El Barón Frankenstein quiere retirarse como lider del Consorcio de Monstruos, y para ello convoca una reunión en su castillo del Caribe, a ella invita a los mayores espantos mundiales y a su inocente sobrino Felix Flanken a quien quiere nombrar su sucesor y confiar todos sus secretos.
Ficha Técnica
Dirección: Jules Bass / Productor: Jules bass y Arthur Rankin Jr. / Guión: Forrest J Ackerman, Len Korobkin, Harvey Kurtzman, basado en una historia de Arthur Rankin Jr. / Fotografía: Tadahito Mochinaga / Intérpretes: Boris Karloff (Baron Boris von Frankenstein), Allen Swift (Felix Flankin / Yetch / Dracula / Hombre Invisible / Dr. Jekyll / Mr. Hyde / voices adicionales), Gale Garnett (Francesca), Phyllis Diller (pareja del mosntruo), Ethel Ennis (cantante de los títulos de crédito)... Nacionalidad y año: Estados Unidos 1957. Duración y datos técnicos: 94 min. Color 1.37 : 1. (V.O.S.E.)
Comentario
La década de los 30 se considera la edad de oro del horror. Durante este período, las encarnaciones de las criaturas clásicas como el monstruo de Frankenstein, Drácula, el Hombre Invisible, Dr. Jekyll y Mr. Hyde, la Momia y el Hombre Lobo fueron trasladadas al celuloide. En los 40, dichos famosos monstruos se fueron devaluando a través de interminables secuelas o la reunión de varios en el mismo film. Fue en los 60 cuando la Hammer hace resurgir de sus cenizas a los clásicos con nuevas fuerzas y un enfoque diferente y novedoso, a la par que lleno de calidad. Y la Universal, que fue la encargada de los originales, los hace resurgir en forma de comedia, véase con la serie de TV “The Munsters”, o el encantador film de animación que nos ocupa: “Mad Monster Party?”. Esta joyita de la animación fue realizada por los creadores de dibujos animados infantiles de la factoría Rankin-Bass, responsables de varias series de dibujos animados y especiales televisivos como “Frosty the showman”, “The Jackson Five and The Osmonds”, “Willie McBean and His Magic Machina” (1965), y la adaptación para tv en clave de animación de “The Hobbit” (1977), entre otras cosas. “Mad Monster Party?” tiene a Boris Karloff como protagonista (bueno, su voz), interpretando al barón Von Frankenstein y a Forrest J. Ackerman (“Mr. Science”), editor de la publicación “Famous Monsters of Filmland” (1.958-82) y uno de los personajes clave en la historia de la ciencia ficción, en el guión. Así, a película se lleva a cabo con el máximo respeto y cariño hacia los originales. A destacar que además de los monstruos antes citados, la Rankin-Bass añaden un asistente de laboratorio con la voz de Peter Lorre y una aparición sorpresa de King Kong). Y el comienzo, cuando van apareciendo todos los monstruos resulta fantástico y muy, muy divertido. En verdad, tras su visonado os daréis cuenta que es un film realizado para los más pequeños. Hay muchas bromas tontas y chistes malos. Pero el ambiente que se respira, esa música sementera y unas marionetas maravillosas, hacen de “Mad Monster Party?” una joyita de la animación. Recomendada.
A destacar la banda que toca en la fiesta, de la que he puesto una foto: “Little Tibia and the Fibias”. Por cierto, más abajo podréis descargaros su excelente banda sonora.
El comandante Nelson, del submarino Explorer, estudia el mito de King Kong, que le fascina, y aprovechando unas reparaciones se acerca a la isla de Mondo, donde según sus investigaciones debe habitar Kong. Mientras, en el Polo Norte, el pérfido Doctor Who tiene una base secreta, en la cual ha construido un émulo robótico de Kong, Mechanikong.
Ficha Técnica
Ishirô Honda / Productores: Tomoyuki Tanaka, Arthur Rankin Jr. para Toho/Rankin-Bass / Guión: William J. Keenan, Kaoru Mabuchi [Takeshi Kimura], según la serie televisiva de animación de Rankin/Bass, basada en los personajes de Merian C. Cooper / Fotografía: Hajime Koizumi / Música: Akira Ifukube / Montaje: Ryohei Fujii / Efectos especiales: Eiji Tsuburaya, Teisho Arikawa, Hiroshi Mukoyama / Intérpretes: Rhodes Reason (comandante Carl Nelson), Mie Hama (Madame Piranha/Madame X), Linda Miller (teniente Susan Watson), Akira Takarada (teniente comandante Jiro Nomura) Eisei Amamoto (Dr. Who), Paul Frees (voz del Dr. Who en la versión americana), Haruo Nakajima (King Kong), Hiroshi Sekita (Mekanikong), Shoichi Hirose, Andrew Hughes, Toru Ibuki, Nadao Kirino, Ryuji Kita, Seishiro Kuno, Susumu Kurobe, Tadashi Okabe, Sachio Sakai, Ikio Sawamura, Kazuo Suzuki, Yoshifumi Tajima, Yasuhisa Tsutsumi, Osman Yusuf, Julie Bennett… / Nacionalidad y año: Japón / USA 1967 / Duración y datos técnicos: 96' C 2.35:1. (v.o. SUBS INCRUSTADOS)
Comentario
En los sesentas la Toho era la reina del kaiju eiga o cine japonés de monstruos gigantes. Y con su reinado en las taquillas japonesas, el estudio se vio tentado a exportar el género a los mercados extranjeros. La Toho se embarcaría en una serie de producciones de corte internacional, las cuales tendrían tibios resultados. Entre esos filmes se encuentran los de Frankenstein (“Frankenstein Conquista el Mundo” y “La Batalla De Los Simios Gigantes”) y los de King Kong (“King Kong vs Godzilla” y “King Kong Escapes”). La idea de utilizar nombres / marcas reconocidas y adaptarlos al kaiju eiga no dio los resultados esperados. Y de esa camada de experimentos de marketing, “King Kong Escapes” es el más flojito de todos ellos.
