jueves, 16 de abril de 2009

El Escorpión Negro (1957) (V.O.S.E.) ("The Black Scorpion")





sinopsis

El Dr. Scott y el profesor Ramos llegan al pueblo mexicano de San Lorenzo a realizar pruebas geológicas de la erupción reciente de un volcán. Pero en el trayecto encuentran una estación gasolinera destrozada y todos sus ocupantes muertos. Colaborando con la policía local pronto descubren que de las grietas provocadas por la erupción provocaron que salieran a la faz de la Tierra un grupo de escorpiones gigantes. Scott y Ramos logran sellar la cueva de los escorpiones, pero existe una inmensa red de galerías subterraneas interconectadas. Ahora Scott y Ramos deberán enfrentarse a la posibilidad de que los escorpiones regresen a la superficie cerca de la super poblada capital de Mexico.




Ficha Técnica

Director: Edward Ludwig / Productor: Jack DietZ Y Frank Melford / Guión: Robert Blees & David Duncan / Fotografía: Lionel Lindon / Música: Paul Sawtell / Efectos especiales: Willis H. O'Brien y Pete Peterson / Montaje: Richard L. Van Enger / Dirección Artística: Edward Fitzgerald / Intérpretes: Richard Denning (Dr Hank Scott), Mara Corday (Teresa Alvarez), Carlos Rivas (Profesor Arturo Ramos), Mario Navarro (Juanito), Carlos Muzquiz (Dr Velasco) / Nacionalidad y año: USA 1957 / Duración y datos técnicos: 88 min. B/N 1.85 : 1 (V.O.S.E.)




Comentario

“El Escorpión Negro” es otra de esas películas que entra de lleno en el género de las “monster movies”, tan de moda en los años 50 y que tendría su máximo exponente con “La humanidad en Peligro” (“Them”, 1954). Más aún, es una copia que sigue bastante fielmente los mismos pasos de su predecesora. En “Them!” había hormigas gigantes, aquí escorpiones. La única diferencia real es que en “El Escorpión Negro” las radiaciones atómicas no son las culpables (algo inusual en aquella época donde las pruebas nucleares crearon todo lo habido y por haber). Pero la película está estructurada de la misma manera: el descubrimiento de la amenaza en un solitario desierto, los primeros indicios de la amenaza en una gasolinera en ruinas, el apoyo científico para su exterminio, el descenso a la guarida de las criaturas, las criaturas que salen a atacar a la civilización justo cuando todos pensaban que la amenaza había sido destruida... Todos se ha tomado directamente de “Them!”.
Pero aún siendo una copia, como tantas otras, se deja ver con alegría. Existen muchas fallos en el guión, actuaciones paupérrimas y un niño repelente al que deseamos que se coman durante toda la película, amén de un más que perceptible bajo presupuesto que hace que el listón baje, pero es una de esas producciones serie-B de sci-fi más que dignas. Y personalmente, a mí me gusta.
Además, contamos con el monstruo: el escorpión. Creado por Willis O'Brien, que por supuesto siempre será recordado por King Kong (1933). Pero en la década de 1950, O'Brien tenía ya 70 años, con mala salud y apenas tuvo tiempo de crear monstruos a través del “stop motion”, aparte de ésta y “The Giant Behemoth” (1958). Unas de las pocas monster-movies que utilizan esa técnica para animar a las criaturas. La diferencia entre “El Escorpión Negro” y muchas películas de la época, es que éstas, en su mayoría, utilizan hombres embutidos en trajes de goma o bichos opticamente ampliados, para dar el pego. Con O'Brien trabajando de forma artesanal, y a pesar del bajo presupuesto con el que contaba, las criaturas están muy conseguidas, con grandes detalles, fuerza y carácter. Sólo hay que ver una escena determinada, en el volcán, donde se nos muestra a los escorpiones en todo su esplendor… No digo más. Hay que verla. “Plan 9” te da veneno.




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El Cerebro de Donovan (1953) (Dual Esp/Inglés + Sub) ("Donovan´s Brain")





sinopsis

Después de un accidente aéreo, una avioneta cae en el campo. Hay un herido, el millonario Warren H. Donovan. Su cuerpo agonizante es transladado a la casa de un científico, quien, ayudado por su esposa y un colega estaban realizando experimentos para mantener con vida fuera del cuerpo, el cerebro de un simio. El herido fallece y ya nada se puede hacer... a no ser que... desafiando toda ética, el científico decide sustraer el cerebro del millonario y llevar adelante un experimento. Pero la experiencia científica poco después se transforma en una pesadilla, especialmente cuando el órgano comienza a dominar telepáticamente al pobre doctor, a quien obliga a adoptar la personalidad del difunto.




Ficha Técnica

Director: Felix Feist / Productor: Tom Gries para Dowling Productions / Guión: F. Feist, según la adaptación de Hugh Brooke de la novela "El cerebro de Donovan" de Curt Siodmak / Fotografía: Joseph Biroc / Música: Eddie Dunstedter / Efectos especiales: Harry Redmond Jr. / Montaje/Ayudante de producción: Herbert L. Strock / Intérpretes: Lew Ayres (Dr. Patrick Cory), Nancy Davis [Nancy Reagan] (Janice Cory), Gene Evans (Dr. Frank Schratt), Steve Brodie (Herbie Yocum), Lisa K. Howard (Chloe Donovan), Tom Powers (consejero), Kyle James [James Anderson] (jefe Tuttle), Peter Adams (Mr. Webster), Stapleton King (W. J. Higgins), Victor Sutherland (Nathaniel Fuller), Michael Colgan (Donovan), John Hamilton, Harlan Warde, Paul Hoffman, William Cottrell, Tony Merrill... / Nacionalidad y año: USA 1953 / Duración y datos técnicos: 84 min. B/N 1.37:1




