un refrito de lecturas y sesiones de autocine cocinado con desfachatez, recordemos “Invasores Invisibles”, -Edward L. Cahn, 1959- ) y a una realización en extremo impactante, su novel autor irrumpía con fiereza en el seno de la industria, legitimando, además, el horror explicito como fórmula artística. El éxito de la cinta de Romero, y la posterior afloración de imitadores (que llegó un par de años después de su estreno) tentó a un montón de nuevos cineastas, convencidos de que los temas sangrientos con mensaje eran la nueva piedra filosofal. Craso error: el cine que nació de esa tesitura fue en su mayoría un amplio kilometraje de celuloide baldío, como certifican las carreras posteriores de Romero y del otro cultivador del cine grotesco con tesis, el tosco Wes Craven. Romero continuó (ciego a la evidencia de su incapacidad para seguir sacando jugo del tema) con el tema de los zombies en algunas ocasiones más. A destaca “El día de los muertos” (1985). También reescribiría el guión de “La noche de los Muertos Vivientes”, siendo Tom Savini, un maestro del maquillaje purulento, el encargado de realizar el poco enriquecedor remake. Ésta es posiblemente la mejor, o una de las mejores al menos, película que se ha realizado sobre los zombies. Por novedosa, arriesgada… Vamos, por ser la primera. La gran mayoría de productos realizados con este sangriento tema viene a ser más de lo mismo: humor zafio y casquería a mansalva. Como decían en “El Retorno de los Muertos Vivientes”… “¡cerebros, quiero cerebros!. “Plan 9” te invita a una parrillada, poco hecha.
Un asteroide gigante pasará por la Tierra, así que algunos astronautas desembarcan en una estación espacial cercana para dinamitarlo y salvar así al mundo. La misión es exitosa y ellos regresan a la estación desconociendo que llevan consigo una sustancia verde y pegajosa que los muta en monstruos cíclopeos y tentaculares.
Ficha Técnica
Dirección: Kinji Fukasaku / Productor: Walter Manley e Ivan Reiner para MGM / Guión: Tom Rowe, Charles Sinclair (Historia: Ivan Reiner) / Fotografía: Yoshikazu Yamasawa / Música: Toshiaki Tsushima, Charles Fox / Montaje: Osamu Tanaka / Efectos especiales: Yukio Manoda y Akira Watanabe / Intérpretes: Robert Horton (Comandante Jack Rankin), Luciana Paluzzi (Dra. Lisa Benson), Richard Jaeckel(Comandante Vince Elliott), Bud Widom (General Jonathan B. Thompson), Ted Gunther (Dr. Hans Halvorsen), David Yorston (Teniente Curtis), Robert Dunham (Capitán Martin), Gary Randolf (Cordier), Jack Morris (Teniente Morris, Piloto), Eugene Vince (Técnico), Don Plante (Técnico), Linda Hardisty (Enfermera), Richard Hylland (Michaels), Kathy Horan (Enfermera), Ann Ault (Enfermera), Susan Skersick (Enfermera), Helen Kirkpatrick (Enfermera), Carl Bengs (Piloto), Linda Miller (Enfermera), Strong Ilimaiti (Doctor), Enver Altenbay (Técnico), Tom Scott (Teniente Scott, Piloto), Patricia Elliott (Enfermera)/ Nacionalidad y año: Estados Unidos/Japón 1968. Duración y datos técnicos: 90 min. Color. 2.35 : 1 (Doblada al español)
Comentario
Desde mediados de los años cincuenta, el cine japonés se volcó en la ciencia ficción, siendo especialmente destacable la contribución de Inoshiro Honda y sus películas de monstruos prehistóricos que vuelven a la vida por mutaciones causadas por las experiencias nucleares.Una década más tarde, los japoneses han adquirido una tecnología lo suficientemente sólida y relativamente barata, por lo que la industria norteamericana emprende diversas co-producciones con Japón que le resultan mucho más económicas que si se hubieran rodado en Hollywood. Éste es uno de los títulos más destacados de esta época, y sin duda el que alcanzó una mayor difusión. Su argumento es arquetípico. Una misión galáctica debe interferir la órbita de un asteroide que se dirige irremediablemente hacia la Tierra. Para alcanzar su objetivo deberá enfrentarse a una fauna variopinta de monstruos. Su evidente impacto visual no impide que el conjunto resulte algo convencional, y que sus premisas sean demasiado infantiles. Lo mejor de la función es el imaginativo repertorio de monstruos verdosos y viscosos. Su director es un veterano profesional que ha rodado casi un centenar de films fantásticos, como “Los invasores del espacio” (1978) o “Exterminio” (1980). Una pequeña joyita de serie B llena de imaginación, acción y unos extraterrestre más que simpáticos. Aún con toda su atmósfera de pastiche multicolor, "The Green Slime" se deja ver. Es bastante competente y tiene buen ritmo. Hay muchos defectos (malos actores, desarrollo dramático horrible, naves de juguete, un director al que hay que hacerle un electroshock para que suelte el zoom), pero su espíritu "pulp" termina por triunfar por encima de sus limitaciones artísticas.A destacar el tema musical central del film, que ha sido revisitado por cientos de grupos (sus aires garajeros-sixties invitan a ello) como por ejemplo Fuzztones y Cramps. Recomendación “Plan 9”. Diversión garantizada.
Un grupo de pasajeros de dudosa procedencia viaja a bordo del Corita, un buque oxidado al mando del capitán Lansen, que transporta un cargamento ilegal de explosivos. Después de una emergencia, el barco queda varado en un lugar misterioso. Bajo el manto oscuro de la noche y la niebla, los aterrorizados pasajeros se enfrentan a criaturas monstruosas, algas comedoras de hombres, una sociedad de piratas viciosos y mujeres estupendamente dotadas.
