El Barón Frankenstein quiere retirarse como lider del Consorcio de Monstruos, y para ello convoca una reunión en su castillo del Caribe, a ella invita a los mayores espantos mundiales y a su inocente sobrino Felix Flanken a quien quiere nombrar su sucesor y confiar todos sus secretos.
Ficha Técnica
Dirección: Jules Bass / Productor: Jules bass y Arthur Rankin Jr. / Guión: Forrest J Ackerman, Len Korobkin, Harvey Kurtzman, basado en una historia de Arthur Rankin Jr. / Fotografía: Tadahito Mochinaga / Intérpretes: Boris Karloff (Baron Boris von Frankenstein), Allen Swift (Felix Flankin / Yetch / Dracula / Hombre Invisible / Dr. Jekyll / Mr. Hyde / voices adicionales), Gale Garnett (Francesca), Phyllis Diller (pareja del mosntruo), Ethel Ennis (cantante de los títulos de crédito)... Nacionalidad y año: Estados Unidos 1957. Duración y datos técnicos: 94 min. Color 1.37 : 1. (V.O.S.E.)
Comentario
La década de los 30 se considera la edad de oro del horror. Durante este período, las encarnaciones de las criaturas clásicas como el monstruo de Frankenstein, Drácula, el Hombre Invisible, Dr. Jekyll y Mr. Hyde, la Momia y el Hombre Lobo fueron trasladadas al celuloide. En los 40, dichos famosos monstruos se fueron devaluando a través de interminables secuelas o la reunión de varios en el mismo film. Fue en los 60 cuando la Hammer hace resurgir de sus cenizas a los clásicos con nuevas fuerzas y un enfoque diferente y novedoso, a la par que lleno de calidad. Y la Universal, que fue la encargada de los originales, los hace resurgir en forma de comedia, véase con la serie de TV “The Munsters”, o el encantador film de animación que nos ocupa: “Mad Monster Party?”. Esta joyita de la animación fue realizada por los creadores de dibujos animados infantiles de la factoría Rankin-Bass, responsables de varias series de dibujos animados y especiales televisivos como “Frosty the showman”, “The Jackson Five and The Osmonds”, “Willie McBean and His Magic Machina” (1965), y la adaptación para tv en clave de animación de “The Hobbit” (1977), entre otras cosas. “Mad Monster Party?” tiene a Boris Karloff como protagonista (bueno, su voz), interpretando al barón Von Frankenstein y a Forrest J. Ackerman (“Mr. Science”), editor de la publicación “Famous Monsters of Filmland” (1.958-82) y uno de los personajes clave en la historia de la ciencia ficción, en el guión. Así, a película se lleva a cabo con el máximo respeto y cariño hacia los originales. A destacar que además de los monstruos antes citados, la Rankin-Bass añaden un asistente de laboratorio con la voz de Peter Lorre y una aparición sorpresa de King Kong). Y el comienzo, cuando van apareciendo todos los monstruos resulta fantástico y muy, muy divertido. En verdad, tras su visonado os daréis cuenta que es un film realizado para los más pequeños. Hay muchas bromas tontas y chistes malos. Pero el ambiente que se respira, esa música sementera y unas marionetas maravillosas, hacen de “Mad Monster Party?” una joyita de la animación. Recomendada.
A destacar la banda que toca en la fiesta, de la que he puesto una foto: “Little Tibia and the Fibias”. Por cierto, más abajo podréis descargaros su excelente banda sonora.
Un científico, el doctor Blair, inventa un aparato capaz de grabar las ondas cerebrales; piensa que ese puede ser el primer paso hacia la comunicación telepática. Tras perder en un accidente a su amantísima esposa, descubre por casualidad que su máquina sigue registrando los impulsos cerebrales de la mujer, y que, en cierto modo, ella sigue aún ahí y se puede comunicar con él...
Ficha Técnica
Dirección: Edward Dmytryk. Productor: Wallace MacDonald para Columbia Pictures Corporation. Guión: Robert Hardy Andrews, Milton Gunzburg según la novela The Edge of Running Water de William Sloane. Fotografía: Allen G. Siegler. Música: George Antheil, Gerard Carbonara, Sidney Cutner, Werner R. Heymann, Ben Oakland, Karol Rathaus, Gregory Stone, Victor Young. Montaje: Al Clark. Efectos especiales: Franz Dallons, Oscar Dallons, Paul Dallons. Intérpretes: Boris Karloff (Dr. Julian Blair), Richard Fiske (Dr. Richard Sayles), Amanda Duff (Anne Blair), Anne Revere (Mrs. Walters), Ralph Penney (Karl), Dorothy Adams (Mrs. Marcy), Walter Baldwin (Seth Marcy), Kenneth MacDonald (Sheriff Ed Willis), Shirley Warde (Helen Blair), Ernie Adams, Lester Allen, Wheaton Chambers, Earl Crawford, Harrison Greene, Erwin Kalser, Eddie Kane.... Nacionalidad y año: Estados Unidos 1941. Duración y datos técnicos: 65 min. B/N. 1.37:1.(V.O.S.E.)