Comentario

La novela de Curt Siodmak “el cerebro de Donovan” (1943) ha demostrado ser una fértil fuente de trabajo para la creación de películas, con tres adaptaciones cinematográficas: “La mujer y el monstruo”, de George Sherman (1944), ésta y “Venganza”, de Freddie Francis (1962). Amén de ser una clara influencias en determinadas películas de sci-fi y terror de la época. Aunque la idea de los cerebros vivos (fuera del cuerpo) se originó con HG Wells, es con Curt Siodmak con el que se crea un gran cliché que ha alimentado multitud de películas basadas en el trasplante de cerebros y en el control mental.
Lo verdaderamente curioso es como estas tres adaptaciones, a pesar de tener un origen común, son reinterpretadas creando tres productos totalmente diferentes: “La mujer y el monstruo”, se acerca más al cine de terror con un excelente Erich von Stroheim interpretando a un científico loco y con una estética gótica más cercana a los 30 que a los 50. “Venganza”, ya en los 60, podríamos entroncarla en el cine policiaco. Y este “El Cerebro de Donovan”, que es la única que mantiene el título original de la novela, en la ciencia ficción más cincuentena.
El film fue dirigido por Felix Feist, un director todo terreno que evita cualquier artificio (los efectos brillan por su ausencia. Sólo podemos ver al cerebro metido en una cubeta) y se centra en la historia. Pero lo hace sin pasión, con desinterés. Menos mal que el film es salvado por el actor Gene Evan, que realiza una más que digna interpretación, utilizando todos sus recursos (la voz, los gestos,…) para conseguir que distingamos cuando es el benevolente Dr. Cory y cuando la reencarnación del malísimo Donovan. En fin, una película entretenida, que se deja ver, a pesar de ciertos diálogos pomposos que pueden dejar a uno atónito. Véase (hablan el doctor Cory y su esposa, apenada por sus experimentos con los monos)

-"Parece tan inútil. Cuatro vidas perdidas".
-"¿Vidas de monos?", - él responde - "¿Y es dañino para los animales el ayudar a salvar vidas humanas? Un soldado, una madre en un accidente de automóvil, un niño medio ahogado, una niña con pecas y un hoyuelo con mucha fiebre".
-"Tienes razón, querido, estoy haciendo el tonto."
-"Gracias, querida. Ahora ve y nos haces unos de esos maravillosos guisos tuyos".

Ruego al cielo que no fueran sesos rebozados. No os la perdáis. Ideal para sesión cinematográfica casera “sci-fi 50s”. “Plan 9” controla tu mente….

Nota: la protagonista, Nancy Davis, sería conocida 30 años después con el nombre de Nancy Reagan... ¿La recordais?




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King Kong Contra Godzilla (1962) ("Kingu Kongu tai Gojira" o "King Kong vs Godzilla")





sinopsis

Cambios climáticos han provocado un deshielo temprano del Polo Norte, y varios icebergs fluyen por una corriente marina que se dirige hacia Japón. El submarino Seahawk es enviado con varios científicos de las Naciones Unidas a bordo, a observar el fenómeno. Pero chocan casualmente con el iceberg que mantenía en estado de hibernación a Godzila, liberando al monstruo. Mientras tanto, un potentado de la industria farmaceútica envía una expedición a la isla Faro, donde se han encontrado unas extrañas bayas con poderosas propiedades narcóticas para ser utilizadas en la medicina. Pero los expedicionarios se topa con los nativos del lugar, que adoran a un simio gigante como si fuera un dios. La expedición captura a Kong y decide llevarlo a Japon. Pero el simio se libera, mientras que Godzila llega a las costas japonesas, provocando una vorágine de destrucción. Y pronto el gobierno y los militares llegan a la conclusión que la única manera de detener a Godzila es trayendo a Kong para que confronte al gigante verde.




Ficha Técnica

Director: Ishiro Honda / Productores: John Beck y Tomoyuki Tanaka / Guión: Shinichi Sekizawa / Fotografía: Hajime Koizumi / Música: Akira Ifukube / Efectos especiales: Eiji Tsuburaya, Teruyoshi Nakano y Teizo Toshimitsu / Intérpretes: Tadao Takashima (Osamu Sakurai), Kenji Sahara (Kazuo Fujita), Yu Fujiki (Kinsaburo Furue), Ichirô Arishima (Mr. Tako), Jun Tazaki (General Masami Shinzo), Akihiko Hirata (Dr. Shigezawa), Mie Hama (Fumiko Sakurai), Akiko Wakabayash(Tamiye), Akemi Negishi (Madre de Chikiro), Senshô Matsumoto (Primer Ministro), Sachio Sakai (Obayashi),... / Nacionalidad y año: Japón, 1962 / Duración y datos técnicos: 90 min. Color 2.35 : 1




Comentario

King Kong es el padre del cine de monstruos y data de 1933. Pero el género recién sería masificado a partir de 1954 con “Godzilla, King of Monsters”, una producción japonesa que explotaba el holocausto nuclear desde el punto de vista de la ciencia ficción. Godzilla ya había sido secuelizado en “El Regreso de Godzilla” (1955), pero tardaría siete años más en retornar a las pantallas, a todo color, y en un duelo de titanes. La Toho, productora de la serie, había obtenido los derechos sobre el personaje de King Kong de la mano de la RKO, y en una hábil jugada de marketing, propuso el combate que da título al presente film. Pero los resultados finales son bastante pobres y sacrílegos respecto a los orígenes dramáticos de los personajes en juego.

Lo primero que uno puede observar en “King Kong Vs Godzilla” es el título. Hasta ese entonces, el gigante verde sólo se había dedicado a destruir compulsivamente maquetas de vehículos y edificios, pero este es el primer encuentro con otro monstruo a su tamaño. Es el primer film que muestra la tendencia definitiva que tomaría la serie, de transformar a los films de Godzila en gigantescos encuentros de boxeo. Y, sorprendentemente, el gigante japonés queda relegado a un papel secundario, donde las palmas de héroe se las lleva Kong. Si uno observa la evolución del personaje, en 1954 Godzilla era la materialización de la pesadilla nuclear, una crítica al holocausto atómico que los americanos habían desatado sobre Hiroshima y Nagasaki. En cambio, para 1962, podemos interpretar - a través del film - que los japoneses no pueden defenderse solos y requieren de una potencia extranjera aliada - los americanos en la vida real, Kong en la ficción - para sobrevivir. Asumir para esas alturas si Godzilla podría ser una metáfora de la amenazante presencia comunista acechando a Japón, sería hilar demasiado fino. Pero lo concreto es que el tono del relato ha ido cambiando en las tres primeras películas de la serie.

Siguiendo por ese punto de vista de análisis - política versus ficción -, King Kong versus Godzilla es uno de los primeros films que poseen la convicción totalmente naif de que las Naciones Unidas pueden tener peso a nivel mundial para coordinar acciones conjuntas a nivel político y militar. No sería la primera vez - cinematográficamente - que la Tierra (o un país) enfrente una amenaza catastrófica y se presente a la ONU como una fuerza operativa eficiente. Muchos de los films de sci-fi de la década se esforzaron en proyectar una imagen de liderazgo a la institución, como una suerte de gobierno democrático mundial; imagen que se derrumbaría a fines de los 60 con la probada incapacidad por parte del organismo de manejar conflictos regionales pero tercerizados políticamente como Corea y Vietnam, demostrando que las Naciones Unidas pueden ser útiles para cualquier otra cosa que menos para la política. En ese sentido, “King Kong Vs Godzilla” queda como una suerte de cápsula del tiempo, de la ingenuidad política que prosperaba a principios de los 60.


