Aprovechando estas fiestas que vivimos, voy a postear, entre otras cosas, un par de títulos de uno de los grandes de la animación de todos los tiempos: "El Barón Fantástico" ("Baron Prásil") (1961) y "Viaje A La Prehistoria" ("Cesta do praveku") (1955). Hablamos, claro está, de Karel Zeman.
Karel Zeman (Ostroměř, cerca de Nová Paka, Imperio austrohúngaro, 3 de noviembre de 1910 - Praga, Checoslovaquia, 5 de abril de 1989) fue un cineasta checo, director de películas de animación, considerado, junto con Jirí Trnka, uno de los fundadores del cine checo de animación.
Estudió en Francia, y trabajó en Marsella en un estudio de publicidad. Su primera experiencia con el cine de animación fue un anuncio de sopa. Al regresar a Checoslovaquia, continuó trabajando en el mundo de la publicidad, para las compañías Bata y Tatra. El cineasta Elmar Klos, interesado por su obra, le ofreció un trabajo en sus estudios de animación de la ciudad de Zlín, que Zeman aceptó en 1943. En Zlín conoció a Hermína Týrlová, que por entonces acababa de producir el cortometraje Ferda Mravenec ("Fernando la hormiga"), un clásico del cine de animación infantil basado en un cuento de Ondřej Sekora). En colaboración con Týrlova, Zeman realizó la película Vánoční sen ("El sueño de Navidad", 1943), que en 1946 obtendría el premio a la mejor película de animación en el Festival de Cannes, lo que le proporcionó un gran prestigio.
Su popularidad entre el público infantil aumentó cuando realizó una serie de cortometrajes humorísticos que tenían como protagonista a un personaje llamado Sr. Propouk, en torno a temas de la vida cotidiana: Propouk aparecía como oficinista, inventor, bombero, etc. En 1948 dirigió Inspirace ("Inspiración"), destacable por su lirismo, en el que animó figurillas de vidrio; y en 1950 su primer largometraje, el satírico Král Lávra ("Rey Lávra", basado en un poema de Karel Havlíček Borovský). A éste seguiría, en 1952, Poklad ptaciho ostrova ("El tesoro de la isla de los pájaros"). En 1955 combinó actores reales, animación y efectos especiales en Cesta do pravěku ("Un viaje a la prehistoria", 1955), que cuenta el viaje en el tiempo de un grupo de estudiantes, permitiendo a Zeman animar varios muñecos de dinosaurios. La película tuvo un gran éxito.
Cuatro años más tarde, en 1958, estrenó una de sus obras más destacadas, Vynález zkázy ("Una invención diabólica", 1958), basada en una novela de Julio Verne. Más tarde volvería a adaptar a Verne en sus películas Na kometě ("En el cometa", 1970) y Ukradena vzducholod ("El dirigible robado"). En 1961 estrenó otro filme de género fantástico, Baron Prášil, basado en la novela de Göttfried Bürger Las aventuras del barón de Munchhausen, para el que utilizó decorados pintados al estilo de las ilustraciones de Gustave Doré ante los que deambulaban actores reales.
Durante los años 70, rodó otras películas de tema fantástico para las que recuperó la animación tradicional, como Pohádky tisíce a jedné noci ("Cuentos de las mil y una noches"), que consta de siete relatos breves acerca de Simbad el Marino; Krabat, čarodějův učeň ("Krabat, el aprendiz de brujo", 1975); y el cuento de hadas de los Hermanos Grimm O Honzíkovi a Mařence ("Hansel y Gretel", 1980).
Aunque sus películas están dirigidas principalmente al público infantil, posee un sofisticado ingenio, y un estilo visual que fascina igualmente a los adultos. Por su prodigiosa inventiva, se ha relacionado su obra con la de otros grandes innovadores del cine, como Georges Méliès.
A CHRISTMAS DREAM (1943)
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INSPIRACIÓN ("Inspirace")(1949)
sinopsis:
Karel Zeman creó un ballet protagonizado por las figuras de cristal soplado, Colombina y Arlequín, que aún hoy es reconocido como uno de los trabajos más bellos de la historia de la animación. El resultado, de una magia extraordinaria, reflejaba un mundo frágil, de entorno cristalino, en el que se puso de manifiesto la capacidad experimental del realizador y su interés por la diversidad de materiales a la hora de insuflar vida cinematográfica a objetos inanimados.
Comentario
Sólo se pueden decir alabanzas de este delicioso corto de Karel Zeman. Un ballet lleno de belleza y sensibilidad que hará las delicias de todos vosotros, amigos de "Plan 9". Animación. Duración: 10 minutos.
Imaginativa adaptación animada, con la técnica de stop-motion, del cuento-poema "El rey Lavra y el barbero", de Karel Havlíček Borovský. El film del maestro checo Karel Zeman muestra con gran sentido del humor la tortura que supone para el monarca rasurar su barba y cabello, y cómo el barbero se gana su confianza, hasta el punto de recibir una condecoración. Sin palabras, y con una esforzada partitura, los personajes son muy expresivos, ya sean los lacayos, o el rey que, bajo la corona, esconde unas enormes orejas.
Ficha Técnica
Dirección: Karel Zeman / Director de Producción: Dusan Schaffer / Guión: Bohumil Brejcha y Karel Zeman, basado en un poema de Karel Havlícek Borovský, Thomas Hunter y Peter Powe / Fotografía: Antonín Horák / Montaje: Zdenek Stehlík / Música: Zdenek Liska / Animación: Frantisek Krcmár, Arnost Kupcik y Karel Zeman / Nacionalidad y año: Checoslovaquia 1950. Duración y datos técnicos: 29 min. Color. 1,37 : 1 (Muda)
Comentario
Otra maravilla, hecha con gran maestría por el maestro Zeman. Divertida, ocurrente, muy bien hecha... Lo dicho: fantástica. Para grandes y pequeños.
Un grupo de motoristas, al estilo de los Ángeles Del Infierno (pero en este caso denominados Los Abogados Del Diablo), recorren el suroeste de los Estados Unidos buscando líos, bebiendo cerveza y asustando a las viejas. En éstas que su despreocupado deambular les lleva hasta una zona boscosa donde reside una curiosísima comunidad monástica de adoradores de Satán. Al principio, los motoras son recibidos con hospitalidad por los extraños monjes, que les ofrecen pan y todo el vino que quieran; pero la participación de una de sus chicas en los ritos diabólicos de los frailes hace que la cosa termine mal. Tras apalear a la congregación entera y “rescatar” a la moza (que estaba bailando, totalmente desnuda, una sugerente danza con una serpiente subida en una especie de altar), los motoristas se largan de allí y se internan en el desierto, decididos a ir en dirección este y a continuar su periplo hasta Florida.
Pero no saben que su estancia en el extraño monasterio satánico ha tenido sus consecuencias. Y que sus problemas no han hecho sino empezar…
Ficha Técnica
Director: Michael Levesque / Productor: Stuart Fleming para South Street Films Inc. / Guión: Michael Levesque y David Kauffman / Fotografía: Isidore Mankofsky / Música: Don Gere / Montaje: Peter Parasheles / Intérpretes: Stephen Oliver, D. J. Anderson, Gene Shane, Barry McGuire, Billy Gray, Anna Lynn Brown, Gray Johnson, Owen Orr, Severn Darden, Ingrid Grunewald, Leonard Rogel, Tex Hall, Dan Kopp / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1971 / Duración y datos técnicos: 85 min. Color. (V.O.S.E.)
Comentario
El otro día, cuando maese Zer subió la bizarrada de Kiss Me Quicky, despertó mis bajos instintos y mi aficion contumaz por las rarezas kitsch y psicotrónicas.
Es cierto que todas las pelis que he posteado son de terror, que no son ganadoras de Óscars ni momentos cumbre del séptimo arte (bueh... de alguna habría que discutirlo) y que arrastran el sanbenito de ser "cine de género y de evasión" (¿Y qué pasa...? Ésa es la grandeza del cine. Cuando lo olvida suele degenerar en pestiños insoportables, ejem). .