Comentario
“Más Allá de la tumba” es otra de esas joyas en blanco y negro de los años 40 en las que ciencia ficción y terror se dan de la mano para conseguir mantener al espectador pegado a su butaca. Y en este caso lo consiguen. Y lo hacen gracias a la figura del “mad profesor”, muy habitual en aquellos años. Un personaje obsesivo y ávido de conocimiento, que rompe todas las reglas morales para adentrarse en terrenos inexplorados y prohibidos para “jugar a ser Dios”. Algo que siempre les lleva al deterioro y finalmente a la destrucción en una especie de castigo divino. Véanse como ejemplos: “Dr. Cyclops” (1940), el doctor Moreau de “La Isla de las Almas perdidas” (1932), “Man Made Monster” (1941), “El Hombre Invisible” (1933), “El Poder Invisible” (1936) y el científico loco por antonomasia: “El Doctor Frankenstein” (1931), entre muchos otros filmes con esa temática. Esta película no podía ser menos, y en ella nos encontramos con un científico que explora lo que se oculta al otro lado de la muerte. Una investigación que lo lleva inexorablemente a la obsesión, a la degradación y, finalmente, a la destrucción. Sin importar los medios necesarios para llevarlas a cabo (profanación, asesinato, experimentación con humanos), ni las consecuencias que pueden provocar sus actos. De nuevo un magnífico Boris Karloff (lo mejor) que nos vuelve a ofrecer una de sus grandes interpretaciones, que se reflejan magistralmente en como el Doctor Blair (su personaje) pasa de la sonrisa dulce y bonachona del principio de la historia, a la enajenación más absoluta del final. Nadie como Karloff resulta tan creíble a la hora de pasar de la más normal de las corduras a la locura más salvaje, y transmitírselo al espectador. Como siempre, nos quitamos el sombrero. Con una realización sencilla, directa, efectiva, de la mano de un primerizo Edward Dmytryk, antes de su contrato con la RKO, y sus grandes filmes de cine negro, y una ambientación (caserón aislado en medio de una tormenta) y fotografías perfectas, además de todo el atrezzo (las escafandras para los experimentos son brutales), “Más allá de la tumba” es una pequeña maravilla de la serie B del género (o géneros) de los 40.
P.D.: Atención a cuando la criada entra, a mitad del film, en el laboratorio y se encuentra..Uy, no he dicho ná. Recomendación Plan 9
Tras salir más o menos ileso del incendio del molino, el monstruo creado por Henry Frankenstein, vaga libre por los alrededores de la aldea que lo vio nacer. A pesar de que su creador quiere pasar aquella oscura página de su vida, entrará en escena el desquiciado doctor Pretorius que, sirviéndose de sus artimañas y de la misma criatura, conseguirá doblegar a Henry y abocarle de nuevo a sus experimentos. Esta vez, con la intención de ofrecerle una compañera al monstruo…
Ficha Técnica
Director: James Whale / Guión: William Hurlbut, John L. Balderston basada en la novela Frankenstein de Mary Shelley / Productor: Carl Laemmle Jr. para Universal / Música: Franz Waxman, Franz Schubert (Ave Maria, Op.52 No. 6) / Fotografía: John J. Mescall / Montaje: Ted J. Kent / Dirección artística: Charles D. May / Maquillaje: Otto Lederer, Jack P. Pierce / Intérpretes: Boris Karloff (El monstruo), Colin Clive (Dr. Henry Frankenstein), Valerie Hobson (Elizabeth Frankenstein), Ernest Thesiger (Dr. Pretorius), Elsa Lanchester (Mary Wollstonecraft Shelley/La novia del monstruo), Gavin Gordon (Lord Byron), Douglas Walton (Percy B. Shelley), Una O’Connor (Minnie/sirvienta en Villa Diodati), E.E. Clive (alcalde), Lucien Prival, O.P. Heggie, Dwight Frye, Reginald Barlow, Walter Brennan, John Carradine, Marilyn Harris… / Nacionalidad y año: USA 1935 / Duración y datos técnicos: 75 min. B/N 1.37:1. (2 versiones: doblada y original + subs.)
Comentario
Resulta evidente que James Whale con la presente película no se planteó, ni mucho menos, una mera secuela de su taquillera “El doctor Frankenstein” (1931). El trabajo previo de acercamiento a la historia lo realizó el escritor William Hurlburt, aprovechando la idea presente en el original de Mary Shelley, relativa al deseo del monstruo de tener una compañera (apunte no incluido en la primera película). Por otra parte, al propio Whale también le atraía la idea de crear una criatura femenina similar a Boris Karloff. El guión resultante de la colaboración de Whale, Hurlburt y el entrante John Balderston, terminaría siendo uno de los más insólitos que, hasta ese momento, recordaba la memoria cinematográfica. “The Return of Frankenstein” (título inicial del proyecto) no era exactamente un film de terror si no más bien un extravagante ejercicio de fantasía trufado de negra comicidad. Whale se negaba a que en esta película la criatura se limitara a hacer las mismas cosas que en la primera, de modo que se la planteó como un paso más en su lógica evolución como personaje. Así, el monstruo aprendería a hablar (igual que en el libro) acercándose a la especie humana y dando pie a que el público se identificara más con el. El reparto fue elegido por el director, antes incluso de que el guión estuviera acabado. Karloff y Clive repetirían sus papeles como criatura y doctor respectivamente. A estos se añadirían las impagables presencias de Una Q'Connor y Ernest Thesiger, quien daría vida al doctor Pretorius, el villano de la función. El mayor problema para los guionistas fue, sin duda, hallar una explicación no demasiado grosera para la reaparición del supuestamente fallecido monstruo. Finalmente, la solución fue incluir un prólogo en el que aparecen Lord Byron, Percy Shelley y la joven Mary Godwin (futura Shelley), revelándose así la naturaleza puramente de ficción de todo lo acaecido en la anterior película. La historia narrada en “El doctor Frankenstein” resulta de esa forma presentada nada más que como un cuento nocturno contado por la futura novelista para entretener a sus compañeros. Gracias a esta pirueta dramática, Whale quedaba con las manos libres para dirigir esta segunda película por los derroteros que más le interesasen, sin atender a ninguna de las engorrosas convenciones propias de las segundas partes. Ahora bien, el realizador no olvidaba que, aparte de sus fantasías personales, debla introducir en e11argometraje elementos del más puro terror, que era al fin y al cabo lo que la gente deseaba ver. Como consecuencia de todas estas tensiones creativo-comerciales, Whale conseguiría la obra maestra de su sofisticada aunque irregular filmografía; soslayando las flaquezas de su predecesora e integrando todos los dispares ingredientes de esta inusual historia en un poema de tristeza profunda, con la imposibilidad de trascender las rígidas leyes de la naturaleza, de amar y comunicarse, como ejes fundamentales. La sublime fotografía de John J. Mescall, los ingeniosos efectos especiales de John P. Fulton (en particular en el chocante fragmento de los homúnculos, quizá el momento más desquiciado del film), las cómplices interpretaciones del quinteto protagonista (y muy especialmente del magnético Thesiger, la verdadera estrella de la película por delante incluso de Kar1off) y, por supuesto, la refinada puesta en escena de un Whale en la cima de su capacidad representativa, convierten “La novia de Frankenstein” en una de las mas retorcidas obras maestras de la historia del cine (fantástico o no).