Hay culpas compartidas en todo esto. El libreto es demasiado delirante y carece de sentido, pero la edición americana (supervisada por los estudios Rankin Bass, los que al año siguiente producirían una tira animada de Kong) es aún peor y solo añade confusión a todo el tema. Hay un científico (cuyo nombre original era Dr. Hu pero la Rankin Bass lo convirtió en Dr. Who) que crea un robot basado en las características de King Kong. Hay un elemento radiactivo que es más letal que el diablo, y resulta imposible de extraer. Hay un comandante naval de apellido Nelson y que maneja el Explorer que es una nave submarina de la ONU. Y hay un montón de idas y vueltas por el Pacífico, de la isla de Kong al Polo y de allí a Tokio. Sí, porque cuando Kong escapa, se va sin ningún motivo aparente a la capital de Japón a destrozar maquetas. Parece que entre el polo y Japón no existe otra isla en medio del Pacífico.
El problema es que semejante jaleo carece completamente de sentido, y ni siquiera es muy interesante. Tampoco ayuda el diseño del traje de Kong, que es aún más horrible que el que la Toho pergueñó para “King Kong vs Godzilla”, y con el desgraciado detalle que le hacen primeros planos al deforme rostro del engendro. Kong, como personaje, es un animal que necesita ser expresivo; pero un primer plano de esos ojos muertos de plástico no ayuda en absoluto a la credibilidad de la historia.
La trama es aún más espesa de la que pusimos en el resumen. Hay un raro triángulo amoroso entre el comandante americano, su teniente japonés y la enfermera de a bordo (la cual la llevan inexplicablemente a todos lados), que para colmo resulta ser el objeto de adoración del simio gigante. Todos los planes del científico siniestro de turno suenan sideralmente estúpidos (por ejemplo, hipnotizar a Kong y darle órdenes mediante un micrófono), y ni siquiera la presencia de la Madame X (Mie Hama, currando con la efímera fama que le dio su paso por el vehículo de James Bond “Solo Se Vive Dos Veces” ese mismo año) añade algo interesante. Con la excepción del patético diseño de los trajes, los efectos especiales de Eiji Tsuburaya son excelentes y la fotografía es fantástica. Pero ni la historia ni las perfomances resultan potables. Al menos el combate final en la torre de Tokio le da algo de sabor, pero toda la trama carece de sentido, aún siendo un kaiju eiga.
Autor: Alejandro Franco Fuente: arlequín
Pero el robot es la leche, ¿o no?
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Versión Doblada (no es de los mejores ripeos que he visto)
Dos mujeres, suegra y nuera, son asaltadas por un grupo de guerreros que terminan prendiendo fuego a la choza donde viven y causando su muerte. Un gato negro lame los cadáveres de las dos desgraciadas entre las ruinas humeantes cuando el incendio ha terminado.
Tiempo después, un samurái recibe un curioso encargo de su señor. Varios compañeros han aparecido muertos de mala manera en una zona determinada. Se cree que los asesinos son espíritus malignos que se cobran, de esa forma, venganza por alguna afrenta... El joven samurái debe investigar y resolver el caso. Acabando, si es posible, con esa especie de vampiros.
Ficha Técnica
Director: Kaneto Shindô / Productor: Nichiei Shinsha / Guión: Kaneto Shindô / Fotografía: Kiyomi Kuroda / Música: Hikaru Hayashi / Montaje: Hisao Enoki / Intérpretes: Kichiemon Nakamura, Nobuko Otowa, Kiwako Taichi, Kei Sato, Taiji Tonoyama, Rokko Toura, Hideo Kanze, Hideaki Esumi, Hideo Kanze, Rika Mizuki / Título original: Yabu No Naka No Kuroneko / Título en inglés: Black Cat From The Graveyard / Nacionalidad y año: Japón 1967 / Duración y datos técnicos: 99 min. Blanco y Negro. Subtítulos incrustados
Comentario
Pues vamos con un poco de terror japonés. Pero cuidado, porque no se trata de ninguna película de ésas del “Boom” de los 90’s, cuando pareciera (para la mayor parte de la gente) que los nipones descubrieron el género. No, en absoluto. La película que ahora cuelgo (y alguna más que va a hacerle compañía en el blog) es de los años 60. Porque también en aquella época los japoneses sabían hacer cosas de éstas. Y, desde mi punto de vista, con bastante más acierto que en la actualidad. Todo hay que decirlo…
El director de esta peli es Kaneto Shindo. De él sólo he visto dos películas, ésta que ahora cuelgo y “Onibaba” (1966), la más famosa, un pedazo de clásico del cine japonés (así, en general...) y del género de terror en particular que casi todo el mundo conoce.
