domingo, 28 de febrero de 2010

El Acecho del Fantasma (1949) ("The Phantom Creeps")





sinopsis

Versión editada en película del serial de 1939, titulada "El acecho del fantasma", del mismo director. En la que nos cuenta las peripecias del doctor Alex Zorka, el cual en realidad tiene unos planes terribles para dominar el mundo.






Ficha Técnica

Director: Ford Beebe / Productor: Henry MacRae / Guión: George H. Plympton / Intérpretes: Bela Lugosi (Alex Zorka), Robert Kent (Capitán Bob West), Dorothy Arnold (Jean Drew), Edwin Stanley (Dr. Fred Mallory), Regis Toomey (Teniente. Jim Daley), Jack C. Smith (Monk), Edward Van Sloan (Jarvis), Dora Clement (Ann Zorka), Anthony Averill (Rankin), Hugh Huntley (Perkins), Monte Vandergrift (Jarvis Goone) ... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1949 / Duración y datos técnicos: 78 min. 1.33 : 1 ByN (Doblada)



Comentario

La película 'El acecho del fantasma' se ve lastrada por su concepción real de serial televisado, resultando el irregular largometraje de la unión de los capítulos que lo conformaban. Así, el argumento no termina de definirse en ningún momento, sucediendo todo de manera atropellada y casi sobre la marcha. Cada escena parece no guardar conexión con la anterior, haciendo de la narración algo confuso y finalmente irrelevante.

El protagonista del film es un científico loco con ansias de dominación mundial, para lo cual se valdrá de diversos inventos supuestamente terroríficos. A la cabeza de ellos se encuentran un enorme robot que parece aquejado de gigantismo (vaya cabezón que tiene el pobre) y unas arañas mecánicas bastante problemáticas. Los decrépitos efectos visuales son suplidos al menos con imaginación, aunque en ocasiones ésta no sea del todo suficiente.

Lo realmente asombroso de este film es la cantidad de elementos heterogéneos que se amontonan en una duración de poco más de una hora: científico chiflado (que sirve como nexo de unión entre todos estos dispares componentes), arañas mecánicas, robots gigantes, meteoritos del espacio, periodista metomentodo, poder de invisibilidad, espías de incógnito, etc. Un cóctel aglutinante y excesivo en el que las subtramas se suceden con arbitrariedad.

Sin duda el serial resultaría impactante para la época por la variedad de tramas que podía contener cada capítulo, pero el batiburrillo que contiene la película resulta abrumador y llega a aburrir en su falta de conjunto. Eso sí, siempre se agradece la sobreactuación del gran Bela Lugosi en uno de esos papeles desquiciados que tan bien se le daban.




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1997: Rescate en Nueva York (1981) ("Escape from New York")





sinopsis

En el futuro año 1997, el crimen ha aumentado considerablemente, hasta tal punto, que la isla de Manhattan ha sido convertida en una prisión de alta seguridad. Unos terroristas intentan asesinar al Presidente estrellando su avión en la ciudad, pero éste consigue salvarse en una cápsula de emergencia, aunque es capturado por los criminales que habitan la prisión. Al legendario convicto, Snake Plissken, le ofrecen la libertad si en menos de 24 horas viaja a la prisión, rescata al Presidente y recupera una valiosa cinta en su poder.





Ficha Técnica

Director: John Carpenter / Productor: Larry J. Franco / Guión: John Carpenter y Nick Castle / Fotografía: Dean Cundey / Música: John Carpenter y Alan Howarth / Montaje: Todd C. Ramsay / Efectos Especiales: Pat Patterson / Intérpretes: Kurt Russell (Snake Plissken), Lee Van Cleef (Hauk), Ernest Borgnine (Taxista), Donald Pleasence (Presidente), Isaac Hayes (El Duque), Harry Dean Stanton (Cerebro), Adrienne Barbeau (Maggie), Tom Atkins (Rehme), Charles Cyphers (Secretario de Estado), Frank Doubleday (Romero), John Strobel (Cronenberg), ... / Nacionalidad y año: REstados Unidos 1981 / Duración y datos técnicos: 99 min. 1.33 : 1 (Doblada)