Pero,en cualquier caso, he intentado mantener un cierto nivel, reivindicando joyas que a mí me parecen de una dignidad fuera de duda, cada una por sus razones en realidad,
No obstante, también me gusta el desfase y la bizarrada pop, mes amis. Y de vez en cuando me doy un homenaje con alguna de esas oscuras exploits yanquis (o de otras nacionalidades) que, a pesar de los pesares, merecen ser reivindicadas. Siquiera sea por su frescura, desvergüenza y capacidad de diversión.
Bueh... Pues para nadar entre dos aguas, encendiendo una vela a Dios y otra al diablo, aquí traigo una cinta americana de 1971 que podría pasar por un claro ejemplo de psicotronismo y, al mismo tiempo, mantiene un nivel más que razonable.
Y es que a pesar de lo que a primera vista pueda parecer (por su título y por ese aspecto kitsch y enloquecido del cartel original) Werewolves On Wheels no es, exactamente, una marcianada. Por decirlo de alguna manera, es una especie de puente, de término medio, entre las pequeñas joyas reivindicables y dignas que suelo subir (o eso creo yo... que son reivindicables y dignas, digo) y las chifladuras psicotrónicas y abizarradas que, de vez en cuando (y por nuestra propia salud mental. Esto es un consejo de amigo...) hay que frecuentar.
No sé si aquí hemos hablado alguna vez (me disperso en varios sitios, y estoy cada día más viejo) sobre esa corriente subterránea y semidesconocida de películas de tema satánico y brujeril que alumbró el cine americano entre 1965 y 1975. Al respecto siempre comento que, por acotar cronológicamente el subgénero de una forma ilustrativa (pero incorrecta y sin ninguna sutileza), podríamos situarlo entre la aparición de "La Semilla Del Diablo" (1967) y el estreno de "El Exorcista" (1973). Curiosamente se trata de películas que abordaban el satanismo y la brujería desde un punto de vista muy curioso y totalmente diferente al de las dos que he nombrado (insisto: el empleo de ambas para “encapsular” temporalmente el subgénero es tramposo. Hay películas de ese estilo anteriores a 1967 y posteriores a 1973. Pero la peli de Polansky y la de Friedkin sirven maravillosamente como señales de orientación).
Estas películas de las que hablo abordan el tema del culto a Satanás influidas por la estética y las modas de su tiempo (la segunda mitad de los 60’s, la psicodelia, el renacer de las creencias mágicas, el revival de las viejas teosofías de finales del siglo XIX, el neopaganismo, la aparición de la Iglesia De Satán de Anton LaVey, la liberación sexual) y, sobre todo, presentan a los adoradores del diablo como comunidades organizadas, autoconscientes y situadas, siempre, en parajes rurales aislados (comarcas montañosas, bosques, desiertos, etc). Lugares, por lo común, ubicados en un medio-oeste indefinido o en el Sur Profundo; como una especie de trasunto de las comunidades rurales tradicionales (todo eso de los hillbillies y los rednecks americanos. Los habitantes de esa América profunda y encerrada en sí misma que pueblan determinado imaginario estadounidense y que en los años 60’s y 70’s adquieren, en muchísimos casos, connotaciones evidentemente negativas, asociadas al conservadurismo político, el fanatismo religioso y el rechazo a la modernidad).
Suelo citar siempre las mismas películas como ejemplo: "Blood Sabbath", "The Brotherhood Of Satan", "The Witchmaker", "Warlock Moon", "The Devil’s Rain", "Invasion Of Blood Farmers", "Enter The Devil", "The Night God Screamed", "Deadmaster", "Race With The Devil" etc. (pelis de serie B casi todas, rodadas con escasos medios, unas mejores y otras peores, pero todas interesantes siquiera sea por su adscripción a esa especie de corriente subterránea de la que hablo).
Y, por supuesto, ésta que ahora posteo: "Werewolves On Wheels".
Porque, efectivamente mes amis, estos “hombres-lobo motorizados” pertenecen, de hoz y coz, al subgénero del que estamos hablando.
Volved a echarle un vistazo a la sinopsis y lo entenderéis. Ahí están los ingredientes a los que antes he aludido. No falta ninguno. Esa comunidad de monjes satánicos que rinde culto al príncipe de las Tinieblas en su aislado monasterio en medio de una zona boscosa, junto al desierto. Los sacrificios sangrientos, los desnudos rituales, los cánticos, las invocaciones en latín, el punto oscuro y mistérico... Y, al mismo tiempo, una cuadrilla de ángeles del infierno con ganas de reñir y de beber cerveza, una buena provisión de marihuana, suficientes dosis de ácido, patillas y melenas largas, carreteras polvorientas, máquinas bien engrasadas, machismo barriobajero y rock’n’roll.
Y, sobre todo, muuuuuucho mal rollo.
En el post de "Neither The Sea Nor The Sand", hace ya unos meses, hablaba de mi querencia por los Crossovers, los cruces de géneros. Bueh... Pues esta película, además, es otro ejemplo de eso mismo, ya que mezcla descaradamente terror (más específicamente del sub-estilo reseñado, satánico y brujeril) con el tema biker, que conoció un curioso auge durante la segunda mitad de los 60’s (aunque tiene gloriosos precedentes, como la mítica "The Wild One" con Marlon Brando convertido en icono juvenil).
Efectivamente, pelis como "The Wild Angels", "She-Devils On Wheels", "Motorpsycho", "Devils Angels", "Savages From Hell", "The Born Losers" y muchas otras conforman un asombroso subgénero creado, sobre todo, por las productoras de serie B tipo AIP (nuestro viejo amigo Roger Corman siempre atento a cualquier novedad que pudiera reportar beneficios, bendito sea por lo demás, jejejeje) durante la segunda mitad de los 60’s. La cosa tuvo su origen en la omnipresencia, en los medios de comunicación (periódicos, revistas y televisiones), de reportajes sobre los desmanes que causaban los moteros e, incluso, la publicación de dos libros del nuevo periodismo tan influyentes como Gaseosa De Ácido Eléctrico (de Tom Wolfe) y Los Ángeles Del Infierno (de Hunter S. Thompson) en el que los bikers aparecían como secundarios importantes (el primero) o como auténticos protagonistas (el segundo). El caso es que entre 1965 y 1970 nuestros amigos motoristas se adueñaron no sólo de las carreteras del medio-oeste y de California sino de un lugar preeminente en el imaginario colectivo americano. Sus largas melenas, sus imponentes máquinas, sus pobladas barbas, sus novias abrazadas a la espalda y sus astrosas cazadoras vaqueras pasaron a formar parte del universo icónico yanqui mientras sonaba el Born To Be Wild de los Steppenwolf y se agitaba la deshilachada bandera de las barras y las estrellas. Frente a la amenaza oblicua e indefinida que representaban los perrofláuticos hippies, los Hell’s Angels eran una evidencia casi reconfortante para la clase media (y la mediana edad) americana. Proto-punks enredadores e incómodos que no se andaban con medias tintas y que arrasaban gasolineras o se liaban a palos con el primero que pasaba, confirmaban (graciasadiós) los peores temores de los “cascos duros” y “la mayoría silenciosa” (términos que se pusieron de moda justo entonces) y demostraban, fehacientemente, que todos esos jovenzuelos melenudos no podían traer sino problemas.
La cosa siguió su curso e, inevitablemente, Corman y otros como él aprovecharon el filón, de manera que los herederos de los antiguos forajidos del Lejano Oeste (según Hunter S. Thompson, ésa era la imagen que los propios Hell’s Angels tenían de sí mismos) acabaron fagotizados por la gran maquinaria, protagonizando películas de bajo presupuesto y reportajes sensacionalistas de suplementos dominicales. Los acontecimientos de Altamont, en 1969, terminaron de demonizar su imagen y los convirtieron, definitivamente, en algo hostil, amenazante y temible.
Bueh… Pues en éstas que hacia 1970/1971 un tal Michael Levesque tuvo la peregrina idea de filmar una peli que mezclase satanismo, ángeles del infierno y escenarios desérticos, añadiendo al caldo un poco de mordiente a base de hombres-lobo. A priori, la cosa parece una locura; ya lo sé. Pero, precisamente por eso (porque uno se espera una barbaridad) la peli resulta divertida, entretenidísima y más digna de lo que podría parecer. En serio.