Pero eso ya resulta demasiado profundo como lectura para un film de este calibre. El drama de los filmes originales (King Kong, Godzilla) ha dejado lugar a un pastiche de aventura, donde la coherencia se encuentra totalmente ausente. El color no le sienta bien a los filmes de Godzilla; los malos efectos especiales resultan más evidentes, en el peor sentido de la palabra. El diseño de los trajes es espantoso; pero mientras el gigante verde mantiene su estilo, el disfraz de King Kong es totalmente abominable (parece alquilado en una tienda de disfrazes), amén que los rostros de los personajes son inexpresivos, con ojos carentes de vida y bocas deformes. A esto se le suma el argumento, que si bien no tiene demasiada lógica, opta por incluir sacrílegamente caracteres cómicos como los expedicionarios que van a la isla de Faro (originalmente debería ser la Isla Cráneo como en la King Kong original, pero el cambio responde a reubicar la isla cerca de Japón y poder presentar a nativos japoneses con la piel teñida y en ridículos trajes de indios). La llegada de la expedición a la isla es surrealisticamente camp, con los nativos fumando compulsivamente y escuchando radios que han intercambiado con los investigadores. Al menos Ishiro Honda se las ingenia para meter alguna que otra escena bastante intensa, como el ataque del pulpo gigante a la aldea... hasta que el ridículo traje de Kong aparece en pantalla, y todo se va por la borda.
En cuanto al resto, no hay nada demasiado destacable. Las actuaciones van desde lo standard hasta la sobreactuación a niveles siderales; y los combates apenas están ok, donde los gigantes se castigan fuerte y parejo. Pero incluso en esta materia la serie ha perdido algo de brillo; el andar pausado y elegante de un ser descomunal como Godzilla ha dejado su lugar a un ritmo normal de movimiento, incluso algo acelerado - posiblemente para filmar con mayor intensidad las peleas cuerpo a cuerpo -, lo que hace más obvio que se tratan de actores enfundados en traje. Y está el final, el único filmado (donde King Kong gana, tanto en la versión original japonesa como en una reedición americana con nuevas escenas incluídas) que resulta algo desprolijo y abrupto.

No es una buena entrada en la serie; pero Honda mantiene un ritmo lo bastante entretenido como para que no aburra. Quizás el mayor problema sea el guión de Shinichi Sekizawa (el mismo de Godzilla Vs Megalon), que le encanta salir de madre e irse a terrenos camp, incluyendo personajes ridículos como el industrial farmaceútico o los expedicionarios. El otro problema es que se nota que la Toho quiso hacer una superproducción a colores pero carecía de los recursos suficientes; y entonces uno ve a cientos de extras moverse en decorados de papel maché, o un gran despliegue de maquetas no muy bien terminadas. Lo único que salva al film de ser un desastre total es el pulso de Honda para que los agujeros se noten menos. “Plan 9” visita Japón.




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domingo, 12 de abril de 2009

Viaje A Marte (1918) ("Himmelskibet")




sinopsis

La película,considerada como la primera "opera-space" de la historia, desarrolla los planes de un doctor, cuyo ídolo es Cristobal Colón (aunque le atribuye erróneamente la intención de dar la vuelta al mundo), para viajar a Marte. Para ello, en sólo dos años logra construir una nave, el Excelsior, y logra captar como voluntarios a un puñado de expedicionarios, uno de ellos comprometido con una joven llamada Corona. Boicoteado por el escepticismo de un viejo científico, quien se despide con sarcasmo de la tripulación pidiendo que le envíen una carta a Venus. Tras varios meses de viaje, con un intento de motín incluido, la nave llega a Marte, donde aguardan varios hombres y mujeres vestidos totalmente de blanco, con complementos poco creíbles (los hombres con túnicas que recuerdan al mundo clásico grecolatino, pero con extrañas cofias de una tela como de ala de mosca; las mujeres, como las hadas campestres, con diademas de flores). Tras años de guerras y sangre, Marte ha construido un mundo civilizado donde no hay armas de fuego, ni delitos (o si los hay, se superan con la toma de conciencia y no encerrando al infractor en la cárcel) y donde el amor se vive desde la pureza. El capitán se enamorará de estos ideales y en especial de una de las doncellas, a la que traerá en el viaje de vuelta.




Ficha Técnica

(Título Original: "Himmelskibet") / Director: Holger-Madsen / Guión: Sophus Michaelis, basado en su novela / Fotografía: Frederik Fuglsang / Intérpretes: Nils Asther (Marciano), Philip Bech (Líder de los marcianos), Alf Blutecher(Dr. Krafft), Frederik Jacobsen (Profesor Dubius), Lilly Jacobson (Marya,hija del líder de los marcianos), Svend Kornbech (David Dane), Nicolai Neiiendam (Profesor Planetaros), Alfred Osmund (Monje Marciano), Zanny Petersen (Corona), Gunnar Tolnæs (Avanti Planetaros)/ Nacionalidad y Año: Dinamarca, 1918 / Duración y Datos Técnicos: 97' b/n. Muda





Comentario

La primera vez que vi este film fue sobre todo por curiosidad. Una película muda y danesa que narraba un viaje a Marte… Resultaba sugerente. Pero mientras la veía iba, poco a poco, cayendo en la más profunda decepción.

Además de ser técnicamente artificiosa y plagada de actores que sobreactúan en exceso (aún para ser muda), parte de un guión flojo, y lleno de una moralina rebosante de ingenuidad. Marte no se parece en nada a la realidad y, más aún, dista de cualquiera de las visiones que del planeta rojo se han hecho con posterioridad en el cine de ciencia-ficción. Así, cuando nuestros protagonistas arriban en Marte, se encuentran con unos seres humanos provistos de atuendos de aires grecorromanos, sumamente hospitalarios y bondadosos. Una pueblo que, al parecer, fueron una vez "bárbaros" como nosotros, pero que alcanzaron la iluminación, y se transformaron en una raza feliz, vegetariana (no comen carne muerta) y sumamente espiritual. Y aunque su idioma es diferente al de sus visitantes terrestres, consiguen comunicarse con ellos. En el fondo, está claro que la película está impregnada de los últimos vestigios del romanticismo del siglo XIX. Algo que la Alemania de Weimar y el desplome de Wall Street, entre otros sucesos, erradicará totalmente del cine.