Comentario

Además de por ser una de las obras maestras de su director, John Carpenter, hay muchos motivos que hacen de “1997: Rescate en Nueva York” una película especial, única e irrepetible. Uno de ellos es su arranque memorable, quizá uno de los más atractivos del subgénero futurista. 1988: el crimen en Estados Unidos aumenta un 400%. La ciudad de Nueva York se ha convertido en la única prisión de máxima seguridad del país. Todos sus accesos han sido minados. Dentro no hay guardias, sólo los presos y las sociedades que ellos mismos han establecido. Un ejército fuertemente armado vigila el perímetro de Manhattan. Quien entra no vuelve a salir. 1997: ahora. Un grupo revolucionario estrella el avión del presidente en la ciudad prisión. Las autoridades encomiendan la misión de rescate a un convicto recién llegado, el misterioso Snake Plissken, ‘El serpiente’. Visto con la perspectiva actual, no deja de sorprender el hecho de que una historia con tanto potencial, escrita por Carpenter y Nick Castle, se pudriera en un cajón desde 1974 hasta 1980, año en el que AVCO-Embassy Pictures diera luz verde a un proyecto llamado a convertirse por méritos propios en lo que los norteamericanos denominan un “cult classic.”
Sin embargo, la genialidad de la película no se sostiene simplemente por esta premisa argumental sino sobre los hombros de su protagonista, Snake Plissken, ‘El serpiente', el más grande de los personajes que habitan la filmografía carpentiana y, sin duda, la mejor creación de Kurt Russell. Pantalón de camuflaje, camiseta negra, cazadora de cuero raída, barba, melena y un parche en el ojo izquierdo son los rasgos físicos de un antihéroe de voz susurrante y movimientos tan silenciosos como los de el animal que le sirve de apodo. Cínico, descreído, individualista, seguro de sí mismo, impasible, desconfiado y muy resolutivo, Snake es la estrella de la función, un arquetipo que, como afirma la productora de la película, Debra Hill, “representa el otro lado de América. El antipatriota patriota. Alguien que querríamos ser pero que tenemos miedo de ser”. La primera aparición en escena de Snake no tiene nada que ver con las rimbombantes entradas del héroe de acción al uso, sin embargo, desde el principio atrapa la atención del espectador con su magnética personalidad y su mirada de cíclope. Estamos ante un personaje de cualidades casi legendarias, alguien de quien el resto de presos habla con admiración y respeto. “Tú eres Snake Plissken. Pero, ¿no estabas muerto?”, preguntan invariablemente todos los que se encuentran con él, añadiendo un aura de leyenda a su personalidad.
Plissken es el motor y el alma de la película. Engañado por el jefe de seguridad de la prisión (Hauk, encarnado por un también memorable Lee Van Cleef), no tiene más remedio que rescatar a un presidente que poco le importa antes de que expire un plazo de 22 horas, momento en el que los pequeños explosivos inyectados en sus arterias explotarán. Sus motivaciones no son altruistas. Sólo quiere sobrevivir a cualquier precio, sin importarle la suerte de los demás. Ello que queda patente en una polémica escena, censurada la primera vez que el filme se emitió por televisión en Estados Unidos, en la que es testigo de la violación de una mujer y no hace nada para evitarlo simplemente porque no es asunto suyo. La composición de este antihéroe se completa con otra pincelada magistral: a diferencia de los titánicos campeones del cine de acción, Plissken es vulnerable, sangra, puede ser herido. Los 45 minutos finales (casi la mitad del metraje), se los pasa cojeando por una herida de flecha en la pierna, algo impensable en un héroe de acción tradicional.
Las primeras escenas que transcurren en la prisión revelan la verdadera naturaleza de “1997: Rescate de Nueva York”: un spaghetti western posmoderno disfrazado de película futurista y aderezado con una perfecta mezcla de géneros: desde la aventura pura y dura a la sátira postapocalíptica. Aunque en ningún momento se habla de guerra nuclear, Manhattan es un escenario dantesco, un paisaje de pesadilla sucio y devastado que tiene mucho de esas ciudades fronterizas del oeste, donde conviven todo tipo de personajes peligrosos, sin moral ninguna. Al tono de western que domina la cinta contribuye también de manera muy determinante la presencia en el reparto de Lee Van Cleef (icono de ese género gracias a títulos como ”La muerte tenía un precio”, “El bueno el feo y el malo” o “El halcón y la presa”, entre otros), cuya mirada penetrante de ave rapaz da una réplica perfecta a Snake; y la de un personaje secundario, Romero (pequeño homenaje a george A. Romero), cuyo psicótico estilo recuerda a las interpretaciones del no menos legendario Klaus Kinski.
Ninguno de los personajes que pueblan la cinta se rige por valores positivos o códigos éticos. El microcosmos de la prisión posee una estructura piramidal, esperpéntico reflejo de la sociedad que existe fuera de sus muros, coronada por un personaje salido de la blaxploitation, el Duque de Nueva York (encarnado por el cantante, Isaac Hayes), y dividida en bandas o castas muy similares a las contemporáneas tribus urbanas. El líder del mundo libre tampoco se salva de la quema. Cobarde, mezquino y tan oportunista como los habitantes de la prisión, el presidente de los Estados Unidos (interpretado eficazmente por Donald Pleasance), merecería compartir el mismo destino del resto de los reos. La mirada desencantada, satírica (es paradójico que el cuartel general de los guardias de la prisión esté ubicado precisamente en Liberty Island, a los pies de la Estatua de la Libertad) y amarga de Carpenter no deja lugar a ningún tipo de esperanza o fe en la raza humana: la gran manzana, al igual que el resto del mundo que la rodea, está podrida. Su crítica al poder y a los estados represores y su alegato en favor de las libertades individuales le han convertido en un agitador de conciencias, únicamente tolerado porque envuelve sus mensajes con el papel de la ciencia ficción o el terror, eficaz arma para despistar a los obtusos.
La desesperanzada y mordaz visión de la sociedad occidental que muestra “1997: Rescate en Nueva York” es compartida con otra serie de películas de ciencia ficción, rodadas desde finales de la década de los 60 a la primera mitad de los 80, entre las que merece la pena destacar “El último hombre vivo” y “Cuando el destino nos alcance”, como directas precursoras, “Mad Max”, como hermana de sangre, y “Terminador” y “Robocop”, como continuadoras y actualizadoras del subgénero al tocar el tema de los peligros que encierra la progresiva deshumanización del individuo en una sociedad cada vez más tecnificada.
En el apartado técnico resalta el excelente diseño de producción de Joe Alves (sobre todo teniendo en cuenta el presupuesto total del filme: 5 millones de dólares), la dirección fotográfica de Dean Cundey y el revolucionario uso que se hizo de la steadicam, que, por aquel entonces, empezaba a utilizarse en la industria norteamericana. La banda sonora de la cinta es puro estilo Carpenter: una partitura con un único tema, sencillo, rítmico y pulsátil.
En el conjunto de la filmografía del cineasta norteamericano, “1997: Rescate en Nueva York” se sitúa entre “La niebla” (1979) y “La cosa” (1982). Esta última vuelve a estar protagonizada por un antihéroe cínico y desarraigado, también interpretado por Kurt Russell, atrapado en lugar de en una cárcel de cemento en una de hielo, la Antártida. De obligada mención es también “2019: Rescate en L. A.”, secuela de 1997 (única vez que Carpenter se ha permitido semejante lujo en toda su carrera), que repite el mismo esquema argumental punto por punto pero sin llegar ni de lejos al nivel de la original, al cargar las tintas en una excesiva caricaturización de personajes y situaciones que, en lugar de potenciar la sátira, acaba desembocando en una triste parodia. Recomendación 100% “Plan 9”






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El Hombre Del Traje Blanco (1951) (Dúal Esp/Ing) ("The Man in the White Suit")





sinopsis

Un joven inventor llamado Sydney Stratton (Alec Guinness) consigue tras arduos esfuerzos crear un nuevo tejido irrompible e impoluto. La alegría inicial derivada del descubrimiento se convierte en turbación cuando tanto los empresarios como los trabajadores de las industria textil aúnan energías para impedir la divulgación y explotación de dicho material que llevaría a la ruina a sus empresas y destrozaría sus puestos de trabajo.




Ficha Técnica

Director: Alexander Mackendrick / Productor: Michael Balcon / Guión: Roger MacDougall, John Dighton y Alexander Mackendrick, basado en la obra de teatro de Roger MacDougall / Fotografía: Douglas Slocombe / Música: Benjamin Frankel / Montaje: Bernard Gribble / Efectos Especiales: Sydney Pearson / Intérpretes: Alec Guinness (Sidney Stratton), Joan Greenwood (Daphne Birnley), Cecil Parker (Alan Birnley), Michael Gough (Michael Corland), Ernest Thesiger (Sir John Kierlaw), Howard Marion-Crawford (Cranford), Henry Mollison (Hoskins), Vida Hope (Bertha), Patric Doonan (Frank), Duncan Lamont (Harry), Harold Goodwin (Wilkins), Colin Gordon (Hill), Joan Harben (Miss Johnson), Arthur Howard (Roberts), Roddy Hughes (Green), Stuart Latham (Harrison), ,... / Nacionalidad y año: Reino Unido 1951 / Duración y datos técnicos: 81 min. 1.37 : 1 (Dúal Español/Inglés)



Comentario

Hacemos un breve descanso de nuestra amada ciencia ficción para deleitarnos con una de las grandes comedias (con toques de sci-fi)de la factoría Ealing ("Oro En Barras", "Pasaporte Para Pimplico", "Ocho sentencias the Muerte", "El Quinteto de la Muerte").