Para los que hayan visto la anterior, “Onibaba”, vale decir que ésta sigue muy de cerca su estela. Para bien, desde luego... Como cualquier puede comprobar a poco que eche un vistazo a los fotogramas o abra el archivo .avi nada más descargarlo...
Pero cuidado, porque una ojeada rápida al .avi recién descargado puede confundir un poco. Y me explico. Como en “Onibaba”, salen dos mujeres (suegra y nuera, ‘sactamente igual). Como en esa película, el escenario es claustrofóbico, agobiante, incluso cuando salen exteriores. Como en la de 1966, esta película está llena de cañaverales siniestros (los mismos, oiga... los mismos) y de guerreros feroces que terminan cayendo en una trampa mortal. Como en la otra, hay sexo y traición. Hay amor, hay crueldad. Y, sobre todo, hay muerte.
Vamos, que esa ojeada rápida pasando imágenes sin detenerse puede hacer creer que estamos ante una especie de “Onibaba II”, o ante una reinterpretación de la misma historia (y, puestos a exagerar un poquico –o no tanto-, algún despistado incluso puede pensar que me he equivocado de archivo y colgado esa película con diferente título).
Pero no. Donde en “Onibaba” había una historia cruel, áspera, que jugaba al realismo (casi tremendista) desde el principio para caer, ya muy avanzada, en el elemento fantástico (sin dejar muy claro si, verdaderamente, la explicación era sobrenatural o no...) aquí Shindo juega al fantastique desde el primer momento. La mujeres-gato son fantasmas, vampiros que llevan a cabo su venganza de forma fatal e indiscriminada, más o menos ciega, como cualquier verdadero espíritu maldito, como cualquier chupasangres o monstruo que se precie de serlo y de dar miedo.
Por otro lado, y siempre sin recurrir a lirismos ni cosa parecida (Shindo-san no debía ser muy aficionado) la aspereza tremendista de “Onibaba” está aquí un poco más atemperada, más suavizada por la tradición japonesa de los kaidan (los cuentos de fantasmas nipones) que, pese a todo, tienen siempre un halo poético irrenunciable. No pueden evitarlo. Porque, eso sí: al hablar de “Onibaba” todo el mundo cuenta eso de los elementos tradicionales, autóctonos, casi mitológicos de la historia y la película, cuando algunas cosas serían bastante discutibles... Pero aquí no hay lugar a dudas. Lo que Kuroneko narra es, ni más ni menos, un cuento de fantasmas japonés de la vieja escuela (o de vampiros, mejor dicho... pero de otro tipo de vampiros... los de allí). Como recién salido de un libro de Lafcadio Hearnn o de una recopilación de leyendas populares, de cuentos que las viejas usaban para asustar a los niños en la época Tokugawa (o en tiempos todavía anteriores).
Tan crudo, tan inquietante, tan desazonador como suelen ser esas historias. Tal vez porque fueron producidos por una cultura muy lejana (desde el punto de vista geográfico... y de otro tipo) en un tiempo en que eso de la lejanía todavía tenía cierto sentido...
Y, pese a todo, al final conseguía meternos el mismo miedo que a los que las habían inventado... Pero maravillándonos un poco más. Por eso de la falta de costumbre y la distancia, digo... Tal vez...
Bueh... Pues aquí está “Kuroneko, El Gato Negro”. Terror japonés directamente llegado de un tiempo en que esa etiqueta todavía no existía o, al menos, no era una marca reconocible. Ni transitaba escenarios urbanos y modernos, ni amenazaba desde electrodomésticos de alta tecnología y rincones oscuros de apartamentos recién ocupados...
Entonces todavía se ocultaba en lo más profundo del bosque. Era viejo. Era malo. Era más cruel, si cabe. Y daba el mismo miedo...
Pero, eso sí, era un poquico más original. Siquiera sea porque todavía no se había masificado. Y seguía siendo más suyo. Más de ellos... Y, en consecuencia, más nuestro también.
Como siempre, está cortada con File Splitter & Joiner. En esta ocasión los subs van incrustados en la misma película.