El propósito final de la película, obviamente, es mostrarnos un mensaje pacifista lleno de tolerancia y comprensión (es estrenada el mismo años del fin de la Primera Guerra Mundial), sin embargo, aunque sin duda se puede ver (y es lo suficientemente corta, con 81 minutos, para no caer en el aburrimiento), la casi total falta de tensión entre los habitantes de los dos planetas y lo soso de la historia hacen mella en ella. Además, prácticamente ninguno de los ocupantes de la embarcación, que han sido reclutados desde todos los rincones del globo, participan de la trama una vez llegan a Marte.

En definitivas cuentas, cine mudo ideal para cinéfilos recalcitrantes y curiosos en general. “Plan 9” viaja de nuevo a Marte.


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La Zona (Stalker) (1979) (V.O.S.E.)





sinopsis

Un hombre es conocido como un "Stalker" (Aleksandr Kajdanovsky). Su trabajo consiste en guiar y enseñar a los curiosos un lugar llamado "la zona" en donde se cree un meteorito hizo impacto y dotó a sus alrededores de increíbles poderes, como el de conceder deseos a todo el que logre ingresar. La zona se encuentra fuertemente custodiada por militares.
Esta vez el Stalker deberá valerse de su ingenio para burlar a los guardias y conseguir penetrar junto a un escritor y un profesor, dos curiosos en busca de respuestas.




Ficha Técnica

Director: Andrei Tarkovsky / Productor: Aleksandra Demidova / Guión: Arkadi Strugatsky Y Boris Strugatsky, sobre la novela "The Roadside Picnic", de Arkadi y Boris Strugatsky / Fotografía: Aleksandr Knyazhinsky / Música: Eduard Artemyev / Dirección artística: Shavkat Abdusalamov / Intérpretes: Aleksandr Kaidanovsky (Stalker), Alisa Frejndlikh (Esposa del Stalker), Anatoli Solonitsyn (Escritor), Nikolai Grinko (Científico), Natasha Abramova(Martha)/ Nacionalidad y año: URSS 1979 / Duración y datos técnicos: 163 min. Color 1.37 : 1 (V.O.S.E.)




Comentario

La simple idea de acercarme, con un análisis ramplón e inocente, a una de las películas más hermosas, complejas e irrepetibles de la historia del cinematógrafo me parece un atrevimiento casi vergonzante. No es gratuito. "Stalker" es una de esas obras que han conseguido que el séptimo arte haya llegado más lejos en el siglo XX que cualquier otra manifestación artística. Si es cuestión de ser sincero, ninguna otra baza cultural ha tenido (ni por asomo) el mismo relieve e importancia que el cinematógrafo. Ni los "ismos" de la literatura, ni el expresionismo pictórico, ni el teatro de vanguardia. Nada. El arte del siglo XX ha sido el cine, lo que da que pensar en cuanto es síntesis de las demás artes y en cuanto es un arte defragmentado: la unidad mínima de narración (el plano) se articula en torno a un caos narrativo para crear una pieza con mayor o menor sentido.
"Stalker" es, según muchos, la mejor película de su autor. Si me paro a reflexionar sobre el corpus de Tarkovsky, me siento tentado a encontrar dos referentes anteriores que parecen anunciar lo que iba a llegar. Por un lado, el ensayo casi perfecto de "Zérkalo" (1975) y por otro, la reinvención del género espacial con "Solaris" (1972). Y de pronto, como si fuera una articulación lógica, llega "Stalker", que es mucho más que una película de ciencia ficción y mucho más que cualquier ensayo sobre poesía o filosofía publicado a partir de los setenta. No sé, quizá pienso en McLuhan, o en Derrida, o en los semióticos que empezaban a gatear en un estructuralismo limitado. Y luego vuelvo a ver "Stalker" y creo que alguien supo dar en el clavo, que por un momento, alguien pudo llegar a entrever una no-explicación a casi todos los terrores del siglo XX: la catástrofe atómica, la destrucción de Dios, el vacío existencial... Una no-explicación, porque el siglo XX ha sido el siglo de las negaciones: la negación del arte, la negación de la filosofía, la negación del amor, la negación del hombre...
Es imposible llegar hasta el fondo de "Stalker", del mismo modo que es imposible llegar hasta el fondo de "Persona" o de "Ordet". Son obras/pozos sin fondo, obras/sin respuesta (o no-respuesta) que sólo sirven para que la terrible angustia que injertan al espectador acabe por crear (¡increíble paradoja!) un cierto espejismo de calma, una catársis, una puerto al que llegar. Y además, obras respetadas por el tiempo, obras que alguien se ha molestado en mimar y en luchar, contra viento y marea, para que no se olvidaran. Lo digo, principalmente, por el fabuloso tratamiento del sonido que se incorporó a su última versión en DVD, probablemente uno de los mejores 5.1 que he tenido el placer de disfrutar. ¿Cómo puede sonar tan bien una película de 1979? Efectivamente, por lo mismo que suenan tan mal otras de 2005. Otra increíble paradoja.
Enumerar los méritos de "Stalker" es una tarea absurda y sin demasiado sentido. Quizá, el primero que acude a mi mente es la tremenda pasión que invade la obra. PASIÓN. Pasión en la interpretación, pasión por el cine, pasión por el pensamiento, pasión por la música, por la imágen... Tarkovsky parece inundado de una fuerza aterradora al crear esta pieza: mima cada detalle, nos regala una fotografía para quitarse el sombrero, construye un universo tan perfecto que parece mucho más real (y hermoso) que nuestra propia realidad. Real en el sentido de vivo, de auténtico, de brillante. Hay tal pasión en "Stalker" que el espectador es arrollado y atrapado en la telaraña, es encerrado en el corazón de esta espiral/película, consiguiendo algo imposible: Convertir los 160 minutos de duración en una experiencia única, irrepetible, en ningún momento tediosa. Hay películas lentas (la propia "Zérkalo", cualquiera del tan de moda Kim Ki-Duk, todas las del reeditado Angelopoulos) que no se molestan en disimular su propia lentitud, sino que se sazonan de tiempos muertos y encuadres artísticos para intentar marcar una huella autoral (lo que, de entrada, no me parece nada malo). Sin embargo, y aquí está la clave, el universo de "Stalker" no responde a ninguna lentitud cinematográfica. No hay tedio, no hay aburrimiento: hay hipnósis. ¿Por qué? Simplemente porque hay PASIÓN en lo que se cuenta y en cómo se cuenta. Una auténtica pasión cinematográfica, que nada tiene que ver con las mismas pretensiones de Almodóvar y su rídiculo cierre de "La mala educación". ¿Pasión? La pasión entraña, por terminología propia, un sufrimiento teológico. No hay sufrimiento teológico en dos tipos sodomizándose en las salas del 2005. Hay sufrimiento teológico en este "Stalker", hasta unos extremos tan insoportables que rozan la divinidad misma. Hay tormento, y una responsabilidad para con el hombre como pocas veces se observa en la pantalla.
Quizá me queda una duda. ¿Por qué demonios este tipo de películas sólo surgen en el seno de la vieja Europa o en sus países adyacentes? ¿Por qué nunca nos han llegado películas norteamericanas, o islámicas, o quizá incluso asiáticas, que se atrevan a condenar/salvar al hombre y a su religión, que se atrevan a diseccionar la miseria hasta un punto en el que los extremos del cine, la poesía, la filosofía y la verdad se distorsionen y se pierdan? El debate está abierto.
"Stalker" es una película que nos espera, cada noche, con los ojos abiertos.