Ficha Técnica
Director: Michael Carreras / Productor: Michael Carreras para la Hammer. / Guión: Michael Carreras, según la novela de Dennis Wheatley / Fotografía: Paul Beeson / Música: Gerard Schurmann / Efectos especiales: Robert A. Mattey, Cliff Richardson / Montaje: Chris Barnes y James Needs / Intérpretes: Eric Porter (Capitán Lansen), Hildegard Knef (Eva Peters), Suzanna Leigh (Unity Webster), Tony Beckley (Harry Tyler), Nigel Stock (Dr. Webster), Neil McCallum, (Primer Oficial Hemmings), Ben Carruthers(Ricaldi). Jimmy Hanley (Patrick, el Barman), James Cossins (Nick, ingeniero jefe), Dana Gillespie (Sarah), Victor Maddern, Reg Lye, Norman Eshley, Michael Ripper... / Nacionalidad y año: Reino Unido 1968 / Duración y datos técnicos: 89 min. Color 1.85 : 1.
Comentario
Nota: este comentario desvela bastante del desarrollo del film. Si quieres un poco de suspense, ni se te ocurra leerlo
"El Continente Perdido" es una incursión de los estudios Hammer en el género de los mundos perdidos (ese mismo que le diera de comer en los 70 a "Hola!. Me llamo Doug McClure y seguramente me habrán visto en En el Centro de la Tierra (1976) y La Tierra que el Tiempo Olvidó (1975)"). Aquí el capo de la Hammer, Michael Carreras, se pone detrás de cámaras y escribe el guión. El resultado final es un producto típico de matineé, entretenido y sólido. Una de las mejores cosas de "El Continente Perdido" es que combate el cliché remanido de la presentación de historias de una larga lista de personajes, lo que podría haber caído en esos insulsos y soporíferos bodrios al estilo de "Aeropuerto" u otros filmes de cine catástrofe. Aquí hay un puñado de caracteres y ninguno es un santo. Tenemos a la amante de un dictador sudamericano que regresa a Venezuela en busca de su hijo y se ha llevado consigo unos millones sin pedir permiso; un médico especialista en operaciones ilegales y su hija ninfómana; un oscuro cazarrecompensas; un alegre borrachín con más dinero de lo normal; y el pragmático capitán del barco, un tipo que opera al borde de la legalidad pero que tiene códigos propios de conducta. En particular este último personaje resulta fascinante; no sólo la perfomance de Eric Porter es muy buena, sino que uno podría imaginar a Humphrey Bogart en el mismo rol. Es un típico antihéroe de los que solía interpretar Boogie. La película arranca muy bien, con buenos diálogos y situaciones de tensión. Es un clima de aventura tal que podría haber inspirado a Peter Jackson para su remake de "King Kong" (capitán con ética propia y oscuro pasado; un barco rumbo a lo desconocido, clima de amotinamiento a bordo y numerosas amenazas simultáneas). Pero cuando la película entra en su capítulo intermedio, comienza a deshilacharse un poco. Toda la secuencia del escape del barco, soportar el huracán en un bote, y reencontrarse con el buque en el Mar de los Sargazos es algo traída de los pelos. Lo que ocurre es que el guión no sabía como deshacerse de la mayoría de la tripulación, pero podían haber encontrado una vía un poco más creíble. Una vez en el Mar de los Sargazos, el filme entra decididamente en el terreno fantástico. Hay algas carnívoras, monstruos marinos y sociedades que se han quedado en el tiempo (como una comunidad de conquistadores españoles comandados por un niño y con una horda de inquisidores como guardia personal). Allí empieza a patinar un poco el relato, en buena parte debido a la insufrible perfomance de Darryl Read como el adolescente que se cree un enviado de Dios. Incluso en esas secuencias a uno le da la impresión que Carreras recarga las tintas de manera personal contra la iglesia Católica, ya que hay varios discursos en contra de lo que uno interpreta como religión y hay varias muestras de torturas de los inquisidores como para que no queden dudas de que son locos y malos. Pero aún con ello, con los ridículos globitos que usan para caminar sobre las algas y no hundirse, y con los mediocres efectos especiales, El Continente Perdido es una muy buena película. Siempre pasa algo, los personajes hablan con cierta inteligencia, hay caracteres interesantes, y la aventura no daña la neurona. Simplemente es un filme recomendable.
Si preferís la versión doblada en vez de ésta, subtitulada, sólo debéis ir al post original, a través de este Link
sinopsis
Es el año 2000, y se realizan habituales vuelos a la base espacial sita en la Luna. En Monster Island, todos los monstruos prehistóricos que perviven, como Godzilla, están confinados, con una barrera electromagnética que les impide escapar. Unos extraterrestres atacan el lugar, toman el control de los monstruos y los lanzan de uno en uno contra distintas ciudades del mundo.
Ficha Técnica
Dirección: Ishirô Honda. Productor: Tomoyuki Tanaka para Toho Co. Guión: Kaoru Mabuchi [Takeshi Kimura], Ishirô Honda. Fotografía: Taiichi Kankura. Música: Akira Ifukube. Montaje: Ryohei Fujii. Efectos especiales: Eiji Tsuburaya. Intérpretes: Akira Kubo (capitán Katsuo Yamabe del SY-3), Jun Tazaki (doctor Yoshido), Yoshio Tsuchiya (doctor Otani), Kyôko Ai (reina Kilaak), Yukiko Kobayashi (Kyoko Yamabe), Kenji Sahara (comandante Nishikawa), Andrew Hughes (doctor Stevenson), Chotaro Togin, Yoshifumi Tajima, Hisaya Ito, Yoshio Katsuda, Heihachiro Okawa, Koji Uno, Ikio Sawamura.... Nacionalidad y año: Japón 1968. Duración y datos técnicos: 89 min. color 2.55:1. (V.O.S.E.)
