viernes, 28 de mayo de 2010

Torture Garden (1967) (V.O.S.E.)





sinopsis:

En una feria de atracciones uno de los pabellones lleva el curioso nombre de El Jardín De Las Torturas. Regentado por un histriónico maestro de ceremonias que se hace llamar Dr Diabolo, cuenta con la presencia de una extraña figura femenina que, según el feriante, es capaz de revelar a los asistentes el futuro que les aguarda. O, mejor dicho, uno de los posibles futuros; el más tenebroso, por supuesto…



Ficha Técnica

Director: Freddie Francis / Productor: Milton Subotsky para AMICUS Films / Guión: Robert Bloch / Fotografía: Norman Warwick / Música: Don Banks y James Bernard / Montaje: Peter Elliot / Intérpretes: Peter Cushing, Jack Palance, Burgess Meredith, Beverly Adams, Michel Bryant, John Standing, Robert Hutton, John Phillips, Michael Ripper, Bernard Kay, Catherine Finn, Ursula Howells / Nacionalidad y año: Reino Unido 1967 / Duración y datos técnicos: 93 min. Color. V.O.S.E. (los subtítulos van incrustados).


Comentario



Ya he comentado alguna vez que el periodo que va de 1957 a 1972/73 fue el de la gloriosa hegemonía de algo que podríamos definir como Euroterror. Y la principal cinematografía del género, durante aquellos años, fue, desde luego, la británica. Todo ese delicioso Brit-Terror de los 60’s del que soy un absoluto enamorado inundó las pantallas de cine de todo el mundo con su catálogo de asombrosos horrores góticos o modernos, sus maravillosos colores o su elegante blanco y negro y sus comedidos o truculentos argumentos.

El buque insignia de todo aquello fue la mítica productora Hammer, que terminó especializándose en películas de miedo tras haber empezado como una simple productora sin mayor criterio en los lejanos años 30. Siguiendo su estela, otras casas como Anglo-Amalgamated, British Lion, los increíbles Baker & Berman y muchas más menudearon su producción terrorífica para aprovechar el filón (aunque nunca llegaron al grado de “especialización” de la productora de los Carreras). No obstante, fueron Amicus y Tigon las que más se acercaron a los planteamientos hammerianos, dedicándose, como ella, casi en exclusiva al género y siguiendo muy de cerca sus pasos.

La Tigon apostó por pelis de bajo presupuesto (más bajo de lo habitual, quiero decir… Pues la mayor parte de las producciones del Brit-Terror eran pelis baratas –aunque muy dignas, eso sí-) y por potenciar cierto efectismo argumental y visual cargando, además, las tintas en el aspecto erótico (aunque dentro de un orden, ejem. Todavía no era tiempo para según qué alegrías). Y por echarle mucha imaginación a la cosa, también.

La Amicus, por su parte, además de mimetizar en ocasiones el estilo de la Hammer hasta hacer algunas de sus películas casi indistinguibles (en espíritu y acabado) de las de su “hermana mayor” desarrolló una especial “marca de la casa” consistente en las películas por episodios. El antecedente lejano de esa clase de filmes era un clásico británico de terror de 1945 titulado Death Of Night. Este tipo de films, denominados películas ómnibus, consistían en ofrecer varias historias independientes unidas entre sí por un levísimo hilo argumental (un personaje que iba contando los diferentes relatos, habitualmente siniestro e inquietante). La primera película que la Amicus produjo con esa estructura fue la famosa “Dr Terror” (1964) y la última, si la memoria no me traiciona, creo que fue “The Vault Of Horror” (1974); aunque, en realidad, en fecha tan tardía 1980 el factótum de la productora, Milton Subotsky, todavía tuvo arrestos para producir una peli de similares características, aunque de carácter semihumorístico (una mezcla de parodia y homenaje), titulada “El Club De Los Monstruos”.


Bueh… Pues aquí traigo una de esas deliciosas películas ómnibus de la Amicus. En concreto, la segunda, producida en 1967, tres años antes de haber tenido éxito con Dr. Terror y de haberse afianzado como “hermana menor” de la Hammer.

Como casi siempre, la peli incluye cuatro relatos (a veces llegaban a cinco, pero nunca pasaban de ese número): “Enoch”, “Mr. Stenway”, “Terror En Hollywood” y “El Coleccionista De Poe”. El mejor y más celebrado de todos es el último, protagonizado por Jack Palance y Peter Cushing; y, aunque no se le parece mucho, a mí me ha recordado un poco a “La Maldición De La Calavera” (una peli de la misma productora realizada en 1965 que es, para mi gusto, el mejor film que produjo nunca la Amicus).

La crítica (la que se ha dignado tratar al género) suele insistir en que su antecesora, “Dr Terror”, era mucho mejor. Y no seré yo quien le lleve la contraria (a la crítica, digo), pero quiero dejar bien claro que esta peli me ha gustado muchísimo, pues le sobran virtudes y encantos propios como para no desmerecer al lado de su antecesora.