El doctor Henry Von Frankenstein se embarca en un experimento tenebroso: construir, a partir de trozos de cadáveres, un nuevo ser humano. Para el cerebro emplea el de un criminal, lo que conduce al monstruo al odio más cruel. Ayudado por su criado Fritz se adentra durante la noche en los cementerios de la localidad para robar la materia prima.
Ficha Técnica
Director: James Whale / Productor: Carl Laemmle Jr. / Guión: Garret Ford & Francis Edward Faragoh (Novela: Mary Shelley) / Fotografía: Arthur Edeson / Música: David Brockman / Montaje: Clarence Kolster / Efectos especiales: John P. Fulton / Maquillaje: Jack P. Pierce / Intérpretes: Colin Clive (Henry Frankenstein), Mae Clarke (Elizabeth), John Boles (Moritz), Boris Karloff (El Monstruo), Edward Van Sloan (Doctor Waldman), Frederick Kerr (Baron Frankenstein), Dwight Frye (Fritz), Lionel Belmore (El Burgomaestre), Marilyn Harris (pequeña María), Ted Billings (Aldeano),... / Nacionalidad y año: USA 1931 / Duración y datos técnicos: 70 min. B/N, 1.33:1. (Dúal Español/Inglés + Subs)
Comentario
Puede decirse que el célebre relato de Mary Wollstonecraft Shelley, “Frankenstein o el Moderno Prometeo”, inventado en la quinta ginebrina de Lord Byron la célebre noche del 14 de Junio de 1816, se convirtió muy pronto en una máquina de disparar historias desde que dos años más tarde apareciera publicado en Londres. La macabra y morbosa fantasía no es una obra maestra de la literatura, pero ha sabido conectar con ocultos mecanismos del inconsciente y simbolizar una serie de temores innatos en el hombre. Frankenstein, el monstruo, no es sólo un emblemático mito romántico, también lo es de la soledad del hombre moderno, librado a sus propias fuerzas, perversamente creado y posteriormente ignorado por un dios olvidadizo. Tan sólo cinco años después de su primera publicación llovieron las adaptaciones teatrales del mito. Hasta 1900 fueron ocho las versiones para la escena entre las que se contabilizan dos parodias y una comedia musical. Fue el sonado éxito de la versión de Peggy Webling de 1930 la que provocó la carismática adaptación cinematográfica de James Whale/Boris Karloff. Previamente, el monstruo había sido llevado a la pantalla en tres ocasiones, dos en los Estados Unidos (1910 y 1915) Y una en Italia (1920). En un principio se pensó en Bela Lugosi, entonces en la cumbre de la popularidad por su hierática interpretación de Drácula (193t), para que encarnara al monstruo, pero el húngaro se negó a aceptar el papel alegando que sus admiradores no le reconocerían bajo ese disfraz. Afortunadamente, los directivos de la Universal aceptaron la propuesta de Whale y muy pronto el maquillador Jack Pierce empezó a experimentar sobre la cetrina piel del veterano William Pratt, alias Boris Karloff. Fue una suerte, porque nadie como Karloff supo imbuir a la patética criatura esa mezcla de horror y candor insuperable. Años más tarde, en Inglaterra, Terence Fisher ofrecería una serie de visiones menos poéticas del mito. Como si se tratase de una extraña reacción alquímica fueron muchos los elementos reunidos para lograr los fascinantes resultados de “El doctor Frankenstein”: Karloff y un excelente puñado de actores, Colin Clive, Dwight Frye, John Boles; el trabajo de Pierce, convertido desde entonces en uno de los mejores y más imaginativos maquilladores de la industria; el director de fotografía Arthur Edeson que dota al film de una estudiada iluminación expresionista; los barrocos y torturados decorados de Herman Rosse y la ajustada dirección de Whale. Con todo, a la Universal el argumento del film le parecía demasiado explosivo. Carl Laemmle padre tuvo bastantes discusiones con su hijo por esta razón. La advertencia que Edward Sloan realiza al principio de la película acerca de lo aterradora que puede resultar su visión es hija directa de este miedo antes que un hábil truco publicitario. Mucho menos moralista que su original literario, el film da comienzo con el robo de un cadáver en un cementerio. El joven doctor Henri Von Frankenstein está tratando de crear vida a través de fragmentos de cuerpos muertos. Un día se produce un tremendo error, al cual es ajeno el científico: su asistente, en lugar de traerle un cerebro sano, le proporciona el de un asesino. Y así, la criatura (que será conocida ya para siempre con el nombre de su creador) abre los ojos en una noche de tormenta. Pronto nos daremos cuenta de que Frankenstein ha creado un monstruo que, en su rebelde inconsciencia, asesina al ayudante del doctor y a una niña, cuya muerte es una de las escenas más terriblemente poéticas del film. Finalmente, también el monstruo perecerá en un incendio en medio de una terrible persecución. Aunque no se trate de la versión más imaginativa del mito, ya que fue superada por su secuela “La novia de Frankenstein” (1935), esta fábula del científico que quiso ser Dios abre triunfalmente las puertas del cine fantástico de los años 30 y 40 y es una de las más bellas e inquietantes muestras del género. Obra maestra.