Tanto Ángel Gómez Rivero en Cuando Llora El Lobo, como Carlos Díaz Maroto en Licántropos En El Cine, nombran esta película y ambos comentan casi exactamente lo mismo (igual de sucintamente, por cierto): “precisamente porque uno se espera lo peor, lo que encuentra es una película simpática y disfrutable; mejor de lo que podía pensarse” (o algo parecido… cito de memoria. Y creo, además, que Carlos Díaz Maroto lo recoge de un crítico americano).
Bueh… Pues a mí me pasó lo mismo. Literal. La película me supuso una auténtica sorpresa.
Protagonizada por actores habituales (lo de “habituales” es un decir... porque tampoco se prodigaron mucho) en series B y Z y por secundarios de series televisivas (*), cuando no directamente por auténticos amateurs sin ninguna experiencia, toda la peli tiene un aire inesperadamente realista, como de cinema-verité casi, casi passoliniano (no os riáis, canallas).
En serio... Hay momentos en los que parece que estás viendo un documental, o uno de esos experimentos docudramáticos de finales de los 60’s. Una mezcla de ficción y realidad filmada con una cámara portátil y cuatro duros de presupuesto con un estilo áspero y totalmente aséptico. Si no fuera por el uso evidente de la música (muy agradecida, por cierto) casi podríamos pensar que estamos ante un antecedente del Dogma de Triers (os he dicho que no os riáis, malditos guasones...).
No sé si todo eso fue algo consciente, buscado por el director, o una consecuencia fortuita derivada del escasísimo presupuesto y de lo disparatado de la idea original. Pero el caso es que los resultados son los que son. Y, como ya he dicho, a mí me sorprendieron gratísimamente.
Posiblemente, esa exigüidad presupuestaria también sea el origen de otro acierto: lo elusivo y contenido de las escenas de violencia y de verdadero terror. Así, los ataques de las fieras que dan título a la película se filman de forma oblicua, ocultando al monstruo y mostrando muy poco. Ya sé que últimamente eso de la oblicuidad y la elusión no es un valor en alza, pero yo soy un viejo pelma y, en esos temas, sigo aferrado a las antiguas convenciones (algo así como “cuanto menos explícito sea lo que está viendo, más inquietante será lo que te imagines”. O algo parecido. Ejem).
Por cierto que cuando se nos muestra cara a cara al lobishome motorista nos aguarda otra pequeña sorpresa: una caracterización realmente entrañable y resultona, muy deudora de la clásica de Lon Chaney y, sobre todo (no es broma), de la que nuestro castizo Paul Naschy estaba encarnando en esos mismos años. Sí, ya sé que también don Jacinto Molina se inspiraba en el mismo referente de los años 40... Pero cuando voacés vean la peli entenderán por qué insisto en la coincidencia (coñe, hasta los movimientos del peludo motora se parecen a los de Waldemar Daninsky cuando se ve aquejado de su particular acceso de hirsutismo).
Eso sí, que nadie se engañe, tanta economía de medios termina pasando factura. Sobre todo al final de la película, que a mí me ha parecido precipitado y pobremente resuelto. Como si se les hubiera terminado el dinero (o la cinta virgen, jejeje) y hubiesen tenido que hacerlo todo deprisa y corriendo, sin tiempo para nada. Desde mi punto de vista, es uno de los puntos más negativos, pero no él único… Hay más, evidentemente. Echadle un vistazo a la sinopsis... La historia que se nos cuenta es, más que simple, raquítica. Los personajes son tan planos como los de una historieta cómica. Las reacciones, más que previsibles son automáticas.... cosas así.
Ah... y otra cosa: Que nadie espere detalles humorísticos en la peli. Ese aire enloquecido y guasón del cartel original y esa frase genial que dice algo así como “Si Eres Lo Suficientemente Peludo, Sólo Te Falta La Moto” (pero de otra forma) son una pequeña trampa. "Werewolves On Wheels" es una película muy seria (o, mejor dicho, pretende serlo) y lo psicotrónico y bizarresco de su argumento y de las situaciones planteadas no degeneran en ningún momento en ese tipo de chifladuras trash que tan buenos ratos nos hacen pasar a veces. A eso (a mantener la seriedad) ayuda el estilo áspero, semidocumental y frío con el que está rodada y al que antes he aludido. En ese sentido, Levesque consigue su objetivo plenamente, mes amis; pero, quizás, un poquico de humor hubiese ayudado algo en el resultado final.
He comentado antes que el uso de la música me parece muy acertado. Maticemos un poco. La banda sonora de la película se compone, básicamente, de un leit-motiv instrumental que me ha gustado mucho y que tiene un aire muy de la época (ese sonido a medio camino entre el raga oriental y las melodías monótonas de los indios del suroeste. Algo que evoca desiertos interminables llenos de cactus, arenas ardientes, un sol inmisericorde, esqueletos de ganado y serpientes de cascabel; todo bien aderezado con guitarras eléctricas y ramalazos fuzz, como mandan los dioses de la psicodelia) y de varias canciones de country-rock en una onda similar a lo que los Byrds habían inaugurado en 1968 con su Sweetheart Of The Rodeo, los Flying Burrito Brothers habían elevado a los altares con sus dos primeros discos de 1969 y 1970 y gente como los Poco o los Eagles cultivaron con éxito durante la primera mitad de los 70’s (los primeros mejor que los segundos, al menos para mi gusto... Los aguilillas ésos siempre me parecieron una banda tirando a ñoña).
El leit-motiv suena, sobre todo, mientras los motoristas ruedan por la carretera, dotando de una atmósfera ominosa, amenazadora y muy eficaz a las imágenes. Los temas country-rock, por el contrario, eliminan tensión y aunque también resultan estimulantes (y un detalle muy de la época, of course) juegan a otro juego y, supongo, pagan tributo al “hip” estéticamente dominante en aquellos años.
Bueh… Y nada más, mes amis. Insistir, eso sí, en que no es una rayada psicotrónica al uso, sino una curiosísima película de terror. Más original, sorprendente, digna, y disfrutable (y algunas cosas más… todas dentro de su humildísima condición de serie sub-B) de lo que podría pensarse a primera vista.
Y basta de brasa por hoy, ejem.
El archivo que ahora cuelgo lo he ripeado yo mismo de un DVD original yanqui. La edición americana contaba con subtítulos en inglés para personas sordas; sólo tuve que extraerlos, adaptarlos y traducirlos.
A ese respecto, tengo que aclarar algo. Los personajes (los motoristas) hablan en una jerga más o menos “juvenil” de finales de los 60’s, manejando continuamente expresiones como “trip” (que, por cierto, ya no se usa... Es exclusivamente de aquella época) y otras por el estilo. He intentado evitar “localismos” nacionales como “rollo” (“todo ese rollo mágico” por “That magic trip”, por ejemplo) o “tío” (“¿Qué pasa, tío?” por What’s up, man?”) pero no siempre lo he logrado... Existe un español más o menos unificado a ambos lados del Atlántico, maeses, pero no existe una coiné “juvenil” o “jerguística” común. Así que no podía recurrir a nada parecido y es posible que se note demasiado mi escoramiento hacia el español europeo. En la medida de lo posible he evitado “tío” recurriendo a “hermano” (que me parecía un término más acorde con la época aquella de finales de los 60’s, además. Aunque ahora nos suene impostado...). Pero no siempre lo he logrado.
El archivo pesa bastante. Lo he subido a Megaupload. La razón de que haya pocos enlaces a pesar de que la peli pesa más de 1 Giga obedece a que ese servidor permite subir cosas de mucho más peso.
Como siempre, está cortada con File Splitter And Joiner.
Que la disfruten voacés.
(*)Por cierto, como curiosidad, entre los greñudos motoristas aparece Barry McGuire, un cantante de folk-rock que tuvo un gran éxito en 1965 con una canción de P.F. Sloan titulada Eve Of Destruction y que, según parece, se pasó luego a la interpretación en papeles secundarios y, mayormente, en producciones de bajo presupuesto y series televisivas.