El profesor Marcus Montserrat es un anciano que ha dedicado prácticamente toda su vida a estudiar el hipnotismo y que, finalmente, ha descubierto una técnica que permite que entre el hipnotizador y el hipnotizado se establezca un vínculo mental y sensitivo muy especial. Mediante un proceso relativamente sencillo, el primero puede experimentar las mismas sensaciones físicas que el segundo, aunque ambos se encuentren a muchos kilómetros de distancia y en situaciones completamente distintas. El propósito del viejo profesor es aplicar su revolucionario descubrimiento con fines altruistas (por ejemplo, devolver a personas aquejadas de parálisis la sensación de movilidad) pero su esposa, Estelle, no tiene las mismas aspiraciones. Ella quiere recuperar los goces físicos, los placeres que la edad le ha ido arrebatando. Volver a sentir lo que hace ya mucho tiempo que no siente. E, incluso, ir más allá…
Ficha Técnica
Director: Michael Reeves / Productora: TIGON / Guión: Michael Reeves, Tom Baker y John Burke / Fotografía: Stanley A. Long / Música: Paul Ferris / Montaje: Susan Michie y David Woodward / Intérpretes: Boris Karloff, Catherine Lacey, Elizabeth Ercy, Ian Ogilvy, Sally Sheridan, Alf Joint, Victor Henry, Ivor Dean, Peter Fraser, Maureen Booth, Susan George, Meier Tzelniker, Gerald Campion / Nacionalidad y año: Reino Unido 1967 / Duración y datos técnicos: 87 mins. DVDRip Dual (Español/Inglés)(Subs incrustados)
Comentario
Michael Reeves, como todo el mundo sabe, fue un jovencísimo director británico de trayectoria tan corta como impecable. Nacido en 1943, empezó con apenas 20 años a aprender los gajes de su oficio (como casi todo el mundo, empezando por abajo, of course). Por una de esas casualidades de la vida, en lugar de velar armas en su país, tuvo la suerte de foguearse como técnico y ayudante de dirección en la industria cinematográfica italiana (participando, de esa forma, en varias producciones del Gótico italiano de los 60’s). De hecho, fue en Italia donde filmó su primera película, esa deliciosa mezcla de terror y parodia titulada "The She-Beast" (a.k.a. "La Sorella De Satana", a.k.a "Il Lago De Satana") con 22 años. En 1966 regresó a Gran Bretaña, donde rodó para la Tigon la película que ahora cuelgo, "The Sorcerers". Y en 1968 dirigió su tercera y última peli, la más famosa de todas y la que suele ser considerada su obra maestra: "Witchfinder Genera".
Y no hubo más… A principios de 1969 Michael Reeves murió por una sobredosis de barbitúricos y alcohol (seguramente un suicidio), con apenas 25 años.
Bueh… Pues aquí va la segunda de sus películas. "The Sorcerers" (Los Brujos).
De las tres que dirigió el señor Reeves, ésta es la más sixtie, la más rematadamente deudora de la estética de su tiempo y de su lugar con todo eso del Swinging London y la psicodelia… (Ya saben los que me conocen que esas cosas me vuelven loco. Es una más de mis debilidades). Pero, además, la peli tiene un puntico que la hace única. Todo el mundo parece coincidir en que "Witchfinder General" es la obra cumbre de su director, que fue ahí donde demostró lo que era capaz de hacer y, sobre todo, lo que nos perdimos con su prematura muerte. Pero yo no lo tengo tan claro. Entendedme: No discuto la calidad de "Witchfinder General" ni esa especie de leyenda mitómana que se lamenta de lo que pudo haber sido y no fue… Lo que discuto es que "Witchfinder General" sea, tan claramente, la mejor película de Reeves. Precisamente porque ésta, "The Sorcerers", me parece también buenísima. Un pedazo de peliculón.
Hecha con un presupuesto que rondaría los cinco duros (uno más que "The She-Beast", que costó cuatro, jejeje), catalogada como low-budget en todas y cada una de las reseñas que existen sobre ella (y no mienten, que conste) la película es, desde mi punto de vista, un ejemplo perfecto de hasta qué punto las carencias presupuestarias no sólo no son un problema sino que incluso pueden resultar una virtud cuando detrás de la cámara hay alguien que tiene las ideas claras y la habilidad suficiente. ¿Habéis leído el argumento? ¿Sabéis de qué va la cinta? Bueh… Pues Reeves consigue que sea convincente. Se lo toma en serio. Cree que el espectador es una persona normal e inteligente y actúa en consecuencia. Nos tiene (nos tenía) respeto, coñe.
Eso es algo que caracteriza las tres películas de Reeves. El respeto por el espectador. En "The She-Beast" lo conseguía a base de introducir, de forma muy consciente, toques de humor en el argumento (algunos diálogos resultan antológicos), en "Witchfinder General" ambientando con absoluta precisión la trama en un momento histórico concreto, reconocible (la guerra civil inglesa y el destronamiento del rey Carlos por Cromwell y sus roundheads).
Y en ésta dándole un tratamiento crudo, áspero, poco complaciente (con lo que, aparte de salvar la escasez presupuestaria, confiere verosimilitud a lo que nos está contando); utilizando una fotografía sucia, descuidada, casi documental; yendo al grano; prescindiendo de tonterías; retratando un Londres de 1966-67 reconocible y, al mismo tiempo, extraño; planteando una historia con más implicaciones de las que, al principio, parece. Siendo serio. Tomándonos en cuenta. Creyéndoselo.
Durante muchos años, cuando yo leía algo sobre Michael Reeves y su halo de promesa truncada no podía evitar pensar que había algo de sobrevaloración en torno a él. Que su prematura muerte lo había mitificado un poco. Es algo que se da mucho entre los aficionados (no sólo al cine de terror… Los adoradores de casi cualquier manifestación de la cultura pop somos, aunque a veces lo neguemos, unos mitómanos enfermizos). Que no era para tanto, vaya…
En aquel entonces yo sólo había visto la inevitable "Witchfinder General"; y aunque reconocía que era una buena película pensaba que la cosa se había hinchado un tantico.
