Cuando el submarino atómico experimental "Seaview” emerge a la superficie tras un prolongado viaje de prueba, la tripulación, encabezada por el almirante Harriman Nelson (Walter Pidgeon), comprobará aterrorizada que los casquetes polares de la Tierra se encuentran a punto de descongelarse debido al efecto de una capa radiactiva que rodea al planeta. Pese a la oposición de algunos miembros de su tripulación, Harriman tratará de salvar a la Tierra, destruyendo el cinturón radiactivo por medio de uno de los misiles atómicos con que va provisto el submarino.
Ficha Técnica
Dirección: Irwin Allen / Productor: Irwin Allen para Windsor Prod., 20th Century Fox / Guión: Irwin Allen, Charles Bennett, según un argumento de I. Allen / Fotografía: Winton C. Hoch / Música: Paul Sawtell, Bert Shefter / Montaje: George Boemler / Efectos especiales: L. B. Abbott (efectos fotográficos) / Intérpretes: Walter Pidgeon (Almirante Harriman Nelson), Joan Fontaine (Dra. Susan Hiller), Barbara Eden (Teniente Cathy Connors), Peter Lorre (Comandante Lucius Emery), Robert Sterling (Capitán Lee Crane), Michael Ansara (Miguel Álvarez), Frankie Avalon (Teniente Danny Romano), Regis Toomey (Dr. Jamieson), John Litel (Vice-Almirante B.J. Crawford), Howard McNear (Congresista Parker), Henry Daniell (Dr. Zucco), Skip Ward, Mark Slade, Charles Tannen, Del Monroe, Anthony Monaco, Michael Ford, Robert Easton, Jonathan Gilmore... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1961 / Duración y datos técnicos: 101 min. color 2.35:1. (Dual Español/Inglés + Subs)
Comentario
Viaje al fondo del mar significó un jalón decisivo en la trayectoria profesional, tanto cinematográfica como catódica, del director-productor Irwin Allen, al convertirse en un considerable éxito de taquilla y abrirle así las puertas de la televisión, medio en el que se erigiría en el gran revulsivo fantástico de la década. Aun así, el presente largometraje no deja de resultar un espectáculo de pretensiones grandilocuentes pero en último término más bien tedioso debido en gran medida a su excesivo diálogo y su tono general frustrantemente discursivo, todo un lastre para el ritmo ágil que pide a gritos el argumento. Por suerte, los excelentes efectos especiales pergeñados por Abbott (a destacar la inolvidable escena del pulpo gigante) proporcionan a la película momentos pletóricos de sentido del espectáculo y dignos de pasar a la historia del género. Como aliciente añadido merece reseñarse la aparición en papeles secundarios de un par de grandes mitos del cine como Peter Lorre y Joan Fontaine y de también otro par de mitos, aunque pequeños, como Frankie Avalon y Barbara Eden.
En 1964, Allen trasladaría las peripecias de la tripulación del súper submarino a las 625 líneas, con una serie que abarcaría 110 episodios (hasta 1968) de una hora de duración (el primero de los cuales escribiría y dirigiría el propio
Allen). El reparto televisivo estarla compuesto por Richard Basehart, como el almirante Nelson, acompañado de David Hedison y Robert Dowdell.
Tras esta serie, Allen continuó con sus celebradas incursiones con otras tres series igualmente míticas: “Perdidos en el Espacio” (1965-68), “El túnel del tiempo” (1966-67) y “Tierra de gigantes” (1968-70).
Nuevo repost de un clásico ya posteado antes. En versión dúal y con los subtítulos aparte (dentro del archivo rar). Si preferís sólo la versión original con subtítulos, sólo debéis ir al post original, a través de este Link
sinopsis
El submarino nuclear al mando del comandante Pete Matthews se topa con un enorme objeto al norte del Pacífico, el cual atrapa a la nave y a duras penas logran deshacerse de él. De regreso al puerto descubren un enorme fragmento de tejido orgánico atrapado entre las helices del submarino. Con la asistencia de la profesora Joyce y el Dr. Carter, los científicos llegan a la conclusión de que se trata de un enorme pulpo, que debía permanecer sumergido en uno de los abismos del océano y que, con las recientes pruebas atómicas, se vio obligado a buscar aguas menos profundas en busca de alimento. Es que el monstruo se ha convertido en una criatura radiactiva y su fuente natural de alimento - los peces - perciben a la distancia su presencia. Hambriento y en fuga, la criatura se encuentra en trayectoria directa hacia la ciudad de San Francisco. Ahora todo depende de que Matthews, Joyce y Carter encuentren una manera viable de detenerlo.
Ficha Técnica
Director: Robert Gordon / Productor: Charles H. Schneer para Columbia / Productor ejecutivo: Sam Katzman / Guión: George Worthing Yates, Hal Smith, según argumento de G. W. Yates / Fotografía: Henry Freulich / Música: Mischa Bakaleinikoff / Efectos especiales: Ray Harryhausen, Jack Erickson / Montaje: Jerome Thoms / Intérpretes: Kenneth Tobey (Cdte. Pete Mathews), Faith Domergue (prof. Lesley Joyce), Donald Curtis (prof. John Carter), Ian Keith (almirante Burns), Dean Maddox Jr. (almirante Norman), Chuck Griffiths (Tte. Griff), Harry Lauter (sheriff Bill Nash), Richard W. Peterson (capitán Stacy), Del Courtney, Ed Fisher, Jules Irving, Jack Littlefield... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1954 / Duración y datos técnicos: 75 min. B/N 1.85:1. (V.O.S.E.)
