sinopsis 1997. Tras una guerra atómica la Tierra se ha dividido en dos ejes, Hemis Norte y Hemis Sur, que siguen un feroz enfrentamiento ideológico. Un equipo de científicos del Hemis Sur, establecidos en una base espacial, tiene la misión de un próximo viaje a Marte. Cuando un grupo de astronautas del Hemis Norte llega a la base y se entera del proyecto deciden que ellos han de ser los primeros..
Ficha Técnica
Francis Ford Coppola [con el seudónimo de Thomas Colchart], [sin acreditar: Mikhail Karzhukov, Aleksandr Kozyr]. Productor: Roger Corman para American International Pictures. Guion: Francis Ford Coppola [con el seudónimo de Thomas Colchart], Nicholas Colbert, Edwin Palmer [i.e.: Mikhail Karzhukov, Yevgeni Pomeshchikov, Aleksei Sazanov]. Fotografía: Jan Oneidas [Nikolai Kulchitsky]. Música: Yuli Meitus, Carmine Coppola [música especial], Les Baxter [música de stock], Ronald Stein [música de stock]. especiales: Al Locatelli. Intérpretes: Edd Perry [Ivan Pereverzev] (Dr. Albert Gordon), Arla Powell [Alla Popova] (Nancy Matthews), Kirk Barton [Konstantin Bartashevich] (Dr. Martin), Linda Barrett [L. Borisenko] (Ruth Gordon), Andy Stewart [Aleksandr Shvorin] (Craig Matthews), Gene Tonner [Gurgen Tonunts] (Herman Berst), Barry Chertok [V. Chernyak] (Gregori Vasilivich Somov), y las voces de Frederick Farley, Mary Kannon, Lawrence Loben, Edd Perry, Arla Powell, Andy Stewart, Gene Tonner... Nacionalidad y año: Estados Unidos, [URSS] 1962 [/1959]. Duración y datos técnicos: 64 min. color 1.37:1. (V.O.S.E.)
Comentario Con la falta de escrúpulos que le caracteriza, Roger Corman se hizo con un filme Soviético, “Niebo Zowiet” dirigido por por Alexander Zoryr y Mikhail Karyurov en 1959, y lo convirtió, a través de un nuevo montaje y el añadido de algunas escenas, en una película americana de intenciones más lúdicas y menos políticas. Toda una operación de piratería cinematográfica que ya había sido emprendida en España por Tono y Mihura (quienes transformaron una película nazi en una comedia) y, más tarde, por Woody Allen a partir de un filme japonés. Y que Corman lo convertiría en algo más que habitual. Recordad que ya nos referimos a esta especial habilidad de corta/pega con imágenes de diversos filmes en “El Planeta sangriento”, en1966 (que recoge algunas imágenes de la película a la que nos referimos hoy) o, el colmo del descaro, las películas “Viaje Al Planeta Prehistórico” (“Voyage to the Prehistoric Planet, 1965) y Voyage to the Planet of Prehistoric Women (1968) que recogen prácticamente todo el metraje de la soviética “Planeta Bur”, de 1962, con algunos añadidos. Así nos encontramos con tres películas casi exactamente iguales pero con guiones diferentes…
Aunque en realidad eran más que comprensible esos saqueos de la filmografía sci-fi soviética, ya que sus efectos especiales eran impecable, superiores incluso a los de las películas americanas.
En esta ocasión la cinta original de los rusos explicaba morosamente cómo unos cosmonautas soviéticos conseguían triunfar sobre las añagazas de los cobardes astronautas americanos. Mientras en la renacida historia yanqui se elimina todo mensaje político, situando la acción en un futuro imaginario en el que el mundo está dividido en dos grandes países, los Hemis del Norte y del Sur. A los soviéticos les toca quedarse con el Norte. El motivo de la disputa entre ambos es ahora la carrera por llegar los primeros a Marte. Corman, hábil estratega comercial, viendo que esto no iba a interesar demasiado al público norteamericano, encargó al jovenzuelo Francis Ford Coppola, uno de sus directores a sueldo por entonces, que añadiera algunas gotas de sabor a ese guiso un tanto soso. El Italoamericano, que para la ocasión se escondió bajo el nombre de Thomas Colchar, rodó unas escenas adicionales de batallas de monstruos al más puro estilo nipón, lo que constituye el principal atractivo del filme. Uno de los momentos de mayor impacto se centra en la lucha a muerte entre dos impresionantes saurios que simbolizan de manera directa y poco sutil la batalla entre los sexos. Así, el monstruo masculino es poco menos que un símbolo fálico con patas agrediendo a un monstruo-hembra peligrosamente parecido a una vagina de varios metros de altura. Todo un prodigio de desatada imaginería pornógrafa que, por motivos obvios, no fue estrenado en su momento, en su versión norteamericana, en la Unión Soviética. Curiosa, vive Dios.
Un gigante cavernícola se tropieza con Roxy en medio de la noche, mientras esta conduce al Club, donde vive. El inocente cavernícola apenas se salva de morir atropellado, y surge la pasión, la aventura en el desierto y el trágico amor. Mientras, su novio Tom y el papa de la chica, lucharan para rescatarla de las manazas del gigante.