Comentario
Especie de revisión pop de la fundacional “Japón bajo el terror del monstruo” (1954). De hecho una reunión de todos los bichejos “made in Toho” en una única película, a saber: el inefable Godzilla, Mosura, Ebirah, Ghidorah, Baragón, Rodan, Wenda. Anzilla y un largo etcétera destinado a divertir a un público de corta edad. Estos ya no eran films de terror, eran aventuras ingenuas en las cuales los gigantescos protagonistas tenían una psicología de marioneta. La novedad de este (eso sí, alucinantemente fotografiado) capítulo estribaba en situarlo cronológicamente en el futuro, incorporando a la serie elementos de las epopeyas espaciales: extraterrestres, naves, batallas, refugios secretos, armas terribles, invasiones... Las criaturas de Eiji Tsuburaya, encerradas en una isla, se escaparán y ayudarán a los japoneses frente a malvados aliens. ¿Una alegoría infantil? No tanto. Japón hacía ya veintitrés años que se rindió (a muchas cosas) y su poder tecnológico empezaba a ser importante. Las secuelas al histerismo atómico personificadas en Godzilla pulverizando ciudades, desaparecieron o se enmascararon en la llamada al progreso, solazando a las nuevas generaciones, adoctrinándolas de paso para ser los hijos de un nuevo tecnocrático lmperio con un sol naciente de dinero y poder... El cambio, la evolución apreciada en estos productos, resulta significativo. Muy entretenida y espectacular.
Tres astronautas realizan un accidentado aterrizaje en un planeta desconocido. En este planeta descubren vida humana, pero tan primitiva que son poco más que animales, no se recuperan de la impresión cuando conocen a la especie inteligente que domina el planeta: los simios.
Ficha Técnica
Director: Franklin J. Schaffner / Productor: Arthur P. Jacobs para 20th Century Fox / Guión: Michael Wilson, Rod Serling, según la novela de Pierre Boulle / Fotografía: Leon Shamroy / Música: Jerry Goldsmith / Montaje: Hugo S. Fowler / Efectos especiales: John Chambers (maquillajes), L.B. Abbott, Art Cruickshank, Emil Kosa Jr. (efectos visuales) / Intérpretes: Charlton Heston (George Taylor), Roddy McDowall (Cornelius), Kim Hunter (Zira), Maurice Evans (doctor Zaius), James Whitmore (presidente de la asamblea), James Daly (doctor Honorious), Linda Harrison (Nova), Robert Gunner (Landon), Lou Wagner (Lucius), Woodrow Parfrey, Jeff Burton, Buck Kartalian, Norman Burton, Wright King, Paul Lambert, Billy Curtis, Felix Silla… / Nacionalidad y año: USA 1968 / Duración y datos técnicos: 115 min. color 2.35:1.
Comentario
“El planeta de los simios” es uno de los fenómenos mayores de la ciencia ficción cinematográfica: considerada aún hoy como una pieza de culto, generó buenos dividendos, un serial de longevidad espectacular y una serie de televisión; los maquillajes de John Chambers hicieron historia; y su final causó furor. Todo comenzaba con un viaje espacial, capitaneado por Taylor (Charlton Heston) y tripulado por tres hombres y una mujer. La mujer fallece durante el viaje (su mecanismo de hibernación falla) y los tres astronautas restantes están a punto de hacer lo mismo cuando la aeronave se estrella en la superficie de un planeta desconocido. Los viajeros pronto descubren que sobre la superficie del planeta vive una raza de monos capaces de hablar y cuya organización social es una suerte de medioevo humano, Taylor descubre horrorizado que en el planeta los hombres son sólo bestias, animales de carga. Los dos astronautas humanos que no tienen la suerte de ser protagonistas son severamente tratados por los simios: uno es lobotomizado y el otro disecado. Taylor, en cambio, es sólo enjaulado. En su cautividad conoce a una pareja de chimpancés biólogos, Zira y Cornelius, que le ayudan a escapar. Huyendo en una loca carrera, Taylor descubre una verdad que lo deja totalmente horrorizado (otra vez). Y luego vino la saga, cuyo principio no pudo ser más prometedor: El planeta de los simios nacía para ser considerada hito del género, su producción fue una de las más destacadas muestras de la irrupción de los grandes presupuestos en la ciencia ficción. Pero, al margen de esas aportaciones, la cinta era una excelente película de aventuras que, en cierto modo, rompía esquemas. Sin despreciar el interés especulativo y sesudo de la novela de Pierre Boulle, el film de Schaffner dosificaba con sabiduría una inmensa cantidad de divertimento neto, justo lo que las entregas posteriores se revelarían incapaces de ofrecer. Tras el enorme éxito taquillero de esa primera entrega, la Fox no tardaría en plantearse la producción de una secuela: “Regreso al planeta de los simios” (1970), que prolongaba con acierto algunas líneas del film anterior, pero que no podía evitar anunciar, en momentos puntuales de su metraje, la decadencia que se avecinaba. Pese al citado aviso, la productora prolongaría la serie con tres nuevas entregas: “Huida del planeta de las simios” (1971), que iniciaba el vaivén de incoherencias argumentales verdadero cáncer de la saga; “La rebelión de los simios” (1972), que contaba con mensaje político final, y “Batalla por el Planeta de los Simios”, quizás la menos justificable de las secuelas. La irregular trayectoria cinematográfica de la serie no sirvió para que la productora desestimara sobreexplotar a los simios. En 1974, la 20th Century Fox Television produjo una adaptación televisiva de “El planeta de los simios”. Roddy McDowall fue la estrella indiscutible de la serie, producida por Stan Hough y escrita y realizada por pesos ligeros del medio. La serie sólo pudo alcanzar un rating de audiencia del 27% (pocos puntos por debajo del índice que justificaba su emisión) y la CBS decidió su cancelación fulminante tras la programación de catorce de los veinticuatro episodios inicialmente previstos. Peliculón “Plan 9”.