'Sydney Stratton es el típico científico visionario y despistado, aunque su campo no es la robótica, ni la física cuántica, ni la exploración espacial, sino la química textil. Tras perder una decena de empleos por culpa de sus alocados experimentos, Sydney entra de tapadillo en otra empresa, atraído por su moderno equipo de investigación. Allí dará con la fórmula de un revolucionario tejido que ni se ensucia ni se desgasta, lo que lo convierte en prácticamente irrompible. Tras la alegría inicial, el invento no tarda en llenar de temor los corazones de empresarios y empleados, que temerán por la frágil balanza comercial y por sus puestos de trabajo. Ambas agrupaciones pondrán todo su empeño en impedir la divulgación y la explotación de dicho tejido, amenazando incluso la vida del propio Sydney.
La trama recurre a varios convencionalismos de la serie B de la época, aunque convenientemente maquillados y descafeinados, de tal manera que la cinta nunca adquiere completamente su condición de cine de ciencia ficción, sino que mantiene un pie en la fábula moral y el otro en la comedia negra. Esto se debe al buen hacer de Alexander MacKendrick, un director que aun siendo estadounidense de origen Galés, representa la quintaesencia de la flema británica. Su obra más conocida es “El quinteto de la muerte” (1955), una divertidísima parodia del derrumbamiento del Impero Británico, pero visto lo visto, convendría revisar toda su filmografía, porque parece injustamente condenada al ostracismo (los designios de la industria son inescrutables).
En el protagónico principal tenemos a un actor de apellido cervecero y con pedigrí de caballero, sir Alec Guiness, que aparte de ser todo un icono cinematográfico y el maestro y mentor de Luke Skywalker, también posee un oscar por su interpretación en “El puente sobre el río Kwai” (1957). Ambos, director y actor, estaban por aquel entonces muy afincados a la productora Ealing, una compañía que realizó las mejores comedias clásicas del cine británico de los años 40 y 50, entre las que destacan “Ocho sentencias de muerte” (1949) y la que hoy nos ocupa. El reparto lo completan Joan Greenwood, Cecil Parker y Michael Gough, el mítico Alfred Pennyworth de la saga “Batman” (1989).
El hombre del traje blanco es, según palabras del propio director, “una película de dibujos animados politizada”, una crónica de su tiempo que utiliza el humor y la caricatura como panacea para tratar ciertos temas peliagudos. En este sentido la cinta funciona a dos niveles, por un lado critica la soledad del individuo enfrentado a la sociedad y por el otro muestra el poder destructivo de la bondad. El traje blanco del protagonista simboliza la pureza del alma y podemos ver en el filme como Sydney va superando todas las pruebas morales a las que se enfrenta sin mancharse, evitando caer en tentaciones tan arquetípicas como la codicia o el sexo. Hay una escena en que Sydney se ve obligado a improvisar una espada y un escudo con lo que tiene a mano, y así pone físicamente de manifiesto su condición de caballero andante del siglo XX, todo un don Quijote moderno luchando contra los molinos de viento de la era post industrial. El personaje de Joan Greenwood siente cierta atracción hacia él, pero esto se debe más a su rectitud moral que a otra cosa.
El personaje principal es probablemente el más caricaturizado de todos, el paradigma del genio despistado, con un físico, una actitud y una manera de rascarse la nuca, que reflejan la gran ingenuidad del protagonista. Al igual que ese tupé, parecido al que lleva Tim Robbins en “El Gran Salto” (1994), otro cartoon de carne y hueso. A decir verdad, este no es el único punto en común que se me ocurre entre ambas producciones, cosa nada extraña si tenemos en cuenta que los hermanos Coen también realizaron un remake de la ya mencionada “El quinteto de la muerte”, obra también de MacKendrick.
El hombre del traje blanco es, en definitiva, una parábola divertida, imaginativa, punzante y pesimista, un cuento moral dirigido magistralmente, repleto de buenos momentos y poseedor de un final desbocado y casi surrealista, en el que todos los personajes actúan encolerizados por un capitalismo caníbal, algo que remite de alguna manera al cierre de “El perfume” (1985), la novela de Patrick Süskind'.

Cecil B. Demente






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lunes, 22 de febrero de 2010

Frankenstein Meets The Space Monster (1965) (V.O.S.E)







sinopsis

En Frankenstein Contra el Monstruo del Espacio, la Princesa Marcuzan y su asistente enano llegan a Puerto Rico y se dedican a secuestrar mujeres para tener material reproductivo y salvar el planeta del que provienen. En tanto un astronauta androide que retorna a la tierra y se convierte en el Frankenstein que ataca a los marcianos y rescata a las chicas....




Ficha Técnica

Director: Robert Gaffney / Productor: Robert McCarthy / Guión: George Garrett, R.H.W. Dillard y John Rodenbeck / Fotografía: Saul Midwall / Música: Ross Gaffney / Montaje: Lawrence C. Keating / Intérpretes: Marilyn Hanold (Princesa Marcuzan), James Karen (Dr. Adam Steele), Lou Cutell (Dr. Nadir), Nancy Marshall (Karen Grant), David Kerman (General Bowers), Robert Reilly (Coronel Frank Saunders / Frankenstein), Robert Alan Browne (Marciano), Robert Fields (Reportero),... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1965 / Duración y datos técnicos: 79 min. B/N 1.85 : 1.(V.O.S.E.)



Comentario

Pese a su equívoco título, la criatura literaria de Mary Shelley no tiene nada que ver con esta infinitamente mugrosa producción estadounidense rodada con cuatro centavos en Pueno Rico. Un astronauta llamado Frank Saunders (Roben Reilly), cuyo cuerpo se halla compuesto en gran medida por circuitos electrónicos, tendrá un desagradable encuentro con la malvada princesa Marcuzan (Marilyn Hanold), una alienigena armada con una pistola láser, y acompañada por Nadir (Lou Cutell), su fiel sirviente enano. Una vez dejado fuera de combate el valeroso androide de laN.AS.A., la invasora extraterrestre se dispondrá a secuestrar hembras terrícolas con objeto de repoblar su moribundo planeta natal. Afortunadamente Frank se recuperará y, con vigor y entusiasmo renovados, derrotará a la maligna princesa, destruyendo también su nave y a sus esclavos (entre ellos, un estrafalario aunque feroz monstruo espacial llamado Mull).
Lo suficientemente mala como para, con el tiempo, haberse convenido en pieza de culto, este ejemplo palmario de ciencia ficción abisal se exhibiría también con otros títulos paralelos como “Duelo f the Space Monsters” o “Mars Invades Puerto Rico”. Poco más podemos decir de este pequeño aunque simpático subproducto. Hay acción, mujeres en bikini, rock and roll, muchas imágenes de archivo, ¿qué más podemos pedir? Es mala con avaricia, pero considero que es un título ideal para esas tardes lluviosas en las que te apetece un montón de chucherías y pasar un rato entretenido. A destacar la rueda de prensa (cuatro periodistas), el interior de la nave (con sillas de plástico casi como de terraza), y la mesa central del centro de control del platillo (que si le llegan a poner un mantel sería una mesa camilla con la princesa y el Dr. Nadir sentados en ella). “Plan 9” meets the film monster”.
P.D. Los subtítulos lo he realizado con traducciones de subtítulos en inglés y frances. La verdad no creo que estén muy mal, pero si alguien quiere corregirlos que los coja, los corrija y me los pase para poder ponerlos aquí.