Ficha Técnica
Dirección: Arch Hall Sr. / Productor: Arch Hall Sr. / Guión: Bob Wehling, sobre una historia de Arch Hall Sr. / Fotografía: Vilis Lapenieks / Música: André Brummer / Montaje: Don Schneider / Intérpretes: Arch Hall Jr. (Tom Nelson), Marilyn Manning (Roxy Miller), Richard Kiel (Eegah), Arch Hall Sr. (Robert Miller), Clay Stearns (miembro de la banda), Bob Davis (George), Deke Lussier (miembro de la banda), Ron Shane (Detective), Addalyn Pollitt (Esposa de George), Lloyd Williams (Kruger), Ray Dennis Steckler (Mr. Fishman), Bill Rice (Chef).... Nacionalidad y año: Estados Unidos 1962. Duración y datos técnicos: 90 min. Color 1.66 : 1 (V.O. Subs Incrustados)
Comentario
En esta ocasión nos encontramos con uno de los clásicos de la más terrible serie Z de todos los tiempos. “Eegah!” alcanzó cierta notoriedad tras su inclusión en el libro de Randy Dreyfuss y Harry Medved: “The Fifty Worst Films of All Time And How They Got That Way” (1978), consiguiendo que el film fuera rescatado de los sótanos más oscuros, alcanzando cierto estatus de culto durante los 80 (y posteriormente) para los cinéfilos amantes de lo más bizarro. “Eegah!” es realmente una típica película de monstruos para adolescentes (“teenage monster film”) tan en boga durante los años 50 (películas para auto-cines). Fue una breve moda pasajera que surgió tras el éxito de películas como “I Was a Teenage Werewolf” (1957) y “I Was a Teenage Frankenstein” (1957) que revisaban los monstruos clásicos del cine y la literatura pero en clave adolescente. Y, más aún, que incluían la palabre “teenage” en sus títulos (por si quedaba alguna duda). Títulos como “Teenage Caveman” (1958), “Teenagers from Outer Space” (1958), “Teenage Monster” (1960), “Teenage Zombies” (1960), etc. En la década de los 60 este subgénero mutó incluyendo, además de monstruos y quinceañeros, rock and roll y surf (tanto el deporte como el estilo musical). Maravillas (sarcasmo) como “The Horror of Party Beach” (1964), “Monster from the Surf” (1965), “Village of the Giants” (1965) y “The Ghost in the Invisible Bikini” (1966). “Eegah!” cogió la manida historia del hombre de las cavernas revivido en nuestro tiempo y la introdujo en un film lleno de adolescentes y rock and roll. Así tenemos todas las escenas habituales, con Arch Hall Jr cantando junto a la piscina (bueno, la verdad es que Archie canta cuando le dejan, sea el desierto, una fiesta, medio dormido…), la protagonista en bikini, un montón de imágenes del buggy de Arch recorriendo el desierto,… Los ideales de la juventud de la época, bueno, y de la nuestra también (chicas/chicos, rock y un coche bien tuneado). Escondido tras el seudónimo de Nicholas Merriweather está el productor Arch Hall Sr. que financió la cinta con 15.000 dólares que pidió prestados. Y también actúa en el film con el papel de padre de Roxy bajo su nombre de nacimiento: William Watters. La gran sorpresa para Arch Hall Sr. fue comprobar que “Eegah!” llegó a alcanzar un éxito modesto, consiguiendo recuperar su inversión y obtener algunas ganancias. Por supuesto, la única persona que alcanzó cierta fama en el mundillo del cine fue el gigantesco Richard Kiel, que interpreta al hombre de las cavernas de nuestra joyita de hoy y llegó a convertirse en el gigante “Tiburón, dientes de acero” en la películas de la saga de James Bond “La espía que me amó” (1977) y “Moonraker” (1979), además de conseguir papeles modestos en otros filmes. Hall Sr. puso a su propio hijo Arch Hall Jr al frente del reparto como el héroe adolescente. Además es idóneo para el papel: aspecto temerario, unos penetrantes ojos azules, ese tupecillo rubio,… Pero como actor es pésimo. Tras “Eegah!” aparecería en un puñado de películas, casi todas las de su padre, teniendo su papel más importante al interpretar al equivalente del asesino en la vida real, Charles Starkweather, en “The Sadist” (1963), antes de retirarse de la actuación y convertirse en piloto comercial de una línea aérea. La película en sí es infumable. Una historia sin pies ni cabeza que recomiendo ver con amigotes (cerveza incluida) para poder partiros de risa. Porque narra la historia de un hombre prehistórico revivido que se encuentra con una chica de la que se enamora. El mito de “King Kong” pero a ritmo de rock and roll. Claro que “Eegah!” es más explícito e intenta por todos los medios desnudar a la protagonista y, perdonad el chiste malo, echarle mano a su higo. Un buen trozo de la cinta (¡que dura la friolera de 90 minutos!) es en una cueva donde podemos ver a nuestro amante prehistórico con el garrote en una mano y un ramo de flores en la otra para Roxy (comienza el despiporren), donde es afeitado y repeinado, y muchas cosas más para distraer su atención y así evitar los lascivos ataques de nuestro calentón prehistórico que no hace nada más que intentar desnudar a Marilyn Manning (Roxy). Lo grotesco es la tranquilidad y supuesto ingenio con que padre e hija llevan una situación tan terrible como que un hombre prehistórico quiera aparearse con la protagonista. Lo dicho, infumable. El final, como ya he dicho esta película recuerda a “King Kong”, nos muestra a “Eegah!”, con su enorme garrote en mano, invadiendo un restaurante de Palm Springs para recuperar a su amor quinceañero, donde es abatido. Y para colmo la película acaba con Hall Sr diciendo: "Sí, él era real. Lo dice el Génesis, Había gigantes en aquellos días en la tierra. Capítulo 4, versículo 32".versículo que en realidad no existe. Arch Hall Sr. producirá más adelante unas cuantas películas, pero nunca volvió a dirigir. Demos gracias por ello. Conclusión: es mala con avaricia. Pero te ríes de lo mala que es. Para sábados cinéfilo-etílicos con amiguetes. Para vuestra información, en el documental "The 50 Worst Movies Ever Made" (2004) es la segunda peor película de todos los tiempos.