Comentario
"Surgió Del Fondo Del mar" es importante, para empezar, porque supuso la unión del gurú de los efectos especiales, Ray Harryhausen, con el productor Charles H. Schnner. Una asociación que durará veintiséis años y que cambió las películas del género para siempre. Harryhausen es más conocido por su trabajo de 1963, "Jasón y los argonautas", pero ocho años antes de que él nos regalara su imagen más recordada (los esqueletos espada en mano peleando), creó un gigantesco pulpo que causó estragos en la ciudad de San Francisco, tras recorrer todo el Océano Pacífico. Quizás éste no sea el mejor film de Harryhausen, pero tiene su magia, su toque personal. Sólo hay que ver al pulpo atacando la ciudad. Quién sabe cómo habría sido el film sin la colaboración de Harryhausen. Porque, seamos sinceros, lo mejor de la película es el monstruo que, a pesar de los años y la evolución de los efectos especiales, no ha perdido un ápice de su ferocidad y su realismo (sólo hay que ver cuando se desliza por el Golden Gate o cuando ataca el puerto). Porque existe una interacción entre las personas reales, los decorados y las marionetas “in stop-motion”, que no rechina tanto como debiera si las comparamos con las películas actuales.Esto demuestra que cuando hay talento, incluso una forma arcaica en el diseño y los movimientos de la criatura pueden competir con la tecnología moderna en muchos casos.
Los primeros veinte y siete minutos del film son completamente diferentes al resto del film, y en él se utilizan elementos del documental, con esa voz en off que va explicando lo que sucede que parece casi como un noticiario. Eso le otorga a la acción de una mayor inmediatez, informando al espectador de lo que va sucediendo. Pero tan pronto como aparece en escena nuestro gigantesco cefalópodo, la cosa cambia y la película se transmuta en algo totalmente diferente, espectacular.
El guión en verdad, supera la media habitual de las series B de los 50, porque no sólo se basa en el mosntruo sino que les pone un enorme grado de atención a los personajes y resultan muy interesantes. La profesora Joyce (Faith Domergue) se nos presenta con la suficiente personalidad como para llenar la pantalla. Acostumbrados a las protagonistas que sólo sirven para lucir palmito y gritar hasta la saciedad, nos encontramos con el personaje de una profesora inteligente, atractiva y con carácter (vamos, que hasta da órdenes a los militares). A su vez el comandante Pete Matthews (Kenneth Tobey) repite el mismo molde que su oficial locuaz de “El Enigma de otro Mundo” (en realidad, pareciera que el actor interpretara sus papeles con el mismo perfil que un detective de la serie negra de los cuarenta: simpático, pícaro, heroico y mujeriego por encima de todas las cosas). Y posiblemente de los héroes de la serie B, Kenneth Tobey sea el que le ha tocado los mejores papeles, por encima de John Agar o Hugh Marlowe.
En definitivas cuentas, una sencilla producción de serie B que supera con creces la media ya que existe una excelente combinación entre un buen guión y unos increíbles efectos especiales. Clásico “Plan 9”
El Barón Frankenstein quiere retirarse como lider del Consorcio de Monstruos, y para ello convoca una reunión en su castillo del Caribe, a ella invita a los mayores espantos mundiales y a su inocente sobrino Felix Flanken a quien quiere nombrar su sucesor y confiar todos sus secretos.
Ficha Técnica
Dirección: Jules Bass / Productor: Jules bass y Arthur Rankin Jr. / Guión: Forrest J Ackerman, Len Korobkin, Harvey Kurtzman, basado en una historia de Arthur Rankin Jr. / Fotografía: Tadahito Mochinaga / Intérpretes: Boris Karloff (Baron Boris von Frankenstein), Allen Swift (Felix Flankin / Yetch / Dracula / Hombre Invisible / Dr. Jekyll / Mr. Hyde / voices adicionales), Gale Garnett (Francesca), Phyllis Diller (pareja del mosntruo), Ethel Ennis (cantante de los títulos de crédito)... Nacionalidad y año: Estados Unidos 1957. Duración y datos técnicos: 94 min. Color 1.37 : 1. (V.O.S.E.)
Comentario
La década de los 30 se considera la edad de oro del horror. Durante este período, las encarnaciones de las criaturas clásicas como el monstruo de Frankenstein, Drácula, el Hombre Invisible, Dr. Jekyll y Mr. Hyde, la Momia y el Hombre Lobo fueron trasladadas al celuloide. En los 40, dichos famosos monstruos se fueron devaluando a través de interminables secuelas o la reunión de varios en el mismo film. Fue en los 60 cuando la Hammer hace resurgir de sus cenizas a los clásicos con nuevas fuerzas y un enfoque diferente y novedoso, a la par que lleno de calidad. Y la Universal, que fue la encargada de los originales, los hace resurgir en forma de comedia, véase con la serie de TV “The Munsters”, o el encantador film de animación que nos ocupa: “Mad Monster Party?”. Esta joyita de la animación fue realizada por los creadores de dibujos animados infantiles de la factoría Rankin-Bass, responsables de varias series de dibujos animados y especiales televisivos como “Frosty the showman”, “The Jackson Five and The Osmonds”, “Willie McBean and His Magic Machina” (1965), y la adaptación para tv en clave de animación de “The Hobbit” (1977), entre otras cosas. “Mad Monster Party?” tiene a Boris Karloff como protagonista (bueno, su voz), interpretando al barón Von Frankenstein y a Forrest J. Ackerman (“Mr. Science”), editor de la publicación “Famous Monsters of Filmland” (1.958-82) y uno de los personajes clave en la historia de la ciencia ficción, en el guión. Así, a película se lleva a cabo con el máximo respeto y cariño hacia los originales. A destacar que además de los monstruos antes citados, la Rankin-Bass añaden un asistente de laboratorio con la voz de Peter Lorre y una aparición sorpresa de King Kong). Y el comienzo, cuando van apareciendo todos los monstruos resulta fantástico y muy, muy divertido. En verdad, tras su visonado os daréis cuenta que es un film realizado para los más pequeños. Hay muchas bromas tontas y chistes malos. Pero el ambiente que se respira, esa música sementera y unas marionetas maravillosas, hacen de “Mad Monster Party?” una joyita de la animación. Recomendada.