Jane y Cathy son dos jóvenes inglesas que han decidido pasar sus vacaciones recorriendo en bicicleta el interior de Francia. En realidad la idea ha sido de Jane, ya que Cathy hubiese preferido disfrutar el verano en alguna playa del sur, tomando el sol y conociendo chicos. Como es natural, la discrepancia termina desembocando en una discusión cuando se encuentran justo en medio de ningún sitio. Tras haberse dicho de todo, Jane se marcha y Cathy se queda descansando junto a la carretera, a la sombra de unos árboles, quizás pensando en volver al último pueblo que han atravesado para flirtear con un joven francés al que ha echado el ojo unos minutos antes...
Tras haberse alejado unos kilómetros, Jane se siente culpable; así que decide volver a buscar a su compañera y hacer las paces. Pero cuando regresa al sitio donde había dejado a Cathy, ella ya no está allí…
Ficha Técnica
Director: Robert Fuest / Productor: Brian Clemens y Albert Fennell para ABPC y Emi Films. / Guión: Brian Clemens y Terry Nation / Fotografía:Ian Wilson / Música: Laurie Johnson / Montaje: Ann Chegwidden / Intérpretes: Pamela Franklin, Sandor Eles, Michelle Dotrice, John Nettleton, Claire Kelly, Ana Maria Pravda, John Franklyn, Claude Bertrand, Jean Carmet / Nacionalidad y año: Reino Unido 1970 / Duración y datos técnicos: 99 min. Color. (V.O.S.E.)
Comentario
Corría el año 1978 cuando en la tele, la única que entonces había en España (TVE, of course), vi una película titulada De Repente La Oscuridad. La cinta me causó tal impresión que, aunque no volví a verla nunca más, se quedó grabada en mi memoria de una forma casi fotográfica.
Bueh... Pues hete aquí que hace ya casi un año descubrí que el film estaba colgado en la mula (gracias a esa excelente página llamada Cine-Clásico). Así que me puse a descargarla, sin poder evitar una sensación extraña... una mezcla de curiosidad, alegría y nerviosismo. Y, sobre todo, un montón de dudas. Al fin y al cabo, cuando vi la película yo era un crío de 12 años, fácilmente impresionable como todos los chavales de esa edad. Y treinta años son muchos años... Quizás la película no resistía una revisión; quizás la memoria deformaba el recuerdo. Al fin y al cabo, me ha pasado más veces (aunque menos de las que podría parecer, jejeje).
Pero no, mes amis. Al volver a ver la peli sentí las mismas sensaciones que en 1978. La impresión, la fascinación, seguían siendo las mismas. El disfrute y la eficacia estaban ahí. La cinta continuaba siendo un peliculón como la copa de un pino. El crío de 12 años que yo fui no se había equivocado, vaya...
Y, curiosamente, pude comprobar que todo, desde el título hasta el argumento, pasando por la estética y la atmósfera, era tal y como yo lo recordaba... Como si, en lugar de pasar 32 años, sólo hubiesen pasado 32 días.
Bien es verdad que treinta años después soy bastante más viejo, sé algunas cosas más (pocas... y para colmo he olvidado otras) y tengo más puntos de apoyo y comparación. Pero eso, en lugar de perjudicar el visionado, no ha hecho sino acrecentar mi satisfacción después de haberla visto otra vez. Vamos... comohaydiós.
Sirva esto, sobre todo, para que quede claro (por si había dudas) que al hablar de la película no voy a ser objetivo ni ecuánime. Para variar, jejeje...
¡¡Diosss!! ¡¡Es que de verdad que me encanta esta cinta!! Me tiene locamente enamorado. Treinta y dos años después he vuelto a recuperar uno de esos enamoramientos preadolescentes tan hermoso, fresco y rozagante como el primer día. Eso sí, con la diferencia de que ahora “puedo pasar a mayores” (ejem). Verdaderamente, Dios existe, mes amis...
Y no es complejo de Piterpán, ni pitos ni gaitas, maeses... Todavía no he llegado a esos extremos. Es, simplemente, que he vuelto a encontrarme con una película maravillosa.
Porque de eso se trata, en realidad. No de mis chifladuras grafómanas, sino de la obra en sí. La peli, se mire por donde se mire, es una absoluta delicia, una de esas joyas perdidas y semiolvidadas del cine británico de finales de los 60’s y principios de los 70’s.
A medio camino entre el terror y el thriller “hitchcokiano” (joer con el palabro!! Casi duele) fue, que yo sepa, la primera película firmada por el director Robert Fuest, famoso entre los aficionados, sobre todo, por su díptico del Dr. Phibes (aunque no fueron ésa las únicas películas que dedicó al género. Suya es, también, esa rarísima y más que estimable cinta titulada The Devil’s Rain… O la también reivindicable The Final Programme).
Pero a fe mía que casi prefiero esta cinta a las que le dieron fama (y eso que me gustan muchísimo, que conste). Porque And Soon The Darkness no parece la obra de un director primerizo (cosa que, en puridad, tampoco era... Ahí están varios episodios televisivos de esa maravilla pop titulada Los Vengadores para dejarlo claro), ni mucho menos, sino la de un veterano con pulso y oficio. La película, de hecho, está realizada con una sobriedad y elegancia verdaderamente ejemplares. Sin manierismos, sin alardes, sin lugares comunes, todo en ella es económico (en el mejor sentido de la palabra... el que usan las abuelas): los medios, el argumento, el discurso narrativo, los diálogos, los elementos visuales, incluso los sustos... No se desperdicia nada, nada se usa mal. Todo lo que aquí se maneja se hace con la habilidad necesaria y en la medida adecuada. Todo perfecto, ajustado, impecable, intachable. Absolutamente efectivo.
La acción se desarrolla en un espacio y un tiempo verdaderamente limitados: unos pocos kilómetros de carretera en el interior de Francia y apenas unas horas de un día de verano (la historia arranca por la mañana y termina cuando empieza a anochecer). Además, hay pocos personajes y lo que nos cuenta es realmente simple. Pero Fuest consigue, con esos escasísimos elementos, crear una película tremenda, llena de tensión y de angustia, agobiante, inquietante, opresiva, casi casi claustrofóbica a pesar de desarrollarse a campo abierto; y verdaderamente siniestra (y eso que, insisto, todo trascurre a plena luz del día... De una jornada de verano especialmente dorada y luminosa, además). ¿Cómo lo consigue? Con pulso y oficio, vivediós. Manejando a los personajes y a las situaciones magistralmente, conteniendo cualquier tentación tremendista, insinuando, despistando, confundiéndonos y llevándonos al sitio que él quiere... Y sin esfuerzo aparente, además. Economizando medios y discurso. Creando una auténtica maravilla.
Esa Francia interior y rural atravesada por carreteras comarcales, con campos de maíz dorados bordeando las cunetas, bosquecillos umbríos y casi domésticos y pequeños pueblos en los que apenas hay cuatro viejos sentados en la terraza de un cafetín mientras toman su pastís termina convertida en un escenario terrible, amenazador, absolutamente hostil para Jane, la turista británica interpretada por Pamela Franklin. El joven francés que dice llamarse Paul Salmont y que parece una mezcla de Jean Paul Belmondo y Serge Gainsbourg puede pasar, en un segundo, de ser una ayuda a una amenaza terrible. Los lugareños tan pronto se muestran amables como dan la impresión de ocultar algo... Todo es más de lo que parece, incluso lo contrario de lo que aparenta... Todo esconde una cara oscura y extraña... Todo termina siendo inquietante y desasosegador...
A eso ayuda muchísimo un detalle. La película, evidentemente, es británica… y por tanto su idioma original es el inglés. Pero la acción transcurre, como ya he dicho, en el interior de Francia, en una zona rural, alejada de los circuitos turísticos. Para colmo, el personaje que interpreta Pamela Franklin, Jane, apenas sabe hablar francés… Y, como no podía ser menos, la inmensa mayoría de los lugareños no tienen ni idea de la lengua de Shakespeare. Bueh… pues ya he dicho que éste es un detalle muy importante: Porque Fuest juega muchísimo con eso, lo aprovecha para crear tensión y ponernos nerviosos. Él cuenta con que el espectador british tampoco entiende el francés (y nosotros ya ni te cuento… ejem). Sobra decir que si la película estuviese doblada, el audio español tendría que respetar escrupulosamente esa característica, dejando los diálogos y frases en gabacho tal cual están (creo recordar que así era en la versión televisiva que vi en 1978). De esa forma, somos plenamente conscientes de que la joven no puede comunicarse correctamente con los paisanos y, lo que es peor, no puede entender lo que le dicen... Capta palabras sueltas en conversaciones, las descontextualiza, las confunde... Y el resultado es que su angustia y ansiedad crecen (la suya y la nuestra, of course); cada vez se siente menos segura, más aislada, más expuesta, más vulnerable.