El profesor Marcus Montserrat es un anciano que ha dedicado prácticamente toda su vida a estudiar el hipnotismo y que, finalmente, ha descubierto una técnica que permite que entre el hipnotizador y el hipnotizado se establezca un vínculo mental y sensitivo muy especial. Mediante un proceso relativamente sencillo, el primero puede experimentar las mismas sensaciones físicas que el segundo, aunque ambos se encuentren a muchos kilómetros de distancia y en situaciones completamente distintas. El propósito del viejo profesor es aplicar su revolucionario descubrimiento con fines altruistas (por ejemplo, devolver a personas aquejadas de parálisis la sensación de movilidad) pero su esposa, Estelle, no tiene las mismas aspiraciones. Ella quiere recuperar los goces físicos, los placeres que la edad le ha ido arrebatando. Volver a sentir lo que hace ya mucho tiempo que no siente. E, incluso, ir más allá…
Ficha Técnica
Director: Michael Reeves / Productora: TIGON / Guión: Michael Reeves, Tom Baker y John Burke / Fotografía: Stanley A. Long / Música: Paul Ferris / Montaje: Susan Michie y David Woodward / Intérpretes: Boris Karloff, Catherine Lacey, Elizabeth Ercy, Ian Ogilvy, Sally Sheridan, Alf Joint, Victor Henry, Ivor Dean, Peter Fraser, Maureen Booth, Susan George, Meier Tzelniker, Gerald Campion / Nacionalidad y año: Reino Unido 1967 / Duración y datos técnicos: 87 mins. DVDRip Dual (Español/Inglés)(Subs incrustados)
Comentario
Michael Reeves, como todo el mundo sabe, fue un jovencísimo director británico de trayectoria tan corta como impecable. Nacido en 1943, empezó con apenas 20 años a aprender los gajes de su oficio (como casi todo el mundo, empezando por abajo, of course). Por una de esas casualidades de la vida, en lugar de velar armas en su país, tuvo la suerte de foguearse como técnico y ayudante de dirección en la industria cinematográfica italiana (participando, de esa forma, en varias producciones del Gótico italiano de los 60’s). De hecho, fue en Italia donde filmó su primera película, esa deliciosa mezcla de terror y parodia titulada "The She-Beast" (a.k.a. "La Sorella De Satana", a.k.a "Il Lago De Satana") con 22 años. En 1966 regresó a Gran Bretaña, donde rodó para la Tigon la película que ahora cuelgo, "The Sorcerers". Y en 1968 dirigió su tercera y última peli, la más famosa de todas y la que suele ser considerada su obra maestra: "Witchfinder Genera".
Y no hubo más… A principios de 1969 Michael Reeves murió por una sobredosis de barbitúricos y alcohol (seguramente un suicidio), con apenas 25 años.
Bueh… Pues aquí va la segunda de sus películas. "The Sorcerers" (Los Brujos).
De las tres que dirigió el señor Reeves, ésta es la más sixtie, la más rematadamente deudora de la estética de su tiempo y de su lugar con todo eso del Swinging London y la psicodelia… (Ya saben los que me conocen que esas cosas me vuelven loco. Es una más de mis debilidades). Pero, además, la peli tiene un puntico que la hace única. Todo el mundo parece coincidir en que "Witchfinder General" es la obra cumbre de su director, que fue ahí donde demostró lo que era capaz de hacer y, sobre todo, lo que nos perdimos con su prematura muerte. Pero yo no lo tengo tan claro. Entendedme: No discuto la calidad de "Witchfinder General" ni esa especie de leyenda mitómana que se lamenta de lo que pudo haber sido y no fue… Lo que discuto es que "Witchfinder General" sea, tan claramente, la mejor película de Reeves. Precisamente porque ésta, "The Sorcerers", me parece también buenísima. Un pedazo de peliculón.
Hecha con un presupuesto que rondaría los cinco duros (uno más que "The She-Beast", que costó cuatro, jejeje), catalogada como low-budget en todas y cada una de las reseñas que existen sobre ella (y no mienten, que conste) la película es, desde mi punto de vista, un ejemplo perfecto de hasta qué punto las carencias presupuestarias no sólo no son un problema sino que incluso pueden resultar una virtud cuando detrás de la cámara hay alguien que tiene las ideas claras y la habilidad suficiente. ¿Habéis leído el argumento? ¿Sabéis de qué va la cinta? Bueh… Pues Reeves consigue que sea convincente. Se lo toma en serio. Cree que el espectador es una persona normal e inteligente y actúa en consecuencia. Nos tiene (nos tenía) respeto, coñe.
Eso es algo que caracteriza las tres películas de Reeves. El respeto por el espectador. En "The She-Beast" lo conseguía a base de introducir, de forma muy consciente, toques de humor en el argumento (algunos diálogos resultan antológicos), en "Witchfinder General" ambientando con absoluta precisión la trama en un momento histórico concreto, reconocible (la guerra civil inglesa y el destronamiento del rey Carlos por Cromwell y sus roundheads).
Y en ésta dándole un tratamiento crudo, áspero, poco complaciente (con lo que, aparte de salvar la escasez presupuestaria, confiere verosimilitud a lo que nos está contando); utilizando una fotografía sucia, descuidada, casi documental; yendo al grano; prescindiendo de tonterías; retratando un Londres de 1966-67 reconocible y, al mismo tiempo, extraño; planteando una historia con más implicaciones de las que, al principio, parece. Siendo serio. Tomándonos en cuenta. Creyéndoselo.
Durante muchos años, cuando yo leía algo sobre Michael Reeves y su halo de promesa truncada no podía evitar pensar que había algo de sobrevaloración en torno a él. Que su prematura muerte lo había mitificado un poco. Es algo que se da mucho entre los aficionados (no sólo al cine de terror… Los adoradores de casi cualquier manifestación de la cultura pop somos, aunque a veces lo neguemos, unos mitómanos enfermizos). Que no era para tanto, vaya…
En aquel entonces yo sólo había visto la inevitable "Witchfinder General"; y aunque reconocía que era una buena película pensaba que la cosa se había hinchado un tantico.
En los últimos dos años he conseguido ver, por fin, las otras dos películas de Reeves. "The She-Beast" es una obra absolutamente menor pero resuelta con una habilidad sorprendente que me dejó una impresión maravillosa. Pero fue sobre todo ésta que ahora cuelgo la que me convenció del talento de Reeves y de que, mitomanías y exageraciones aparte, verdaderamente era un tipo muy interesante que podría habernos regalado auténticas maravillas si no hubiese muerto en 1969. (¿Qué hubiera hecho durante los primeros 70’s? ¿Habría “sobrevivido” creativamente a esa especie de momento de inflexión que es 1973-74? ¿Hubiese dado continuidad al viejo brit-terror de los 60’s actualizándolo con mejor suerte que los demás?). Sí, mes amis. Fue esta película la que terminó de hacerme ver que las reseñas sobre Michael Reeves no eran tan exageradas. Que había bastante verdad en esa especie de hagiografía mitómana. Y no porque esta cinta me parezca mejor que "Witchfinder General" (aunque, como he dicho antes, la cosa podríamos discutirla) sino porque, a veces, para darse cuenta de las cosas, para apreciarlas como verdaderamente son, hay que tener una visión de conjunto (que decían los viejos profesores universitarios… Ya sabéis… aquel cuentecillo hindú del elefante y los ciegos…).