A destacar la banda que toca en la fiesta, de la que he puesto una foto: “Little Tibia and the Fibias”. Por cierto, más abajo podréis descargaros su excelente banda sonora.
Kyra Zelas es una mujer que está a punto de fallecer a consecuencia de una enfermedad fatal. Los doctores Scott y Bach hacen uso en ella de un suero inventado por ella, que no sólo la curará del todo, sino que la hará desarrollar unas facultades de adaptación al medio ambiente totales, cambiando de aspecto y volviéndola prácticamente inmune, amén de desarrollar una personalidad egoísta y fría, pero fascinante y atractiva de cara a los demás.
Ficha Técnica
Dirección: Kurt Neumann. Productor: Kurt Neumann para Regal Films, Twentieth Century-Fox Film Corporation. Guión: Kurt Neumann, Carroll Young, según el relato “The Adaptive Ultimate”, de Stanley G. Weinbaum. Fotografía: Karl Struss. Música: Paul Sawtell, Bert Shefter. Montaje: Carl Pierson. Diseño de producción: Theobold Holsopple. Intérpretes: Mari Blanchard (Kyra Zelas), Jack Kelly (Dr. Dan Scott), Albert Dekker (Dr. Richard Bach), John Archer (Barton Kendall), Fay Baker (Evelyn Kendall), Marie Blake [Blossom Rock] (Hannah, el ama de llaves), Paul Cavanagh, George Baxter, Helen Jay, Joan Bradshaw, X. Brands, Tod Griffin... Nacionalidad y año: Estados Unidos 1957. Duración y datos técnicos: 77 min. B/N 2.35:1.(V.O.S.E.)
Comentario
Stanley G. Weinbaum (1902-1935) fue un escritor de la época pulp, considerado como uno de los mejores representantes de la literatura de ciencia ficción. Uno de sus relatos más interesantes es “The Adaptive Ultimate”, sobre el que se basa este film que nos ocupa: “She Devil”. Dirigida por uno de nuestros realizadores preferidos del género, Kurt Neumann, “She Devil” es una de esas películas que han sido infravaloradas y olvidadas, y que merecen tener su lugar en la historia del género. Ya que, aunque no es una obra maestra, ni mucho menos, el film tiene en general un buen nivel que la hace más que recomendable. Con un buen reparto y una excelente banda sonora, “She Devil” sólo comete un error, aunque eso sí, de los gordos. Partiendo de la historia inicial, el film se desarrolla más como un melodrama con tintes de cine negro que como un film de ciencia ficción/terror, que es lo que tocaba. Porque la historia da mucho más de sí. Y más teniendo a Kyra Zelas como malvada “diabla”. Pero aunque resulte incompleta o descafeinada, “She Devil” es una buena película que merece ser vista y recordada como parte del cine de ciencia ficción de los 50.
Es época de vacaciones, pero en un internado quedan solas dos niñas junto al hijo del dueño. Por tanto, sólo ellos serán testigos del aterrizaje de un platillo volante y de la aparición de un venusino al que llamarán Meba...
Ficha Técnica
Director: S. G. Ferguson / Productor: Frank Wells para GB Instructional Films / Guión: Dallas Bower, s/a Frank Wells / Fotografía: / Música: Jack Beaver / Efectos especiales: John Wright (creador de Meba) / Montaje: Derek Chambers / Intérpretes: Marcia Monolescue (Sumac), Gillian Harrison (Greta), Fella Edmonds (Rodney), Andrew Harrison, Tony Lyons, Hilda Fenemore, Donald Gray, Patrick Boxill, Raymond Rollett... / Nacionalidad y año: Reino Unido 1956 / Duración y datos técnicos: 50 min. B/N 1.37:1. (V.O.S.E.)
Comentario
Película infantil británica de extraterrestres que entremezcla la ciencia ficción y la fantasía con una intriga policial paralela. La verdad, es una pequeña bobada que narra una historia que os resultará familiar: un extraterrestre llega a la tierra y se tropieza con unos niños, que lo recogen y lo cuidan. El extraterrestre es capaz de hacer ciertos prodigios (los hace de buena fe), pero eso le acarreará ciertos problemas. Así, llegará un momento en que Meba (el alien que viene de Venus) estará en un serio peligro. Pero los niños conseguirán salvarlo. Al final, despedida lacrimógena... Y The End. ¿Os suena?... Sí, señor, es casi la misma historia que "E.T. El Extraterrestre" (1982), de Steven Spielberg. Quizás el guionista de tan exitoso film vio en su momento "Supersonic Saucer" y le pareció una idea genial. Eso nunca lo sabremos. Pero llega a salir hasta una bicicleta con cesta, aunque no vuela en esta ocasión. Anecdótica y poco más. Aunque Meba tiene una apariencia muy simpática.
Un astronauta aterriza en la Luna y tras un desvanecimiento cae víctima de una ensoñación. En su particular alucinación, el viajero estelar se encuentra con míticos visitantes de la Luna como Cyrano de Bergerac, Nicholas, Barbican y Michael Ardan y el barón Münchhausen.