Así, un uso del color verdaderamente bonito y efectivo (tenebrista a veces, luminoso otras, siempre excelente). Y una estética maravillosamente sesentera y pop en alguno de los episodios (el Swingin’ London se tenía que notar hasta en las películas de miedo, como debe ser). Como curiosidad, resaltar la aparición de dos actores americanos poco habituales en las producciones británicas de terror de la época como son Jack Palance y Burgess Meredith (éste último en el papel de Dr Diabolo).

La peli la dirigió Freddie Francis, el mismo que ya había realizado “Dr Terror” un par de años antes (y que luego colaboraría con su hijo Kevin en la voluntariosa y breve aventura de la Tyburn, ya en los 70’s).

El guionista es el genial Robert Bloch. Todo el mundo, cuando lo cita, recuerda lo mismo: el autor de la novela y guión original de “Psycho” (sí, la de Hichtcock). Como si no hubiera hecho otras cosas… Porque, desde luego, las hizo (gracias a los dioses). De hecho, para los aficionados (siquiera cutres, como yo) a la literatura de género terrorífico (dentro de un orden) es uno de los mejores escritores de cuentos de miedo del siglo XX, digno heredero de la tradición anglosajona del XIX. Y miembro activo del Círculo de Lovecraft, además (uno de los que colaboró estrechamente con el viejo Howard Phillips para crear lo que ahora conocemos como los Mitos de Cthulhu… esa especie de género dentro de un género que vuelve locos a algunos adolescentes, jugadores de rol, frikis varios y viejos aficionados a las ediciones de Alianza Editorial como el que esto suscribe).


Una puntualización: no tengo muy claro cómo se tituló la película cuando se estrenó en España. En todos lados he leído, directamente, “El Jardín De Las Torturas”… pero a mí me suena más otro nombre. Algo así como El Jardín (o el gabinete, o la sala, o lo que sea) Del Dr Diabolo…


Es un DVDRip con una excelente calidad de imagen. Como siempre, la he cortado con el inevitable FileSplitter & Joiner y se trata de una versión original en inglés, con los subtítulos incrustados.


Que la disfruten voacés.



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domingo, 23 de mayo de 2010

Asalto a la tierra (1956) (V.O.S.E.) ('Uchujin Tokyo Ni Arawaru')





sinopsis:

En la Tierra se están produciendo constantes avistamientos de ovnis. Los astrónomos distinguen un objeto espacial del cual surgen otros que caen a la superficie, y especulan que ambos hechos pudieran estar relacionados. Pronto, en diversas partes de Japón cunde el pánico cuando ciertos testigos presencian la aparición de unas extrañas criaturas con aspecto de estrellas...



Ficha Técnica

Dirección: Koji Shima. Productor: Masaichi Nagata para Daiei Studios. Guión: Hideo Oguni, según argumento de Gentaro Nakajima, [basado en el cuento popular japonés “Kaguya-hime”]. Fotografía: Kimio Watanabe. Música: Seitaro Omori. Montaje: Toyo Suzuki. Efectos especiales: Toru Matoba, Yonesaburo Tsukiji. Intérpretes: Toyomi Karita (Hikari Aozora / Ginko), Keizo Kawasaki (Toru Isobe), Isao Yamagata (Dr. Matsuda), Shozo Nanbu (Dr. Naotaro Isobe), Bontarô Miake (Dr. Komura), Mieko Nagai (Taeko Komura), Kiyoko Hirai (señora Matsuda), Bin Yagisawa, Sachiko Meguro (Tokuko Isobe). Nacionalidad y año: Japón 1956. Duración y datos técnicos: 85 min. color 1.37:1. (V.O.S.E.)