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From Hell It Came (1957) (V.O.S.E.)






sinopsis

En una isla del Pacífico el hechicero de una tribu acusa al hijo del jefe de haber matado a éste en connivencia con sus amigos americanos; el hijo, por su parte, acusa al hechicero de ser él el causante con el fin de hacerse con el mando, y que regresará desde más allá de la tumba en forma de árbol que camina para vengarse...




Ficha Técnica

Director: Dan Milner / Productor: Jack Milner para Milner Brothers, Allied Artist Pictures / Productores asociados: Richard Bernstein, Byron Roberts / Guión: Jack Milner, Richard Bernstein / Fotografía: Brydon Baker / Música: Darrell Calker / Montaje: Jack Milner / Efectos especiales: James H. Donnelly / Intérpretes: Tod Andrews (Dr. William Arnold), Tina Carver (Dr. Terry Mason), Linda Watkins (Mrs. Mae Kilgore), John McNamara (Profesor Clark), Gregg Palmer (Kimo), Robert Swan (Tano), Baynes Barron, Suzanne Ridgeway, Mark Sheeler, Lee Rhodes, Grace Mathews, Tani Marsh, Chester Hayes, Lenmana Guerin... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1957 / Duración y datos técnicos: 73 min. B/N 1.37:1.(V.O.S.E.)



Comentario

Dan Milner (1900-1983) fue un montador de origen ruso sobre el cual hay información confusa. Por un lado, parece ser que tenía un hermano llamado Jack, con quien fundó la Milner Brothers para realizar esta película. El hermano se encargaría de producir, escribir y montar la presente, y Dan se haría cargo de la dirección. Sin embargo, algunas fuentes informan de que Dan haría uso paralelamente del nombre de Jack para otras labores. La cosa se hace más confusa cuando comprobamos que con el nombre de Jack Milner, amén de la presente película, tenemos la producción del thriller "The Fast and the Furious" y la ciencia ficción "The Phantom from 10.000 Leagues", ambos de 1955, amén de otros cometidos menores y muy diversos, lo que haría sospechar que en realidad se trata en esos últimos cometidos de otra persona con igual apelativo. Por su parte, Dan Milner tiene un crédito amplio como montador, habiendo trabajado en esa labor en algo más de cuarenta películas, y como director sólo es responsable de tres, el policial "The Fighting Coward", realizado en 1935 (y cuyo montaje a él es adjudicado, con el nombre de Jack), y la referida "The Phantom from 10.000 Leagues", junto a la presente. Si no constara en los créditos lo de “Milner Brothers” uno sospecharía que se trata de una única persona.

Respecto a "From Hell It Came" (1957), es un ejemplo de una muy característica película de terror de esa época. Si en esa misma década tuvimos películas de hombres lobo o vampiros que buscaban una justificación en la ciencia ficción para la creación de las criaturas, aquí tenemos otro tanto. Se nos habla de una superstición aborigen respecto a un árbol andante que es habitado por el alma de una persona y que en esa forma busca venganza. Sin embargo, se aludirá a la radiactividad de unas pruebas atómicas en un atolón cercano para dotar de vida a la criatura. Los indígenas hablarán de sucesos previos de estas características, y no sabremos si son fantasías forjadas por su superstición, y si en realidad acontecería y tampoco tenía tanta importancia la radiactividad en el proceso. En todo caso, da lo mismo, pues el guión es tan malo que parece improvisado sobre la marcha.

Sea como fuere, el resultado es de una mediocridad aplastante, uno de esos bodrios que incomprensiblemente adquieren el rédito de culto. Pésimamente dirigida, montada y fotografiada, la película utiliza los primeros cincuenta minutos de metraje en aburridísimas charlas entre sus anodinos personajes, servidos además por unos actores muy mediocres (atención a la insoportable tendera aquejada de diarrea verbal). Los veinte minutos finales se centran atropelladamente en la resurrección del árbol, su venganza y definitiva destrucción. Nada más.
El título, traducido, significa “Llegó del infierno”. Una crítica de la época decía: “Enviadlo ahí de vuelta”, aunque la leyenda lo refiere como “¡Y al infierno se puede ir!”.
Autor: Carlos Díaz Maroto
Fuent6e: pasadizo.com

Estoy absolutamente de acuerdo con la crítica que carlos Díaz Maroto. Sólo para incondicionales.





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domingo, 21 de febrero de 2010

Mars Needs Women (1967) (V:O:S:E:)




sinopsis

Según sugiere el título original, unos extraterrestres liderados por Tommy Kirk, tratán de preservar la especie marciana mediante el secuestro para su posterior apareo, de mujeres terrestres.




Ficha Técnica

Director: Larry Buchanan / Productor: Larry Buchanan / Productor ejecutivo: Michael Carreras / Guión: Larry Buchanan / Fotografía: Robert C. Jessup / Música: Ronald Stein / Efectos especiales: Jack Bennett / Montaje: Larry Buchanan / Intérpretes: Tommy Kirk (Marciano 1 / Sr. Fast, Reportero del Seattle Sun), Yvonne Craig (Dr. Bolen), Warren Hammack (Marciano 2 / Doctor), Tony Huston (Marciano 3), Larry Tanner (Marciano 4), Cal Duggan (Marciano 5), Pat Delaney (Artista Abducido por Marcianos), Sherry Roberts (Brenda Knowlan, abducida), Donna Lindberg (azafata abducida), Bubbles Cash (Stripper abducida), Byron Lord (Coronel Bob Page),... / Nacionalidad y año: USA 1967 / Duración y datos técnicos: 83 min. Color. (V.O.S.E.)



Comentario

Antes de nada, hay que indicar que Larry Buchanan forma parte de ese grupo de directores que, con Ed Wood a la cabeza, son recordados por realizar gran cantidad de engendros cinematográficos. En este caso, Buchanan se ha caracterizado por realizar películas de muy bajo (subterráneo) presupuesto que entrarían de lleno en la categoría de series Z de ciencia ficción y cine fantástico. Títulos como “The Naked Witch” (1964), “The Eye Creatures” (1965), “Curse of the Swamp Creatures” (1966), “In the Year 2889” (1966), “Zontar: The Thing from Venus” (1966), “Creature of Destruction” (1967), “It’s Alive!” (1969), “The Loch Ness Horror” (1981) “and Mistress of the Apes” (1981), se quedan grabados en la retina del espectador y aún mucho después de haberlos visto provoca gran cantidad de efectos secundarios: insomnio, miedo a entrar en los cines, tendencias suicidas, etc.