Ficha Técnica
Director: Karel Zeman / Producción: Ceskoslovenský Státní Film, Filmové Studio Gottwaldov / Guión: Karel Zeman, con diálogos de Jirí Brdecka y Josef Kainar, según la novela de G. A. Bürger y las historias de Rudolph Erich Raspe / Fotografía: Jirí Tarantík / Música: Zdenek Liska / Montaje: Vera Kutilova / Diseño de producción: Karel Zeman / Efectos especiales: Frantisek Krcmár (animador) / Intérpretes: Milos Kopecký (Barón Münchhausen), Jana Brejchová (princesa Bianca), Rudolf Jelínek (Toník), Karel Höger (Cyrano), Eduard Kohout (general Ellemerle), Jan Werich , Rudolf Hrusinsky , Karel Effa, Josef Hlinomaz, Miroslav Homola, Otto Simánek… / Nacionalidad y año: Checoslovaquia 1961 / Duración y datos técnicos: 87 min. color-B/N. (V.O.S.E.)
Comentario
Fascinado por Georges Méliès y su capacidad para plasmar lo extraordinario en cine, Karel Zeman, realizó en 1958 “Un invento diabólico”, fusión de diversas técnicas de animación en la que adaptaba un relato de Julio Veme como si los grabados en metal de Riou y Bennett, que ilustraban la edición original, cobrasen movimiento en alguna de las desarmantemente ingenuas obras de Méliès. Para su siguiente obra, Zeman recurrió al famoso libro de G.A. Bürger sobre el más descarado mentiroso que ha pisado el suelo lunar y, de forma ineludible, a los grabados de Gustave Doré que otorgaron a la obra su imagen más irónica en 1862. Experimentando nuevamente con todas las posibilidades de las técnicas de animación, Zeman añadió un nuevo elemento dramático, el color, y montado en una bala de cañón alcanzó la cumbre de su obra. En “El barón fantástico” figuran las más populares hazañas del Barón Munchausen (o Barón de la Castaña en su variante hispana) aunque éstas bien pueden ser la ensoñación de Tonik (Rudolf Jelinek), un moderno astronauta que a su llegada a la Luna descubre a otros ilustres viajeros interespaciales anteriores: Cyrano de Bergerac, los que envió Julio Verne en una de sus fantasías y, por supuesto, Munchausen (Milos Kopecky). Éste se convierte en cicerone de Tonik y. en un barco remolcado por pegasos, lo lleva a la Tierra para que conozca al sultán de Constantinopla. Tonik. enamorado de Bianca, una de las jóvenes capturadas por el sultán, y el Barón, también rendido a la belleza de la Joven, la rescatan del palacio. En la huída, Munchausen es raptado por el gigantesco pájaro Noh, pero logra reunirse con sus compañeros en la sitiada Gibraltar. Allí efectúa un viaje de reconocimiento impulsado por una bala de cañón, ida y vuelta, sobre el terreno enemigo y, en uno más de sus actos heroicos, vuela el polvorín. Junto al polvorín vuelan Bianca y Tonik, que convierten unas armaduras en trajes espaciales, y el Barón mismo sentado en regio sillón, llegando nuevamente a la luna donde Cyrano los espera a tiempo para la cena. Una deliciosa historia, una ensoñación, un cuento, una maravilla que Zeman plasma de manera excepcional. Porque lo más sugerente de la obra de Zeman, y especialmente en este film, es el aspecto visual, combinando animación con personajes reales, enmarcados en un mundo realizado con unos deslumbrantes decorados hechos a mano y todo ello encajado a la perfección. Escena tras escena, el espectador se sorprende una y otra vez de la belleza, grandiosidad y originalidad de unos entornos que derrochan imaginación dándoles ese carácter onírico e irreal del mejor relato fantástico. Y Zeman consigue eso, una obra maestra del cine fantástico, con unas grandes interpretaciones llenas de ironía y humor (especialmente el barón) y un guión que capta de forma muy especial una de las más grandes historias de la literatura fantástica. Porque nos hallamos ante la fabulosa epopeya del Barón de Munchausen y todas las increíbles aventuras que le acontecieron durante sus correrías por el mundo (y el espacio exterior, como no). En fin, una visión muy personal (y genial) de la obra de Bürger que capta, tanto por la trama como visualmente, toda la aventura, la emoción, el romanticismo y la extravagancia de uno de los personajes más pintorescos de la literatura mundial. Como bien dice Munchausen cuando hablan de mover una nave con motores de vapor: "¡mover un barco con vapor!, para eso hace falta mucha fantasía...". Pues bien, aquí tenéis toda la fantasía del mundo. Obra maestra “Plan 9”
Aprovechando estas fiestas que vivimos, voy a postear, entre otras cosas, un par de títulos de uno de los grandes de la animación de todos los tiempos: "El Barón Fantástico" ("Baron Prásil") (1961) y "Viaje A La Prehistoria" ("Cesta do praveku") (1955). Hablamos, claro está, de Karel Zeman.
Karel Zeman (Ostroměř, cerca de Nová Paka, Imperio austrohúngaro, 3 de noviembre de 1910 - Praga, Checoslovaquia, 5 de abril de 1989) fue un cineasta checo, director de películas de animación, considerado, junto con Jirí Trnka, uno de los fundadores del cine checo de animación.
Estudió en Francia, y trabajó en Marsella en un estudio de publicidad. Su primera experiencia con el cine de animación fue un anuncio de sopa. Al regresar a Checoslovaquia, continuó trabajando en el mundo de la publicidad, para las compañías Bata y Tatra. El cineasta Elmar Klos, interesado por su obra, le ofreció un trabajo en sus estudios de animación de la ciudad de Zlín, que Zeman aceptó en 1943. En Zlín conoció a Hermína Týrlová, que por entonces acababa de producir el cortometraje Ferda Mravenec ("Fernando la hormiga"), un clásico del cine de animación infantil basado en un cuento de Ondřej Sekora). En colaboración con Týrlova, Zeman realizó la película Vánoční sen ("El sueño de Navidad", 1943), que en 1946 obtendría el premio a la mejor película de animación en el Festival de Cannes, lo que le proporcionó un gran prestigio.