Una lluvia de meteoritos convierte en monstruos a unas plantas traídas del espacio y deja a la mayoría de la población totalmente ciega. Las pocas personas que conservan la visión son la única esperanza para la humanidad...
Ficha Técnica
Director: Steve Sekely / Productor: George Pitcher / Guión: Bernard Gordon, basado en la novela de John Wyndham / Fotografía: Ted Moore / Música: Ron Goodwin / Efectos especiales: Wally Veevers / Intérpretes: Howard Keel (Bill Masen), Nicole Maurey (Christine Durrant), Janette Scott (Karen Goodwin), Kieron Moore (Tom Goodwin), Mervyn Johns (Mr. Coker), Ewan Roberts (Dr. Soames), Alison Leggatt (Sra. Coker), Geoffrey Matthews (Luis de la Vega), Janina Faye (Susan), Gilgi Hauser (Teresa de la Vega), John Tate (Capitán, SS Midland), Carole Ann Ford (Bettina), Colette Wilde (Enfermera Jamieson), Victor Brooks (Poiret), ... / Nacionalidad y año: RU 1962 / Duración y datos técnicos: 93 min. Color 2.35 : 1 (Doblada y V.O.S.E.)
Comentario
John Wyndham es un exitoso autor inglés de sci fi que muchos han catalogado como el sucesor de H.G. Wells. Entre su bibliografía se cuentan, como las obras más conocidas, “Los Cucos de Midwich” (adaptada al cine como el clásico “El Pueblo de los Malditos”) y “El Día de los Trifidos” (que es la novela en que se basa “La Semilla del Espacio”).
Lo particular de estas obras de Wyndham es que presentan panoramas absolutamente apocalípticos, en donde una fuerza o amenaza que acosa a la humanidad termina por resultar indetenible y los seres humanos deben enfrentarse al reto de crear un mundo totalmente diferente, pasando a un segundo plano. El hombre pierde el dominio del planeta a manos de razas superiores. También la otra particularidad es que sus relatos - ambientados en la clase media inglesa - viven en una rutina permanente que termina por deshacerse ante la irrupción de un acontecimiento anormal y sumamente poderoso. No es difícil trazar algunos paralelismos entre “The Day of the Triffids” y “The Village of the Damned”. Ocurrido el hecho fantástico, la vida ya no será la misma, y una lenta pero imparable invasión alienígena es desarrollada a la vista de todos, sin que haya ningún tipo de medios para detenerla.
La novela original de “The Day of the Triffids” es ciertamente pesimista. Masen escapa de Londres, se reúne con otros humanos videntes y pretende establecer una colonia aislada de la amenaza de las plantas alienígenas, pero se sucede todo tipo de conflictos internos - militares que pretenden manejar a la población civil, líderes comunitarios con todo tipo de visiones societarias alternativas y absolutamente disparatadas, etc - que hace que los humanos sean más peligrosos para sí mismos que los propios trífidos. Buena parte de la novela es esencialmente transmutada en la porción inicial de “28 Días Después” (de Danny Boyle) con Inglaterra bajo una invasión de zombies en vez de las plantas extraterrestres. El libro recibió varias adaptaciones radiales y televisivas, y siempre contó con gran popularidad (incluso Simon Clark desarrolló una secuela, contando la historia del hijo de Bill Masen 30 años después de los sucesos originales).
Pero ésta, la primera adaptación cinematográfica, es en realidad una película muy torpe. A mí no me interesan si los efectos especiales son malos (realmente lo son), pero el film tiene un serio problema de tono y de coherencia. En particular me resulta irritante la caracterización de Howard Keel, que parece totalmente ajeno a la locura reinante, y decididamente es un personaje antipático - lo peor que le puede pasar al supuesto héroe de la historia -. Masen se despierta en el hospital, encuentra a todo el mundo ciego, y no se espanta o siquiera se hace preguntas. Marcha por Londres absolutamente distante de la población que precisa ayuda y deambula a ciegas. No es un individuo con un mínimo de humanidad sino que parece un espectador de lo que ocurre, y sólo se mueve por sus propios intereses. El otro problema es el ya mencionado de los efectos. Las plantas no impresionan y por momentos uno se da cuenta de que están montadas sobre un carrito tirado por un piolín. No hay el menor sentido de la amenaza. Por el contrario, las mejores escenas de la película no tienen que ver con la invasión alienígena - en el film, resulta obvio que la lluvia de meteoritos es una invasión ya que ellos traen a las semillas de las plantas, mientras que en el libro las plantas eran una especie nueva, que todo el mundo cosechaba ya que producía aceites superiores al petróleo, y que parecen despertar con la llegada de los meteoros -. Las secuencias con el avión atestado de ciegos - incluyendo a los pilotos - o los trenes sin control son realmente buenas, así como los paisajes con Londres en llamas y un clima absolutamente caótico. La película sólo toca algunos puntos del libro, pero después comienza a improvisar los suyos. Posiblemente el final original del libro - con la Tierra dominada por los Trifidos, y los humanos sobreviviendo como pueden - resultara mucho mejor. Uno percibe que ése era el final de la pelicula - con Masen y los sobrevivientes asistiendo a la Iglesia en un paraje aislado -, pero el estudio consideró que la duración del filme era muy corta y mandó a Freddie Francis a filmar toda la secuencia del matrimonio de biólogos aislados en el faro, quienes terminan por descubrir por casualidad que el agua de mar mata a las plantas. No sólo queda como un absoluto emparche - los personajes carecen de relación del resto, por ejemplo, de Masen y compañía - sino que provee un excusa trivial para generar un “happy ending” que no era necesario.