Pamela Franklin, por supuesto, está formidable. Y muy guapa, además… Verdaderamente, ese peinado un medio yeyé que lleva y los minishorts que viste (así les decían entonces) la favorecen, ejem… Y ése, el de la estética, es otro punto que quería tocar, pero muy por encima.
La peli es de 1970 y, desde un punto de vista visual, icónico, sigue manteniendo un pie en los recién acabados 60’s (como les pasa a casi todas las pelis de ese año en concreto). Y eso, mes amis, hace que la película me resulte ya absolutamente irresistible (ya conocen voacés mi enfermiza sesentofilia). Y, cuidado, que con lo limitado del escenario, del tiempo y de los actores, casi es difícil creer que ese aire pop pueda apreciarse. Pero es que, mes amis, Cathy y Jane parecen dos chicas británicas recién salidas de una postal en colores del verano de 1969 (sobre todo Jane). Y el ambiguo Paul Salmont no necesita más que lucir su traje con raya, entallado, a bordo de su ciclomotor y ponerse sus gafas de sol para parecer el cruce perfecto entre Jean Paul Belmondo y Serge Gainsbourg (hay un momento, al principio de la peli, en la que Cathy, al verlo, murmura: “Definitivamente, es francés… Tiene esa pinta…”. Yo lo he traducido más o menos así, pero tendría que haber traicionado un poco más las frases exactas para captar mejor el sentido escibiendo algo como “Verdaderamente es francés… No podría ser otra cosa… Es tal y como los imaginamos”). Je, y eso que el actor se llama Sandor Eles (uséase, que debe ser de origen húngaro…. Como Sarkozy, jejejeje).
Coñe, es que hasta la música es perfecta. En realidad sólo hay dos leit motivs… Una especie de musiquilla pop con toques de yeyé francés (ese pseudo-twang tan “continental”) que suena al principio y al final y, ocasionalmente, cuando hay alguna radio puesta; y la música de los momentos de tensión… apenas dos, tres notas muy bien elegidas. Nada más. Y, por supuesto, sin abusar. No suena demasiada música en esta película. Cuatro apuntes de vez en cuando y vale… Silencio, soledad, las cigarras cantando entre la yerba, junto a la carretera… Simplemente perfecto.
Bueh… Y ya vale, que me estoy pasando. Y tanto halago y tanta gaita hiperbólica puede ser contraproducente (y volverse en contra de la peli… Ya saben voacés… Puede crear expectativas que luego resulten exageradas a juicio de alguna de vuesa mercedes). Pero es que no lo puedo evitar. Ya lo he dicho al principio. Recuperar esta película (que no había vuelto a ver desde un lejano 1978 tan veraniego, dorado y azul como el paisaje que aparece en la peli) ha sido como volver a encontrarte con aquella chica de la que estabas perdidamente enamorado a los catorce, quince, dieciséis años… Aquella rubia que nunca te hizo caso, que tal vez ni se enteró de que existías. Pero ahora la tienes otra vez, ahí delante. Y esta vez sí te va a hacer caso. Esta vez hasta vas a poder darle un mordisco en ese sitio que tantas ganas tenías de mordisquear (siempre que se deje, claro está, ejem).
Pues eso, entiéndanme, discúlpenme vuesas mercedes. Pónganse en mi lugar. Y disfruten de la peli.
Como ya he comentado, está bajada de la mula (gracias a un link de esa maravillosa página que se llama Cine-Clásico). Tiene una calidad de imagen muy buena, como DVDRip que es. Los subs los he hecho yo a medias con maese Lord Of Bedlam. La historia de su génesis es muy curiosa. Inicialmente encontramos un archivo .srt con subtítulos en húngaro (lo de la Magyar Connection es recurrente en este post. Sandor Seles, Sarkozy y ahora los subs, jejeje) perfectamente sincronizados. Aproveché la plantilla para ir traduciendo “de oído”, pero la cosa me resultó más complicadilla de lo que al principio pensé. Gracias a maese Sims (un amigo argentino de aquella página. Y de algunas otras) conseguimos pulir algunos diálogos y escuchar, por fin, lo que había que escuchar. Como en casos anteriores, asumo mi responsabilidad por el crimen de traición, aunque, en mi descargo, he de señalar que hemos sacrificado la literalidad en aras de la comprensión y, sobre todo, del más absoluto respeto por ese bien superior que es el sentido original. Ejem.
Pues eso, denle vuesas mercedes las gracias también a Maese Sims/Lord Of Bedlam porque su contribución ha sido muy importante. Definitiva.
Como siempre, la he cortado con File Splitter & Joiner. Y esta vez he conseguido subirla no sólo a Rapidshare sino, también, a Megaupload (se ha dejado).
Y nada más, mes amis… Insistir una vez más en que, de verdad, es una película fabulosa. Espero que la disfruten voacés tanto como yo (con que sea la mitad, me doy por satisfecho… Al fin y al cabo, el que estaba enamorado de ella desde los doce añicos es este pobre Sargento/Ente Dilucidado… Sólo faltaba que, encima, ahora terminase yéndose con vuesas mercedes).
Un joven científico llamado “Genio” inventa una sustancia capaz de agigantar a todo aquél que la ingiere. Su hermana y el novio de ésta ven en la sustancia un posible remedio contra la escasez de alimento en el mundo. Pero un grupo de adolescentes se hace con ella, utilizándola para sus propios propósitos. Pronto, la población se verá aterrorizada por gigantescos jóvenes con ansias de dominar a sus mayores.
Ficha Técnica
Director/productor: Bert I. Gordon para Berkeley Prod., Joseph E. Levine Prod., Embassy Pictures Corp. / Guión: Alan Caillou, según un argumento de Bert I. Gordon basado en la novela The Food of the Gods de H. G. Wells / Fotografía: Paul Vogel / Música: Jack Nitzsche / Dirección artística: Franz Bachelin / Efectos especiales: Bert I. Gordon, Flora M. Gordon, Herman E. Townsley / Montaje: John A. Bushelman / Intérpretes: Tommy Kirk (Mike), Johnny Crawford (Horsey), Beau Bridges (Fred), Ron Howard (Genius), Joy Harmon (Merrie), Robert Random (Rick), Tisha Sterling (Jean), Charla Doherty (Nancy), Tim Rooney, Kevin O’Neil, Gail Gilmore, Rance Howard... / Nacionalidad y año: USA 1965 / Duración y datos técnicos: 81 min. color 1.85:1.(V.O.S.E.)