Su popularidad entre el público infantil aumentó cuando realizó una serie de cortometrajes humorísticos que tenían como protagonista a un personaje llamado Sr. Propouk, en torno a temas de la vida cotidiana: Propouk aparecía como oficinista, inventor, bombero, etc. En 1948 dirigió Inspirace ("Inspiración"), destacable por su lirismo, en el que animó figurillas de vidrio; y en 1950 su primer largometraje, el satírico Král Lávra ("Rey Lávra", basado en un poema de Karel Havlíček Borovský). A éste seguiría, en 1952, Poklad ptaciho ostrova ("El tesoro de la isla de los pájaros"). En 1955 combinó actores reales, animación y efectos especiales en Cesta do pravěku ("Un viaje a la prehistoria", 1955), que cuenta el viaje en el tiempo de un grupo de estudiantes, permitiendo a Zeman animar varios muñecos de dinosaurios. La película tuvo un gran éxito.
Cuatro años más tarde, en 1958, estrenó una de sus obras más destacadas, Vynález zkázy ("Una invención diabólica", 1958), basada en una novela de Julio Verne. Más tarde volvería a adaptar a Verne en sus películas Na kometě ("En el cometa", 1970) y Ukradena vzducholod ("El dirigible robado"). En 1961 estrenó otro filme de género fantástico, Baron Prášil, basado en la novela de Göttfried Bürger Las aventuras del barón de Munchhausen, para el que utilizó decorados pintados al estilo de las ilustraciones de Gustave Doré ante los que deambulaban actores reales.
Durante los años 70, rodó otras películas de tema fantástico para las que recuperó la animación tradicional, como Pohádky tisíce a jedné noci ("Cuentos de las mil y una noches"), que consta de siete relatos breves acerca de Simbad el Marino; Krabat, čarodějův učeň ("Krabat, el aprendiz de brujo", 1975); y el cuento de hadas de los Hermanos Grimm O Honzíkovi a Mařence ("Hansel y Gretel", 1980).
Aunque sus películas están dirigidas principalmente al público infantil, posee un sofisticado ingenio, y un estilo visual que fascina igualmente a los adultos. Por su prodigiosa inventiva, se ha relacionado su obra con la de otros grandes innovadores del cine, como Georges Méliès.
A CHRISTMAS DREAM (1943)
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INSPIRACIÓN ("Inspirace")(1949)
sinopsis:
Karel Zeman creó un ballet protagonizado por las figuras de cristal soplado, Colombina y Arlequín, que aún hoy es reconocido como uno de los trabajos más bellos de la historia de la animación. El resultado, de una magia extraordinaria, reflejaba un mundo frágil, de entorno cristalino, en el que se puso de manifiesto la capacidad experimental del realizador y su interés por la diversidad de materiales a la hora de insuflar vida cinematográfica a objetos inanimados.
Comentario
Sólo se pueden decir alabanzas de este delicioso corto de Karel Zeman. Un ballet lleno de belleza y sensibilidad que hará las delicias de todos vosotros, amigos de "Plan 9". Animación. Duración: 10 minutos.
Imaginativa adaptación animada, con la técnica de stop-motion, del cuento-poema "El rey Lavra y el barbero", de Karel Havlíček Borovský. El film del maestro checo Karel Zeman muestra con gran sentido del humor la tortura que supone para el monarca rasurar su barba y cabello, y cómo el barbero se gana su confianza, hasta el punto de recibir una condecoración. Sin palabras, y con una esforzada partitura, los personajes son muy expresivos, ya sean los lacayos, o el rey que, bajo la corona, esconde unas enormes orejas.
Ficha Técnica
Dirección: Karel Zeman / Director de Producción: Dusan Schaffer / Guión: Bohumil Brejcha y Karel Zeman, basado en un poema de Karel Havlícek Borovský, Thomas Hunter y Peter Powe / Fotografía: Antonín Horák / Montaje: Zdenek Stehlík / Música: Zdenek Liska / Animación: Frantisek Krcmár, Arnost Kupcik y Karel Zeman / Nacionalidad y año: Checoslovaquia 1950. Duración y datos técnicos: 29 min. Color. 1,37 : 1 (Muda)
Comentario
Otra maravilla, hecha con gran maestría por el maestro Zeman. Divertida, ocurrente, muy bien hecha... Lo dicho: fantástica. Para grandes y pequeños.
Un grupo de motoristas, al estilo de los Ángeles Del Infierno (pero en este caso denominados Los Abogados Del Diablo), recorren el suroeste de los Estados Unidos buscando líos, bebiendo cerveza y asustando a las viejas. En éstas que su despreocupado deambular les lleva hasta una zona boscosa donde reside una curiosísima comunidad monástica de adoradores de Satán. Al principio, los motoras son recibidos con hospitalidad por los extraños monjes, que les ofrecen pan y todo el vino que quieran; pero la participación de una de sus chicas en los ritos diabólicos de los frailes hace que la cosa termine mal. Tras apalear a la congregación entera y “rescatar” a la moza (que estaba bailando, totalmente desnuda, una sugerente danza con una serpiente subida en una especie de altar), los motoristas se largan de allí y se internan en el desierto, decididos a ir en dirección este y a continuar su periplo hasta Florida.
Pero no saben que su estancia en el extraño monasterio satánico ha tenido sus consecuencias. Y que sus problemas no han hecho sino empezar…
Ficha Técnica
Director: Michael Levesque / Productor: Stuart Fleming para South Street Films Inc. / Guión: Michael Levesque y David Kauffman / Fotografía: Isidore Mankofsky / Música: Don Gere / Montaje: Peter Parasheles / Intérpretes: Stephen Oliver, D. J. Anderson, Gene Shane, Barry McGuire, Billy Gray, Anna Lynn Brown, Gray Johnson, Owen Orr, Severn Darden, Ingrid Grunewald, Leonard Rogel, Tex Hall, Dan Kopp / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1971 / Duración y datos técnicos: 85 min. Color. (V.O.S.E.)