Huelga decir que “Mars Needs Women” tiene todas las características de una película de Larry Buchanan. El presupuesto es increíblemente bajo y los efectos especiales inexistentes. No existe un argumento definido ni un guión coherente. Todo el film consiste en ver escenas de marcianos intentando capturar hembras terráqueas. Una obra maestra con actores dignos de un óscar, unos decorados a lo Cecil B. De Mille, diálogos profundos que ni en "Stalker", una bellísima fotografía... Je, os estoy tomando el pelo. Esto sí que es un engendro mecánico. Sólo para ultra fanáticos del género y amantes de las emociones gordas. “Plan 9” te desea buena suerte, compañero. La necesitarás.





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MARS NEEDS WOMEN, TRAILER


jueves, 18 de febrero de 2010

El Monstruo de Tiempos Remotos (1953) (Doblada y V.O.S.E.) ("The Beast From 20000 Fathoms")







sinopsis

Una prueba nuclear en el Ártico libera a un gigantesco dinosaurio. Los testimonios aportados por los supervivientes de sus aislados ataques son acogidos con incredulidad, pero el monstruo llega a la costa este de Norteamérica sembrando el terror...



Ficha Técnica

Dirección: Eugène Lourié. Productor: Jack Dietz para Mutual Pictures of California [Jack Dietz Productions], Warner Bros. Pictures. Guión: Fred Freiberger, Lou Morheim, Robert Smith, Daniel James, Eugéne Lourié, sobre una historia de Ray Bradbury. Fotografía: John L. Russell. Música: David Buttolph. Montaje: Bernard W. Burton. Diseño de producción: Eugène Lourié. Efectos especiales: Ray Harryhausen, Willis Cook, George Logfren, Eugène Lourié. Intérpretes: Kenneth Tobey (coronel Evans), Paula Raymond (Lee Hunter), Paul Hubschmid (profesor Tom Nesbitt), Cecil Kellaway (profesor Thurgood Elson), Donald Woods (capitán Phil Jackson), Lee Van Cleef (cabo Stone), Steve Brodie (sargento Loomis), King Donovan (Dr. Ingersoll), Ross Elliott, Jack Pennick, Ray Hyke, Michael Fox, Alvin Greenman, Frank Ferguson, Fred Aldrich, James Best, Edward Clark, Louise Colombet... Nacionalidad y año: Estados Unidos 1953. Duración y datos técnicos: 80 min. B/N tintado en sepia 1.37:1.(Doblada al Español y V.O.S.E)



Comentario

Primero de los filmes sobre gigantescos monstruos antediluvianos que se rodaron durante los 50, “El monstruo de tiempos remotos” marcaría la pauta para casi todas las producciones similares que le siguieron. Basado en el relato “The Fog Horn” de Ray Bradbury, publicado en el Saturday Evening Post, el film también serviría como debut (además de para su director Lourié) para el gran animador y técnico en efectos visuales Ray Harryhausen. Por lo demás, el guión acusa una excesiva dispersión narrativa, abundando en tiempos muertos que entorpecen sobremanera el discurrir del relato, si bien tal defecto rítmico queda soslayado un tanto gracias al buen hacer interpretativo de Paul Christian y Cecil Kellaway (no tanto de Paula Raymond) y lo eficazmente atmosférico tanto de la puesta en escena de Lourié como de la fotografía de Jack Rusell, aparte de los efectos del maestro Harryhausen, por supuesto.
Con menos de 200.000 dótares de presupuesto, la película conseguiría alrededor de 5 millones de recaudación. Alisando así el camino, al menos financieramente, a cuantas “monster movies” fueron apareciendo durante el resto de la década.
Entre las posteriores obras de Lourié hay dos nuevas Incursiones en el filón descubierto a raíz de su primera peIícula (y que los japoneses explotarían a conciencia): “Behemoth, the sea Monster” (1958) Y “Gorgo” (1961). Ambos filmes muestran el paulatino deterioro de una fórmula con una cada vez menor capacidad de sorpresa, pese a su potencial innato para obtener imágenes contundentes y estremecedoras a ojos infantiles. Algo diferente resultaría, sin embargo, “The Colossus Of New York” (1958), film en el que cambió la consabida criatura prehistórica por un enorme robot con el cerebro de un muchacho fallecido, cristalizando en un trasunto “catastrófico” de Frankenstein con elementos de comic book que el propio Lourié consideraría lo menos destacable de su carrera. Monstruos prehistóricos “Plan 9”.





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El Abominable Hombre de las Nieves (1957) ("The Abominable Snowman")






sinopsis

En una remota región del Himalaya, el doctor en botánica John Rollason decide formar parte en una expedición de extrema peligrosidad en busca del legendario Yeti. Después de establecer el campo base, el grupo es atacado por una gran bestia que resulta abatida.
Poco a poco, la tensión se apodera del grueso de la expedición hasta que algunos empiezan a perder el control. Ante una creciente sensación de terror, el Dr. Rollason sospecha que la raza del monstruo gigante, no sólo existe, sino que es capaz de adentrarse en los pensamientos de la raza humana.




Ficha Técnica

Director: Val Guest / Productor: Aubrey Baring para Hammer Films [y Buzz Productions, sin acreditar] / Productor ejecutivo: Michael Carreras / Productor asociado: Anthony Nelson-Keys / Guión: Nigel Kneale, [y Val Guest, sin acreditar] según su serial televisivo propio "The Creature" / Fotografía: Arthur Grant / Música: Humphrey Searle, supervisada por John Hollingsworth / Efectos especiales de maquillaje: Phil Leakey / Montaje: Bill Lenny / Intérpretes: Forrest Tucker (Tom Friend), Peter Cushing (Dr. John Rollason), Maureen Connell (Helen Rollason), Richard Wattis (Peter Fox), Robert Brown (Ed Shelley), Michael Brill (McNee), Wolfe Morris (Kusang), Arnold Marle (Gran Lama), Anthony Chin (mayordomo), Fred Johnson, John Rae… / Nacionalidad y año: Reino Unido 1957 / Duración y datos técnicos: 87 min. B/N 2.35:1. (Doblada al Español)



Comentario

'En un par de años (1957-58) la Hammer gozó de una bonanza crítico-taquillera encomiable (“Quatermass II”, “The Curse of Frankenstein”, “Drácula”, “The Hound of Baskervilles”, “The Revenge of Frankenstein”), casi siempre por obra y gracia de Terence Fisher y sus actores fetiches. Sin embargo este “The Abominable Showman” no pasó nunca de ser uno más de esos clásicos menores y nunca bien ponderados de la productora británica. En cierta medida, fue el intento de apuntarse un tanto fácil (al igual que hicieran con “X the Unknown” en 1957), encargándole el proyecto a uno de sus directores de reserva, Val Guest, quien no había desaprovechado la oportunidad que le brindaron con “El Experimento del Dr. Quatermass“ (1955). Se contó con un guionista eficiente, Nigel Kneale (también creador del personaje de Quatermass), que adaptaba su obra televisiva “The Creature”, el carisma de Peter Cushing, la presencia del siempre eficaz Forrest Tucker y la inspiración de dos filmes anteriores sobre el Yeti, “The Snow Creature” (1954) y “Man Beast” (1956), ninguno de la Hammer pero que no habían funcionado mal. El resultado es una obra menor de ciencia-ficción donde los efectos especiales brillan por su ausencia, algo que es suplido sin problemas por una historia eficaz llena de intriga que cautiva al espectador. Todo ello acompañado de una atmósfera inquietante brillantemente realzada por una buena fotografía en blanco y negro y el sonido del viento, que se suma para conseguir esa atmósfera opresiva. De nuevo los ingleses suplen la falta de medios con inteligencia, originalidad y calidad, alejándose del modelo de cine de ciencia-ficción estadounidense. “Plan 9” viaja al Himalaya.