La historia de la humanidad, en diversos estadios del pasado y del futuro, es narrada en la película de ciencia-ficción de culto por excelencia de la historia del cine. Hace millones de años, en los albores del nacimiento del homo sapiens, unos simios descubren un monolito que les lleva a un estadio de inteligencia superior. Otro monolito vuelve a aparecer, millones de años después, enterrado en una luna, lo que provoca el interés de los científicos humanos. Por último, HAL 9000, una máquina de inteligencia artificial, es la encargada de todos los sistemas de una nave espacial tripulada durante una misión de la NASA.
Ficha Técnica
Director: Stanley Kubrick / Productor: Stanley Kubrick para Stanley Kubrick Prod., Polaris, MGM / Guión: Stanley Kubrick y Arthur C. Clarke, según el relato “El centinela” de A. C. Clarke / Fotografía: Geoffrey Unsworth / Montaje: Ray Lovejoy / Efectos especiales: Colin Arthur, Les Bowie, Roger Dicken, Stanley Kubrick, Douglas Trumbull, Wally Veevers, Richard Yuricich… / Intérpretes: Keir Dullea (Dr. Dave Bowman), Gary Lockwood (Dr. Frank Poole), William Sylvester (Dr. Heywood R. Floyd), Daniel Richter (simio que mira la luna), Leonard Rossiter (Dr. Andrei Smyslov), Douglas Rain (voz de HAL 9000), Margaret Tyzack, Robert Beatty, Sean Sullivan, Frank Miller, Bill Weston, Ed Bishop, Glenn Beck, Vivian Kubrick, Kevin Scott… / Nacionalidad y año: 1968 / Duración y datos técnicos: 141 min. color 2.20:1.
Comentario
Recuerdo cuando vi por primera vez esta película. Tenía quince o dieciseis años, era un domingo y decidí meterme en el cine con un par de amiguetes. Cuando salimos, mis compañeros tenían los ojos llorosos y bostezaban sin parar. Se habían aburrido de lo lindo. Yo mantenía la boca abierta, imposible cerrarla, por lo que acababa de ver. No había entendido de la misa la mitad, ni me importaba. Esa grandiosa puesta en escena, todos los aspectos visuales, la perfecta sincronización música-imagen, el realismo de las naves, en especial cuando aterriza el vuelo de pasajeros en la estación a ritmo del vals de Strauss, el viaje psicotrópicos lleno de luces y sonidos,... me dejó fuera de combate, me hipnotizó y consiguió que desde ese momento yo me convirtiera en uno más de esa legión de seguidores acérrimos que veneran una de las más grandes obras maestras del cine de ciencia-ficción de todos los tiempos, sino la más grande. Con el tiempo he podido leer muchas interpretaciones, lecturas diferentes del film, y la he vuelto a ver muchas veces. pero me quedo con ese momento que se encuentra grabado dentro de mi cerebro en la sección "cosas que me han impactado sobremanera", junto a sucesos extraordinarios como por ejemplo, ver a Neil Young en directo o mi primera experiencia sexual.. Por ello, me voy a permitir no hablar del film y he recogido un par de opiniones de las muchas que hay en la red. Ambas son cabales, tienen su lógica, credibilidad y están escritas con conocimientos sobre Kubrick, "2001" y el cine en general.
"Calificar un film siempre es algo subjetivo. Incluso es, de cierto modo, algo inapropiado. Existen peliculas comerciales que son perfectas en su clase, películas artísticas que son obras maestras en su rubro, y películas descerebradas que cumplen su objetivo. Poner una puntuación establece, de algún modo - erróneo -, que los filmes pueden ser medibles y comparables. En realidad es una calificación que debería reflejar la experiencia como espectador y el éxito del director para pulir y transmitir su mensaje. Quizás fuera mejor calificar en porcentajes de satisfacción, que con una simple cifra. Como ahora calificamos a 2001, muchos pueden pensar que hemos cometido el sacrilegio de considerar a La Guerra de las Galaxias o Batman Begins, como mejores filmes que la obra maestra de Kubrick. Cada film es excelente en lo suyo, y es imposible comparar cine arte con sci fi comercial o una cinta basada con un comic. Sin embargo, desde el punto de vista del espectador, 2001 es una experiencia frustrante en muchos momentos de su duración. Y aún con el paso de los años, y miles de hojas escritas de análisis sobre el contenido del film, no deja de ser una obra despareja. Posiblemente todas estas líneas suenen a herejía, pero reflejan cierta realidad. 2001 no es un film sino muchos filmes, y cada uno de ellos varía en calidad. Sin duda el amanecer de la humanidad es perfecto, un ejemplo de lenguaje cinematográfico. Con sólo imágenes, Kubrick logra transmitir el concepto de Deux Ex Machina que significa la presencia del monolito : la inteligencia extraterrestre que aparece en momentos claves de la humanidad para iniciar avances en la evolución de la especie.