Es una película muy despareja. No tiene tensión, hay algunos buenos momentos aislados pero el dramatismo está totalmente diluído. Al director Sekely parece no importarle demasiado, y la actuación de Howard Keel es tan fría que a uno no le interesa si se lo devora una planta o no. No significa que sea un filme ridículo - en general está bien filmado -, pero uno se lleva la impresión de que podría haber sido un filme formidable y a nadie le importó demasiado como para poner empeño en ello. En cambio se dedicaron a regurgitar sin muchas ganas el guión, en vez de intentar sacarle el lustre a un tema potencialmente muy interesante. La redención de la novela de Wyndham recién llegaría con la adaptación televisiva de 1981, la que es considerada como la versión definitiva del tema.
Las versiones de la novela “The Day of the Triffids” de John Wyndham son, hasta el momento: “La Semilla del Espacio” (1962); la miniserie “El Dia de los Trifidos” de 1981; y la miniserie remake “El Día de los Trifidos” del 2009
Autor: Alejandro Franco Fuente: Arlequín
Tiene toda la razón, pero a mí me gustó. Es una de esas películas que ya sólo el título ("The day of the triffids") me resultó tan sugerente que hasta leí el libro. Y sí, un final más catastrofista y negro para la humanidad hubiera sido lo suyo. Pero amigos, estamos en los años 60 y el mal nunca vence en el cine. Pero estamos de acuerdo en todo, y la historia paralela del faro, sobra. Aun así, recomendada.
Norman Taylor es un profesor universitario de Psicología que da clases en la pequeña y prestigiosa universidad británica de Hempnell. Allí vive plácidamente con su esposa Tansy, disfrutando de una acomodada posición y de un fulgurante éxito académico, mientras es idolatrado por sus alumnos y admirado (y envidiado) por sus compañeros. Un fin de semana Norman descubre que su mujer se dedica a realizar pequeños rituales mágicos y a confeccionar amuletos con los que pretende proteger su hogar y la carrera de su marido frente a las asechanzas externas. Racionalista militante, el escéptico Norman la obliga a deshacerse de todas esas cosas y a rechazar cualquier tipo de superstición.
Pero, a partir de ese momento, lo que era una vida apacible y exitosa comienza a torcerse hasta adquirir tintes trágicos…
Ficha Técnica
Director: Sidney Hayers / Productor: Samuel Z Arkoff y Albert Fennell / Guión: Charles Beaumont y Richard Matheson (basado en una novela de Fritz Leiber) / Fotografía: Reginald H Wyer / Música: William Aylwin / Montaje: Ralph Sheldon / Intérpretes: Peter Wyngarde, Janet Blair, Margaret Johnston, Anthony Nicholls, Collin Gordon, Kathleen Byron, Reginald Beckwith, Jessica Dunning, Norman Bird, Judith Stott, William Mitchell / Nacionalidad y año: Reino Unido 1962 / Duración y datos técnicos: 90 min.(V.O.S.E.)
Comentario
Ya saben voacés que a finales de los 50’s tuvo lugar esa especie de big-bang a partir del cual todo se puso en marcha (en el género, digo). Y que la explosión tuvo lugar (para nuestra felicidad) en esa isla del noroeste de Europa que es conocida como Gran Bretaña.
Bueh… pues esta peli pertenece, más o menos, a ese histórico momento. Realizada en 1961-62, en un momento en que el brit-terror ya estaba plenamente consolidado y encarrilado y, además, dominaba el género a nivel mundial.
Pero cuidado, porque "Night Of The Eagle", a pesar de todo, es una película muy curiosa. Muy original. Muy diferente, en el fondo, a la mayor parte de sus contemporáneas.
Sitúense vuesas mercedes: Cintas como "Blood Of The Vampire" (1958), "The Curse Of Frankenstein" (1957), "Dracula" (1958), "The Brides Of Dracula" (1959), "Horrors Of Black Museum" (1959), "Circus Of Horrors" (1960) "The Mummy" (1959), "The Kiss Of The Vampire" (1963) y tantas otras llenaban las pantallas de cine y derramaban sobre los espectadores un maravilloso chorreo de sangre, horror y, sobre todo, color (esos colores gloriosos de finales de los 50’s y principios de los 60’s que el brit-terror elevó a una categoría insuperable). Y, a revueltas con el cromatismo abarrocado y enloquecido, en el mismo paquete iban los argumentos; grandguignolescos y más o menos truculentos, en la tradición de una literatura específicamente british (aquello de los Penny-Dreadfulls… o novelicas de cordel del siglo XIX), maravillosamente pensados para recrear un nuevo tipo de cine de terror.
Es curioso pensar que incluso una película como "Peeping Tom" (1960), que exploraba el miedo psicológico y las pulsiones freudianas puede ser susceptible de encajar en ese grupo. De jugar a ese juego.
Bueh… pues al mismo tiempo que ocurría todo eso, había otras producciones que seguían un camino diferente (y no menos glorioso). Cosas absolutamente clásicas e imprescindibles como "Night Of The Demon" (1957, una maravilla de Jacques Tourneur que puede considerarse el pistoletazo de salida del nuevo brit-terror), "The Innocents" (1961), "The Haunted" (1961) o ésta que ahora cuelgo.
Estas cintas no sólo no recurrían al color, sino que evitaban cualquier explicitud, manejando un lenguaje mucho más elusivo, menos evidente. Si, de alguna forma, las pelis citadas en primer lugar eran un equivalente a los mentados Penny-Dreadfulls del siglo XIX, éstas últimas deberían más a las clásicas Ghost-Stories victorianas, y en concreto a sus ejemplos más elegantes y contenidos... como los cuentos de fantasmas de Le Fanu, Dickens o M.R. James (por citar sólo tres).