Hay otra cosa que me parece reseñable de la cinta. Como es evidente, entre los intérpretes está, con todos los honores, el maravilloso Boris Karloff. Todos sabéis que durante los años 60’s el bueno de Mr. Karloff participó en varias películas de serie B y Z (americanas, inglesas, italianas, españolas e incluso mexicanas) por necesidades estrictamente alimenticias. Y aunque es cierto que en todas y cada una de ellas demostró su profesionalidad y buenhacer (Karloff fue un actorazo siempre. En lo mejor y en lo peor. Era incapaz de trabajar mal, el caballero) también es verdad que, en muchas ocasiones, los productos en los que se vio obligado a trabajar dejaban mucho que desear y que no pueden ser considerados precisamente hitos en una carrera que, al final de su vida, estaba ya muy lejos de las glorias de los años 30 y 40. En buena parte de esas películas la presencia de Karloff era más una excusa que otra cosa… El anciano actor era utilizado (en el sentido literal de la palabra) como una mezcla de reclamo y de coartada para dotar a las cintas de un glamour impostado o de una seriedad de la que carecían. Por supuesto, en esos casos Mr. Karloff resultaba totalmente desaprovechado (y mira que es difícil). Bueh… Pues en esta, sobra decirlo, nada de eso sucede.
Bien es verdad que, a primera vista, estamos ante otro de esos low-budgets quintaesenciales en los que la aparición del entrañable señor Karloff parece una anécdota. Pero no, mes amis. Ignoro si la presencia del viejo actor fue una imposición de la productora (la Tigon volvió a contar con Karloff en 1968 para "The Curse Of The Crimson Altar") pero si lo fue, y Reeves se encontró con que la cosa formaba parte del paquete, a fe mía que supo aprovecharlo. Porque, como he dicho, en esta película Boris Karloff no está “malempleado”. El anciano actor borda un papel importante y complejo, esencial, maravilloso. En "The Sorcerers" Karloff es plenamente Karloff, no una excusa ni una especie de cameo legitimador (y eso que ya tenía gravísimos problemas de movilidad… Pero incluso esa circunstancia es aprovechada por Reeves, como podéis comprobar volviendo a echar un vistazo al argumento). Vamos, que fuera o no una imposición, el caso es que Michael Reeves acoge a Karloff con todo el cariño, toda la admiración que un icono del cine de terror clásico como él merecía. Y le da suficiente espacio como para que desarrolle sus cualidades. Cuenta con él. Lo honra. E, indirectamente, nos brinda a los aficionados un motivo más para disfrutar la peli.
Por cierto, que la presencia de Karloff y de su esposa, maravillosamente interpretada por la inquietante Catherine Lacey, es parte esencial de una pseudo-tesis que algunos han querido ver en la película y que, a decir verdad, parece bastante evidente. Según ciertas reseñas e interpretaciones, la siniestra presencia de los viejos, que dominan y manejan las voluntades de los jóvenes protagonistas (sobre todo del inevitable –en las películas de Reeves- Ian Ogilvy), vampirizando además sus sensaciones físicas no es sino una metáfora del conflicto generacional que en los años 60’s era una realidad palpable, visible, omnipresente. La cosa, de tan obvia, casi resulta un poco risible. Aunque es posible que sea cierta y que el jovencísimo Reeves jugase a ese juego… Los jóvenes yeyés, modernos y desprejuiciados, inocentemente hedonistas, transparentes en sus ganas de pasarlo bien y de gozar de la vida por un lado. Y los viejos siniestros, frustrados, amargados, envidiosos de los goces juveniles y llenos de maldad y perversión que utilizan a los otros para sus propios y malignos fines (en realidad la cosa sería más aplicable a Estelle que a Marcus… Pero vale como resumen) por el otro. Ya digo… de tan tópico resulta un poco grosero. Pero podría ser... Los 60’s, en ese aspecto, no fueron especialmente sutiles.
Pues nada, mes amis. Aquí va la película. Se trata de un ripeo de una edición española en DVD que, por lo que sé, ya está descatalogada. He mantenido el audio en dual castellano/inglés. A ese respecto he de decir que el doblaje español no es especialmente brillante (y mira que he defendido veces la calidad de nuestros dobladores… La cosa es dejarme mal). Tal vez porque se hizo deprisa y corriendo para alguna edición en VHS en los 80’s o, quizás, para esta misma en DVD.
Como curiosidad, señalar que aunque en todos los sitios fechan la peli en 1967 al verla no he podido evitar tener la impresión de que fue rodada un año antes. Me explico: sé que suena a broma andar hilando tan fino con un año de más o de menos, pero a mí las ropas y cortes de pelo que lucen los jóvenes actores me suenan mucho más a 1966 que a 1967. De hecho, hay varias escenas en una especie de night-club en el que actúan grupos de rock’n’roll. Y la forma de vestir de los asistentes y de los mismos músicos parece más propia de 1966 que del año siguiente. No hay kaftanes, bigotes, detalles orientalizantes ni pañuelos de colores… cosas que eran omnipresentes en 1967. Incluso la canción del principio suena a Freakbeat (un estilo casi exclusivo del año 1966). Bueh… pues eso… Tonterías mías que no tienen mayor importancia.
Pues nada, mes amis, que voacés disfruten la peli tanto como lo he hecho yo.
Un joven americano, Stephen, llega a la población británica de Arkham para pedir la mano de su novia, la encantadora Susan Witley. La familia de la chica, presidida por su anciano padre, Nathum, vive en una vieja mansión solariega. Stephen comienza a percibir cosas extrañas tanto en el comportamiento de los aldeanos como el de los miembros de su futura familia política. Poco a poco va siendo evidente que todo guarda cierta relación con un fragmento de meteorito que el viejo Nathum esconde en su sótano.