Los problemas del film comienzan cuando pasamos al espacio. Sin duda, las imágenes son de una belleza admirable, comenzando con el memorable ballet entre la nave y la estación orbital, pasando por los paisajes lunares y los efectos especiales impecables, que se mantienen dignamente a 40 años de su filmación original. Pero los problemas pasan por el lado de los seres humanos. En más de una ocasión Kubrick ha manifestado que 2001 es una experiencia visual, y que la escasez de diálogos se debe a evitar los corsés de las palabras. Ciertamente, si los personajes entraran en algunos debates podrían debilitar la atemporalidad del film, recitando conceptos propios de los 60 que posiblemente hoy resultaran anticuados o perimidos. Pero tampoco los diálogos que hay son brillantes. La secuencia del Dr. Floyd hablando con su hija por video teléfono es totalmente superflua, ni siquiera sirve para darle alguna humanidad al personaje (además que la actuación de William Sylvester es demasiado estoica). La charla con conocidos en un bar da algunos ramalazos de lo que pasa, pero no aclara nada. Y la charla del Dr. Floyd en la base lunar es totalmente fútil. En el medio de todo esto, hay demasiados tiempos muertos y cierto engolosinamiento de Kubrick en los aterrizajes de las naves (si funcionó con la estacion orbital, entonces...). Ciertamente si la idea de Kubrick es la de transmitir el concepto de tecnología, lo logra, pero da la impresión que sobran minutos de metraje.
Acto seguido, pasamos a la misión en Jupiter, que es el núcleo del film. Sin duda, son los momentos más recordados de la película, pero también los más engañosos. Recordemos que el film trata de explicar una historia : la presencia de inteligencia extraterrestre como catalizador (y centinela) de la evolución humana. Pero opta por desviar nuestra atención hacia la aventura a bordo con HAL 9000 rebelándose contra la tripulación.¿Por qué?. Tampoco resulta claro. En cierto momento, HAL le dice a Bowman que su conducta se debe a que considera que la presencia humana - de accionar impredecible - podría atentar contra las posibilidades de éxito de la misión. El comienzo de la extraña conducta de HAL es precisamente cuando está comentando el propósito real del viaje a Jupiter, mientras a su vez posee información que sólo será revelada cuando lleguen a destino. Indica una falla de equipo que no es real. ¿Acaso HAL se le ocurrió, subitamente, que debía poner a prueba a los humanos?. No es claro, de ningún modo, el sentido del desvío de esta trama de la historia original. Quizás hubiera sido mejor no engolosinarse con tanto paisaje espacial y brindar otras explicaciones : que, por ejemplo, HAL quería ser la primera entidad en ponerse en contacto con la inteligencia extraterrestre, que se consideraba mas apto.
Pero no. Kubrick no da detalles al respecto. Y a medida que transcurre el film, se vuelve más críptico, más cerrado y complejo. Es un gran momento de suspense, contiene escenas impresionantes, pero el espectador aún está pensando en el monolito mientras Kubrick insiste que atendamos los intentos desesperados de Bowman por sobrevivir, enfrentándose a la computadora rebelde.
Y por último, desactivado HAL, llegamos a Jupiter y al monolito orbitando. Bowman sale a explorarlo, el monolito abre una puerta temporal... y en medio de un excesivamente largo viaje lisérgico, llegamos a la escena más polémica del film, que es el final. El pasaje por estadíos de vejez de Bowman en una habitación de gusto barroco. Posiblemente la inteligencia extraterrestre lo haya llevado por un viaje hacia su interior, hacia el inconsciente... ¿de qué modo explicar la ambientación?. Y a medida que Bowman envejece velozmente hasta encontrarse en su lecho de muerte en unos instantes, con el monolito a sus pies, y transformarse en un feto que contempla a la Tierra desde el espacio.... signifique posiblemente que la humanidad ha entrado en comunidad con la inteligencia extraterrestre y que sea el origen de una nueva raza humana. La interpretación está abierta a lo que ud. considere correcto.
2001 posiblemente sea la mejor obra de ciencia ficción de la historia - simplemente por el tema que toca y la seriedad de cómo lo trata -, pero también es la mas pretenciosa. Hay muchos momentos en que el mensaje que transmite es vago. Hay demasiados tiempos muertos. No hay polémica o discusiones en los personajes acerca de un acontecimiento que debería resultar estremecedor. Los pocos diálogos que hay son ciertamente superfluos. La historia se desvía de rumbo muchas veces, y pareciera que la intención es llenar metraje. Y cuando decide avanzar en el contenido, lo hace de modo cada vez más abstracto. Uno puede deducir ciertas cosas, y podría decir que el mensaje podría haberse expresado de un modo mas claro y sin distracciones. 2001 es la mejor película del género simplemente porque es la más seria sobre el tema del contacto de una inteligencia extraterrestre (o Dios, como quiera interpretarlo) con la humanidad, pero dista de ser un film perfecto. Bien podría haberse suprimido la secuencia de HAL (o darse otros motivos más desarrollados para su conducta), y bien podrían haberse cortado muchas escenas operáticas en el espacio, a cambio de secuencias en que los personajes dialogaran y debatieran sobre el acontecimiento que estaban investigando. Para el espectador, el film le resulta intrigante, retando inteligentemente creencias y conceptos, pero sólo de ráfagas, y rellenado con demasiados sub argumentos futiles y otorgando información con cuenta gotas y de modo demasiado abstracto. Ciertamente no hay respuesta posible (ni entonces ni ahora) a la pregunta, pero los acertijos que deja Kubrick hacia el final del film resultan expuestos de un modo casi incomprensible.
Sin duda Kubrick es el mejor director de cine de todos los tiempos. Casi toda su filmografía es simplemente clásica : pero, en mi opinión, Dr. Strangelove o La Naranja Mecánica resultan superiores en terminos de exposición de ideas e historia. Como dijimos al principio, 2001 no es uno sino varios filmes que difieren en calidad. Y quizás sea esa diversidad lo que termina por quitarle el brillo a la obra, en vez de optar por hundir el cuchillo hasta el final en un solo tema - el monolito - y explorar todas las posibilidades que brindaba el tema."