"Night Of The Eagle" es, desde luego, una película de una contención y sobriedad absolutas. Elegantísima, comedida, perfecta. Una auténtica obra maestra (desde mi subjetivo punto de vista, of course… En IMDB sólo le dan un 6,5) del género. Una de las mejores películas de aquel periodo (lo que es decir muchísimo... piensen voacés la época de la que estoy hablando). Curiosamente, y a pesar de ser de 1962, yo la veo más relacionada con "Night Of The Demon" que con ninguna otra… Y eso que incluso en la carátula del DVD inglés aluden expresamente a "The Haunted" y, sobre todo, a "The Innocents" (yo creo que más por pereza intelectual que por otra cosa… Claro, como Wyngarde también aparece en la segunda. Pues y’astá). No, en serio… yo la veo estrechamente emparentada con la peli de Tourneur. Las dos juegan a lo mismo. Las dos insertan un argumento de satanismo y brujería en un marco contemporáneo, normal, convencional. Las dos muestran hasta qué punto el terror está escondido en nuestra misma casa, en medio del parque más tranquilo y apacible, en el lugar más inesperado y familiar. Las dos cuentan una historia de terror (de brujería) en un entorno absolutamente doméstico y convencional, sin ningún tipo de goticismo ni guiño al género.
De hecho, "Night Of The Eagle" comienza como una comedia británica de la época, como una cinta costumbrista de ambiente universitario y provinciano... Incluso la espléndida fotografía en blanco y negro mantiene ese tono suave, realista (huyendo del empleo de cualquier contraste, de cualquier claroscuro, de cualquier toque expresionista... como si conscientemente quisiera alejarse de los usos habituales que se asocian al terror) que caracteriza a ese tipo de producciones. Y es precisamente ésa una de las cosas que la hace tan efectiva, mes amis: la inserción de un argumento brujeril y terrorífico en un ambiente doméstico y reconocible... la infiltración de lo demoniaco en medio de la más aparente normalidad.
Su director, Sidney Hayes, había firmado un par de años antes la anteriormente citada "Circus Of Horrors" (con planteamientos absolutamente opuestos, por cierto, vamos, en las antípodas... pero con resultados igualmente gloriosos, que conste). Uséase, que sabía lo que hacía y, en este caso, era plenamente consciente de a dónde quería llevarnos. Le ayudan, desde luego, unos actores de una profesionalidad fabulosa. Peter Wyngarde está espléndido… recién salido de "The Innocents", por cierto, donde “daba vida”(es un decir, jejejeje) al personaje del jardinero Quinn; Janet Blair (una actriz ya otoñal que había conocido la gloria en los años 40’s como una especie de pin-up en comedias de evasión para tiempos de guerra) le da una excelente réplica; y el resto de actores, todos maravillosos secundarios del cine británico, simplemente hacen lo que mejor saben hacer: actuar como de verdad hay que hacerlo, coñe (como se hacía entonces, benditos sean los dioses antiguos).
La película se estrenó en USA con el título de "Burn Witch Burn" y un cartel (que es el que he colgado) que traicionaba bastante el espíritu de la cinta. De hecho, tanto el cartel como el título podían dar lugar a equívocos. En primer lugar porque, como ya he dicho, la peli no tiene ningún elemento gótico o tremendista (cosa que nadie diría viendo a la señora Blair en camisón semitransparente, el lúgubre cementerio a sus pies y la figura encapuchada y siniestra que acecha tras ella). Y en segundo porque el argumento se basa en una novela de Fritz Leiber publicada en los años 50 y cuyo título original era Conjure Wife. En España la publicó Martínez Roca en los 80's con el título de Esposa Hechicera (¿Recuerda alguien aquellas ediciones de Martínez Roca de Fantasía y Terror? Tenían unas portadas horribles –o a mí me lo parecían- pero, en bastantes ocasiones, ofrecían títulos absolutamente imprescindibles). Lo de "Burn Witch Burn" podría hacer que alguien se confundiese con otra novela, escrita precisamente con ese título por Abraham Merritt en los años 20 (yo conseguí una edición en novelilla ilustrada y de kiosco, publicada en España ¡¡En 1934!!). La novela de Merritt dio lugar a su vez a otra película bastante clásica: "Muñecos Infernales" (1936, Tod Browning). Sobra decir que las dos novelas y sus respectivas películas no tienen absolutamente ningún contacto entre sí (salvo pertenecer al género de fantasía más o menos terrorífica, claro está).
Otra cosa más: a pesar de colgar un cartel con la versión en español de la peli, no he encontrado absolutamente nada por ningún lado, ningún audio ni nada parecido. Yo, de hecho, ignoro si la película llegó a estrenarse en España. Y el cartel, desde luego, tiene aspecto de ser latinoamericano (primero por el mimetismo en el título con la versión yanqui… y segundo por el potenciamiento del erotismo en la imagen de una Janet Blair que, en aquellos tiempos, no necesitaba del photo-shop existiendo dibujantes profesionales, ejem).
Como ya he comentado el argumento se basa (con cierta libertad) en una novela escrita por Fritz Leiber y titulada Conjure Wife. Leiber es (fue… pues ya ha fallecido) uno de los pocos autores “modernos” de terror y fantasía por el que siento aprecio. En eso, como en casi todo, soy bastante clasicote. Pero en el caso de Leiber he de decir que es uno de los mejores escritores modernos en los campos antes aludidos. Novelas suyas como la que dio lugar a esta peli o Nuestra Señora De Las Tinieblas (además de varios volúmenes de cuentos) confieren una dignidad al género de terror a la que ni de lejos se acercan la inmensa mayoría de las producciones actuales. En Ciencia-Ficción, es el autor de clásicos tan imprescindibles como The Big Time o Un Fantasma Recorre Texas. E, incluso en eso que se conoce como Espada Y Brujería contribuyó a dar forma al género gracias a sus relatos de Fhard y El Ratonero Gris. Vamos… que el hombre tiene su prestigio.