Ficha Técnica
Director: Daniel Haller / Productor: Samuel Z. Arkoff para la AIP. / Guión: Jerry Sohl (basado en el relato de H.P. Lovecraft "The Colour Out Of Space") / Fotografía: Paul Beeson / Música: Don Banks / Montaje: Alfred Cox / Intérpretes: Boris Karloff, Nick Adams, Freda Jackson, Susan Farmer, Patrick, Magee, Paul Farrell, Terence De Marney, Leslie Dwyer, Sydney Bromley / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1965 / Duración y datos técnicos: 80 min. Color / Idioma: Castellano.
Comentario
Pues aquí va una curiosísima (y absolutamente infiel… a mucha honra) adaptación de un relato de mi bienamado Howard Phillips Lovecraft. En concreto del cuento titulado El Color Que Cayó Del Cielo (The Colour Out Of Space). Producida por la AIP en 1965, tiene un cierto aire "Cormaniano" que, al menos a mí, me la hace irresistible, encantadora... De hecho, recuerda muchísimo a esa otra adaptación lovecraftiana de la misma casa que es The Dunwich Horror (1969). En todo. Desde el tipo de fotografía a la ambientación, pasando por las atmósferas, el desarrollo y la vocación de serie B desprejuiciada y honesta. Como en el caso de la mentada, las referencias que yo tenía de la peli eran bastante fuleras. Que si otra adaptación de Lovecraft absolutamente fallida, que si una obra mala y prescindible…. Y, de la misma manera, mi reacción al verla fue totalmente favorable. Me encontré, así, ante otra pequeña delicia de lo más reconfortante y agradecida. Hecha sin pretensiones, con una atmósfera acogedoramente perversa, una fotografía maravillosa, una eficacia casi naif y un desarrollo no por previsible menos disfrutable. Vamos… que ni hecha de encargo (al menos para los que, como yo, somos unos enamorados de esos terrores sixties tan entrañables; a veces ingenuos, a veces terribles, siempre adorables).
Coñe… ¡Y encima está protagonizada por Boris Karloff! ¿Quién necesita más? Yo no, desde luego…
Como adaptación de un relato de Lovecraft es de una infidelidad tremenda (de las que en algunos países tienen consecuencias penales, ejem), desde luego… ¿Pero eso qué diablos importa? Lo que hace que una película sea disfrutable no es lo fielmente que se adapte a su fuente literaria original (cuando existe) sino lo bien que nos lo pasemos viéndola y la coherencia que tenga per se (sin mayores débitos).
Curiosamente, la acción transcurre en Inglaterra (todos los lovecraftmaniacos saben que el territorio donde se desarrollan el 99% de sus relatos, la comarca lovecraftiana por antonomasia, está situado en Nueva Inglaterra, más en concreto en una especie de Massachusets alternativo y ominoso). Tiene cierta ironía la cosa… Sobre todo si pensamos que la peli es americana y que un film tan verdaderamente lovecraftiano (ése sí… y además sin inspirarse en ningún relato en concreto) como City Of The Dead (1960), siendo inglés, juega a ambientar su argumento en América. Vamos… como una especie de ping-pong; los yanquis ambientan sus pelis en la vieja Inglaterra para darle pedigrí a la cosa y los ingleses saltan el charco para conseguir lo mismo… Qué cosas. Pero ¿No es ésa, al fin y al cabo, una de las reglas del Gótico como género literario-cinematográfico? Ya ven voacés que todo tiene sentido…
Y que conste que la peli no es gótica, desde luego… ni falta que le hace. Pero, como ocurre con la antes mentada The Dunwich Horror (1969) maneja muchas referencias estéticas relacionadas con el goticismo. Juega a eso de todas todas; sin vergüenza ninguna. Sin cortarse un pelo… buscando una complicidad por parte del espectador que resulta, en el fondo, enternecedora (échenle vuesas mercedes un vistazo al cartel de la peli y sabrán de lo que hablo).
Una última digresión: Yo, aparte de aficionado al terror clasicote y a unas cuantas cosas más, soy un rendido enamorado (es un decir, ejem… uno es heterosexual desde antes de que supiera lo que quiere decir esa palabra… No estoy orgulloso, pero vaya… tampoco me quejo) de don Howard Phillips Lovecraft desde que mi más tierna adolescencia. Casi treinta años, hace (no llega… unos veintisiete). Tengo todos sus relatos y novelas en varias ediciones distintas, aunque atesoro con especial devoción los primeros libros que me compré: aquellas entrañables ediciones de El Libro De Bolsillo en Alianza Editorial (con las fabulosas e inquietantes portadas de Daniel Gil) que fui adquiriendo, uno a uno, entre 1982 y 1983 (vamos, que soy un fan anterior a la eclosión de los juegos de rol de los años 90 y de la llegada de la legión de “creyentes” en los mitos de Cthulhu). Bueh… ¿A qué viene todo esto? Ah, sí… lo que quería decir es lo siguiente: Nunca he tenido clara la adscripción del relato de HPL The Colour Out Of Space al ciclo de los Mitos. Ya sé que el propio Lovecraft lo hace en alguna ocasión, cuando “recapitula” (por decirlo de alguna forma) su obra. Y que Derleth, el albacea y seguidor principa (si Lovecraft es Dios, August Derleth fue su profeta) también lo deja establecido. Pero yo sigo sin verlo claro… Nunca lo he visto. Todo esto no tiene nada que ver con la película, a la que ni quita ni pone que el relato pertenezca a un ciclo u otro, pero quería comentarlo. Cosas de viejo.
Una última cosa. Existe otra película inspirada en el mismo relato. La cinta se titula The Curse (en español, Granja Maldita). Recuerdo que incluso llegó a estrenarse en España, en 1987. La peli es ligeramente más fiel que ésta al cuento original. Pero vamos… sólo ligeramente. E insisto: se inspira en el mismo relato pero, en modo alguno es un remake de ésta. Y, puestos a elegir... me quedo con la que ahora posteo. Vamos, de todas todas...