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jueves, 11 de febrero de 2010

Frankenstein (1910) (Muda)





sinopsis

Frankenstein es un joven médico que ansía crear un ser humano perfecto por medios quirúrgicos. La criatura objeto de sus experimentos, empero, es un monstruo deforme, que huirá en la noche...




Ficha Técnica

Director: J. Searle Dawley [¿y Thomas Alva Edison?] / Productor: Thomas Alva Edison / Guión: J. Searle Dawley, según la novela de Mary W. Shelley / Intérpretes: Charles Ogle (la criatura), Augustus Phillips (Frankenstein), Mary Fuller (Elizabeth) / Nacionalidad y año: USA 1910 / Duración y datos técnicos: 16 min. b/n tintado (Muda)



Comentario

Frankenstein es una película de 1910 basada en la novela “Frankenstein o el moderno Prometeo”, de Mary Shelley y dirigida por J. Searle Dawley. Esta cinta de 16 minutos es la primera adaptación a la pantalla de los personajes de la novela de Mary Shelley y fue producida por Thomas Alva Edison. Fue rodada en cine mudo y cámara fija en plano general durante toda su duración.
Se rodó en tres días en los edificios Edison Studios del Bronx en Nueva York, y a pesar de que Edison era su productor no tuvo una participación activa en la película, únicamente puso su nombre. El director, J. Searle Dawley la escribió y dirigió para su visión en el Quinetoscopio. Se estrenó el 18 de marzo de ese mismo año y fue una adaptación libre (muy libre) de la novela.
El personaje de Víctor Frankenstein de 35 años no era muy fiel a la visión que plasmó Shelley en su novela, no era tan complejo ni minucioso, y tenía un semblante parecido al de un mago, en vez de un científico. En su primera versión Frankenstein creó al monstruo en un caldero hirviendo a diferencia de otras posteriores en las que se valía de la energía de un rayo. La toma se realizó quemando un muñeco del monstruo que tenía un esqueleto como armazón y luego fue montada invirtiendo el tiempo, de esta forma parece que la sustancia se va adhiriendo a los huesos mientras se ve el humo y el fuego descender.
Durante muchos años, esta película, se creía perdida. En 1963, una descripción del argumento e imágenes fueron descubiertas publicadas en viejos archivos de Edison.
En los 50 una impresión de esta película fue comprada por Wisconsin film collector a Alois F. Dettlaff, que no comprendió su rareza hasta muchos años más tarde. Su existencia primero fue revelada a mediados de los años 1970. Aunque algo deteriorada, la película estaba en condiciones de ser visionada completa, con títulos y tintes como en 1910. Detalff tenía una copia de preservación en 35 mm hecha por Jorge Eastman House a finales de los 70.

En la publicidad de la película, la Edison Film Company informaba que: "Se ha intentado eliminar con cuidado todas las situaciones realmente repulsivas y concentrarse sobre los problemas místicos y psicológicos que se hallan en este asombroso relato".





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miércoles, 10 de febrero de 2010

S.O.S. El Mundo En Peligro (1966) (Dúal Esp/Ing) ("Island Of Terror")






sinopsis

En la tranquila isla de Petri, enclavada en la costa irlandesa, dicha tranquilidad se ve alterada por la aparición del cadáver de un vecino al que le faltan todos los huesos del cuerpo. El lugareño doctor Landers, superado por los hechos, decide ir a Londres para solicitar ayuda.




Ficha Técnica

Director: Terence Fisher / Productor: Tom Blakeley para Planet Film Prod., Protelco / Productores ejecutivos: Gerald A. Fernback, Richard Gordon / Guión: Edward Mann, Al Ramsen / Fotografía: Reginald H. Wyer / Música: Malcolm Lockyer / Montaje: Thelma Connell / Efectos especiales: Michael Albrechtsen, John St. John Earl, W. T. Parletton, Barry Gray / Intérpretes: Peter Cushing (Dr. Brian Stanley), Edward Judd (Dr. David West), Carole Gray (Toni Merrill), Eddie Byrne (Dr. Reginald Landers), Sam Kidd (John Harris), Niall MacGinnis (Roger Campbell), James Caffrey, Liam Gaffney, Roger Heathcote, Keith Bell, Peter Forbes-Robertson… / Nacionalidad y año: Reino Unido 1966 / Duración y datos técnicos: 89 min. color 1.66:1. (Dúal Esp/Ing)



Comentario

En una isla cercana a Irlanda, la policía encuentra algunos cadáveres deshuesados. Aterrorizadas, las autoridades locales buscan la ayuda de dos científicos ingleses (Peter Cushing y Edgard Judo) que descubren que la descalcificación de los huesos de los muertos ha sido provocada por unas repugnantes criaturas tentaculadas e indestructibles, que cuentan con una extraordinaria capacidad de procrear. También descubren que los viscosos organismos han nacido como fatal consecuencia de los experimentos de un grupo de científicos enfrascados en la lucha contra el cáncer. Cuando parece que los “silicatos” (como designan a las criaturas) van a devorar todos los esqueletos humanos de la isla, Cushing y Judd encuentran la forma de acabar con ellos.
“S.O.S.. el mundo en peligro” es el título más interesante de la trilogía sobre invasiones (extraterrestres o no) de Terence Fisher; de narración comedida, tensión ejemplarmente llevada y recursos escénicos utilizados con habilidad, la cinta es una de las cumbres incontrovertibles de la ciencia ficción inglesa. Inolvidables los sonidos que hacen los silicatos al almorzar. “Plan 9” no deja ni los huesos.





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martes, 9 de febrero de 2010

El Submarino Atómico (1959) (V.O.S.E.) ("The Atomic Submarine")





sinopsis

Varios submarinos atómicos, al pasar por el Polo Norte, han sucumbido a una misteriosa catástrofe. Con el fin de averiguar lo acontecido y, si es posible, acabar con la amenaza, es enviado el más sofisticado y moderno de los submarinos atómicos, el Tiger Shark.