Por otro lado, uno de los encargados de escribir el guión y adaptar la novela es, nada más y nada menos que Richard Matheson (otro que se les trae). Uséase que por ese lado la calidad está más que asegurada.
Y por el resto de flancos, pues me remito a lo dicho… La peli es una maravilla de principio a fin en la que no sobra ni falta nada. Un ejemplo quintaesencial de bienhacer, de eficacia, de profesionalidad, de respeto por el público (casi cincuenta años después, oigan ustedes). Una de esas películas que, al terminar, te dejan con un delicioso sabor de boca mientras renuevan tu esperanza en la capacidad del ser humano para hacer (de vez en cuando) las cosas bien. Lo dicho… Una joya.
Se trata de un DVDRip impecable, en inglés original. Los subtítulos los he hecho yo mismo, aprovechando unos que encontré en portugués (los he modificado bastante… intentando sincronizarlos mejor y eliminando o añadiendo algunas frases que, o bien no aparecían por ningún sitio en el audio o no estaban transcritas) y van en archivo aparte.
La película empieza narrando la historia de un hombre que quedó marcado desde la niñez por haber visto morir a un sujeto en el aeropuerto. Años más tarde de este suceso se produce una Tercera Guerra Mundial, y una de las ciudades más devastadas es París. Los habitantes deben refugiarse debajo de la tierra gracias a la radiación que impregna la superficie. Entre estas personas se encuentra el mismo hombre, ya crecido.
En las bases subterráneas se llevan a cabo experimentos con los prisioneros de guerra, aparentemente beneficiosos para los que los hacían. Llegó un momento en el que eligieron al protagonista para un nuevo experimento: El viaje en el tiempo, con el propósito de conseguir comida, medicina, fuentes de energía, etc.
El hombre vuelve al pasado y conoce a la mujer que se encontraba presente en el momento de la tragedia del aeropuerto. Entabla una relación amistosa y pasa el tiempo disrutando del pasado con ella, pero siempre termina volviendo al futuro, y luego de un tiempo vuelve al pasado, apareciendo y desapareciendo, aunque ella no se ve sorprendida. Luego de varias misiones, el protagonista es enviado al futuro, donde los seres humanos más avanzados lo rechazan, pero le entregan una fuente de energía suficiente para reconstruir la industria humana.
Cuando vuelve, es trasladado a otro sector del campamento, pero recibe mensajes de los seres del futuro, que le ofrecen vivir con su civilización pacificada. Sin embargo, él decide volver al pasado, donde está la mujer que ama, y la encuentra en el aeropuerto. Se da cuenta de que su yo más joven estaba allí, pero cuando la ve a ella al final del embarcadero, va hacia donde está. A pesar de esto, reconoce al hombre que lo había seguido desde el refugio subterráneo. Entiende entonces que no puede eludir el tiempo, y el hombre misterioso termina sacando un arma y disparándole. Entonces, se deja claro que el hombre que había muerto en el aeropuerto y que había marcado la niñez del protagonista, era él mismo
Ficha Técnica
Dirección y guión: Chris Marker / Productor: Anatole Dauman / Fotografía: Chris Marker y Jean Chiabaut / Música: Trevor Duncan / Intérpretes: Jean Négroni (Narrador), Hélène Chatelain (la mujer), Davos Hanich (el hombre), Jacques Ledoux (el experimentador), André Heinrich, Jacques Branchu, Pierre Joffroy, Étienne Becker, Philbert von Lifchitz, Ligia Branice, Janine Klein, William Klein…./ Nacionalidad y año: Francia 1962 / Duración y datos técnicos: 28 min. B/N 1.66 : 1 (V.O.S.E.)
Comentario
Muchas veces uno se da cuenta de que para hacer una película, no es necesario seguir los procedimientos establecidos. Para muchos, el cine es la suma de una historia, más unos actores que la representan y un hombre que les dirige tras las cámaras. Sin embargo, olvidamos lo que realmente es, emoción y sensaciones transmitidas a través de imágenes. Y esto es así desde que los Lumiere le dieran a la manivela hace más de 100 años. Por eso ningún crítico metería La Jetée entre las mejores películas de la historia. Primero por su duración, 25 minutos, y lo segundo, por la composición de la imagen. Para el que no haya visto esta película, debe saber que La Jetée está formado única y exclusivamente por fotografías concatenadas, una excelente banda sonora y una voz en off a modo de narrador. Estos tres elementos forman una película de ciencia ficción alejada de grandes presupuestos, con unos dotes de credibilidad narrativa que ya quisiera para sí Campo de Batalla: La tierra.
La Jetée narra la historia de un hombre marcado por la imágen de una mujer en un muelle que captó durantes su infancia. Francia ha sido arrasada por las bombas desencadenando la III Guerra Mundial, la tierra es un lugar inhabitable debido a la radioactividad y los seres humanos están obligados a ocultarse en cuevas. En estos campos de reclusión, el hombre es elegido por unos científicos para realizar con el un experimento el cual le va a permitir viajar en el tiempo manteniendose en el espacio. Esto hace que pueda viajar al pasado y vivir un romance con aquella mujer que marcó para siempre su existencia. El film de Chris Marker es probablemente, el mejor cortometraje jamás realizado de la historia del cine. La belleza de sus imágenes va más allá de su excelente fotografía, la composición de los planos y todos los detalles cuidados al máximo hacen de La Jetée una experiencia cinematográfica inigualable. Una película que seguramente haya influenciado sobremanera a directores como Terry Guilliam (12 monos) y a Los Hermanos Wachowski para sus sendas visiones apocalípticas del futuro. Un foto-romance, una historia de amor atemporal rodada en el año 1965 que todo aquel que disfrute con esto del cine tiene que ver obligatoriamente. Una obra maestra, en resumidas cuentas.