La peli es un DVDRip con excelente calidad de imagen y sonido. Los links en Rapidshare y Megaupload no son los mismos (esto es, no son intercambiables. Aunque el archivo troceado es el mismo. Vamos... la misma peli en .avi). De hecho, los de Rapidshare están cortados con File Splitter & Joiner mientras que los de Mega lo están con Winrar.
Durante las dos primeras décadas del siglo XX los Balcanes fueron un avispero en el que se libraron, casi seguidas (y sin casi) varias guerras extraordinariamente crueles. Una especie de ensayos a pequeña escala (lo de pequeña es un decir) de la matanza enloquecida que resultó ser la inmediatamente posterior Guerra Mundial (la primera). Al menos en una de esas guerras participó Grecia. Y es justo en ese momento donde se desarrolla la acción de esta película.
Un general del ejército griego llamado Pherides, con fama de frío, sanguinario e indiferente a la muerte (la suya y la de los soldados a sus órdenes) visita, en plena campaña, una pequeña isla-cementerio cercana a la costa acompañado por un periodista extranjero. En esa isla reposan los restos de su difunta esposa. Allí, además de un arqueólogo y su criada (que residen habitualmente en el lugar) se encuentran de paso varias personas a las que la guerra u otras circunstancias han reunido. Justo entonces se declara una extraña epidemia que obliga a establecer una rígida cuarentena y que aísla al general, al periodista, el arqueólogo y todos los demás en la pequeña isla-cementerio…
Ficha Técnica
Director: Mark Robson / Productor: Val Lewton para RKO. / Guión: Ardel Wray, Josef Mitchel y Val Lewton (éste sin acreditar). Inspirado en el cuadro de Arnold Böcklin / Fotografía: Jack McKenzie / Música: Leigh Harline / Montaje: Lyle Boyer / Intérpretes: Boris Karloff, Ellen Drew, Marc Cramer, Katherine Emery, Helen Thimig, Alan Napier, Jason Robards Sr., Ernst Deustch, Sherry Hall, Skelton Knaggs, Erick Hanson/ Nacionalidad y año: Estados Unidos 1945 / Duración y datos técnicos: 71 min. B/N (V.O.S.E.)
Comentario
Ahí va esta pequeña maravilla, esta joyica de la RKO (Val Lewton por encima de todo) que es La Isla De Los Muertos.
La película, aunque parezca mentira, tiene su origen en la fascinación que el productor (y guionista no acreditado pero evidente) sentía por el cuadro de Arnold Böcklin que os pongo a continuación.
Enredando, enredando, su imaginación dio a luz esta pequeña joya. O al menos a mí me lo parece (lo de joya, digo).
Ya sabéis la historia de las producciones de Val Lewton para RKO en los años 40. Esos clásicos del género de terror que (para mi subjetivo y discutible criterio) superan con creces a las mitificadas películas de la Universal de los años 30. Pequeñas gemas elegantes y líricas, sobrias, contenidas, que pueden verse una y mil veces sin que uno se canse. I Walked With A Zombie, Cat People, The Seventh Victim, Bedlam, The Body Snatcher, etc…
Siempre que en los libros se habla de estas pelis se cita el lirismo de Jacques Tourneur, la efectividad artesana de Robert Wise, la magia del propio Lewton… Y se despacha al bueno de Mark Robson (director de esta cinta) diciendo que, bueno, que también da la talla… pero como que menos…
Y, coñe, yo creo que son injustos. The Seventh Victim (que, por cierto, está publicada en España. Animo a todo el mundo a pillarla. Merece la pena) es un peliculón impecable, elegante, sobrio, contenido; y con un argumento que, para su época, era tremendamente original.
Y ésta que ahora cuelgo ni carece de efectividad (sólo hay que descargarla y verla, mes amis) ni, sobre todo, de lirismo (Ay… Esas escenas de la Vordolaka entre las ruinas griegas, por poner sólo un ejemplo… Y no digo más).
Sobra decir que Boris Karloff está inmenso, tremendo. Y que aunque sólo fuera por él (que no es el caso) ver la peli valdría la pena.
Un científico (Boris Karloff) injerta en el cuerpo de un profesor muerto (Stanley Ridges) el cerebro vivo de un gángster que acaba de morir; el profesor vuelve a la vida, pero cada tanto tiene atisbos de otra personalidad.
Ficha Técnica
Dirección: Arthur Lubin./ Productor: Burt Kelly / Guión: Curt Siodmak y Eric Taylor./ Fotografía: Elwood Bredell./ Música: Hans J. Salter./ Efectos Especiales: John P. Fulton. /Intérpretes: Boris Karloff (Dr. Ernest Sovac), Bela Lugosi (Eric Marnay), Stanley Ridges (Prof. George Kingsley / Red Cannon), Anne Nagel (Sunny Rogers), Anne Gwynne (Jean Sovac), Virginia Brissac (Mrs. Margaret Kingsley), Edmund MacDonald (Frank Miller), Paul Fix (William Kane), Murray Alper (Bellhop), Joe King (Jefe de Policía), John Kelly (Taxista),… Nacionalidad y año: USA 1940. Duración y datos técnicos: 70 min. 1.37 : 1 (V.O.S.E.)