(Autor: Aaron Rodríguez. Fuente: http://elseptimosello.blogspot.com)



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De La Tierra A La Luna (1958) ("From the earth to the moon")




sinopsis

Un científico visionario inventa el ”Potencia X”, un nuevo combustible capaz de generar energía sin límite. Junto a un colega rival y dos mujeres parte en un cohete propulsado por el hallazgo hacia la Luna, donde vivirán increíbles aventuras.





Ficha Técnica

Director: Byron Haskin / Productor: Benedict Bogeaus / Guión: Robert Blees y James Leiceste, basado en la novela de Julio Verne / Fotografía: Edwin B. DuPar / Música: Louis Forbes / Efectos especiales: Lee Zavitz / Intérpretes: Joseph Cotton (Victor Barbicane), George Sanders (Stuyvesant Nicholl), Debra Paget (Virginia Nicholl), Don Dubbins (Ben Sharpe), Patric Knowles (Josef Cartier), Carl Esmond (Julio Verne), Henry Daniell (Morgana), Melville Cooper (Bancroft), Ludwig Stössel(Von Metz), Morris Ankrum (Presidente Ulysses S. Grant,... / Nacionalidad y año: USA 1958 / Duración y datos técnicos: 101' Color 1.85 : 1




Comentario

Con los dos éxitos “20.000 leguas de viaje submarino” (Richard Fleischer, 1954) y “La Vuelta Al mundo en 80 días” (Michael Anderson, 1956), ambas espléndidas y populares adaptaciones al cine de las obras de Julio Verne, se abrió la puerta a una moda pasajera en la que se recuperaba para la gran pantalla las novelas del prolífico Julio Verne. Pronto las pantallas se llenaron con títulos como la checoslovaca “The Fabulous World of Jules Verne” (Karel Zeman, 1958), “Viaje al Centro de la Tierra” (Henry Levin , 1959), “La Isla misteriosa” (Cy Endfield , 1961),”El Amo del Mundo” (William Witney, 1961), “Los Hijos del Capitán Grant” (Robert Stevenson , 1962 ), “Cinco Semanas en Globo” (Irwin Allen , 1962) y “Jules Verne’s Rocket to the Moon” (Don Sharp, 1967). La gran mayoría no son dignas de tener en cuenta y se caracterizan por su chillón technicolor y el estar destinadas al público infantil. “De la Tierra A La Luna” se escapa un poco de esa clasificación.
Fue dirigida por Byron Haskin, director que habían ganado una reputación en el género por algunos de sus filmes, bajo el auspicio deGeorge Pal, como son “La guerra de los mundos” (1953), “Cuando ruge la marabunta” (1954), y “La Conquista del Espacio” (1955), en las que demostró que tenía un buen ojo para el cine en Technicolor y los espectáculos de efectos especiales. El film fue bien producido, ofreciéndonos una memorable escenografía, con una nave espacial cuyo interior es decorado suntuosamente con una apariencia de estilo victoriano totalmente retro, y unos fantásticos motores que casi parecen que funcionan de verdad. Una decoración que sentaría cátedra para posteriores revisiones de la obra de Verne.

“De la Tierra a la Luna” es casi una buena película, pero se queda en el camino. Adolece de la falta de nervio habitual en la mayoría de los filmes de ciencia-ficción de los 50 en los que, una vez los protagonistas salen al espacio, hacia ese mar insondable e infinito lleno de interrogantes, en el que con imaginación se podría idear cualquier maravillosa historia… no sucede nada. No crean nada nuevo. No saben aprovecharlo. Sólo hay que ver lo que, pocos años después, una serie de televisión como fue “Star Trek”, haría con los viajes interplanetarios, ofreciéndonos de todo: entes invisibles, alienígenas viscosos, civilizaciones perdidas,… La imaginación al poder. En “De la tierra a la luna” nos encontramos con una buena historia previa al lanzamiento del cohete donde los dos protagonistas llevan su rivalidad hasta el límite, jugando con el carisma de Joseph Cotten y George Sanders. El cohete despega y de repente... No pasa nada. Justo en el punto en el que llegan al espacio, a lo que promete ser la parte más interesante de la historia, el ritmo baja hasta casi el sopor, con esa eterna rivalidad trasladada al espacio exterior. El dramatismo aparece en ocasiones: una lluvia de meteoritos, la reparación de emergencia de un motor giroscópico…, pero nos queda la sensación de que se podría haber sacado mucho más partido a la travesía estelar. Así, los efectos especiales brillan por su ausencia.
En conclusión, un film que no llega a cuajar del todo a pesar de un buen reparto que podría haber hecho la historia más atractiva, si el guión hubiese sacado más partido a las situaciones que en el film se plantean y se hubieran ideado nuevas. Para amantes del género, y amigos de Julio verne.



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sábado, 11 de abril de 2009

Cuando Los Mundos Chocan (1951) (2 versiones: Doblada y V.O.S.E.) ("When The Worlds Collide")







sinopsis

El piloto aéreo Dave Randall transporta un mensaje secreto desde un observatorio de Sudáfrica a las manos del astrónomo Hendron en Estados Unidos. Allí, Hendron confirma los cálculos de los científicos sudafricanos: que dos planetas, Bellus y Zyra, se aproximan a gran velocidad a la Tierra. El paso de Zyra será demasiado cerca y provocará numerosos maremotos y desastres naturales, pero la trayectoria de Bellus es de impacto directo con nuestro planeta. Hendron intenta advertir al mundo en una asamblea de las Naciones Unidas, pero sus teorías son descartadas. Con financiamiento privado comienza a construir una nave espacial - una nueva arca de Noe - que permita llevar un puñado de humanos hasta Zyra, la que se cree es habitable. Pero los vaticinios resultan correctos, y la humanidad se encuentra desesperada ante la llegada del fin del mundo. Todo depende de una infima posibilidad de éxito, de que un contigente de personas logre escapar al cataclismo y comenzar una nueva civilización en la desconocida superficie de Zyra.