Cambios climáticos han provocado un deshielo temprano del Polo Norte, y varios icebergs fluyen por una corriente marina que se dirige hacia Japón. El submarino Seahawk es enviado con varios científicos de las Naciones Unidas a bordo, a observar el fenómeno. Pero chocan casualmente con el iceberg que mantenía en estado de hibernación a Godzila, liberando al monstruo. Mientras tanto, un potentado de la industria farmaceútica envía una expedición a la isla Faro, donde se han encontrado unas extrañas bayas con poderosas propiedades narcóticas para ser utilizadas en la medicina. Pero los expedicionarios se topa con los nativos del lugar, que adoran a un simio gigante como si fuera un dios. La expedición captura a Kong y decide llevarlo a Japon. Pero el simio se libera, mientras que Godzila llega a las costas japonesas, provocando una vorágine de destrucción. Y pronto el gobierno y los militares llegan a la conclusión que la única manera de detener a Godzila es trayendo a Kong para que confronte al gigante verde.
Ficha Técnica
Director: Ishiro Honda / Productores: John Beck y Tomoyuki Tanaka / Guión: Shinichi Sekizawa / Fotografía: Hajime Koizumi / Música: Akira Ifukube / Efectos especiales: Eiji Tsuburaya, Teruyoshi Nakano y Teizo Toshimitsu / Intérpretes: Tadao Takashima (Osamu Sakurai), Kenji Sahara (Kazuo Fujita), Yu Fujiki (Kinsaburo Furue), Ichirô Arishima (Mr. Tako), Jun Tazaki (General Masami Shinzo), Akihiko Hirata (Dr. Shigezawa), Mie Hama (Fumiko Sakurai), Akiko Wakabayash(Tamiye), Akemi Negishi (Madre de Chikiro), Senshô Matsumoto (Primer Ministro), Sachio Sakai (Obayashi),... / Nacionalidad y año: Japón, 1962 / Duración y datos técnicos: 90 min. Color 2.35 : 1
Comentario
King Kong es el padre del cine de monstruos y data de 1933. Pero el género recién sería masificado a partir de 1954 con “Godzilla, King of Monsters”, una producción japonesa que explotaba el holocausto nuclear desde el punto de vista de la ciencia ficción. Godzilla ya había sido secuelizado en “El Regreso de Godzilla” (1955), pero tardaría siete años más en retornar a las pantallas, a todo color, y en un duelo de titanes. La Toho, productora de la serie, había obtenido los derechos sobre el personaje de King Kong de la mano de la RKO, y en una hábil jugada de marketing, propuso el combate que da título al presente film. Pero los resultados finales son bastante pobres y sacrílegos respecto a los orígenes dramáticos de los personajes en juego.
Lo primero que uno puede observar en “King Kong Vs Godzilla” es el título. Hasta ese entonces, el gigante verde sólo se había dedicado a destruir compulsivamente maquetas de vehículos y edificios, pero este es el primer encuentro con otro monstruo a su tamaño. Es el primer film que muestra la tendencia definitiva que tomaría la serie, de transformar a los films de Godzila en gigantescos encuentros de boxeo. Y, sorprendentemente, el gigante japonés queda relegado a un papel secundario, donde las palmas de héroe se las lleva Kong. Si uno observa la evolución del personaje, en 1954 Godzilla era la materialización de la pesadilla nuclear, una crítica al holocausto atómico que los americanos habían desatado sobre Hiroshima y Nagasaki. En cambio, para 1962, podemos interpretar - a través del film - que los japoneses no pueden defenderse solos y requieren de una potencia extranjera aliada - los americanos en la vida real, Kong en la ficción - para sobrevivir. Asumir para esas alturas si Godzilla podría ser una metáfora de la amenazante presencia comunista acechando a Japón, sería hilar demasiado fino. Pero lo concreto es que el tono del relato ha ido cambiando en las tres primeras películas de la serie.
Siguiendo por ese punto de vista de análisis - política versus ficción -, King Kong versus Godzilla es uno de los primeros films que poseen la convicción totalmente naif de que las Naciones Unidas pueden tener peso a nivel mundial para coordinar acciones conjuntas a nivel político y militar. No sería la primera vez - cinematográficamente - que la Tierra (o un país) enfrente una amenaza catastrófica y se presente a la ONU como una fuerza operativa eficiente. Muchos de los films de sci-fi de la década se esforzaron en proyectar una imagen de liderazgo a la institución, como una suerte de gobierno democrático mundial; imagen que se derrumbaría a fines de los 60 con la probada incapacidad por parte del organismo de manejar conflictos regionales pero tercerizados políticamente como Corea y Vietnam, demostrando que las Naciones Unidas pueden ser útiles para cualquier otra cosa que menos para la política. En ese sentido, “King Kong Vs Godzilla” queda como una suerte de cápsula del tiempo, de la ingenuidad política que prosperaba a principios de los 60.