Comentario
En la triste y mediocre carrera de Arthur Lubin, jalonada por las entregas de la serie de la “Mula Francis”, sólo merecen recordarse la segunda versión de “El Fantasma de la Ópera” (con Claude Rains y suntuosos colorines) y esta “Black Friday” en la que se hace patente la mano maestra del guionista, Curt Siodmak. En este caso, el menor de los Siodmak adaptó libremente el tema de una de sus más célebres novelas de ciencia ficción. “Donovan Brain”, que posteriormente sería llevada a la pantalla en dos ocasiones. En el transcurso de un tiroteo callejero, Kingsley, un profesor de universidad, y un gangster, Red Cannon, son gravemente heridos. Sovac, un médico amigo del primero, intenta salvarle mediante el trasplante de una parte del cerebro del gangster, que inevitablemente muere. La memoria y la personalidad del bandido, en la que se guarda celosamente el paradero de un botín sustraído a Marnay, un matón rival, suplantan las del pacífico profesor quien se transforma en un criminal. Horas antes de ser condenado a la silla eléctrica, Sovac relata en su diario las circunstancias que le llevaron a eliminar al que fuera su amigo. Lo que debiera haber sido otro de los interesantes encuentros entre Boris Karloff y Bela Lugosi, dos pesos pesados a la hora de hablar de cine fantástico, se convirtió en un mano a mano Karloff-Ridley, ya que éstos encarnaron finalmente al doctor y su paciente. En un primer momento Lugosi debía interpretar a este ultimo, e incluso llegó a rodar algunas escenas que fueron desechadas, pero disensiones con el director le relegaron al pequeño papel de Marnay, el gangster rival. Pese a todo, el productor quiso capitalizar la presencia de Lugosi y organizó una verdadera sesión de hipnotismo en el set de rodaje para ofrecer carnaza a la prensa. Fue en vano, el misterio brilla por su ausencia en una cinta que debe más al género policiaco que a la ciencia ficción. "Plan 9" te invita a un transplante de cerebro.
Un científico descubre un nuevo elemento químico, el Radio X, con grandes aplicaciones curativas, pero que también puede ser usado con fines altamente destructivos. Parte hacia las profundidades de África en su busca, y allí es contaminado por éste, de manera que el científico se convierte en mortal al tacto. Utilizará entonces este recién adquirido poder para vengarse de aquellos que le han traicionado.
Ficha Técnica
DDirector: Lambert Hillyer / Productor: Edmund Grainger para Universal / Guión: John Colton, según argumento de Howard Higgin y Douglas Hodges / Fotografía: George Robinson / Música: Franz Waxman / Efectos especiales: Jack P. Pierce (maquillajes), John P. Fulton, Raymond Lindsay (efectos visuales) / Montaje: Bernard W. Burton / Intérpretes: Boris Karloff (Dr. Janos Rukh), Bela Lugosi (Dr. Felix Benet), Frances Drake (Diana Rukh), Frank Lawton (Ronald Drake), Violet Kemble Cooper (madre Rukh), Walter Kingsford, Beulah Bondi, Frank Reicher, Paul Weigel, Georges Renavent, Ernie Adams… / Nacionalidad y año: USA 1936 / Duración y datos técnicos: 80 min. b/n.(V.O.S.E.)
Comentario
La carrera del gran actor Boris Karloff (que murió en 1968), inmortalizado, entre otros personajes, por la interpretación de la criatura de Frankenstein en los clásicos de la productora Universal de las décadas 30 y 40, también se caracterizó por algunas participaciones en películas de ciencia ficción, en las que interpretaba a un “científico loco", es decir, alguien cuyos descubrimientos científicos se convertían en una amenaza para la sociedad. En realidad, "El Poder Invisible" (The Invisible Ray), estrenada en 1936, es una de las precursoras de ese subgénero del “Mad Scientist”que tanto se popularizaría en la década de los 50 (en filmes de terror y sci-fi). También es importante porque es una de las pocas obras en las que se reúnen dos de los grandes iconos del terror cinematográfico, Boris Karloff y Bela Lugosi. Dos grandes personalidades que desde que comienza el film inundan la pantalla, y que suponen el factor decisivo para mantener el interés por el film. Sus otras películas son: "The Gift of Gab" (1934), "The Black Cat" (1934), "The Raven"(1935), "Son of Frankenstein" (1939), "Black Friday" (40), "You'll Find Out" (40) e " The Body Snatcher" (1945). En "The Invisible Ray", Lugosi tuvo un papel menor (Dr. Benet) en comparación con su compañero Karloff (Dr. Rukh), pero no por ello menos importante. El Dr. Benet representa la científico humano y racional, que investiga por el bien de la humanidad, en contraste con su adversario el Dr. Rukh, cuya personalidad se va desintegrando con los efectos nocivos del elemento químico del meteorito, hasta acabar siendo un asesino, o más bien, un "científico loco". Así, Lugosi acaba muriendo, literalmente, en las radioactivas manos de Karloff . "The Invisible Ray" fue dirigida por Lambert Hillyer, un especialista en westerns, que sólo realizó otra película de horror, "La hija de Drácula", también en 1936. Fue rodada en los mismos escenarios de "Flash Gordon" (del mismo año) y también se utilizan algunas escenas de las máquinas eléctricas del clásico "Frankenstein" (1931). En contraste, algunas escenas de "The Invisible Ray" también se utilizarán más adelante en otra película con Bela Lugosi, "The Phantom Creeps" (1939). Este recurso de utilizar escenarios ya existentes con el objetivo de reducir el coste de producción es algo habitual en el cine fantástico de la época. Los efectos especiales, a cargo de John P. Fulton, tuvieron una gran influencia para el éxito de la película. La escena en el laboratorio del Dr. Rukh donde es reproducida una batalla entre soles y estrellas en la galaxia de Andrómeda, como sucedió hace 750 millones de años luz en el pasado, fue considerada como una innovación en esa época. Tanto es así que la Universal, en una estrategia de marketing, mantiene en secreto los métodos de producción de tales efectos durante la filmación, creando una gran expectación en la prensa. Con el éxito de su película, precursora e innovadora en el genero, e imitada hasta la saciedad, la productora Universal tenía la intención de repetir jugada una vez más con otra producción en la que se incluyese a Lugosi y Karloff con un tema similar. Pero en lugar de un asesino radiactivo, Karloff interpretaría el papel de una criatura eléctrica. El guión, basado en el cuento "El Hombre Eléctrico" de HJ Essex, Sid Schwartz y Len Golos, fue preparado con el título título "The Man in the Cab", pero la producción fue abandonada en una decisión de Universal en base al creciente desinterés del público, un poco cansado ya de las películas del género. Este proyecto se retomó en 1940 y fue filmado con el título de "El Hombre Que creaba Monstruos" (“Man Made Monster”), con Lionel Atwill y Lon Chaney Jr. en los papeles que debían ser de Lugosi y Karloff, respectivamente. Otra pequeña joya que en breve postearemos en este blog. "El poder Invisible", una joya del cine clásico de terror y la ciencia-ficción. “Plan 9” love Karloff & Lugosi.