En los últimos dos años he conseguido ver, por fin, las otras dos películas de Reeves. "The She-Beast" es una obra absolutamente menor pero resuelta con una habilidad sorprendente que me dejó una impresión maravillosa. Pero fue sobre todo ésta que ahora cuelgo la que me convenció del talento de Reeves y de que, mitomanías y exageraciones aparte, verdaderamente era un tipo muy interesante que podría habernos regalado auténticas maravillas si no hubiese muerto en 1969. (¿Qué hubiera hecho durante los primeros 70’s? ¿Habría “sobrevivido” creativamente a esa especie de momento de inflexión que es 1973-74? ¿Hubiese dado continuidad al viejo brit-terror de los 60’s actualizándolo con mejor suerte que los demás?). Sí, mes amis. Fue esta película la que terminó de hacerme ver que las reseñas sobre Michael Reeves no eran tan exageradas. Que había bastante verdad en esa especie de hagiografía mitómana. Y no porque esta cinta me parezca mejor que "Witchfinder General" (aunque, como he dicho antes, la cosa podríamos discutirla) sino porque, a veces, para darse cuenta de las cosas, para apreciarlas como verdaderamente son, hay que tener una visión de conjunto (que decían los viejos profesores universitarios… Ya sabéis… aquel cuentecillo hindú del elefante y los ciegos…).
Hay otra cosa que me parece reseñable de la cinta. Como es evidente, entre los intérpretes está, con todos los honores, el maravilloso Boris Karloff. Todos sabéis que durante los años 60’s el bueno de Mr. Karloff participó en varias películas de serie B y Z (americanas, inglesas, italianas, españolas e incluso mexicanas) por necesidades estrictamente alimenticias. Y aunque es cierto que en todas y cada una de ellas demostró su profesionalidad y buenhacer (Karloff fue un actorazo siempre. En lo mejor y en lo peor. Era incapaz de trabajar mal, el caballero) también es verdad que, en muchas ocasiones, los productos en los que se vio obligado a trabajar dejaban mucho que desear y que no pueden ser considerados precisamente hitos en una carrera que, al final de su vida, estaba ya muy lejos de las glorias de los años 30 y 40. En buena parte de esas películas la presencia de Karloff era más una excusa que otra cosa… El anciano actor era utilizado (en el sentido literal de la palabra) como una mezcla de reclamo y de coartada para dotar a las cintas de un glamour impostado o de una seriedad de la que carecían. Por supuesto, en esos casos Mr. Karloff resultaba totalmente desaprovechado (y mira que es difícil). Bueh… Pues en esta, sobra decirlo, nada de eso sucede.
Bien es verdad que, a primera vista, estamos ante otro de esos low-budgets quintaesenciales en los que la aparición del entrañable señor Karloff parece una anécdota. Pero no, mes amis. Ignoro si la presencia del viejo actor fue una imposición de la productora (la Tigon volvió a contar con Karloff en 1968 para "The Curse Of The Crimson Altar") pero si lo fue, y Reeves se encontró con que la cosa formaba parte del paquete, a fe mía que supo aprovecharlo. Porque, como he dicho, en esta película Boris Karloff no está “malempleado”. El anciano actor borda un papel importante y complejo, esencial, maravilloso. En "The Sorcerers" Karloff es plenamente Karloff, no una excusa ni una especie de cameo legitimador (y eso que ya tenía gravísimos problemas de movilidad… Pero incluso esa circunstancia es aprovechada por Reeves, como podéis comprobar volviendo a echar un vistazo al argumento). Vamos, que fuera o no una imposición, el caso es que Michael Reeves acoge a Karloff con todo el cariño, toda la admiración que un icono del cine de terror clásico como él merecía. Y le da suficiente espacio como para que desarrolle sus cualidades. Cuenta con él. Lo honra. E, indirectamente, nos brinda a los aficionados un motivo más para disfrutar la peli.
Por cierto, que la presencia de Karloff y de su esposa, maravillosamente interpretada por la inquietante Catherine Lacey, es parte esencial de una pseudo-tesis que algunos han querido ver en la película y que, a decir verdad, parece bastante evidente. Según ciertas reseñas e interpretaciones, la siniestra presencia de los viejos, que dominan y manejan las voluntades de los jóvenes protagonistas (sobre todo del inevitable –en las películas de Reeves- Ian Ogilvy), vampirizando además sus sensaciones físicas no es sino una metáfora del conflicto generacional que en los años 60’s era una realidad palpable, visible, omnipresente. La cosa, de tan obvia, casi resulta un poco risible. Aunque es posible que sea cierta y que el jovencísimo Reeves jugase a ese juego… Los jóvenes yeyés, modernos y desprejuiciados, inocentemente hedonistas, transparentes en sus ganas de pasarlo bien y de gozar de la vida por un lado. Y los viejos siniestros, frustrados, amargados, envidiosos de los goces juveniles y llenos de maldad y perversión que utilizan a los otros para sus propios y malignos fines (en realidad la cosa sería más aplicable a Estelle que a Marcus… Pero vale como resumen) por el otro. Ya digo… de tan tópico resulta un poco grosero. Pero podría ser... Los 60’s, en ese aspecto, no fueron especialmente sutiles.
Pues nada, mes amis. Aquí va la película. Se trata de un ripeo de una edición española en DVD que, por lo que sé, ya está descatalogada. He mantenido el audio en dual castellano/inglés. A ese respecto he de decir que el doblaje español no es especialmente brillante (y mira que he defendido veces la calidad de nuestros dobladores… La cosa es dejarme mal). Tal vez porque se hizo deprisa y corriendo para alguna edición en VHS en los 80’s o, quizás, para esta misma en DVD.