Ficha Técnica

Director: Rudolph Maté / Productor: George Pal para Paramount / Guión: Sydney Boehm, s/n Edwin Balmer y Philip Wylie / Fotografía: John F. Seitz, W. Howard Greene / Música: Leith Stevens / Efectos especiales: Gordon Jennings, Harry Barndollar, Faricot Edouard / Montaje: Arthur Schmidt / Dirección artística: Hal Pereira, Albert Nozaki / Intérpretes: Richard Derr (Dave Randall), Barbara Rush (Joyce Hendron), Larry Keating (Dr. Hendron), Peter Hanson (Tony Drake), John Hoyt (Stanton), Judith Ames (Julie Cummings), Stephen Chase (Dr. Deen Frey), Frank Cady, Hayden Rorke, Sandro Giglio, Mary Murphey, Laura Elliot, Paul Frees... / Nacionalidad y año: USA 1951 / Duración y datos técnicos: 79' C 1.38:1. Doblaje: Español Neutro




Comentario

Esta fue la segunda película de George Pal dedicada a la ciencia-ficción en la década de 1950, realizada tras el éxito de “Con destino A La Luna” (Irving Pichel, 1950). Y como ésta, tuvo una gran acogida, llegando a recibir el óscar a los mejores efectos especiales. El film mantiene los postulados típicos de todas las producciones de Pal: un gran énfasis en los efectos especiales (a pesar de ser escasos), creando un maravilloso espectáculo visual, pero profundizando poco en el elemento humano, que es tratado con superficialidad y de manera poco creíble. Además de con la misma ingenuidad política y religiosa de cualquiera de sus producciones. Es innegable que es un clásico del género, más aún viendo todos los filmes coetáneos de serie B, realizados con cuatro duros, que son la gran mayoría.
Por que “Cuando los mundos Chocan” es, ante todo, un espectáculo visual: la construcción del cohete, la rampa sobre la montaña, la cámara panorámica a lo largo de una biblioteca donde está recogido todo el saber humano… y, por supuesto, las escasas imágenes de devastación masiva (la destrucción de Nueva York es impresionante), son escenas visualmente potentes, que se han reproducido un montón de veces en los libros. Aunque para ser una producción de George Pal, no es un film que se apoye demasiado en los efectos especiales. Las secuencias de efectos son bastante breves, aparecen sobre el último tercio del film y no duran demasiado, pero es lo mejor del film. La destrucción final de la Tierra es sencillamente decepcionante: sólo se ve unos segundos en una pantalla de monitor y nada más que eso.
La película pierde en su parte dramática, en la construcción de la historia y sus personajes. Nada es creíble. Resulta más que dudoso, si existiera una crisis de ese tipo, que la raza humana se dirigiera a su destrucción en masa con tanta dignidad, decencia, y con esa inconsciencia que se ve a lo largo del film. Habría pánico, barbarie, crueldad,… Todos los elementos que caracterizan al ser humano. Cada uno luchando por su propia vida. La única dosis de realismo la aporta el actor John Hoyt como el desagradable millonario que financia la construcción del cohete. Su visión de lo que sucede es cínica pero sincera (en especial sobre el levantamiento de masas cuando la catástrofe esté cerca). El problema es que el carácter de Hoyt es una isla en medio de un mar de ingenuidades propias del género de aquella época, como que las Naciones Unidas sirven para algo, y que los científicos son una especie de sabios que deben guiar a la humanidad. Aquí no existen cuestionamientos sobre que el Dr. Hendron elija quienes van en el viaje (su hija, su futuro marido, un niño que se encuentran,…) y defina cómo se hace el sorteo para decidir el resto de la tripulación que irá en el arca espacial.
A pesar de todo, el film se mantiene muy bien especialmente porque impone el sentido de la urgencia, algo que comienza a incrementarse a medida que el final se acerca. Es ciertamente naif en la concepción de los personajes, porque establece ciertas características de docilidad y nobleza que son obviamente imposibles en una situación real cuando la desesperación apremia. Al tener un buen ritmo, uno no piensa demasiado en las faltas de la historia. Pero si hay algo que realmente le quita puntos al film - y que aparece en otras películas de Pal, aunque de manera más menguada - es el tufillo de discurso católico que el productor impone a la historia, y que aquí resulta vomitivo. Es Pal en su peor hora, sermoneando la Biblia y los castigos del Señor a la humanidad corrupta. Intercalando párrafos de la Biblia al son de coros celestiales a cada rato. Y cuando no son estos inserts, son escenas aisladas donde los individuos realizan actos de nobleza que termina por empalagar: que el ex novio de la Dra. Hendron mienta para que el piloto Randall desista de abandonar el viaje, o la historia de los jovenes novios que trabajan en la construcción de la nave - él es elegido por el sorteo, pero ella no - y que el omnipotente Dr. Hendron termina por decidir que ambos suban a bordo y no se separen, aunque por ello ponga en riesgo toda la misión. Son personajes que se portan de forma demasiado correcta en una situación tan desesperante, lo que termina por hacerlos ridículos al ser tan moralmente perfectos.




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(Versión Doblada)

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(V.O.S.E.)

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Pass: meteorito



miércoles, 1 de abril de 2009

La isla de las almas perdidas (1932) (V.O.S.E.) ("Island of lost souls")






sinopsis

Despues de que su barco naufragara, Edward Parker es rescatado en alta mar. El capitan del barco se dirigue a la isla del doctor Moureau, dirigida y gobernada por Moureau, personaje reservado, dedicado a sus investigaciones cientificas. En realidad, como Parker descubrira, el doctor esta realizando un trabajo espeluznante: convertir animales en personas.