Comentario



Nos encontramos con una más que entrañable película de ciencia ficción japonesa, de las primeras del género rodadas en Japón (y la primera en color) en la que unos extraterrestres llegan a la Tierra para prevenir a los humanos de que se aproxima un enorme desastre: la pronta colisión con un astro del espacio exterior. Dos años antes se había estrenado “Japón bajo el terror del monstruo” (“Gojira”, 1954), con bastantes similitudes con “El monstruo de tiempos remotos” (“The Beast From 20,000 Fathoms”, 1953), de Eugene Lourié. En este caso, mientras vemos el film se nos vendrán a la cabeza títulos como “Ultimátum a la Tierra” (“The Day the Earth Stood Still”, 1951), de Robert Wise; “Cuando los mundos chocan” (“When the Worlds Collide”, 1951), de Rudolph Maté; e incluso “Vinieron Del Espacio” ("It Came From Outer Space", 1953), de Jack Arnold, o “La Guerra de los Mundos” ("The War Of The Worlds", 1953), de Byron Haskin.
El film se divide en tres partes claramente diferenciadas. En primer lugar, la llegada de los extraterrestres. Un fragmento del film absolutamente delicioso donde se nos presenta un cuadro costumbrista de un Japón que entremezcla tradición con modernidad. Sake y kimonos por las noches en un barrio de calles estrechas, donde el profesor Kamura (director del observatorio) departe amigablemente con un periodista y por otro lado, batas blancas, telescopios y científicos investigando los supuestos objetos volantes no identificados que surcan el espacio y, posteriormente, la aparición de unos seres monstruosos que causan el terror por doquier. Aunque todo hay que decirlo, de monstruosos no tienen nada. Vamos, que dan ganas de abrazarlos.
Es entonces cuando nos encontramos con uno de los mejores fragmentos del film donde podemos ver una conversación entre los aliens que es absolutamente, y siento repetirme, deliciosa. En ella nos muestran su asombro ante el miedo que provoca su apariencia exterior, teniendo en cuenta lo feos que son los humanos. Llegando incluso a enseñar una foto de una actriz como modelo de belleza nipona, a lo que uno de ellos comenta: “Tiene un bulto muy grande en el centro de la cara” (evidentemente, la nariz). Y otro le responde: “lo siento por ellos. Tienen unas caras tan feas”. Deciden entonces que uno de ellos deberá tomar la apariencia humana para poder así tomar contacto con la raza humana. Descubrimos que tienen una misión: prevenir a la humanidad de que corre peligro, aunque aún no sabemos cual es la amenaza que acecha a la Tierra.
Es entonces cuando pasamos a la segunda parte de la película. Una especie de “Ultimátum a la tierra” al estilo nipón, donde descubrimos que los Pairanos (los extraterrestres vienen de un planeta lejano llamado Paira) han venido a advertirnos de los peligros de la energía nuclear, deviniendo la cinta en un reflejo del miedo nipón por la bomba atómica, tal como acontecía en la primera entrega de la saga de Godzilla. Los extraterrestres comentarán que el pueblo japonés es el más capacitado para comunicar ese peligro a la población mundial, pues son ellos los únicos que han sufrido en sus carnes el horror atómico.
Pero también nos aconsejan que todas las armas nucleares de la Tierra pueden ser usadas de forma beneficiosa para la humanidad: la destrucción de un meteorito que se aproxima con rapidez a nuestro planeta. Esta parte, sin duda, procede de otro clásico yanqui, “Cuando los mundos chocan” (When the Worlds Collide, 1951), de Rudolph Maté. Aquí, sin embargo, el aire apocalíptico de la situación está mucho más conseguido, produciéndose escenas de pánico en masa, con la gente atemorizada buscando refugio, los monjes con fieles rezando en los templos,… Todo el mundo corre buscando un lugar donde esconderse. Y las Naciones Unidas sin ponerse de acuerdo para el uso de las armas nucleares en el meteorito.
Existe además otra circunstancia añadida al film. Uno de los científicos nipones, el doctor Matsuda, ha descubierto el urio, un elemento mucho más poderoso que cualquier arma termonuclear. El problema es que, según él, no puede ser fabricado en Japón. A esto le añadimos los intentos de un malhechor por conseguir la fórmula de dicho componente (para vendérselo a cualquier potencia extranjera), llegando incluso a secuestrar a Matsuda.
El tiempo pasa, las calles están desiertas, el meteorito se acerca cada vez más rápido. La tensión crece, el calor aumenta, los animales mueren, se acerca el final…
Con producción a cargo de la Daiei, una de las competidoras más acérrimas de la Toho en cuanto a cine fantástico se refiere, “Asalto a la Tierra” es una de las primeras intentonas (Junto a la celebrada “The Mysterians”, en 1959) de dar unos toques más serios y rigurosos a las de por si desmadradas películas niponas de alienígenas. Es un film que destila gravedad, aderezada con ese aire camp intransferiblemente exótico (esos inconfundibles platillos volantes, los gigantescos extraterrestres en negro con un enorme ojo en medio del cuerpo) derrochado por los orientales en plena Guerra Fría. Y está dirigido con habilidad y fuerza y, ante todo, excelentemente narrado, consiguiendo crear un cóctel de subgéneros (meteoritos, aliens, espías, acción, catástrofes,…) bien hilvanado de forma impecable. No es más que absorbente diversión. Pero se agradece sobremanera. Una joya de la sci-fi japonesa.
Por cierto, no aparecen militares. Sorprendente, ¿no? Recomendada 100%.