Comentario
Como ya vimos anteriormente en otros posts, en la década de los 50, el director / guionista / productor (y todo lo que hiciera falta) Bert I. Gordon se hizo famoso por películas llenas de bichos o personas gigantes. Llegando a ser apodado Mr. B.I.G. (juego de palabras que engloba el carácter gigantesco de sus filmes con sus iniciales, muy ingenioso, por cierto) por ello. Su filmogragfía incluye “The Cyclops” (1957), “The Beginning of the End” (1957), “The Amazing Colossal Man” (1957), “Earth vs the Spider” (1958), “War of the Colossal Beast” (1958), dedicadas a seres gigantescos. Además del film “Attack of the Puppet People” (1958), donde esta vez las personas son reducidas… entre otras. Pero siempre tuvo problemas con el tamaño, como demuestran sus filmes. Sobra decir que la calidad media de su obra no es excesivamente buena. Pero algunas de ellas consiguen al menos un objetivo más que loable: entretienen
Con “Earth vs the Spider”, Bert I. Gordon se introduce de lleno en el género de las “teen monster movies” (películas de terror, muchas de ellas con dosis de comedia dedicadas al público adolescente) tan de moda a finales de los 50/ principios de los 60. Títulos como “I Was a Teenage Werewolf” (1957), “I Was a Teenage Frankenstein” (1957), “The Blob” (1958), “The Horror of Party Beach” (1964) y “Monster from the Surf” (1965) son claros ejemplos de ese cine dedicado sobre todo a los programas dobles de los “drive-in theaters” (autocines). Así Gordon, con “Earth vs the Spider” se sube a ese carro con una película donde se intercalan los ataques del monstruo con actuaciones de rock and roll. Pero es en “Village of the Giants” donde se centra principalmente en la música, creando un producto destinado a los teenagers llenos de bailes, actuaciones en vivo y una trama de comedia boba con el gigantismo como temática (¡cómo no!). Así, la escena inicial se compone de unos cinco minutos de adolescentes bailando bajo la lluvia mientras chapotean en el barro siguiendo el ritmo de la música de un coche (ropas mojadas, chicas con poca ropa… No sabía nada el Sr. BIG). Otro ejemplo es cuando se produce la transformación y se convierten en gigantes, lo primero que se les ocurre es ponerse a bailar (de nuevo bikinis, primeros planos de escotes y mucha presunta sensualidad) delante de todo el ahora, diminuto pueblo. Otro detalle es que de vez en cuando la película se centra en actuaciones en directo (hay seis números a lo largo del film). Aunque eso es de agradecer, ya que ver a los Beau Brummels con esos flequillazos le alegra a uno que da gusto (os recomiendo os bajéis el recopilatorio). “Village of the Giants” se centra, como en muchas otras películas de ese estilo, en la vitalidad juvenil y sus ganas de divertirse, y, sobre todo, en cierto carácter rebelde contra el autoritarismo de los adultos (en “The Blob” lo clavaban). Aunque, Gordon hace una película mucho más conservadora que, por ejemplo, la citada “The Blob”. Los adolescentes están claramente divididos en dos bandos: los malos que toman la droga y se convierten en tiranos de tamaño gigante y los decentes que defienden la tradición. Los adolescentes dicen frases tan subversivas (es broma) como ésta: "Cariño, este mundo no va a ser de los adultos nunca más, será nuestro”. Pobre chaval. Baste ver el film entero para comprobar lo equivocado que estaba. En fin, una comedia boba hasta la médula que el amigo Gordon hizo, supongo, para sacarle unos duros a la juventud americana. Porque es evidente que no se tomó su realización demasiado en serio e hizo una película chorra hasta decir basta. Por ejemplo, hay una escena embarazosamente tonta en la que un pato de tamaño gigante invade el salón de baile y comieza a bailar también. En lugar de sorprenderse, ellos siguen con su bailoteo incesante. Además Gordon nos muestra unas escenas (bastante lights) subidas de tono, en las que la cámara se centra en las niñas moviendo el trasero y los senos en bikini. O la imagen del cartel de la película donde un hombre de tamaño normal está colgando sobre el canalillo de una chica de tamaño gigante. Y el final: ¡Impagable! No sé como no le dieron el óscar al guionista por tan semejante espectacular cierre. Sólo por ese minuto final merece la pena tragarse tamaño bodrio (y los Beau Brummels y las mozas, claro). Los efectos especiales, mediocres, como siempre. A pesar de que en esta ocasión Gordon tuvo un presupuesto superior a lo que estaba acostumbrado. Baste decir que la rodó en color. de Beau Bridges no decimos nada. Lo apreciamos mucho y hay que tener en cuenta que esta fue su primera película como adulto, el inicio de su carrera. Antes había participado en dos filmes a la edad de 7 y 8 años.
Un detalle, Ronny Howard, el genio preadolescente de 11 años de edad que aparece en el film (el inventor de la fórmula), aparecerá posteriormente en los títulos de crédito como Ron Howard y dirigirá películas tan taquilleras como “Cocoon” (1985), “Willow” (1988), “Una mente maravillosa” (2001), donde ganó el óscar o “El código da Vinci” (2006), entre muchas otras.
Un moderno y enorme portaviones de la marina americana se ve envuelto en una gigantesca tormenta en las costas de Hawaii. El extraño y misterioso fenómeno meteorológico engulle la nave... y ésta desaparece. Pasada la tormenta, el capitán y resto de la tripulación descubren que han regresado en el tiempo, concretamente al 7 de diciembre de 1941, día en el que los aviones japoneses bombardearon la base de Pearl Harbor.
Ficha Técnica
Dirección: Don Taylor / Productor: Peter Douglas / Guión: David Ambrose, Gerry Davis, Thomas Hunter y Peter Powe, basado en una historia de David Ambrose, Thomas Hunter y Peter Powe / Fotografía: Victor J. Kemper / Montaje: JRobert K. Lambert / Música: Alan Howarth Y John Scott / Efectos Especiales: Joe Day, Gary Elmendorf y Pat Elmendorf / Intérpretes: Kirk Douglas (Capitán Matthew Yelland), Martin Sheen (Warren Lasky), Katharine Ross (Laurel Scott), James Farentino (Comandante Richard T. Owens / Richard Tideman), Ron O'Neal (ComodoroDan Thurman), Charles Durning (Senador Samuel Chapman), Victor Mohica (Black Cloud), James Coleman (Teniente Perry), Soon-Tek Oh (Simura),.... Nacionalidad y año: EE.UU. 1980. Duración y datos técnicos: 103 min. Color. 2.35 : 1 (Dúal Español/Inglés + Subs)
Comentario
Si no has visto la película y no tienes ni idea de lo que trata, no leas esto hasta después de verla.
Como bien dice nuestro buen amigo, El Ente Dilucidado, “El Final de la Cuenta Atrás” pertenece a la categoría de cine palomitero en toda regla. Acción y suspense combinados en una historia en la que el cine bélico y la ciencia ficción se alían para crear un producto asequible a todos los públicos. Una película sin pretensiones que nace a partir de una gran idea (un viaje en el tiempo al pasado por parte de un portaaviones atómico repleto de aviones y armas de la época actual, a un determinado momento clave de la historia, el ataque japonés a Pearl harbour). A cualquiera que se le cuente esa historia, rápidamente desarrollará su argumento desde el punto de vista que más le convenga. Por ejemplo, la destrucción completa de la flota imperial en una película bélica llena de persecuciones aéreas y una masacre nipona con el consiguiente fin de la guerra. Lo que daría pie a una segunda parte, donde el portaaviones se trasladaría a Europa y, ale, a liarla en el viejo continente. E incluso una tercera, en la que tras la construcción de cientos de aviones y bombas atómicas, se acabaría con el poderío soviético. Claro que, no tendría ningún rigor científico pero anda que no nos lo pasaríamos pipa con tanta acción y tanta batalla. Por otro lado, estaría la versión en la que se entraría en un supuesto debate científico en el que se valoraría la posibilidad de que cualquier actuación en el pasado repercutirá en el futuro y por tanto, éste se cambiaría. Por un lado hablaríamos de la paradoja del viaje en el tiempo, o paradoja del abuelo (que se cree expresada por primera vez por el escritor francés de ciencia ficción René Barjavel en su novela “Le voyageur imprudent” [El viajero imprudente, 1943]) y en la que se parte del supuesto que una persona realiza un viaje a través del tiempo y mata al padre biológico de su padre/madre biológico (abuelo del viajero), antes de que éste conozca a la abuela del viajero y puedan concebir. Entonces, el padre/madre del viajero (y por extensión, ese viajero) nunca habrá sido concebido, de tal manera que no habrá podido viajar en el tiempo; al no viajar al pasado, su abuelo entonces no es asesinado, por lo que el hipotético viajero sí es concebido; entonces sí puede viajar al pasado y asesinar a su abuelo, pero no sería concebido, y así indefinidamente. Por otro, el efecto mariposa cuya idea básica es que, dadas unas condiciones iniciales de un determinado sistema caótico, la más mínima variación en ellas puede provocar que el sistema evolucione en formas completamente diferentes. Sucediendo así que, una pequeña perturbación inicial, mediante un proceso de amplificación, podrá generar un efecto considerablemente grande. Por lo tanto, cualquier mínima alteración en el pasado, por ejemplo pisar una mariposa y matarla daría lugar a que no sólo matas al pequeño insecto, sino también a su futura prole y a todas las plantas que polinizaría,… Y cambiaría radicalmente todo (postulado expuesto en la película “El Sonido del Trueno”, 2005). Otra teoría es la de los Universos paralelos, que sostiene que el Universo integra a miríadas de universos