Ficha Técnica

Director: Erle C. Kenton / Productora: Paramount Pictures / Guión: Waldemar Young, Philip Wylie, según la novela de H. G. Wells / Fotografía: Karl Struss / Música: Sigmund Krumgold, Arthur Johnston / Dirección artística: Hans Dreier / Efectos especiales: Wally Westmore, Gordon Jennings / Intérpretes: Charles Laughton (Dr. Moreau), Richard Arlen (Edward Parker), Leila Hyams (Ruth Thomas), Bela Lugosi (el que recita la ley), Kathleen Burke (Lota, la mujer pantera), Arthur Hohl (Mr. Montgomery), Stanley Fields (Capitán Davies), Paul Hurst, Hans Steinke, Tetsu Komai, George Irving, Duke York, Buster Brodie, John George, Joe Bonomo, Bob Kortman… / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1932 / Duración y datos técnicos: 70 min. B/N 1.37:1. (V.O.S.E.)




Comentario

Dirigida por Eric C. Kenton y adaptada por Waldemar Young y Philip Wylie (famoso escritor de ciencia ficción y autor de la novela “When World collides”, que se convirtió en oscarizada película en 1951) “La isla de las almas perdidas” (The island of lost souls) es por méritos propios un clásico del cine fantástico y de terror y la primera adaptación cinematográfica de la famosa novela de 1890 de H. G. Wells, “La isla del doctor Moreau” , donde se nos cuentan los experimentos genéticos de dudosa moralidad que el doctor lleva a cabo en la isla con animales, en un intento de hacerlos evolucionar a seres humanos dando lugar a una raza de seres mitad hombres mitad animales.

Es notable (teniendo en cuenta las duraciones a las que nos tienen acostumbrados hoy en día) la capacidad de síntesis del director y el guión, que en apenas 70 minutos, te cuentan una historia sólida y dinámica en la que tras los 15 primeros minutos ya te han puesto en situación para disfrutar lo que queda por delante. Sobre todo para disfrutar de la fotografía oscura e inquietante de la isla y de la absolutamente magistral interpretación de Charles Laughton que maneja al personaje a su antojo, llevándole por la delgada linea que separa la cordura de la locura, al mesiánico doctor del inicio del patético doctor del final, y siempre sin perder la sonrisa. Otros buenos momentos los tenemos en las escenas que comparten Edward y la mujer pantera (cargadas de mucha tensión sexual, erotismo y morbo), los gritos de terror que salen de la habitación del dolor o la magnífica secuencia final.

Entre los seres que habitan la isla encontramos al mismísimo Bela Lugosi, interpretando al Predicador de la Ley ("Sayer of the Law" en el original), que impone la palabra de Moreau y llama al autocontrol de las bestias al grito de “What is the law?” (frase celebre junto al “¡One of us!” de Freaks).

Durante más de dos décadas estuvo prohibida en el Reino Unido por incumplir un Acta que prohibía exhibir la crueldad con animales en películas que se estrenaran en el país (cosa que no alcanzo a entender porque en ningún momento salen animales en la película, pero debieron pensar que un tio con maquillaje y taparrabos por fuerza debe ser un animal). Al parecer a Wells no le hicieron mucha gracia algunos elementos de terror que se incorporaron porque creía que eclipsaban la filosofía que encerraba la historia. Muy a su pesar (menos mal que ya estaba bajo tierra) se hicieron dos olvidables adaptaciones más de la novela con Burt Lancaster en 1977 y Marlon Brandon en 1996. Hasta los más grandes cometen errores.



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pass: laughtonlugosi




El Poder Invisible (1936) (V.O.S.E.) ("The Invisible Ray")





sinopsis

Un científico descubre un nuevo elemento químico, el Radio X, con grandes aplicaciones curativas, pero que también puede ser usado con fines altamente destructivos. Parte hacia las profundidades de África en su busca, y allí es contaminado por éste, de manera que el científico se convierte en mortal al tacto. Utilizará entonces este recién adquirido poder para vengarse de aquellos que le han traicionado.




Ficha Técnica

DDirector: Lambert Hillyer / Productor: Edmund Grainger para Universal / Guión: John Colton, según argumento de Howard Higgin y Douglas Hodges / Fotografía: George Robinson / Música: Franz Waxman / Efectos especiales: Jack P. Pierce (maquillajes), John P. Fulton, Raymond Lindsay (efectos visuales) / Montaje: Bernard W. Burton / Intérpretes: Boris Karloff (Dr. Janos Rukh), Bela Lugosi (Dr. Felix Benet), Frances Drake (Diana Rukh), Frank Lawton (Ronald Drake), Violet Kemble Cooper (madre Rukh), Walter Kingsford, Beulah Bondi, Frank Reicher, Paul Weigel, Georges Renavent, Ernie Adams… / Nacionalidad y año: USA 1936 / Duración y datos técnicos: 80 min. b/n.(V.O.S.E.)



Comentario

La carrera del gran actor Boris Karloff (que murió en 1968), inmortalizado, entre otros personajes, por la interpretación de la criatura de Frankenstein en los clásicos de la productora Universal de las décadas 30 y 40, también se caracterizó por algunas participaciones en películas de ciencia ficción, en las que interpretaba a un “científico loco", es decir, alguien cuyos descubrimientos científicos se convertían en una amenaza para la sociedad. En realidad, "El Poder Invisible" (The Invisible Ray), estrenada en 1936, es una de las precursoras de ese subgénero del “Mad Scientist”que tanto se popularizaría en la década de los 50 (en filmes de terror y sci-fi).
También es importante porque es una de las pocas obras en las que se reúnen dos de los grandes iconos del terror cinematográfico, Boris Karloff y Bela Lugosi. Dos grandes personalidades que desde que comienza el film inundan la pantalla, y que suponen el factor decisivo para mantener el interés por el film. Sus otras películas son: "The Gift of Gab" (1934), "The Black Cat" (1934), "The Raven"(1935), "Son of Frankenstein" (1939), "Black Friday" (40), "You'll Find Out" (40) e " The Body Snatcher" (1945). En "The Invisible Ray", Lugosi tuvo un papel menor (Dr. Benet) en comparación con su compañero Karloff (Dr. Rukh), pero no por ello menos importante. El Dr. Benet representa la científico humano y racional, que investiga por el bien de la humanidad, en contraste con su adversario el Dr. Rukh, cuya personalidad se va desintegrando con los efectos nocivos del elemento químico del meteorito, hasta acabar siendo un asesino, o más bien, un "científico loco". Así, Lugosi acaba muriendo, literalmente, en las radioactivas manos de Karloff .
"The Invisible Ray" fue dirigida por Lambert Hillyer, un especialista en westerns, que sólo realizó otra película de horror, "La hija de Drácula", también en 1936. Fue rodada en los mismos escenarios de "Flash Gordon" (del mismo año) y también se utilizan algunas escenas de las máquinas eléctricas del clásico "Frankenstein" (1931). En contraste, algunas escenas de "The Invisible Ray" también se utilizarán más adelante en otra película con Bela Lugosi, "The Phantom Creeps" (1939). Este recurso de utilizar escenarios ya existentes con el objetivo de reducir el coste de producción es algo habitual en el cine fantástico de la época.
Los efectos especiales, a cargo de John P. Fulton, tuvieron una gran influencia para el éxito de la película. La escena en el laboratorio del Dr. Rukh donde es reproducida una batalla entre soles y estrellas en la galaxia de Andrómeda, como sucedió hace 750 millones de años luz en el pasado, fue considerada como una innovación en esa época. Tanto es así que la Universal, en una estrategia de marketing, mantiene en secreto los métodos de producción de tales efectos durante la filmación, creando una gran expectación en la prensa.
Con el éxito de su película, precursora e innovadora en el genero, e imitada hasta la saciedad, la productora Universal tenía la intención de repetir jugada una vez más con otra producción en la que se incluyese a Lugosi y Karloff con un tema similar. Pero en lugar de un asesino radiactivo, Karloff interpretaría el papel de una criatura eléctrica. El guión, basado en el cuento "El Hombre Eléctrico" de HJ Essex, Sid Schwartz y Len Golos, fue preparado con el título título "The Man in the Cab", pero la producción fue abandonada en una decisión de Universal en base al creciente desinterés del público, un poco cansado ya de las películas del género. Este proyecto se retomó en 1940 y fue filmado con el título de "El Hombre Que creaba Monstruos" (“Man Made Monster”), con Lionel Atwill y Lon Chaney Jr. en los papeles que debían ser de Lugosi y Karloff, respectivamente. Otra pequeña joya que en breve postearemos en este blog. "El poder Invisible", una joya del cine clásico de terror y la ciencia-ficción. “Plan 9” love Karloff & Lugosi.