(Autor: Alejandro Franco Fuente: El Arlequín)
"Anticipándose en un año a la llegada del hombre a la Luna, Stanley Kubrick izó la bandera en suelo selenita con ‘2001: Una Odisea del Espacio’, dignificando, al mismo tiempo, un género, la ciencia ficción, hasta entonces depauperado. Con la inestimable ayuda de Arthur C. Clarke, quien, en un proceso creativo insólito, escribió la novela a la par que colaboraba en la redacción del guión, el cineasta neoyorquino se columpió en el firmamento cinematográfico y se abrió camino rumbo a la Puerta de las Estrellas. Siguiendo la estela de su aventura de proporciones homéricas, otros directores como Andrei Tarkovski y Ridley Scott se lanzaron a la conquista del espacio como epígonos de Yuri Gagarin o Neil Armstrong, sepultando así los últimos vestigios de la space opera. Lejos de perpetuarse como un coto privado de quinceañeros y platillos volantes, la sci-fi devino en campo abonado a la filosofía. Por fin la ciencia ficción había alcanzado su madurez.
En una nueva muestra de hasta dónde podía llegar su ambición, Kubrick concibió ‘2001: Una Odisea del Espacio’ como una experiencia visual que trascendiera las limitaciones del lenguaje:
'2001 es una experiencia no verbal: de dos horas y 19 minutos de película, sólo hay un poco menos de 40 minutos de diálogo. Traté de crear una experiencia visual que trascendiera las limitaciones del lenguaje y penetrara directamente en el subconsciente con su carga emotiva y filosófica. Quise que la película fuera una experiencia intensamente subjetiva que alcanzara al espectador a un nivel interno de conciencia como lo hace la música' (Stanley Kubrick).
No le hicieron falta didascalias para mostrar, que no explicar, la evolución desde el amanecer del hombre hasta la aparición de los primeros signos de inteligencia, siempre ligados a la lucha por la supervivencia. Tan hostil es la charca que se disputan dos tribus enfrentadas de homínidos como los confines del espacio, gélido e insondable. El hueso de jumento lanzado al aire por un antepasado no tan lejano como nos gustaría creer, transformado a la sazón en nave espacial por obra y gracia de la elipsis más memorable del cine, es tan sólo el epítome del discurso que propone el director nacido en el Bronx.
Nunca antes el cine se había fusionado tan bien, como un ensamblaje de la Estación Espacial Internacional, con dos estratos fundamentales del saber humano como la filosofía y la música. La teoría del superhombre de Nietzsche vibra en el monolito en el instante en que comienza a sonar el preludio de ‘Así Habló Zaratustra’, de Richard Strauss, cuando se produce la alineación de los tres cuerpos celestes (Tierra, Luna y Júpiter). El astronauta Dave Bowman (Keir Dullea), a su vez, se convierte en feto de las estrellas al final de la misión Júpiter, ejemplificando la última etapa de la evolución auspiciada por ese loco genial oriundo de la Bactriana.
Para el filósofo de Röcken el hombre tenía que tender puentes hacia el superhombre. Para alcanzar ese grado de perfección debía escalar tres peldaños. El primero lo representa el camello, que carga sobre su joroba con el peso de la existencia. El camello sería el mono antropomorfo que sufre los ataques de animales más feroces, como el tigre, ante los que no puede defenderse. El segundo escalafón viene dado por el león, que se distingue por la agresividad y por el poder que entraña el uso de la fuerza. El león sería esa primera chispa de inteligencia que brota en el cerebro del homínido que aprende a usar un hueso como arma, uso que marcaría su transición hacia el homo habilis, y de ahí sólo habría un paso hacia el homo sapiens y la reproducción de la guerra en el espacio. Por último, el tercer peldaño lo constituye el bebé nonato, cuya burbuja o placenta le aísla y protege de las normas sociales, requisito indispensable para cambiar el orden establecido y crear así un nuevo mundo. El starchild en el que se transforma Bowman se encamina a la Tierra con intenciones inescrutables, pero que en la novela, más explícita que la película, se adivinan beligerantes. Su mirada en el último plano enlazaría con el primer plano de Alex De Large, protagonista de ‘La naranja mecánica’, como una continuación lógica del enfant terrible que subvierte las convenciones sociales.
Aunque Arthur C. Clarke escribió el libro y el guión a la vez, partió de un relato corto titulado ‘El Centinela’, que ya contenía la idea de una civilización extraterrestre que rastreaba la aparición de señales de inteligencia por todo el universo. Así nació el monolito, en el que muchos han querido ver, espoleados quizá por el consumo de sustancias psicotrópicas de la época hippie, la representación de un micropunto, lo que explicaría el viaje lisérgico de Bowman. Clarke se comprometió a no publicar la novela hasta que se estrenara el filme.
Con ‘2001: Una Odisea del Espacio’ Kubrick rompió, no ya sólo con las convenciones narrativas –la presencia de diálogos es testimonial–, sino también con el uso establecido de la banda sonora. Su innovadora propuesta formal sólo encuentra un lejano parecido en el primer plano de ‘Ciudadano Kane’, con el cartel “No Trespassing” colocado en la verja del palacio Xanadú, así como en la cuchilla de afeitar que corta un ojo en ‘Un perro andaluz’, de Luis Buñuel. También fue pionero en la inclusión de partituras clásicas, que en esta película cobran la forma de ‘El Danubio Azul’, de Johann Strauss II; del Adagio del ‘Gayane Ballet Suite’, de Aram Khatchaturian; y del ‘Lux Aeterna’, de György Ligeti; entre otras. Inolvidable el vals de las naves espaciales alrededor de la órbita terrestre.
En un cambio de última hora, el director decidió prescindir de la música creada para la ocasión por Alex North, quien ya había trabajado para él en ‘Espartaco’. Años más tarde, el compositor pudo ver cumplido su deseo de publicar su banda sonora al margen de la película que tanto dolor le había causado.