Ficha Técnica

Director: Spencer Gordon Bennett / Productor: Alex Gordon para Gorham Prod., Allied Artist Pictures / Productores asociados: Orville H. Hampton, Jack Rabin, Irving Block / Guión: Orville H. Hampton, según argumento de Jack Rabin e Irving Block / Fotografía: Gilbert Warrenton / Música: Alexander Laszlo / Montaje: William Austin / Efectos especiales: Jack Rabin, Irving Block, Louis deWitt / Intérpretes: Arthur Franz (Comandante Richard ‘Reef’ Holloway), Dick Foran (Capitán Dan Wendover), Tom Conway (Sir Ian Hunt), Joi Lansing (Julie), Sid Melton (soldado Chester Tuttle), Brett Halsey (Dr. Carl Neilson), Paul Dubov (Teniente David Milburn), Bob Steele (CPO ‘Grif’ Griffin), Pat Michaels (narrador), Victor Varconi, Selmer Jackson, Jack Mulhall, Jean Moorhead, Richard Tyler... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1959 / Duración y datos técnicos: 73 min. B/N 1. 37:1. (V.O.S.E.)



Comentario

Los años cincuenta son los de la paranoia de la Guerra Fría, y la ciencia ficción era el espejo donde solían reflejarse aquellos temores. Usualmente el género se decantaba entre los monstruos gigantes (que representaban el miedo a la bomba atómica) y las invasiones alienígenas de todo tipo, fuera a gran escala o de manera encubierta, que simbolizaban el temor a una posible desembarco comunista en suelo americano. Entre las toneladas de rutinas de este tipo, uno suele encontrar alguna que otra joyita escondida, y “The Atomic Submarine” es una de ellas.

En sí “El Submarino Atómico” es un filme cargado de problemas de todo tipo (presupuestarios, conceptuales, dramáticos), pero por otro lado es un semillero de ideas brillantes. Y en el balance final lo que termina por pesar es esto último, razón por la cual uno la catalogaría de clásico sin demasiados miramientos. Lo que hace tan particular a la película son las patrones que utiliza para desarrollar la historia, que terminarían por transformarse en uno de los moldes sobre los cuales se edificaría buena parte de la ciencia ficción a partir de los años 60. Aquí hay un submarino que cumple la misión de investigar las causas de numerosos naufragios ocurridos cerca del polo norte; y lo que terminan por descubrir es la avanzada de una invasión alienígena, que se encuentra explorando la viabilidad de la Tierra como soporte de vida para su raza. Hay un comandante sagaz, un segundo de a bordo encargado de las proezas físicas, y un grupo de científicos que son los responsables de explicar el fenómeno a la audiencia a la vez que se devanan los sesos por encontrar cómo detener la amenaza. Si todo esto les suena, es porque es el mismo patrón que años más tarde Irwin Allen clonaría en la película “Viaje al Fondo del Mar” y su serie televisiva posterior. Que a su vez podemos trasmutarla al espacio, le añadimos influencias de “Planeta Prohibido”, y tendremos a “Star Trek” y toda la camada de clones posteriores de la serie de Gene Roddenberry, como “Espacio: 1999” o “Galáctica”,
En este film la idea de fondo es tan delirante como apasionante, y buena parte del desarrollo de la misma está hecho de manera sólida. Pero lo que termina por empañar los méritos de “El Submarino Atómico” es el patético presupuesto y los gaffes (meteduras de pata) dramáticos del libreto, amén de una buena cantidad de pseudociencia. Es un filme que exige numerosas secuencias de efectos especiales, pero las mismos son tan toscos y poco convincentes que arruinan la experiencia (son modelitos de madera flotando en una pecera). Por otro lado, el guión se encarga de embarrar la cancha que tan brillantemente había preparado, incluyendo una subtrama ridícula en donde un comandante tilda de cobarde a un científico simplemente porque es pacifista y no quiso seguir la carrera militar de su padre (al parecer, ser pacifista era tan bochornoso como ser gay en aquella época). Y cuando llegamos a las explicaciones científicas de turno, son cualquier cosa: desde que el OVNI precisa recargar su energía magnética en el polo (?), hasta la conversión de un misil balístico intercontinental en un cohete tierra - aire, simplemente porque le pusieron el dispositivo direccional de un torpedo (???). Que yo sepa, un torpedo va hacia donde lo apuntan, y a lo sumo podrá rastrear ondas sonoras en el ambiente submarino para el cual fue diseñado.
Las actuaciones son uniformemente mediocres, y la película cae en los clichés propios de la sci fi de la época, con muchas “imágenes de archivo”, excesiva reverencia hacia las fuerzas militares y narrador tremendista de turno (que parece extraído de la serie “Batman” de 1966). Pero cuando el filme llega al nudo de la historia (el descubrimiento del OVNI), se vuelve apasionante. El problema es la disparidad de calidad de las escenas, con cosas que funcionan muy bien (el interior del plato volador, la tensión del duelo en las profundidades, el análisis del problema) y otras cosas que son realmente bizarras (además de los efectos especiales y la trama del científico cobarde, está el diseño del alienígena, el discurso que éste mantiene con el comandante Holloway -que es sideralmente camp-, y la resolución de la batalla submarina). Con un poco más de presupuesto, un director talentoso y un guión más pulido, “The Atomic Submarine” hubiera resultado un clásico memorable. Así como está es una pequeña joya de culto, plagada de defectos pero con un puñado de enormes virtudes que la transformarían en una obra que servirá de referente para las aventuras de ciencia ficción de las décadas posteriores.





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viernes, 5 de febrero de 2010

La Mujer Invisible (1940) (V.O.S.E.) ("The Invisible Woman")






sinopsis

El profesor Gibbs inventa una máquina que puede hacer invisible a la gente, y la usa con Kitty Carroll, una atractiva y aventurera modelo. Pero unos gansters roban la máquina para su jefe, así que tendrán que enfrentarse a la mujer invisible......




Ficha Técnica

Director: A. Edward Sutherland / Productor: Burt Kelly, para Universal / Guión: Robert Lees, Fred Rinaldo y Gertrude Purcell, sobre una historia de Kurt Siodmak y Joe May / Fotografía: Elwood Bredell / Montaje: Frank Gross / Efectos especiales: John P. Fulton, David S. Horsley / Música: Frank Skinner / Intérpretes: Virginia Bruce (Kitty Carroll), John Barrymore (Profesor Gibbs), John Howard (Richard Russell), Charlie Ruggles (George), Oscar Homolka (Blackie), Edward Brophy (Bill), Donald MacBride (Vozarrón), Margaret Hamilton (Sra. Jackson).,... / Nacionalidad y año: USA. 1940/ Duración y datos técnicos: 72 min. B/N 1.37 : 1 (V.O.S.E.)


Comentario

'La mujer invisible' ('The invisible woman', A. Edward Sutherland, 1940), estrenada en los Estados Unidos el 27 de diciembre de 1940, casi un año después que 'El hombre invisible vuelve' ('The invisible man returns', Joe May, 1940), no mantiene, más allá del título, ninguna relación con el filme dirigido por James Whale en 1933 ni con ninguna de sus continuaciones, aún menos con el célebre original literario de H. G. Wells. Se trata de un simpático pero fallido filme fantástico que anticipa en buena medida el camino que seguirán algunos años más tarde los filmes basados en la invisibilidad y también todo el ciclo terrorífico de la Universal: el humor.