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Hollywood Capers (1935)




Frankenstein de James Whale (1931) y la imagen del monstruo interpretada por Boris Karloff tuvieron un impacto inmediato y profundo (que todavía existe hoy en día) en la cultura pop. Un ejemplo de ello es la participación de una especie de clon-robot en la serie de dibujos animados Looney Tunes, versión Hollywood Capers en 1935.

La estrella de este corto es Beans, un gato de dibujos animados que resultó ser sólo otro excepcional y rápidamente olvidado clon de Mickey Mouse. En este episodio, a Beans, se le deniega la entrada a un estudio de cine. Se disfraza de Oliver Hardy para entrar. Después de algunas payasadas y un interludio musical, aproximadamente a mitad de camino en la acción, Beans entra en un laboratorio donde hay un monstruo mecánico igualito a Frankenstein. 

Hollywood Capers fue dirigida por Jack King, que había abandonado Walt Disney en 1933 para unirse a la compañía de León Schlesinger, los productores de Looney Tunes y Merry Melodies de la Warner Brothers. King volvería a Disney en 1936, donde permaneció para siempre. 

Un pequeño descanso de tanto marciano. Dibujos Animados para todos los públicos.


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Vuelo A Marte (1951) (V.O.S.E.) ("Flight To Mars")






sinopsis

Una nave espacial desciende en Marte y sus tripulantes humanos deben luchar contra los marcianos que quieren tomar el vehículo para invadir la Tierra.




Ficha Técnica

Director: Lesley Selander / Productor: Walter Mirisch para Monogram Pictures Corporation / Guión: Arthur Strawn / Fotografía: Harry Neumann / Música: Marlin Skiles / Montaje: Richard V. Heermance / Efectos especiales: Jack Cosgrove, Irving Block, Jack Rabin / Intérpretes: Cameron Mitchell (Steve Abbott), Arthur Franz (Dr Jim Barker), Morris Ankrum (Ikron), Marguerite Chapman (Alita), Virginia Huston (Carol Stafford), John Litel, Richard Gaines, Lucille Barkley, Robert Barrat, Trevor Bardette, David Bond, Raymond Bond, Edward Earle, William Forrest, Bill Neff... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1951 / Duración y datos técnicos: 72 min. color 1.37:1.(V.O.S.E.)



Comentario

Un año antes de “Vuelo a Marte”, fue estrenado el film “Con destino A La Luna” (“Destination Moon”) dirigida por Irving Pichel y producida por el padre del cine de ciencia-ficción, George Pal. Su estreno supuso un soplo de aire fresco y el inicio de la edad de oro de este género hasta entonces menor (sino inexistente). También, comienza su diversificación temática, combinando los científicos locos y las odiseas estelares imposibles con aventuras espaciales con cierto rigor científico, en las que los ingenieros y los (valga la redundancia) científicos cobran especial protagonismo y en las que comienza a sugerirse que la humanidad debe dirigirse al espacio a explorarlo y aprender.
Así, cuando uno comienza a ver “Vuelo A marte”, en el primer tercio de película se encuentra con los preparativos del despegue, las maravillas del espacio interestelar; un par de especulaciones filosóficas sobre el significado de todo, la llegada al planeta y, finalmente, a una maravillosa ciudad mecanizada. No suena mal.
Lamentablemente, todo lo que esa primera parte promete, se disuelve como por ensalmo cuando toman contacto con la civilización que habita allí. De repente, todo se ralentiza y se transforma en algo banal, en el que priman las intrigas políticas y un floreciente romance interestelar. Algo risible y a la vez insípido, anodino, aburrido… Vamos, un pelín cutre, diría yo. Sólo hay que ver el papel que tiene las mujeres en el film… Algo infumable. Por ejemplo, cuando la expedición llega al planeta y son recibidos por sus habitantes, la tripulante femenina (una experimentada científico y astronauta) lo primero que pregunta cuando les llevan a sus aposentos es… “¿Dónde está la cocina?”. Aunque es algo habitual en las películas de esta época. Se mira hacia el futuro, pero se olvidan de avanzar en ciertos campos.
En general, “Vuelo A Marte” tiene unos más que aceptables efectos especiales y un agradable tratamiento del color. Además posee unos buenos decorados y unos trajes sumamente kitsch llenos de hombreras, minifaldas y botas altas… (Un diseño bastante habitual en los filmes del género). Pero el guión (y vamos, la dirección) hacen que todo flojee,…
Conclusión: Ni fu ni fa. No llega a aburrir, sobre todo poque dura muy poco, pero no es de las grandes. Para incondicionales del género y curiosos. “Plan 9” vuela a Marte.




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