alternativos, lo que permite en teoría viajar al pasado y matar a la abuela en su cuna sin que surja ninguna paradoja. En el mismo momento en que un viajero llega al pasado, el Universo se separa en muchos universos: en el que conocemos a la abuela en vida y en otros en los que ella puede sencillamente estar o no estar. El viajero del tiempo, por el mero hecho de viajar a través del tiempo, está condenado a entrar en alguno de los universos paralelos y es incapaz siempre de reintegrarse al Universo del que partió por primera vez en la máquina del tiempo. Por el contrario nos encontramos con la conjetura de protección de la cronología, que es una hipótesis formulada por el físico inglés Stephen Hawking, quien sostiene que las leyes de la física son tales que impiden el viaje en el tiempo en cualquier escala que no sea submicroscópica. Además, advierte Hawking que la mejor demostración de dicha imposibilidad es que en la actualidad no estamos siendo invadidos por turistas venidos del futuro, afirmación que obviamente expresó siendo consciente de que una curva cerrada de tipo tiempo no permitiría viajar a un tiempo anterior al de su creación. Como aún no se ha construido ninguna máquina del tiempo, no habría por qué esperar turistas temporales… Pero bueno, desde que Einstein aseguró que se podía viajar en el tiempo (aunque sólo al futuro) han aparecido multitud de teorías con mayor o menor verosimilitud. Ideas que permitirían viajar en el tiempo a través de cilindros rotatorios gigantescos, vórtices de luz coherente (láser), una cuerda cósmica, un núcleo atómico pesado, el uso del entrelazamiento cuántico,… Vamos, que con una maquinita a lo H.G. Wells no viajas ni de coña. Evidentemente, casi en todas las películas dedicadas a los viajes en el tiempo (al pasado, claro está) se opta más por la opción de no intervenir en los sucesos para evitar así repercusiones en el futuro y además, se abaratan los costes de producción. Suele haber un debate y se opta por la no intervención o, desde el principio, está prohibido intervenir. Y ese es el tremendo error de “El Final de la Cuenta Atrás”, que convierte a este film en algo anodino, sin fuerza ni carácter aunque tremendamente entretenida, pero pudiendo haber sido algo fantástico. Porque medios no faltaban. Hablamos de la ambigüedad, la cobardía de los guionistas a la hora de desarrollar la historia. Ya que una vez que el portaviones aparece en 1941, en el ataque a Pearl Harbour, se suceden una serie de acontecimientos que van animando el film de manera original, muy dinámica y ante todo, con ciertas dosis de suspense. Y es cuando se produce el prototípico debate ético-científico sobre si intervenir o no en el pasado (usan la paradoja del abuelo), que uno llega a pensar que sí van a intervenir y destrozar a los invasores nipones, la trama se desinfla con la aparición en el momento más álgido de la extraña tormenta que les llevo al pasado, transportándolos de nuevo a la actualidad. De este modo evitan tener que elegir una u otra opción, intervenir o no. Teniendo en cuenta que en la promoción original del film ya se advertía de que existía el viaje en el tiempo por parte del Nimitz, está claro que el suspense radicaba en si se atacaba o no a los japoneses. Y si salen por la tangente pues,… ¡Ya les vale! No sólo es una salida fácil, es un final que nos muestra una cobardía intelectual evidente, de la película que tiene planteada una idea audaz y luego la abandona completamente sin explorar todas sus posibilidades. Aunque, nos reservan un final sorprendente que endulza un poco el sabor amargo que deja el film, pero que no es suficiente para evitar la decepción que te provoca. Pero eso no quita para que sea una buena película de entretenimiento. No tiene un resultado redondo, perfecto, pero nos ofrece casi dos horas de diversión. Porque las escenas de acción que se desarrollan en el portaviones son fantásticas. El film está bien, tiene buen ritmo y unas excelentes tomas aéreas. Los vuelos de los reactores, las persecuciones aéreas, el mismo portaviones, están rodadas durante unas maniobras de entrenamiento. Por lo tanto lo que vemos es real y resulta impresionante. Por supuesto recicla escenas de Tora! Tora! Tora!, pero muy pocas. Los efectos especiales de la tormenta sencillitos y sin pretensiones. El reparto está encabezado por dos leyendas del cine: el Capitán de portaviones Matthew Yelland, interpretado por un, ya entrado en años, Kirk Douglas, que nos ofrece una interpretación más que correcta, seria,… Como debe ser un capitán de la marina de los EE.UU., impasible ante la adversidad. Y Martin Sheen, interpretando al personaje de Warren Lansky, un Consejero de Defensa que no es bien recibido en el barco ya que su misión es evaluar el portaviones. O los secundarios James Farentino (Comandante Richard T. Owens), un piloto que, muy oportunamente, está escribiendo un libro sobre el ataque de Pearl Harbor, y Katharine Ross (Laurel Scout), que se haya en el pasado, y que es la secretaria de un más que probable futuro vicepresidente de los EE.UU. Además de otros secundarios que completan un elenco que cumple su cometido perfectamente a la hora de dar credibilidad a sus personajes. En fin, “El final de la cuenta atrás” es uno de los títulos que han jugado de una forma más entretenida con los viajes y paradojas temporales. Con un guión, aunque irregular en el fondo, en lo más básico, que se desarrolla con pericia incluyendo sorpresa final de cartesiana construcción. Buenos y baratos efectos especiates y visuales y una dirección del ex-actor Don Taylor más inspirada que de costumbre. Se consiguIó un film redondo (palomitas a mansalva) y taquillero, al que aunque se le pueden encontrar muchos peros, ha logrado hacerse un lugar significativo en el género, algo que otras empresas no consiguieron aun contando con pretensiones mayores. ¡A divertirse, muchachos!
Siglo 23, Año 2293... En la tierra sólo sobreviven dos razas humanas: Los inmortales, son la clase privilegiada, viven en un lugar maravilloso del planeta, no envejecen y han vencido a la muerte. Los otros viven miserablemente, llenos de privaciones, son los supervivientes de un mundo corrompido y desolador y sólo confían en Zardoz, el Dios al que veneran. Zardoz elige a unos cuantos hombres, les entrega armas y les instruye para defender los derechos de su raza. Zed, uno de los exterminadores elegido por Zardoz, provocará un terrible conflicto al querer invadir el Vortex, zona privilegiada de los Inmortales.
Ficha Técnica
Dirección: John Boorman / Productor: John Boorman / Guión: John Boorman / Fotografía: Geoffrey Unsworth / Montaje: John Merritt / Música: David Munrow / Intérpretes: Sean Connery (Zed), Charlotte Rampling (Consuella), Sara Kestelman (May), John Alderton (Amigo), Sally Anne Newton (Avalow), Niall Buggy (Arthur Frayn / Zardoz), Bosco Hogan (George Saden), Christopher Casson (Científico),.... Nacionalidad y año: reino Unido 1974. Duración y datos técnicos: 105 min. Color. 2.35 : 1 (Dúal Español/Inglés + Subs)
Comentario
John Boorman es un director que se caracteriza principalmente por sus películas llenas de grandiosidad y épica. Personalmente creo que es un realizador bastante irregular que nos ha regalado grandes cintas, como "Excalibur", o una que a mí personalmente me gusta mucho "Esperanza y Gloria", y experimentos fallidos del tipo "Exorcista II: El Hereje" o la que presentamos hoy. Una obra de ciencia ficción pelín plúmbea y pretenciosa a más no poder, con una estética trasnochada (el Connery está para comérselo. vaya pintas). Podría haberse titulado: Zardoz, o como Sean Connery pasa de bestia parda a fósil. El problema de hacer un comentario sobre esta película es que no puedo demasiado con ella. A excepción de ciertos momentos, en general me parece un pestiño producto del consumo excesivo de LSD y libros de filosofía y religión. A lo largo de los 105 minutos que dura se habla de todo un poco (de manera a veces un poco críptica, eso sí)ofreciéndonos una indigesta acumulación de simbolismos y alegorías más o menos pueriles y referencias cultas decididamente fuera de lugar: Dios, la muerte, T.S. Elliot, la inmortalidad, la eternidad, el conocimiento, la oligarquía, la vejez, Nietzsche, la violencia, el sexo, la segregación social, las fotos de familia, los boys cuarentones, las cabezas flotantes, El Mago de Oz (se hacen continuas referencias a la obra de L. Frank Baum),... Ciertamente puede llegar a sorprender (la primera parte es digerible y la cabeza voladora sobrecogedora). Pero poco a poco, una vez el bárbaro Sean Connery se va civilizando y va conociendo los entresijos de una sociedad hastiada y oportunista que utiliza sus conocimientos para mantener su forma de vida decadente, la trama se espesa hasta alcanzar límites insospechados. Y el final... Ufff. Inolvidable. La verdad es que sólo por los últimos minutos merece la pena ver este ladrillo. Que por cierto, ha envejecido bastante mal. La verdad es que quizás sea duro con el film, y evidentemente no soy nada imparcial. pero no puedo evitarlo. Todos tenemos esas películas que se nos atragantan y no hay manera de digerirlas por mucho que se intente. Y "Zardoz" es para mí una de ellas. Así que si algún alma caritativa se dignase a hacer un comentario sobre esta cinta, queda invitado. Lo publicaremos sin ningún problema. Y si hay más de uno, mejor. Convencedme, conseguid que acalle mi lengua viperina. También como en otras ocasiones recomiendo ver "Zardoz" con amigotes, cerveza y ganas de juerga... Y a destriparla.