Después de ‘¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú’, Kubrick volvió a retomar la lucha entre el hombre y la máquina. La bomba atómica sobre la que cabalgaba Slim Pickens es reemplazada aquí por la computadora HAL 9000, un personaje humano, demasiado humano. Una vez más, el cineasta norteamericano fue un visionario, hablando de inteligencia artificial –título del proyecto que legó a su amigo Steven Spielberg– a finales de los sesenta, cuando era prácticamente una desconocida. HAL es el hijo pródigo que se rebela contra su creador, como Roy Batty contra Tyrell en ‘Blade Runner’, al temer por su propia existencia. Se hace preguntas sobre su devenir, mostrándose como un discípulo aventajado de Heráclito. Frente a la frialdad casi inhumana de Frank Poole (Gary Lockwood) y Dave Bowman, la computadora siente miedo ante el incierto futuro que le deparará la misión Júpiter. La secuencia en que lee los labios de los astronautas mientras planean dentro una cápsula cómo dejarle fuera de combate ha pasado a la posteridad. Al igual que los homínidos y que todos los demás seres vivos, HAL lucha por su supervivencia y, así, no titubeará en cobrarse la vida de Poole arrojándolo al vacío sideral cuando éste sale a arreglar la antena. Su trágica desconexión a manos de Bowman –la venganza es un plato que se sirve frío– hace que involucione hasta una forma primitiva, recordando su nacimiento (Illinois, 1992) y entonando ‘Daisy’, una canción infantil, con voz plañidera y herrumbrosa, su canto del cisne. La voz de HAL 9000 es la de Douglas Rain, en el original.
Era bien conocida la afición de Kubrick por el cripticismo. En este sentido, mucho se ha especulado sobre el significado de las siglas HAL. Prevalece la interpretación según la cual es una derivación de IBM, formada por las letras que le preceden en el abecedario. Aunque el director lo desmintió, aduciendo que era el acrónimo de Heuristic Algorithm Logarithmic, lo cierto es que una casualidad como ésa parece improbable en una mente tan milimétrica como la suya. Por otra parte, esta suerte de publicidad soterrada respondía a la hegemonía de esa marca comercial en el mercado de la informática.
Que ‘2001: Una Odisea del Espacio’ está relacionada con el famoso poema homérico queda de manifiesto en su propio título, pero hay muchos más detalles que apuntan en esa dirección. Bowman, el Arquero, es un personaje de ‘La Odisea’, y además lee durante su singladura este clásico imperecedero. El ojo rojo de HAL 9000 es el ojo del cíclope, que todo lo observa. La Discovery es como el bajel en el que Ulises surca los mares persiguiendo el sueño de Ítaca.
‘2001: Una Odisea del Espacio’ reúne todos los requisitos para ser analizada a la luz del ‘Viaje del héroe’, de Joseph Campbell, y del ‘Monomito’, de Christopher Vogler. Hay un héroe, Dave Bowman; un mentor, el monolito; una ordalía, el enfrentamiento con HAL; y un retorno con el elixir, el superhombre.
La imperfección de lo perfecto es otra de las obsesiones de Kubrick. En ‘Atraco Perfecto’ un plan en apariencia sin fisuras se iba al traste en el último momento por algo tan insignificante como el ladrido de un perro. En ‘2001: Una Odisea del Espacio’ la infalible computadora HAL 9000 empieza a errar en sus diagnósticos precisamente porque se siente humana. Eso sí, no perdona cuando juega una partida de ajedrez. Hombre y equivocación son dos palabras indisociables para el genio neoyorquino.
Los decorados asépticos recuerdan vagamente al art decó, excepto la habitación Luis XVI donde Bowman envejece, que es de composición manierista. La frialdad, por lo tanto, no sólo se percibe en el espacio, sino también en ese futuro dominado por la tecnología. Todas las relaciones humanas son frías, tanto en la Estación Espacial, como en la Base Lunar Clavius, como en la Discovery. Incluso la llamada telefónica del doctor Heywood Floyd a su familia es lacónica. Los alimentos tienen una textura plastificada que despierta más indiferencia que apetito. Es, en definitiva, una sociedad esterilizada.
No hay mucho que decir sobre la fotografía de Geoffrey Unsworth, salvo que es maravillosa. Los travellings dentro de la Discovery, con su cilindro centrífugo, son toda una lección de cine. La ingravidez está representada por un hieratismo en los movimientos. Los asombrosos efectos especiales le valieron a Kubrick su único Oscar, aunque contó con la ayuda de Douglas Trumbull, autor de los efectos de ‘Blade Runner’. George Lucas tomó buena nota de ellos para preparar ‘La Guerra de las Galaxias’.
‘2001: Una Odisea del Espacio’ fue la última película de Kubrick para la Metro Goldwyn Mayer y la primera de su gran etapa creativa, que continuaría con ‘La Naranja Mecánica’ y finalizaría con ‘Barry Lyndon’.
Seguro que Neil Armstrong convendría conmigo en que ‘2001: Una Odisea del Espacio’ fue un pequeño paso para el cine, y un gran salto para la ciencia ficción".
(Autor: Oscar B. Fuente: www.elmulticine.com)
La obra maestra de Kubrick, apreciada como el estandarte definitivo de la ciencia ficción, crece con el tiempo hasta justificar su carácter científicamente profético y cinematográficamente precoz.
1968: LA CONQUISTA DEL ESPACIO
El abatimiento que la preeminencia soviética provocaba en los EE.UU. se tornó en obsesiva proyección de espectaculares designios: la construcción de bases en el espacio, la llegada del hombre a la Luna o a Marte.... En medio de tal crispación irrumpe el film de Kubrick, que, lejos de ser acogido como el antídoto a su aflicción, cosecha infinidad de rechazos, acreditando su incomprensión. La detracción crítica se basa, no sólo en el carácter subversivo de una historia de ciencia ficción, sino también en su trascendencia social. Y es que el escepticismo que el director manifestaba sistemáticamente hacia la institución político-social adquiere en 2001 un cardinal protagonismo. En cierto modo, por tanto, 2001 sería acusada de contribuir, en plena carrera espacial, a la divulgación del espíritu de conspiración por parte del gobierno americano contra sus ciudadanos.