Como curiosidad, señalar que aunque en todos los sitios fechan la peli en 1967 al verla no he podido evitar tener la impresión de que fue rodada un año antes. Me explico: sé que suena a broma andar hilando tan fino con un año de más o de menos, pero a mí las ropas y cortes de pelo que lucen los jóvenes actores me suenan mucho más a 1966 que a 1967. De hecho, hay varias escenas en una especie de night-club en el que actúan grupos de rock’n’roll. Y la forma de vestir de los asistentes y de los mismos músicos parece más propia de 1966 que del año siguiente. No hay kaftanes, bigotes, detalles orientalizantes ni pañuelos de colores… cosas que eran omnipresentes en 1967. Incluso la canción del principio suena a Freakbeat (un estilo casi exclusivo del año 1966). Bueh… pues eso… Tonterías mías que no tienen mayor importancia.
Pues nada, mes amis, que voacés disfruten la peli tanto como lo he hecho yo.
Según sugiere el título original, unos extraterrestres liderados por Tommy Kirk, tratán de preservar la especie marciana mediante el secuestro para su posterior apareo, de mujeres terrestres.
Ficha Técnica
Director: Larry Buchanan / Productor: Larry Buchanan / Productor ejecutivo: Michael Carreras / Guión: Larry Buchanan / Fotografía: Robert C. Jessup / Música: Ronald Stein / Efectos especiales: Jack Bennett / Montaje: Larry Buchanan / Intérpretes: Tommy Kirk (Marciano 1 / Sr. Fast, Reportero del Seattle Sun), Yvonne Craig (Dr. Bolen), Warren Hammack (Marciano 2 / Doctor), Tony Huston (Marciano 3), Larry Tanner (Marciano 4), Cal Duggan (Marciano 5), Pat Delaney (Artista Abducido por Marcianos), Sherry Roberts (Brenda Knowlan, abducida), Donna Lindberg (azafata abducida), Bubbles Cash (Stripper abducida), Byron Lord (Coronel Bob Page),... / Nacionalidad y año: USA 1967 / Duración y datos técnicos: 83 min. Color. (V.O.S.E.)
Comentario
Antes de nada, hay que indicar que Larry Buchanan forma parte de ese grupo de directores que, con Ed Wood a la cabeza, son recordados por realizar gran cantidad de engendros cinematográficos. En este caso, Buchanan se ha caracterizado por realizar películas de muy bajo (subterráneo) presupuesto que entrarían de lleno en la categoría de series Z de ciencia ficción y cine fantástico. Títulos como “The Naked Witch” (1964), “The Eye Creatures” (1965), “Curse of the Swamp Creatures” (1966), “In the Year 2889” (1966), “Zontar: The Thing from Venus” (1966), “Creature of Destruction” (1967), “It’s Alive!” (1969), “The Loch Ness Horror” (1981) “and Mistress of the Apes” (1981), se quedan grabados en la retina del espectador y aún mucho después de haberlos visto provoca gran cantidad de efectos secundarios: insomnio, miedo a entrar en los cines, tendencias suicidas, etc.
Huelga decir que “Mars Needs Women” tiene todas las características de una película de Larry Buchanan. El presupuesto es increíblemente bajo y los efectos especiales inexistentes. No existe un argumento definido ni un guión coherente. Todo el film consiste en ver escenas de marcianos intentando capturar hembras terráqueas. Una obra maestra con actores dignos de un óscar, unos decorados a lo Cecil B. De Mille, diálogos profundos que ni en "Stalker", una bellísima fotografía... Je, os estoy tomando el pelo. Esto sí que es un engendro mecánico. Sólo para ultra fanáticos del género y amantes de las emociones gordas. “Plan 9” te desea buena suerte, compañero. La necesitarás.
En la británica isla de Fara se están alcanzando máximos de temperaturas, mientras el resto del país está en pleno invierno. Debido al elevado calor, las líneas de teléfono no funcionan, los aparatos eléctricos estallan y la conducta de la gente se ve afectada. Pero lo que en un principio parece ser obra del clima, en realidad es fruto de una invasión extraterrestre, la cual ha elegido la isla de Fara como campo de pruebas de una ocupación...