Joe May (1880–1954) y Kurt Siodmak (1902–2000), director y guionista de ‘El hombre invisible vuelve’, aparecen acreditados como argumentistas del filme, hecho bastante curioso, aunque el guión definitivo viene firmado por los futuros guionistas de las comedias terroríficas ‘El gato negro’ ('The black cat', Albert S. Rogell, 1941), ‘Agárrame ese fantasma’ ('Hold that ghost', Arthur Lubin, 1941) y ‘Contra los fantasmas’ (‘Abbott and Costello meet Frankenstein’, Charles T. Barton, 1948), Robert Lees (1912–2004) y Fred Rinaldo (1913–1992), con la colaboración de Gertrude Purcell (1895–1963). Resulta difícil imaginar si el proyecto inicial contemplaba el tono de comedia más o menos sofisticada, pero en el fondo maniquea y previsible, que domina todo el metraje. En un sentido estricto, no se puede decir que la historia que subyace en el fondo de 'La mujer invisible' carezca de buenas ideas, más bien al contrario: prescindiendo por completo del estilo y las características de la película fundacional de la serie, la historia presenta numerosos elementos nuevos y originales. La invisibilidad se consigue con una droga como en el resto de títulos de la serie, sí, pero ahora es una droga que actúa en combinación con una aparatosa y muy sofisticada máquina diseñada por un excéntrico inventor, el Profesor Gibbs (John Barrymore, 1882–1942) –la persona a “invisibilizar”, así, debe situarse detrás de una especie de pantalla parecida a la que se utiliza en los Rayos X, hacia la cuál se dirigen los rayos de la máquina en cuestión–. Gibbs trabaja a sueldo, es un decir, de un más bien ridículo gigoló, Richard Russell (John Howard, 1913–1995), que ha ido dilapidando la fortuna familiar de romance en romance, y de demanda en demanda.

No se puede decir que la historia que subyace en el fondo de ‘La mujer invisible’ carezca de buenas ideas, más bien al contrario: prescindiendo por completo del estilo y las características de la película fundacional de la serie, la historia presenta numerosos elementos nuevos y originales.
De manera sorprendente, el primer cuarto de hora de metraje resulta modélico: el director A. Edward Sutherland (1895–1974) imprime al relato un ritmo endiablado y presenta a los distintos personajes que intervienen en la acción de manera espléndida en prácticamente una sola secuencia: el mayordomo de Russell, George (Charles Ruggles, 1886–1970), resbala por las escaleras con una botella de champán vacía segundos antes de que el administrador de la familia haga acto de presencia en la mansión para comunicar a su propietario la bancarrota económica tras su último lío de faldas; Richard Russell aparece poco después vestido como si fuera a una fiesta y sin en el menor atisbo de preocupación, y por el diálogo conocemos la existencia de Gibbs –“lo heredé de mi padre”, dice el ya exmillonario–, que vive en una casa contigua a la mansión.

El problema, a partir de este momento, radica en el tratamiento de la historia, o mejor en su inexistente tratamiento: establecidas las coordenadas en las que se va a desenvolver el relato, éste no acaba de progresar en ningún momento y sus ideas más interesantes, incluso su nada desdeñable potencial cómico, se diluye en un mar de tópicos y de lugares comunes hoy ya completamente desfasados. Intentando rescatar a su patrocinador de la ruina económica, el Profesor Gibbs publica un anuncio en el periódico: “Se busca una persona que quiera volverse invisible, sin remuneración”. La única respuesta seria que obtiene es de alguién llamado K. Carroll: Gibbs está convencido de que se trata de un hombre, pero en realidad es una mujer, Kitty (Virginia Bruce, 1910–1982), que sólo pretende hacerse invisible para dar un merecido al antipático y estúpido jefe de la agencia de modelos para la que trabaja, el Sr. Growley (Charles Lane).

Con una falta de sutileza desarmante, la trama se reduce a partir de este momento al ridículo romance que se establece entre Kitty y Richard (la escena en la cuál ella se pone sólo las medias delante de la chimenea para que él vea lo atractiva que es resulta tan sensual como bochornosa: que haya querido hacerse invisible no quiere decir que sea fea), así como a los no menos ridículos intentos de un grupo de mafiosos establecidos en México para hacerse con el invento para permitir que su jefe, Blackie (Oskar Homolka, 1898–1978) pueda hacerse invisible para volver a los Estados Unidos, país en el que no puede volver a poner los pies. Liderados por Vozarrón (Charles MacBride, 1889–1957), los secuaces de Blackie conseguirán traer la máquina hasta la guarida de su jefe, aunque de camino olvidarán la inyección previa, sin la cuál los resultados del aparato son totalmente imprevisibles (de hecho, lo único que hace es cambiar la voz de la persona expuesta por una voz de pito insoportable). Así, deberán volver otra vez a los Estados Unidos para secuestrar al Profesor Gibbs y de paso también a Kitty, aunque Russell y su criado se lanzarán desesperadamente al rescate.

El único elemento de interés de la propuesta, pues, como ocurre con la mayoría de producciones norteamericanas de serie B del período clásico, radica en la deliciosa galería de personajes secundarios, entre los cuáles destacan el propio Profesor Gibbs, prototipo perfecto del sabio ensimismado y más especialmente el criado de Russell, George, quién tiene los mejores diálogos de la función

La segunda mitad de 'La mujer invisible', como se desprende de un argumento tan delirante como en el fondo insípido, carece de verdadera gracia e incluso de progresión dramática: la trama tira por el camino más previsible en un soso clímax final en la guarida del clan mafioso, en el cuál Kitty –superado el efecto de invisibilidad, puede hacerse invisible en cualquier momento sólo con beber un poco de alcohol– acabará dejando inconscientes a todos los gángsters. Remata el conjunto un epílogo no menos soso en el que se nos muestra a la feliz pareja, ya unidos en matrimonio, con su hijo recién nacido, que al parecer ha heredado la capacidad de hacerse invisible de su madre (al frotarlo con alcohol, el bebé desaparecerá ante los atónitos ojos de los padres). El único elemento de interés de la propuesta, pues, como ocurre con la mayoría de producciones norteamericanas de serie B del período clásico, radica en la deliciosa galería de personajes secundarios, entre los cuáles destacan el propio Profesor Gibbs, prototipo perfecto del sabio ensimismado y totalmente alejado de la realidad, tan bondadoso como ingenuo, y más especialmente el criado de Russell, George, quién tiene los mejores diálogos de la función –¿Le gustaría no tomar una taza de té?– y también las mejores escenas, aunque a falta de otros recursos humorísticos los guionistas le otorgan demasiada presencia en la acción y sus acciones y reacciones al final acaban resultando repetitivas y aburridas.

Autor: Pau Roig
Fuente: http://www.judexfanzine.net


Completamos, por fin, el ciclo de la Universal dedicado a la invisibilidad. Esta es, sin lugar a dudas, la más floja de la saga (si podemos llamarla así). Una floja comedia que, a pesar de todo, entretiene. "Plan 9" se emborracha de invisibilidad.






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