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pass: aliensestrellados



sábado, 22 de mayo de 2010

La carrera de la Muerte (1969) (V.O.S.E.) ('Scream and Scream Again')






sinopsis:

En el Londres de finales de los sesenta, un serial-killer trae de cabeza a la policía, asesinando (y desangrando) a varias jóvenes. En un curioso hospital, un hombre que ha sufrido un desvanecimiento mientras corría está sufriendo extrañas, inexplicables amputaciones.Al mismo tiempo, en un país europeo dominado por un régimen totalitario, el siniestro dictador Konratz planea dominar el mundo. Y, por si esto fuera poco, una especie de científico loco está llevando a cabo extraños experimentos…



Ficha Técnica

Director: Gordon Hessler / Productores: Max J. Rosenberg y Milton Subotsky / Productor ejecutivo: Louis M. heyward / Guión: Christopher Wicking, basado en la novela "The Disorientated Man", de Peter Saxon / Fotografía: John Coquillon / Música: David Whittaker / Montaje: Peter Elliott / Intérpretes: Vincent Price (Dr. browning), Christopher Lee (Fremont), Peter Cushing (Benedek), Alfred Marks (Detective Superintendente Bellaver), Michael Gothard (Keith), Christopher Matthews (David Sorel), Judy Huxtable (Sylvia), Anthony Newlands(Ludwig), Kenneth Benda (Profesor Kingsmill), Marshall Jones (Konratz), Uta Levka (Jane), ... / Nacionalidad y año: RU 1969 / Duración y datos técnicos: 95' Color 1.85 : 1 (V.O.S.E.)


Comentario



Bueh… Pues aquí va una película de la AMICUS, dirigida por Gordon Hessler en 1969 y protagonizada, ni más ni menos, que por las tres estrellas más rutilantes del género en aquella época. Nada menos que Vincent Price, Christopher Lee y Peter Cushing.

Con un triplete como ése y un poquico de esmero, la cosa podría haber sido antológica. Pero, desgraciadamente, no fue así.

Si prestáis atención a la breve sinopsis que he hecho, veréis que la cosa suena muy rara. Que las cuatro frases que he colgado no parecen tener relación entre sí. Bueno… pues más o menos eso es, precisamente, lo que pasa.

La película juega a mezclar géneros de una forma, cuando menos, arriesgada. Del thriller policiaco a las intrigas de espías, todo adobado con unas gotas de ciencia ficción y, sobre todo, con vocación de peli de terror. El resultado es, cuando menos, confuso. De hecho, no termina siendo ninguna de esas cosas...

Incluso la presencia de las tres estrellas mencionadas es de lo más curiosa, ya que, de hecho, no coinciden en ningún plano. Es como si cada uno de ellos hubiese participado en el rodaje en un momento diferente. En realidad, así fue.

El resultado se resiente de toda esa confusión, de esa indefinición de género. Y Lee y Cushing se limitan a aparecer de vez en cuando, casi sin hilación, como parte de unas subtramas que no hacen sino enmarañar más la cosa.

Vincent Price sí tiene un papel más definido (aunque no por eso especialmente coherente) e incluso él aparece durante la segunda mitad del filme sin que la cosa quede clara del todo…


No obstante, no todo es negativo. A pesar de lo forzado (y casi absurdo) de buena parte del argumento, la peli es disfrutable por su propio efectismo, por lo inesperado de algunos giros y por lo psicotrónico y divertido de otros… Además, la presencia del tándem Price-Lee-Cushing, por muy desaprovechada que pueda estar, siempre es un aliciente. Y por salir, hasta sale froken Yutte Stensgaard (aunque, eso sí, que nadie espere alegrías carnales… Lástima. Otra vez será, ejem -lo juro-).

Y, como curiosidad para los aficionados al rock’n’roll sixties, un último apunte: la banda que suena en el night-club psicodélico y sesentero que aparece de forma reiterada (y desde el que el psycho-killer inicia sus incursiones predatorias) son los Amen Corner.


Que la disfruten voacés (yo, a pesar de lo que pueda parecer por mis comentarios, lo he hecho. De verdad).




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Como siempre, he cortado la película con File Splitter & Joiner. Y va en inglés original, con los subs en castellano incrustados.

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miércoles, 19 de mayo de 2010

El Necrófago (1975) ("The Ghoul ")






sinopsis:

Gran Bretaña, años 20. Dos parejas que asisten a una fiesta deciden hacer una carrera con sus coches en plena noche. Como ocurre siempre en las películas de miedo, uno de los vehículos se queda sin gasolina en medio de la niebla más cerrada (y del páramo más desolado e inhóspito, of course). Mientras el chico va a buscar algo de combustible, su acompañante, la guapa y rubia Daphne, termina en una mansión de los alrededores. Allí vive el Dr. Lawrence, un anciano pastor anglicano, con la única compañía (o eso parece) de su inquietante e inestable jardinero Tom y un ama de llaves de origen hindú llamada Ayah.