Ficha Técnica
Director: Terence Fisher / Productor: Tom Blakeley para Planet Film Prod. / Productor asociado: Ronald Liles / Guión: Ronald Liles, con diálogos adicionales de Jane Baker y Pip Baker, basado en la novela homónima de John Lymington / Fotografía: Reginald H. Wyer / Música: Malcolm Lockyer / Montaje: Rod Nelson-Keys / Efectos especiales: Martin Gutteridge / Intérpretes: Christopher Lee (Godfrey Hanson), Patrick Allen (Jeff Callum), Peter Cushing (Dr. Vernon Stone), Jane Merrow (Angela Roberts), Sarah Lawson (Frankie Callum), William Lucas, Kenneth Cope, Percy Herbert, Thomas Heathcote, Anna Turner… / Nacionalidad y año: Reino Unido 1967 / Duración y datos técnicos: 94 min. color 1.66:1. (Dúal Español/Inglés)
Comentario
“Night of the Big Heat” es el segundo de los films de ciencia ficción que Terence Fisher rodó para Planet Films y el último de una trilogía (completada con “SOS, el mundo en peligro”, en 1967, y el primer título en Planet Films, y “Earth Dies Screaming”, 1964) rodada para Lippert Films) cuyo material dramático esencial era, tratado siempre de forma simjlar, la amenaza de distintas hordas de seres letales, ora extraterrestres, ora mutantes. En esta ocasión, los seres son protoplasmas alienígenas (como manda la novela “Night of the Big Heat”, de John Lymington, en la que está basada la película), que provocan una ola de calor de tanta intensidad que varios ciudadanos mueren abrasados. Chistopher Lee y Peter Cushing, como en los otros films del ciclo, luchan contra la amenaza, pero poco pueden hacer. Fisher, como siempre: atmosférico, comedido pero poético, superó las deficiencias del guión y realizó una sugerente película, que resulta entretenida aun siendo la peor de la trilogía. Ya que la historia oscila entre la invasión alienígena y la presencia de un triángulo amoroso, siendo éste, quizás, más importante en la trama que el que unos protoplasmas invadan tu pueblo. Llegando a parecer más un melodrama insulso y descafeinado, que una película del género. No estuvo tan fino como siempre el amigo Fischer. Pero aun así, se deja ver con gusto. Es entretenida. ¡Y cómo suda todo el mundo! Decir que la historia recuerda (especialmente el final) a “la Guerra de los Mundos” (1953), de Byron Haskin. Cuando la veáis lo comprenderéis.
Este fantástico y mágico film de Karel Zeman está inspirado en las novelas de Julio Verne y es la primera parte de una serie dedicada al misterioso mundo del mítico autor francés. Cuenta las aventuras de cinco chicos de Praga, quienes despegan en el dirigible del emprendedor Findejs, desde los terrenos de la famosa Feria conmemorativa de Praga del 1891, y vuelan a través de toda Europa hasta estrellarse en una isla desconocida en medio del océano. En ésta, viven unas extraordinarias aventuras, al más puro estilo de las historias de Verne, hasta que son rescatados por una expedición organizada por el aventurero periodista Ardan.
Ficha Técnica
Director: Karel Zeman / Productor: Václav Dobes / Guión: Radovan Krátky Y Karel Zeman, basado en la novela "Dos años de Vacaciones" de Julio Verne / Fotografía: osef Novotný, Bohuslav Pikhart / Música: Jan Novák / Montaje: Jan Chaloupek / Efectos especiales: Frantisek Krcmár, Arnost Kupcik, Josef Zeman / Intérpretes: Hanus Bor (Tomás Dufek), Jan Cizek (Martin), Jan Malát (Pavel), Michal Pospísil (Jakoubek Kurka), Josef Stráník (Petr), Jitka Zelenohorská (Katka), Jana Sedlmajerova (Secretaria), Vera Macku (madre de Martin), Eva Kubesova, Marie Brozová (Abuela de Jakoubek), Cestmír Randa (Prof. Findejs), Rudolf Deyl (Mr. Tenfield),... / Nacionalidad y año: Checoslovaquia e Italia 1967 / Duración y datos técnicos: 90 min. b/n, color (V.O.S.E.)
Comentario
“Estaba fascinado por Méliés, que fue el que, al inicio del cinematógrafo, creó el principio por el que las cosas extraordinarias pueden ser expresadas”. Esta sincera declaración de Karel Zeman sirve para comprobar, otra vez, que el cine infantil y juvenil de este realizador checo era algo más que puro entretenimiento. Ideólogo de la fantasía aventurera, Zeman quería usar el cine como una pistola de agua, un artilugio para bromear creando un artificio con unas reglas propias y desconcertantes, sólo comprensibles para adultos de mente abierta y niños que se suben a los árboles. Ese regusto por lo poco convencional, por la irrealidad asumida como vía de escape, le hizo acercarse a Verne con un cariño inusual. En el caso de “Ukradena Vzducholod”, tomó como punto de partida la novela Dos años de vacaciones, contando la historia de las aventuras de cinco chicos que se apoderan del dirigible de la Exposición de 1891 y caen en una isla desierta. Ahí empezará su verdadera historia, y también el trabajo de Zeman como creador de mundos extraños. “Ukradena Vzducholod” es un film de trucajes, y deviene además, la demostración de que los mal llamados autores (especie a la que pertenece Zeman) pueden realizar películas de valor, personales e intransferibles, sin tener que recurrir a cultismos gratuitos.
Una expedición científica se encuentra asentada en la isla Sollgell con el propósito de experimentar con una máquina que permita controlar el tiempo. Pero una de las pruebas sale mal y desata una tormenta radiactiva. Debido a ello, algunas criaturas de la isla - un trío de mantis religiosas y una araña - crecen hasta proporciones gigantescas. Los científicos se percatan del peligro e intentan encontrar los medios para huir de la isla; pero a esto se suma la aparición de Godzilla y su hijo recién nacido. Y muy pronto el pequeño dinosaurio se verá amenazado por los gigantescos insectos mutantes, poniendo a los expedicionarios en medio de una monumental batalla campal.