Comentario
El otro día, cuando maese Zer subió la bizarrada de Kiss Me Quicky, despertó mis bajos instintos y mi aficion contumaz por las rarezas kitsch y psicotrónicas.
Es cierto que todas las pelis que he posteado son de terror, que no son ganadoras de Óscars ni momentos cumbre del séptimo arte (bueh... de alguna habría que discutirlo) y que arrastran el sanbenito de ser "cine de género y de evasión" (¿Y qué pasa...? Ésa es la grandeza del cine. Cuando lo olvida suele degenerar en pestiños insoportables, ejem). .
Pero,en cualquier caso, he intentado mantener un cierto nivel, reivindicando joyas que a mí me parecen de una dignidad fuera de duda, cada una por sus razones en realidad,
No obstante, también me gusta el desfase y la bizarrada pop, mes amis. Y de vez en cuando me doy un homenaje con alguna de esas oscuras exploits yanquis (o de otras nacionalidades) que, a pesar de los pesares, merecen ser reivindicadas. Siquiera sea por su frescura, desvergüenza y capacidad de diversión.
Bueh... Pues para nadar entre dos aguas, encendiendo una vela a Dios y otra al diablo, aquí traigo una cinta americana de 1971 que podría pasar por un claro ejemplo de psicotronismo y, al mismo tiempo, mantiene un nivel más que razonable.
Y es que a pesar de lo que a primera vista pueda parecer (por su título y por ese aspecto kitsch y enloquecido del cartel original) Werewolves On Wheels no es, exactamente, una marcianada. Por decirlo de alguna manera, es una especie de puente, de término medio, entre las pequeñas joyas reivindicables y dignas que suelo subir (o eso creo yo... que son reivindicables y dignas, digo) y las chifladuras psicotrónicas y abizarradas que, de vez en cuando (y por nuestra propia salud mental. Esto es un consejo de amigo...) hay que frecuentar.
No sé si aquí hemos hablado alguna vez (me disperso en varios sitios, y estoy cada día más viejo) sobre esa corriente subterránea y semidesconocida de películas de tema satánico y brujeril que alumbró el cine americano entre 1965 y 1975. Al respecto siempre comento que, por acotar cronológicamente el subgénero de una forma ilustrativa (pero incorrecta y sin ninguna sutileza), podríamos situarlo entre la aparición de "La Semilla Del Diablo" (1967) y el estreno de "El Exorcista" (1973). Curiosamente se trata de películas que abordaban el satanismo y la brujería desde un punto de vista muy curioso y totalmente diferente al de las dos que he nombrado (insisto: el empleo de ambas para “encapsular” temporalmente el subgénero es tramposo. Hay películas de ese estilo anteriores a 1967 y posteriores a 1973. Pero la peli de Polansky y la de Friedkin sirven maravillosamente como señales de orientación).
Estas películas de las que hablo abordan el tema del culto a Satanás influidas por la estética y las modas de su tiempo (la segunda mitad de los 60’s, la psicodelia, el renacer de las creencias mágicas, el revival de las viejas teosofías de finales del siglo XIX, el neopaganismo, la aparición de la Iglesia De Satán de Anton LaVey, la liberación sexual) y, sobre todo, presentan a los adoradores del diablo como comunidades organizadas, autoconscientes y situadas, siempre, en parajes rurales aislados (comarcas montañosas, bosques, desiertos, etc). Lugares, por lo común, ubicados en un medio-oeste indefinido o en el Sur Profundo; como una especie de trasunto de las comunidades rurales tradicionales (todo eso de los hillbillies y los rednecks americanos. Los habitantes de esa América profunda y encerrada en sí misma que pueblan determinado imaginario estadounidense y que en los años 60’s y 70’s adquieren, en muchísimos casos, connotaciones evidentemente negativas, asociadas al conservadurismo político, el fanatismo religioso y el rechazo a la modernidad).
Suelo citar siempre las mismas películas como ejemplo: "Blood Sabbath", "The Brotherhood Of Satan", "The Witchmaker", "Warlock Moon", "The Devil’s Rain", "Invasion Of Blood Farmers", "Enter The Devil", "The Night God Screamed", "Deadmaster", "Race With The Devil" etc. (pelis de serie B casi todas, rodadas con escasos medios, unas mejores y otras peores, pero todas interesantes siquiera sea por su adscripción a esa especie de corriente subterránea de la que hablo).
Y, por supuesto, ésta que ahora posteo: "Werewolves On Wheels".
Porque, efectivamente mes amis, estos “hombres-lobo motorizados” pertenecen, de hoz y coz, al subgénero del que estamos hablando.
Volved a echarle un vistazo a la sinopsis y lo entenderéis. Ahí están los ingredientes a los que antes he aludido. No falta ninguno. Esa comunidad de monjes satánicos que rinde culto al príncipe de las Tinieblas en su aislado monasterio en medio de una zona boscosa, junto al desierto. Los sacrificios sangrientos, los desnudos rituales, los cánticos, las invocaciones en latín, el punto oscuro y mistérico... Y, al mismo tiempo, una cuadrilla de ángeles del infierno con ganas de reñir y de beber cerveza, una buena provisión de marihuana, suficientes dosis de ácido, patillas y melenas largas, carreteras polvorientas, máquinas bien engrasadas, machismo barriobajero y rock’n’roll.
Y, sobre todo, muuuuuucho mal rollo.