Ficha Técnica

Director: Freddie Francis / Productor: Kevin Francis para TYBURN Films. / Guión: Anthony Hinds / Fotografía: John Wilcox / Música: Harry Robertson / Montaje: Henry Richardson / Intérpretes: Peter Cushing, John Hurt, Alexandra Bastedo, Veronica Carlson, Ian McCullouch, Gwen Watford, Steward Bevan, Dan Meaden, Don Henderson / Nacionalidad y año: Reino Unido 1975 / Duración y datos técnicos: 87 min. Color / Montaje: Sergio666 y Pulgatómika (Critters)


Comentario



A mediados de los años 70’s los USA habían recuperado la hegemonía en lo que al género terrorífico se refiere. O estaban en camino de hacerlo. Bien es verdad que el Euroterror todavía se defendía con uñas y dientes, pero las cosas habían cambiado mucho en pocos años, y mientras las producciones italianas y españolas se deslizaban hacia el exploit y el eurotrash, los británicos abandonaban su vieja tradición y se pasaban, con armas y bagajes, a las pautas que el gusto del público joven marcaba (esto es, a un terreno que no era el suyo y en el que los americanos se movían como pez en el agua).

Atrás quedaban las viejas historias góticas, los monstruos más o menos tradicionales (vampiros, hombres lobos, momias), las ambientaciones de época y los horrores reconfortantes y entrañables. Tras el advenimiento de cosas como "El Exorcista", "La Matanza De Texas", "La Última Casa A La Izquierda", "Tiburón" y otras ("La Noche De Los Muertos Vivientes", de Romero, entraría en la lista. Y ya sé que es muy anterior, de finales de los 60’s... Pero, curiosamente, se trata de una película cuya influencia es “de efecto retardado” y no empieza a percibirse hasta este momento, mediados de los 70’s) el terror no volvió a ser igual que antes. Productoras británicas tan emblemáticas como Amicus y Tigon daban sus últimos coletazos intentando reciclarse sin éxito, mientras el buque insignia del Brit-Terror, la entrañable Hammer, se diluía sin ruido tras haber intentado renovarse con más imaginación y redaños que acierto (su última película de género terrorífico es "To The Devil A Daughter", de 1976). No obstante, todo tiene sus matices. El Brit-Terror clásico murió con dignidad. Murió, adems, “matando”, como los héroes guerreros... De esa misma época son ejemplos tan arquetípicos y notables como " The Wicker Man" (1973), "Neither The Sea Nor The Sand" (1972), "Satan’s Slave" (1975), "Raw Meat" (1972), "Nothing But The Night" (1974) o los últimos films-ómnibus de la Amicus.


Pues bien... Resulta que justo en ese momento, cuando el viejo terror inglés se bate en retirada o se adapta a las nuevas formas y explicitudes ("The House Of The Mortal Sin", "Tower Of Evil", "Frightmare" o "Vampyres2 podrían servir de muestra de lo que digo) un tipo llamado Kevin Francis decide fundar una productora llamada Tyburn (nombre con el que se conocía una zona de Londres donde solía alzarse la horca pública en los siglos XVII y XVIII) para retomar el viejo camino, las viejas estéticas goticistas y hammerianas.

Kevin era el hijo del director Freddie Francis (viejo conocido nuestro, asiduo de la Hammer, de la Amicus y de la Tigon y representante arquetípico del brit-terror de la vieja escuela). Y, por lo que se ve, un enamorado de las formas clásicas y de la esencia y el espíritu del género. Pero, también, aquejado de la más autodestructiva pulsión suicida (comercialmente hablando, of course); porque si algo resulta evidente es que su empeño estaba condenado al fracaso desde el principio. Intentar resucitar el gótico británico y el estilo hammeresco de los 50/60’s en plena renovación del género y de los gustos del público era apostar por el caballo perdedor con total seguridad. Las nuevas generaciones demandaban explicitudes, menudillos, casquería fina, truculencias visuales y tremendismo en general. Los viejos corredores oscuros iluminados por candelabros, las criptas llenas de telarañas, los escenarios de época, los cementerios velados por la niebla, las mansiones decimonónicas con bibliotecas llenas de libros y enormes chimeneas siempre encendidas (mientras afuera ulula el viento) ya no llamaban la atención. Los vampiros, brujas y monstruos sobrenaturales dejaban su lugar a asesinos sádicos aficionados a destripar a sus víctimas con unas tijeras de podar o a taladrarles el cráneo con un Black&Decker. El público se deleitaba más con el vaciamiento de un ojo que con la visión de una vampira cuyas curvas se insinuaban bajo la fina tela de un camisón semitransparente (con permiso de Larraz y su casi estrictamente coetánea "Vampyres", ejem). Era el signo de los tiempos. Y hay gente pa’ toó, que dijo el filósofo…


Por eso, Tyburn sólo firmó tres películas entre 1974 y 1975. "Persecution" (El Terror De Sheba, 1974), "The Legend Of The Werewolf" (La Leyenda Del Hombre Lobo, 1975) y ésta que ahora colgamos, "The Ghoul" (1975). Todas en la estela estética y espiritual de la (en aquel momento) agonizante Hammer. La primera abordando una historia de terror psicológico (al estilo de las hammerianas "Nightmare" o "Paranoic", también de Francis) y las siguientes abordando horrores más o menos sobrenaturales y clasicotes. Y no hubo más. Porque, como ya hemos dicho, lo que Kevin Francis se había propuesto era (mal que me pese) tarea imposible. Los tiempos y el público reclamaban otras cosas.