Este es el segundo título de la saga que dirige Jun Fukuda, y la octava entrada de la serie. Y es un filme que uno ha esquivado durante mucho tiempo en revisar (de antemano, la presencia de Minya, el hijo de Godzilla y la suma de Fukuda anticipan que nada bueno puede haber en una película como esta ). Las buenas noticias es que “Son of Godzilla” es un poquito mejor de lo esperado; lo malo es que ni siquiera llega a un nivel potable de entretenimiento. Como afirma Richard Scheib en su blog, posiblemente la decisión de incorporar a Godzilla Jr. tenga que ver con los pasos que estaba dando la rival Daiei con Gamera, incorporando niños como protagonistas y apuntando al público infantil; y la Toho decidió apuntar para ese lado. Pero “Son of Godzilla” es un título terrible precisamente por la inclusión de Minya (un mamotreto ridículo, mal diseñado y mal animado); si se hubiera podado a Junior, quizás resultara digerible siquiera como una entrada no muy brillante de la saga. Las escenas de Minya y Godzilla dan vergüenza ajena, ya sea jugando al futbol con las rocas, enseñándole a lanzar aliento radiactivo o saltando la cuerda con la cola del padre. Es tristísimo ver a lo que ha llegado el destructor del Japón... Pero si uno ignora las escenas de Junior, tenemos nuevamente una aventura colorida y disparatada del Godzilla de aquellos años. Hay un montón de blablablá científico realmente idiota y típico de la saga (los operadores pierden la señal de radio por interferencia de... ¡ondas cerebrales!; para provocar calor o frío, se hacen explotar mini bombas atómicas encima de la isla), y personajes que se comportan como niños. Hay un periodista metido de polizón en la expedición científica que hace de héroe y cómico al mismo tiempo (y ninguno de esos papeles con gracia); y hay una nativa que aporta la cuota femenina al elenco.
Sin embargo, lo que salva a “Son of Godzilla” del bodrio total es la presencia de insectos gigantes que están muy bien animados. Son gigantescas marionetas que se mueven de manera más que decente, y que en algunos planos impresionan. Incluso aportan una cuota de amenaza interesante. El problema es que el trío de mantis termina por durar lo que un pedo en una canasta (perdón el francés!), y la araña gigante Spiga sobrevive unos segundos más, ya que son despachados por Godzilla sin demasiado esfuerzo. Es una lástima, ya que el concepto era realmente interesante. Lamentablemente el film no enfatiza los combates (que incluso son bastante cruentos para ser supuestamente una película infantil, como cuando pedazos llameantes de una mantis destrozada por Godzilla caen encima de los expedicionarios), posiblemente por una imposibilidad técnica. Una cosa es que peleen dos tipos en trajes de goma, y otra que un individuo luche con una marioneta gigante de movilidad muy limitada (¡y que se desbarata con los golpes!). Y mientras que los insectos están más que ok, la animación de Minya es tan terrible como el diseño del traje: primero es un muñeco de goma inmóvil, y después es un niño disfrazado pero con movimientos realmente burdos. Una tristeza, mire usted. Evite “Son of Godzilla”. Es mediocre por los cuatro costados, y un puñado de escenas potables no alcanza para que valga la pena verla en toda su duración.
Durante la Guerra Fría, la Marina norteamericana descubre una trama china para invadir los Estados Unidos a través de túneles y deberá detenerla.
Ficha Técnica
Director: Montgomery Tully / Productores: Charles Reynolds / Guión: Charles F. Vetter / Fotografía: Kenneth Talbot / Música: Ken Jones / Efectos especiales: Tom Howard / Intérpretes: Kerwin Mathews (Comandante Jonathan Shaw), Vivienne Ventura (Tila Yung ), Robert Ayres (Almirante Felix Hillebrand), Peter Arne (Arnold Kramer), Al Mulock (Sgt. Marvin Mulberry), Martin Benson (General Chan Lu), Peter Elliott (Dr. Kengh Lee), Earl Cameron (Sgt. Seth Hawkins), John Brandon (Mayor Frank Cannon), Ed Bishop ( Vance Cassidy), Bill Nagy (Coronel Talbot Wilson), Sarah Brackett (Meg Webson), Paula Li Shiu (Dra. Arnn), David Spenser (Mayor Chai), Carl Jaffe (Dr. Galissi), Norma West (Susan Kramer),... / Nacionalidad y año: EE.UU. 1967 / Duración y datos técnicos: 91 min. Color. 1.85 : 1 (V.O.S.E.)
Comentario
Estrenada en los Estados Unidos con el título de “Battle Beneath The Sea”, es una ingenua parábola sobre la guerra fría en la que el peligro es, en esta ocasión, amarillo. Un peligroso militar chino, no muy alejado del malvado Fu-Manchú (casi todos los orientales que salen son caucasianos caracterizados para la ocasión), utiliza un potente rayo láser para horadar una serie de túneles capaces de traspasar todo el Pacífico y llegar fácilmente a las costas californianas (rigor científico 100%). Por esos pasadizos, que harían las delicias de Julio Verne, se desplaza una horda de pequeños guerreros orientales que serán derrotados en el interior de la tierra tras mil y una peripecias por un pequeño ejército de norteamericanos liderados por Kerwin Matthew, con la colaboración de todo el pueblo norteamericano. A pesar de que se trata de un filme de ciencia ficción para escolares, no dejan de tener cierto encanto los bien engrasados diálogos con réplicas lo suficientemente ingeniosas cómo para ser recordadas por su particular sentido del humor. El disparate y la ironía se dan la mano y la mezcla tiene algo de explosivo. Incongruente, abnsurda, pero muy entretenida.