En el post de "Neither The Sea Nor The Sand", hace ya unos meses, hablaba de mi querencia por los Crossovers, los cruces de géneros. Bueh... Pues esta película, además, es otro ejemplo de eso mismo, ya que mezcla descaradamente terror (más específicamente del sub-estilo reseñado, satánico y brujeril) con el tema biker, que conoció un curioso auge durante la segunda mitad de los 60’s (aunque tiene gloriosos precedentes, como la mítica "The Wild One" con Marlon Brando convertido en icono juvenil).
Efectivamente, pelis como "The Wild Angels", "She-Devils On Wheels", "Motorpsycho", "Devils Angels", "Savages From Hell", "The Born Losers" y muchas otras conforman un asombroso subgénero creado, sobre todo, por las productoras de serie B tipo AIP (nuestro viejo amigo Roger Corman siempre atento a cualquier novedad que pudiera reportar beneficios, bendito sea por lo demás, jejejeje) durante la segunda mitad de los 60’s. La cosa tuvo su origen en la omnipresencia, en los medios de comunicación (periódicos, revistas y televisiones), de reportajes sobre los desmanes que causaban los moteros e, incluso, la publicación de dos libros del nuevo periodismo tan influyentes como Gaseosa De Ácido Eléctrico (de Tom Wolfe) y Los Ángeles Del Infierno (de Hunter S. Thompson) en el que los bikers aparecían como secundarios importantes (el primero) o como auténticos protagonistas (el segundo). El caso es que entre 1965 y 1970 nuestros amigos motoristas se adueñaron no sólo de las carreteras del medio-oeste y de California sino de un lugar preeminente en el imaginario colectivo americano. Sus largas melenas, sus imponentes máquinas, sus pobladas barbas, sus novias abrazadas a la espalda y sus astrosas cazadoras vaqueras pasaron a formar parte del universo icónico yanqui mientras sonaba el Born To Be Wild de los Steppenwolf y se agitaba la deshilachada bandera de las barras y las estrellas. Frente a la amenaza oblicua e indefinida que representaban los perrofláuticos hippies, los Hell’s Angels eran una evidencia casi reconfortante para la clase media (y la mediana edad) americana. Proto-punks enredadores e incómodos que no se andaban con medias tintas y que arrasaban gasolineras o se liaban a palos con el primero que pasaba, confirmaban (graciasadiós) los peores temores de los “cascos duros” y “la mayoría silenciosa” (términos que se pusieron de moda justo entonces) y demostraban, fehacientemente, que todos esos jovenzuelos melenudos no podían traer sino problemas.
La cosa siguió su curso e, inevitablemente, Corman y otros como él aprovecharon el filón, de manera que los herederos de los antiguos forajidos del Lejano Oeste (según Hunter S. Thompson, ésa era la imagen que los propios Hell’s Angels tenían de sí mismos) acabaron fagotizados por la gran maquinaria, protagonizando películas de bajo presupuesto y reportajes sensacionalistas de suplementos dominicales. Los acontecimientos de Altamont, en 1969, terminaron de demonizar su imagen y los convirtieron, definitivamente, en algo hostil, amenazante y temible.
Bueh… Pues en éstas que hacia 1970/1971 un tal Michael Levesque tuvo la peregrina idea de filmar una peli que mezclase satanismo, ángeles del infierno y escenarios desérticos, añadiendo al caldo un poco de mordiente a base de hombres-lobo. A priori, la cosa parece una locura; ya lo sé. Pero, precisamente por eso (porque uno se espera una barbaridad) la peli resulta divertida, entretenidísima y más digna de lo que podría parecer. En serio.
Tanto Ángel Gómez Rivero en Cuando Llora El Lobo, como Carlos Díaz Maroto en Licántropos En El Cine, nombran esta película y ambos comentan casi exactamente lo mismo (igual de sucintamente, por cierto): “precisamente porque uno se espera lo peor, lo que encuentra es una película simpática y disfrutable; mejor de lo que podía pensarse” (o algo parecido… cito de memoria. Y creo, además, que Carlos Díaz Maroto lo recoge de un crítico americano).
Bueh… Pues a mí me pasó lo mismo. Literal. La película me supuso una auténtica sorpresa.
Protagonizada por actores habituales (lo de “habituales” es un decir... porque tampoco se prodigaron mucho) en series B y Z y por secundarios de series televisivas (*), cuando no directamente por auténticos amateurs sin ninguna experiencia, toda la peli tiene un aire inesperadamente realista, como de cinema-verité casi, casi passoliniano (no os riáis, canallas).
En serio... Hay momentos en los que parece que estás viendo un documental, o uno de esos experimentos docudramáticos de finales de los 60’s. Una mezcla de ficción y realidad filmada con una cámara portátil y cuatro duros de presupuesto con un estilo áspero y totalmente aséptico. Si no fuera por el uso evidente de la música (muy agradecida, por cierto) casi podríamos pensar que estamos ante un antecedente del Dogma de Triers (os he dicho que no os riáis, malditos guasones...).
No sé si todo eso fue algo consciente, buscado por el director, o una consecuencia fortuita derivada del escasísimo presupuesto y de lo disparatado de la idea original. Pero el caso es que los resultados son los que son. Y, como ya he dicho, a mí me sorprendieron gratísimamente.
Posiblemente, esa exigüidad presupuestaria también sea el origen de otro acierto: lo elusivo y contenido de las escenas de violencia y de verdadero terror. Así, los ataques de las fieras que dan título a la película se filman de forma oblicua, ocultando al monstruo y mostrando muy poco. Ya sé que últimamente eso de la oblicuidad y la elusión no es un valor en alza, pero yo soy un viejo pelma y, en esos temas, sigo aferrado a las antiguas convenciones (algo así como “cuanto menos explícito sea lo que está viendo, más inquietante será lo que te imagines”. O algo parecido. Ejem).