Tan hammeriana es "The Ghoul" que comienza con una especie de homenaje a "The Devil Rides Out" (La Novia Del Diablo, 1968). Ambientada como ella en la Inglaterra de los años 20, la carrera de coches por los caminos rurales con la que casi se abre la cinta recuerda muchísimo a una escena similar de la peli de 1968. Y no sólo eso. El ambiente, el color (que, desgraciadamente, no se aprecia en todos sus matices en el ripeo del DVD americano por lo poco cuidadoso de la edición), el argumento, el lenguaje narrativo, el entorno, los personajes, todo es una evocación de las viejas maneras hammerianas. Las de los años 50’s y 60’s. Si no fuese por algún detalle puntual (cierto efectismo visual pre-gore pespunteado aquí y allá... Poca cosa... Casi nada) pensaríamos que estábamos viendo una película de 1966 en lugar de una de 1974 o 1975. Verdaderamente, se nota que Freddie Francis andaba detrás.

Todavía ayuda más a crear esa sensación la presencia de actores tan identificados con la productora de Carreras como Peter Cushing o Veronica Carlson. Por cierto que la actuación del primero es, sencillamente, fabulosa. Cuenta la leyenda que se metió con tanta facilidad en el papel de viudo doliente precisamente porque nunca terminó de superar la muerte de su esposa en la vida real (lo de que Cushing estaba perdidamente enamorado de su mujer no es leyenda, es absolutamente cierto... Y lo de que siempre aseguró que él había muerto al mismo tiempo que ella, en 1971, también). Suele reseñarse la escena en la que, como reverendo Lawrence, muestra a la joven Daphne el retrato de la difunta. Su rostro transmite un dolor tan profundo, tan evidente, tan insoportable que se dice que lo que en realidad estaba mostrándonos era la herida que la muerte de la verdadera sra. Cushing había dejado en su alma. La historia es muy bonita. Y, hasta donde me alcanza, posiblemente verdadera...

Bueh... Pues sólo por la espléndida presencia de ese caballero que es Peter Cushing la película merecería la pena. Pero es que, además, tiene sus propias virtudes.


La Tyburn, como hemos dicho, sólo produjo tres cintas de Terror. Y ninguna de ellas fue lo que se dice una superproducción. En realidad eran películas humildes, hechas con un presupuesto ajustado y sin mayores pretensiones. En eso, desde luego, seguían la estela de la mayor parte de las pelis de la Hammer (en el caso de la Tyburn la precariedad fue todavía más acentuada). Y, como ellas, la falta de recursos económicos se resolvía con elegancia y estilo, sin descuidar el acabado final y manteniendo unos niveles absolutamente dignos. Se les puede criticar por muchas cosas, pero nadie que las haya visto puede acusar a las producciones hammerianas ni a las de la Tyburn de descuidar cosas tan importantes y agradecidas como la fotografía, los decorados o la ambientación. Y es precisamente ese cuidado el que hace que películas baratas y de escaso presupuesto tengan un empaque y una presencia que para sí quisieran otras en las que se invirtió bastante más dinero (pero ésa es una característica del terror inglés en general... Y a fe mía que es cosa digna de estudiar).

The Ghoul es, en ese aspecto, un ejemplo perfecto. La ambientación está cuidadísima; la atmósfera no por reconocible (la hemos visto cien veces en otras cintas) resulta menos efectiva; y la historia, a pesar de ser hasta cierto punto previsible, resulta absorvente. Vamos... Que uno la puede disfrutar de cabo a rabo sabiendo que lo que va ver es una cinta de brit-terror clásico y arquetípico. Tan clásico y arquetípico como sólo puede serlo una producción realizada cuando ya el género no sólo estaba totalmente codificado sino, de hecho, amortizado (o, mejor dicho... muerto). Pero ojo... Ya lo he explicado: Las cintas de la Tyburn no son homenajes a la Hammer. Son un intento de mantener con vida el viejo espíritu. Son, de alguna manera, ese mismo viejo espíritu intentando sobrevivirse a sí mismo...


Una curiosidad más. El otro día, hablando con un amigo sobre la peli comentamos la posibilidad de que el argumento se inspirase en un relato de Clark Ashton Smith que todos los aficionados a los Mitos de Cthulhu y otras Yogsothotherías conocerán. El cuento se titula "Estirpe De La Cripta" y presenta ciertas coincidencias curiosas con la historia de esta película. Pero, desde mi punto de vista, ni sirvió de inspiración ni guarda mayor relación… Tal vez pudiera ser que el autor del guión tuviese en mente la narración de Clark Ashton Smith, siquiera fuese como un recuerdo vago, a la hora ponerse a escribir. Pero ni el desarrollo, ni los personajes, ni la propia naturaleza del Mal (el gul, propiamente dicho) deben nada al relato del amigo de Howard Phillips Lovecraft.