P.D.: La excelente fotografía de Geoffrey Unsworth y la sensualidad de la Rampling ayudan a verla.
Por un error militar, un cazabombardero nuclear americano recibe la orden de destruir Moscu. Los jefes militares y politicos de los dos países tratan de evitar la catástrofe.
Ficha Técnica
Dirección: Sidney Lumet / Productor: Max E. Youngstein / Guión: Walter Bernstein, basado en la novela de Eugene Burdick y Harvey Wheeler / Fotografía: Gerald Hirschfeld / Montaje: Ralph Rosenblum / Intérpretes: Dan O'Herlihy (General Black), Walter Matthau (Groeteschele), Frank Overton (General Bogan), Edward Binns (Coronel Grady), Fritz Weaver (Coronel Cascio), Henry Fonda (El Presidente), Larry Hagman (Buck, el traductor), William Hansen (Secretario Swenson), Russell Hardie (General Stark). Sorrell Booke (Congresista Raskob), .... Nacionalidad y año: Estados Unidos 1964. Duración y datos técnicos: 110 min. B/N 1.85 : 1 (Dúal Español/Inglés + Subs)
Comentario
Casi toda la ciencia-ficción de la década de los 50, de alguna manera alude al fantasma de la bomba atómica, la guerra nuclear y la exterminación humana por el átomo, que permanece flotando por encima de las cabezas de todos los habitantes del planeta. Hay que pensar que la guerra mundial ha terminado, con dos demenciales demostraciones de fuerza (Hiroshima y Nagasaki) y se ha dado el pistoletazo de salida para una carrera armamentística sin sentido ni razón de ser. Bueno, un instrumento para la lucha por la hegemonía mundial de dos sistemas de gobierno/economía/sociedad/etc… que se mantendrán enfrentados más de 40 años. Empieza la guerra fría. Por ello, a lo largo de la década de los años 50, esa paranoia global se ve reflejada en filmes donde seres monstruosos son revividos o creados, gracias al átomo (explosiones nucleares, experimentos realizados por mad profesors, etc…). Pero siempre, en última instancia, son vencidos por las fuerzas del orden público. O bien relatos de supervivencia, donde, tras una catástrofe nuclear, un grupo de personas luchan por sobrevivir, siendo el germen de una nueva sociedad (ingenua esperanza en un futuro mejor, y creencia en la bondad natural del hombre). Llegaron los años 60 y La Guerra Fría se intensificó (claro ejemplo fue La crisis de los misiles en Cuba, que mantuvo al mundo expectante ante una posible guerra mundial. Ya no era un temor inminente, sino una inminente posibilidad.). Y esa nueva y creciente tensión se vio reflejada en el cine de ciencia ficción. A partir de “On the Beach” (1959), las películas de los 60 se ocupan de la guerra nuclear como un hecho más que probable y el tema es tratado con mayor seriedad ideológica (o sea, un mensaje más contundente y realista). Así, filmes como el citado “On The Beach”, el clásico de Kubrick “Dr. Strangelove” (1964) y el pseudo-documental “The War Game” (1965), entre otros, ahora traducen esas alegorías al tema en una realidad verdadera y, evidentemente, sombría y terrorífica. En “Punto Límite” (1964), el director Sidney Lumet nos introduce de lleno en el tema, creando un ambiente opresivo y lleno de una tensión real y brutal, que posiblemente evoca, de alguna manera, lo que pudo ser “La Crisis de los Misiles”. Con el reloj que marca los segundos lentamente dirigiéndose hacia la catástrofe, las gotas de sudor que perlan las frentes de los personajes que ven como todo se acaba, la impotencia y el desaliento, incluso la locura de los responsables de una posible hecatombe que poco a poco se hace cada vez más real… Lumet utiliza hábilmente el dramatismo de las escenas que, paso a paso va fluctuando hacia los picos máximos de tensión y desesperanza. Se pasa de la débil esperanza al desasosiego y la tensión, a las confrontaciones, para acabar reflejando simplemente miedo e impotencia. Todo ello manejado con pericia por la extraordinaria realización de Sidney Lumet que utiliza la cámara hábilmente con un sentido asfixiante del encuadre y repleto de primeros planos que consiguen recrear esas emociones de las que hablamos. Ayudado además por un crudísimo (casi cegador) blanco y negro y un minimalismo escenográfico absorbente y agobiante. Especialmente una pequeña habitación vacía donde hay dos hombres, una mesa con sus sillas, una jarra de agua con dos vasos, y un teléfono. Es en esa sala donde se conseguirán las escenas más crudamente efectivas. También hay que destacar el elenco de actores que realizan una gran interpretación. Porque, “Punto Límite” es un film de actores y son estos los que al final, consiguen que todo sea creíble, no teatral. Cada personaje simboliza una opinión, una postura ante el hecho en sí. Y así, toda la película transcurre entre intensos debates y opiniones enfrentadas. Entre otros está Henry Fonda (como presidente de los Estados Unidos.) que refleja fielmente el peso del poder y las responsabilidades que tiene su cargo; Dan O´Helirhy (como el General Black) que llega a aludir al mutuo desarme nuclear; y el menos creíble de todos, el asesor civil Groeteschele, interpretado por Walter Matthau que personalmente a mi parecer es prescindible para el desarrollo de la trama (y doblado, no te digo nada). Quizás lo menos razonable sea el final (que no desvelaremos), bastante improbable. Pero útil para la consecución de la trama. Es necesario que el dramatismo se atenúe un poco y aparezca un atisbo de esperanza. Una brutal esperanza que nace de la colaboración y el entendimiento entre dos potencias enfrentadas. No es el fin de todo, quizás el comienzo de algo. Al contrario que en “On The Beach” donde la presencia del miedo a la muerte de cada personaje y la realidad de la desaparición de la raza humana es un hecho, no tiene arreglo. C'est Fini. Resulta curioso que al final de la cinta aparece un mensaje donde se asegura, por parte del Departamento de Defensa y la Fuerza Aérea de los EE.UU., que eso nunca podría llegar a suceder. En definitivas cuentas, un film realista donde los haya que refleja, pienso, fielmente la situación que existía en aquellos años en el mundo y, en especial, las relaciones entre los EE.UU. y la U.R.S.S. Si no la habéis visto, no os la podéis perder. Recomendación “Plan 9”
Evidentemente tiene bastantes similitudes con "Dr. Strangelove", de Kubrick. pero éste consideraba que la mejor manera de tratar el tema era a través de la comedia. Corrosiva ella, pero comedia. Creo que ambos filmes son imprescindibles para conocer el significado de "La Guerra fría" y la amenaza nuclear en los años 60. En breve la postearemos, por cierto.
Existe un remake de "Fail-Safe" hecho para televisión en el año 2000. Fue realizado Por Stephen Frears y con Richard Dreyfuss como el Presidente junto a un elenco de estrellas. También fue filmada en blanco y negro.