Por cierto que cuando se nos muestra cara a cara al lobishome motorista nos aguarda otra pequeña sorpresa: una caracterización realmente entrañable y resultona, muy deudora de la clásica de Lon Chaney y, sobre todo (no es broma), de la que nuestro castizo Paul Naschy estaba encarnando en esos mismos años. Sí, ya sé que también don Jacinto Molina se inspiraba en el mismo referente de los años 40... Pero cuando voacés vean la peli entenderán por qué insisto en la coincidencia (coñe, hasta los movimientos del peludo motora se parecen a los de Waldemar Daninsky cuando se ve aquejado de su particular acceso de hirsutismo).
Eso sí, que nadie se engañe, tanta economía de medios termina pasando factura. Sobre todo al final de la película, que a mí me ha parecido precipitado y pobremente resuelto. Como si se les hubiera terminado el dinero (o la cinta virgen, jejeje) y hubiesen tenido que hacerlo todo deprisa y corriendo, sin tiempo para nada. Desde mi punto de vista, es uno de los puntos más negativos, pero no él único… Hay más, evidentemente. Echadle un vistazo a la sinopsis... La historia que se nos cuenta es, más que simple, raquítica. Los personajes son tan planos como los de una historieta cómica. Las reacciones, más que previsibles son automáticas.... cosas así.
Ah... y otra cosa: Que nadie espere detalles humorísticos en la peli. Ese aire enloquecido y guasón del cartel original y esa frase genial que dice algo así como “Si Eres Lo Suficientemente Peludo, Sólo Te Falta La Moto” (pero de otra forma) son una pequeña trampa. "Werewolves On Wheels" es una película muy seria (o, mejor dicho, pretende serlo) y lo psicotrónico y bizarresco de su argumento y de las situaciones planteadas no degeneran en ningún momento en ese tipo de chifladuras trash que tan buenos ratos nos hacen pasar a veces. A eso (a mantener la seriedad) ayuda el estilo áspero, semidocumental y frío con el que está rodada y al que antes he aludido. En ese sentido, Levesque consigue su objetivo plenamente, mes amis; pero, quizás, un poquico de humor hubiese ayudado algo en el resultado final.
He comentado antes que el uso de la música me parece muy acertado. Maticemos un poco. La banda sonora de la película se compone, básicamente, de un leit-motiv instrumental que me ha gustado mucho y que tiene un aire muy de la época (ese sonido a medio camino entre el raga oriental y las melodías monótonas de los indios del suroeste. Algo que evoca desiertos interminables llenos de cactus, arenas ardientes, un sol inmisericorde, esqueletos de ganado y serpientes de cascabel; todo bien aderezado con guitarras eléctricas y ramalazos fuzz, como mandan los dioses de la psicodelia) y de varias canciones de country-rock en una onda similar a lo que los Byrds habían inaugurado en 1968 con su Sweetheart Of The Rodeo, los Flying Burrito Brothers habían elevado a los altares con sus dos primeros discos de 1969 y 1970 y gente como los Poco o los Eagles cultivaron con éxito durante la primera mitad de los 70’s (los primeros mejor que los segundos, al menos para mi gusto... Los aguilillas ésos siempre me parecieron una banda tirando a ñoña).
El leit-motiv suena, sobre todo, mientras los motoristas ruedan por la carretera, dotando de una atmósfera ominosa, amenazadora y muy eficaz a las imágenes. Los temas country-rock, por el contrario, eliminan tensión y aunque también resultan estimulantes (y un detalle muy de la época, of course) juegan a otro juego y, supongo, pagan tributo al “hip” estéticamente dominante en aquellos años.
Bueh… Y nada más, mes amis. Insistir, eso sí, en que no es una rayada psicotrónica al uso, sino una curiosísima película de terror. Más original, sorprendente, digna, y disfrutable (y algunas cosas más… todas dentro de su humildísima condición de serie sub-B) de lo que podría pensarse a primera vista.
Y basta de brasa por hoy, ejem.
El archivo que ahora cuelgo lo he ripeado yo mismo de un DVD original yanqui. La edición americana contaba con subtítulos en inglés para personas sordas; sólo tuve que extraerlos, adaptarlos y traducirlos.
A ese respecto, tengo que aclarar algo. Los personajes (los motoristas) hablan en una jerga más o menos “juvenil” de finales de los 60’s, manejando continuamente expresiones como “trip” (que, por cierto, ya no se usa... Es exclusivamente de aquella época) y otras por el estilo. He intentado evitar “localismos” nacionales como “rollo” (“todo ese rollo mágico” por “That magic trip”, por ejemplo) o “tío” (“¿Qué pasa, tío?” por What’s up, man?”) pero no siempre lo he logrado... Existe un español más o menos unificado a ambos lados del Atlántico, maeses, pero no existe una coiné “juvenil” o “jerguística” común. Así que no podía recurrir a nada parecido y es posible que se note demasiado mi escoramiento hacia el español europeo. En la medida de lo posible he evitado “tío” recurriendo a “hermano” (que me parecía un término más acorde con la época aquella de finales de los 60’s, además. Aunque ahora nos suene impostado...). Pero no siempre lo he logrado.
El archivo pesa bastante. Lo he subido a Megaupload. La razón de que haya pocos enlaces a pesar de que la peli pesa más de 1 Giga obedece a que ese servidor permite subir cosas de mucho más peso.
Como siempre, está cortada con File Splitter And Joiner.
Que la disfruten voacés.
(*)Por cierto, como curiosidad, entre los greñudos motoristas aparece Barry McGuire, un cantante de folk-rock que tuvo un gran éxito en 1965 con una canción de P.F. Sloan titulada Eve Of Destruction y que, según parece, se pasó luego a la interpretación en papeles secundarios y, mayormente, en producciones de bajo presupuesto y series televisivas.