Y nada más, mes amis. Sólo decir que la peli está cortada con File Splitter & Joiner y que los enlaces subidos a Rapidshare y Megaupload son exactamente los mismos (y por lo tanto intercambiables). Bueh… Y que he añadido un único link en Megaupload (el realizado por los mismísimos demonios que convoqué) que permite, también, bajarse la película para el que prefiera esa opción.



Bueh... Y una mención especial para los autores del montaje: Sergio666 y Pulgatómika. Ellos consiguieron aprovechar el audio de un VHSRip español y montarlo sobre el ripeo de un DVD americano (incluyendo un par de escenas que no salían en la edición yanqui y sí en la española). Y una última aclaración: He dicho que la imagen es un ripeo de DVD en edición americana, pero les advierto a voacés que aunque eso es absolutamente cierto, la edición no era especialmente cuidadosa. Vamos... que el DVD estadounidense parecía, talmente, un simple VHSRip más o menos decentillo. Pues eso.

Que la disfruten voacés.



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El increible transplante bicéfalo (1971) ("The incredible 2-headed transplant")





sinopsis:

Un joven cirujano, en colaboración con su asistente, experimenta en su laboratorio particular con injertos de cabezas en animales. Dado el éxito de las operaciones, deciden hacer lo mismo, pero con seres humanos, cogiendo a un retardado mental e injertándole la cabeza de un peligroso reo.



Ficha Técnica

Director: Anthony M. Lanza / Productor: John Lawrence / Productor ejecutivo: Nicholas Wowchuk / Guión: John Lawrence & James Gordon White / Fotografía: Glen Gano, Paul Hipp & Jack Steely / Música: John Barber / Montaje: Anthony M. Lanza / Efectos Especiales: Ray Dorn / Intérpretes: Bruce Dern (Roger), Pat Priest (Linda), Casey Kasem (Ken), Albert Cole (Cass), John Bloom (Danny), Berry Kroeger (Max), Larry Vincent (Andrew), Jack Lester (Sheriff), Darlene Duralia (Miss Pierce), Raymond Thorne (Motocclista), ... / Nacionalidad y año: USA 1971 / Duración y datos técnicos: 87' Color
1.85 : 1 (Doblada)



Comentario



Involuntaria comedia especialmente recomendada a los fanáticos de las producciones cutres y/o abisales. Sin otro argumento que ver a dos cabezas en un mismo cuerpo asaetear al sufrido espectador con diálogos catatónicos, los responsables del desaguisado tratan de (re)animar lo insalvable con algunos destrozos, escenitas picantes y desperdicio de salsa tomatera, cuando de verdad lo que deseaban era llegar a una duración estándar e incautar a los fans no escarmentados en estas lides. Bruce Dern, antes de hacerse famoso por tan poco tiempo y acabar siendo recordado por su vástaga Laura, es el encargado del transplante en su rancho-laboratorio y, cómo no, se volverá a ver enfrentado a su monstruosa y lela creación. Su interpretación es alocada, compendio de los más demenciales “mad doctors” del género. Ni siquiera esa hazaña desvariada salva al film de la quema en hoguera pública tras los oportunos altercados alcohólicos-
Dos años después se estrenaba “The Thing with Two Heads”, igualmente incluida en el grupo de peores películas de la historia. En ella Ray Milland era un racista compartiendo cuerpo con la cabeza de un negro deslenguado (la postearemos en breve). Un programa doble con ambas podría ser casi un electroshock cuyos efectos durarían siglos.





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Meteoro (1979) ("Meteor")






sinopsis:

En plena Guerra Fría, Estados Unidos y la Unión Soviética deben aunar esfuerzos para intentar solucionar lo que puede ser una gran catástrofe a nivel planetario, la caída de un enorme meteorito sobre la Tierra.



Ficha Técnica

Director: Ronald Neame / Productores: Arnold H. Orgolini, Theodore R. Parvin, Run Run Shaw / Productores ejecutivos: Sandy Howard y Gabriel Katzka / Guión: Stanley Mann y Edmund H. North / Fotografía: Paul Lohmann / Música: Laurence Rosenthal / Montaje: Carl Kress / Efectos Especiales: Glen Robinson y Robert Staples / Intérpretes: Sean Connery (Dr. Paul Bradley), Natalie Wood (Tatiana Nikolaevna Donskaya), Karl Malden (Harry Sherwood, NASA), Brian Keith (Dr. Alexei Dubov), Martin Landau (General Adlon), Trevor Howard (Sir Michael Hughes), Richard Dysart (Secretario de Defensa), Henry Fonda (El Presidente), Joseph Campanella (General Easton), Bo Brundin (Rolf Manheim), Katherine De Hetre (Jan Watson), James G. Richardson (Alan Marshall), Roger Robinson (Bill Hunter), Michael Zaslow (Sam Mason),... / Nacionalidad y año: USA 1979 / Duración y datos técnicos: 107' Color 2.35 : 1 (Doblada)