Como era de esperar, el cine de dicha época se dejaría influenciar por los propósitos ex-colonizadores de las potencias mundiales, siendo el género de ciencia ficción su principal consignatario. No obstante, el panorama cinematográfico es mucho más esperanzador. Durante la década de los 60’s, la ciencia ficción era aún un género prematuro que debía amamantarse de anteriores experiencias (en su mayoría correspondientes a la serie B), así como de los incipientes éxitos televisivos (Dr. Who, Perdidos en el espacio o la legendaria Star Trek). Sin embargo, pronto se abandonaría el carácter descuidado que rigiese durante los inicios del género para empezar a realizar películas de gran calidad: Farenheit 451 (François Truffaut) o El planeta de los simios (Franklin J. Schaffner).
Pero, sin lugar a dudas la aportación más importante llegaría con 2001: una odisea del espacio. Su aparición cobraría una trascendencia inimaginable, pues ninguna de las originarias muestras había conseguido alcanzar tanto realismo como la obra de Kubrick; nunca antes el género de ciencia ficción había aspirado a tanto. Dicho director, sirviéndose de los mismos elementos que definieron su filmografía, consigue crear una película totalmente subversiva y reaccionaria al requerir la participación del espectador para descifrar sus claves y desarrollar sus ideas. Su sedición anularía el ingenuo ideal de diversión y entretenimiento sobre el que se asentó el género y acabaría siendo, por lo tanto, un imprescindible recurso para su maduración.
2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO
La adaptación que Kubrick hace del relato de Arthur C. Clarke El Centinela, es probablemente el mejor ejemplo para intuir la singularidad con que el cineasta aplica un argumento previo. Y es que Stanley Kubrick, junto con Luchino Visconti, es probablemente el cineasta literario más insólito. Su singularidad a la hora de adaptar obras literarias radica en la aportación personal, asistida con la intención de justificar su distinción artesanal y la interpretación del tratamiento fílmico (redimido del compromiso al que la novela podría someterle).
Este comportamiento, que aparece ya en la adaptación argumental, gobernará durante todo el proceso fílmico. Stanley Kubrick se acoge al género como mero amortiguador ya que, al fin y al cabo, su interés reside en explotar las posibilidades ofrecidas por la realización. Obsesionado por controlar cada detalle de su obra, nunca hubiese dejado nada en manos del azar: desde la composición del plano o la fotografía, hasta las salas de exhibición, pasando por los decorados o el registro interpretativo. Sin duda, el perfeccionismo es uno de los principales distintivos de este realizador, encaprichado tanto por la polisemia visual de la escena como por la construcción narrativa de la historia (consumada en densos planos que acaban configurando el tempo, forzando así al espectador a compartir la aplacada fluidez con que avanzan los hechos).
La película, que, como describe Bordwell, arranca con uno de los emparejamientos gráficos más atrevidos del cine narrativo, es una sinfonía espacial en cuatro actos que toma como referente La Odisea de Homero. Un bello recorrido visual por el conocimiento humano, analizando su evolución desde el advenimiento hasta su apocalipsis, ilustrando la máxima de Asimov: El control de los humanos por parte de las máquinas es una nueva forma de ilustrar el mal de la sociedad contemporánea.
En el último acto, el hombre se proyecta hacia el universo para alcanzar la inmortalidad, descubriéndose así el mensaje nietzscheano. La búsqueda constante de un objetivo quimérico juega en la cinematografía moderna un papel importantísimo; tanto como en la obra de Kubrick. No obstante si el Rosebud de Welles o el Mc Guffin hitchconeano catalizan el movimiento del personaje, en los films de Kubrick la mediación del individuo para esforzarse en conseguir su objetivo no acaba siendo el motor de la historia, sino la voluntad de ésta. Es decir, el personaje no hace avanzar la historia según sus deseos, sino que, en base a un concepto más idealizado, parece ser el curso del argumento el que domina al personaje, accionándolo según su propósito. El sujeto acaba siendo una marioneta agitada por las leyes que rigen la historia, de forma que, si apeláramos al ocasionalismo de Malebranche, las acciones de los actores serían en gran medida placebos disfuncionales: una apariencia de participación coordinada, en última instancia, por la historia.
Así, se consigue dotar a 2001 de un halo absorto y simbólico que, inevitablemente, estimula la reflexión. Al mismo tiempo, deberíamos resaltar la concordia establecida entre música e imagen como partícipe de la citada aureola mística (otorgando a la cinta una rítmica similar a las obras de Strauss o Ligeti).
Finalmente, quisiera acentuar el interés que Kubrick demostró por el arte, preñando cada una de sus películas con infinidad de influencias y referencias, desde la expresión pictórica y cinematográfica, hasta la literaria o mitológica (el propio Kubrick afirmó que "2001 es más una historia mitológica que una historia de ciencia-ficción").
En 2001 la influencia del minimalismo se aviene tanto al planteamiento fílmico lineal como a la composición escénica: anegada de formas rectilíneas, estructuras geométricas y colores primarios. Dicha iconografía conecta directamente con el arte minimal americano (Morris Louis, Kenneth Noland, Barnett Newman...) además de exhibir un interés especial por la sicodelia y el op art de los 60’s (Albers, Bridget Riley, Victor Vasarely, Yaacov Agam o Frank Stella).
En definitiva, 2001: una odisea del espacio es una obra maestra completa que no puede faltar en ninguna videoteca.
(Autor: José Tirado Fuente: www.labutaca.net)
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En el zip hay un fichero de subtítulos en castellano para la V.O., sincronizados.