Pero eso ya resulta demasiado profundo como lectura para un film de este calibre. El drama de los filmes originales (King Kong, Godzilla) ha dejado lugar a un pastiche de aventura, donde la coherencia se encuentra totalmente ausente. El color no le sienta bien a los filmes de Godzilla; los malos efectos especiales resultan más evidentes, en el peor sentido de la palabra. El diseño de los trajes es espantoso; pero mientras el gigante verde mantiene su estilo, el disfraz de King Kong es totalmente abominable (parece alquilado en una tienda de disfrazes), amén que los rostros de los personajes son inexpresivos, con ojos carentes de vida y bocas deformes. A esto se le suma el argumento, que si bien no tiene demasiada lógica, opta por incluir sacrílegamente caracteres cómicos como los expedicionarios que van a la isla de Faro (originalmente debería ser la Isla Cráneo como en la King Kong original, pero el cambio responde a reubicar la isla cerca de Japón y poder presentar a nativos japoneses con la piel teñida y en ridículos trajes de indios). La llegada de la expedición a la isla es surrealisticamente camp, con los nativos fumando compulsivamente y escuchando radios que han intercambiado con los investigadores. Al menos Ishiro Honda se las ingenia para meter alguna que otra escena bastante intensa, como el ataque del pulpo gigante a la aldea... hasta que el ridículo traje de Kong aparece en pantalla, y todo se va por la borda. En cuanto al resto, no hay nada demasiado destacable. Las actuaciones van desde lo standard hasta la sobreactuación a niveles siderales; y los combates apenas están ok, donde los gigantes se castigan fuerte y parejo. Pero incluso en esta materia la serie ha perdido algo de brillo; el andar pausado y elegante de un ser descomunal como Godzilla ha dejado su lugar a un ritmo normal de movimiento, incluso algo acelerado - posiblemente para filmar con mayor intensidad las peleas cuerpo a cuerpo -, lo que hace más obvio que se tratan de actores enfundados en traje. Y está el final, el único filmado (donde King Kong gana, tanto en la versión original japonesa como en una reedición americana con nuevas escenas incluídas) que resulta algo desprolijo y abrupto.
No es una buena entrada en la serie; pero Honda mantiene un ritmo lo bastante entretenido como para que no aburra. Quizás el mayor problema sea el guión de Shinichi Sekizawa (el mismo de Godzilla Vs Megalon), que le encanta salir de madre e irse a terrenos camp, incluyendo personajes ridículos como el industrial farmaceútico o los expedicionarios. El otro problema es que se nota que la Toho quiso hacer una superproducción a colores pero carecía de los recursos suficientes; y entonces uno ve a cientos de extras moverse en decorados de papel maché, o un gran despliegue de maquetas no muy bien terminadas. Lo único que salva al film de ser un desastre total es el pulso de Honda para que los agujeros se noten menos. “Plan 9” visita Japón.
La familia Baldwin, compuesta por el padre (Milland), la madre (Jean Hagen) y sus dos hijos (Mary Mitchell y el cantante Frankie Avalon), salen de Los Ángeles dispuesto a pasar unas tranquilas vacaciones en las montañas. Una vez allí son testigos de cómo la ciudad ha sido aniquilada por culpa de una bomba atómica. Tendrán que aprender a sobrevivir como salvajes, defendiéndose de los violentos supervivientes.
Ficha Técnica
Director: Ray Milland / Productores ejecutivos: Samuel Z. Arkoff, James H. Nicholson para American International Pictures / Guión: John Morton, Jay Simms, según los relatos "Lot" y "Lot's Daughter" de Ward Moore / Fotografía: Gilbert Warrenton / Música: Les Baxter / Montaje: William Austin / Diseño de producción: Daniel Haller / Efectos Especiales: Lawrence W. Butler, Pat Dinga / Intérpretes: Ray Milland (Harry Baldwin), Jean Hagen (Ann Baldwin), Frankie Avalon (Rick Baldwin), Mary Mitchell (Karen Baldwin), Joanm Freeman (Marilyn Hayes), Richard Bakalyan, Rex Holman, Richard Garland, Willis Bouchey, Neil Nephew, O.Z. Whitehead, Russ Bender, Hugh Marlowe (voz)... / Nacionalidad y año: USA 1962 / Duración y datos técnicos: 93 min. B/N 2.35:1.(V.O.S.E.)
Comentario
Lo que podría parecer a primera vista otra típica película de serie-B de la AIP (American International Pictures), es en realidad una de sus obras más serias. De hecho, “Pánico Infinito” es una más que correcta película que se apoya en su bajo presupuesto para acercar más la trama al nivel del protagonista y su familia y así explorar las ramificaciones psicológicas y sociales productos de una guerra nuclear, de una manera básica pero muy efectiva.
El resultado hace que “Pánico Infinito” sea una película que sigue siendo sorprendentemente potente. Correctamente dirigida con confianza y estilo por Ray Milland, con una excelente fotografía en blanco y negro y unas buenas interpretaciones del veterano matrimonio protagonista. Con una Ray Milland en el papel de Harry Baldwin, un hombre con una serie de ideales, de prioridades (su familia, por supuesto) y que hace lo que esté en su mano por defenderlos, por defenderla.
En el film no hay efectos especiales, ni desiertos post-apocalípticos, ni nada de eso. En él se intentan ver las cosas con realismo, sin florituras. La gente no sabe lo que está pasando, las cosas son bastante difíciles, pues nadie confía en nadie y todos deben luchar por sus vidas. Todo ello narrado con sencillez, sin artificios y con una trama que actualmente puede parecer ingenua, pero que no le resta efectividad al film. No es una obra maestra pero merece, al menos, un visionado.
Mención aparte merece la constante y electrizante partitura jazzística de Les Baxter, que aunque está muy bien, a veces se encuentra fuera de lugar.