Comentario



A lo largo de los 70, el cine de catástrofes estaba de moda. Así, títulos tan emblemáticos en ese género como "El Coloso en Llamas"(1974),La Aventura del Poseidón (1972),Terremoto (1974, Montaña Rusa (1977), etc..., y la que nos ocupa, tenían un denominador común: la destrucción a gran escala. Con causas tan variadas como el fuego, un maremoto, movimientos de tierra,... O un meteorito (por cierto, recientemente se ha vuelto a este género, el 2012 está cerca). Este tipo de películas, que normalmente resultan aburridas y descafeinadas, se centran principalmente en los efectos visuales y en un gran elenco de actores famosos. Porque lógicamente, este tipo de filmes suelen ser corales. La película comienza y vamos conociendo a todos los personajes, sus dramas personales, y como llevan el suceso a lo largo de la trama. Unos sobreviven y otros no (los niños siempre). Por otro lado, suelen estar las autoridades (jefes de policía, el presidente de los Estados Unidos, los científicos, los militares,...) que son las encargadas de intentar solucionar el problema.
En este caso un meteorito a punto de colisionar con nuestro amado planeta provoca, en plena guerra fría, el acercamiento de ambas potencias (URSS y USA) para así combatir unidas ante tan magna amenaza. Es un film prototípico con grandes estrellas: Sean Connery, Martin Landau, Natalie Wood, henry Fonda, karl Malden, etc, y que la verdad, tiene escaso interés. Salvo quizás la parte de las negocianciones entre ambos países que niegan en un principio poseer misiles en el espacio (la guerra de las galaxias) pero que comprenden que deben dejar de lado sus diferencias y unirse para salvaguardar la vida en el planeta. Dicho acercamiento se producirá también entre Natalie Wood (la científico Tatiana Nikolaevna Donskaya) y Sean Connery (Dr. Paul Bradley), que viven una historia de amor.
Entretiene a ratos. Del montón.




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martes, 18 de mayo de 2010

El terror del Himalaya (1954) (V.O.S.E.) ("The Snow Creature")






sinopsis:

Dos científicos roban un Yeti que unos Sherpas han capturado y lo llevan a los Estados Unidos. Pero, eventualmente, se escapa de sus captores para dedicarse a cometer algunas salvajadas muy propias de su naturaleza.



Ficha Técnica

Dirección: W. Lee Wilder / Productor: W. Lee Wilder / Guión: Myles Wilder / Fotografía: Floyd Crosby / Música: Manuel Compinsky / Montaje: Jodie Copelan / Efectos especiales: Lee Zavitz / Intérpretes: Paul Langton (Dr. Frank Parrish), Leslie Denison (Peter Wells), Teru Shimada (Subra), Rollin Moriyama (Leva), Robert Kino (Insp. Karma), Darlene Fields (Joyce Parrish), George Douglas (Corey Jr.), Rudolph Anders (Dr. Louis Dupont), William Phipps (Teniente Dunbar), Jack Daly (Edwards), ... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1954. Duración y datos técnicos: 71 min. B/N 1.37 : 1 (V.O.S.E.)


Comentario



La figura legendaria, mítica, del “abominable hombre de las nieves” o, el famoso Yeti, ha contado con varias apariciones cinematográficas: el interesantísimo acercamiento de NigeI Kneale/Val Guest en la hammeriana “The Abominable showman” (1957), la desastrosa “Man Beast” dirigida por Jerry Warren en 1956, o la adorablemente infumable “Yeti, el abominable hombre de las nieves” (1977), subproducto italiano de Frank Kramer salvajemente inspirado en el “King Kong” (1976) producido por Dino De Laurentiis.
Menos conocida que éstas es la situada, cronológicamente, en primer lugar: “The Snow Creature”, un indigesto batiburrillo fantástico de segunda con recuerdos al rey Kong (el monstruo albino es capturado en un Himalaya de pacotilla y trasladado a un Los Ángeles de cartón piedra) o a la coetánea “La humanidad en peligro” (1954) (el yeti será acorralado y muerto en el interior del alcantarillado). Construida con proverbial falta de ganas, medios o posibilidades, no deja de ser sorprendente el relativo éxito de taquilla; aunque, amortizar un nulo presupuesto y un traje de pieles tan lamentable como el que esgrime el supuestamente aterrador monstruo, no es exceso difícil.





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La Isla Misteriosa (1929) (V.O.S.E.) ("The Mysterious Island")







sinopsis:

El filme cuenta la historia del Conde Dakkar (el verdadero nombre del Capitán Nemo es revelado como el Príncipe Dakkar en La isla misteriosa), de cómo construyó su submarino, de cómo fue traicionado, y de cómo se convirtió en un hombre que sólo busca venganza.



Ficha Técnica

Dirección: Lucien Hubbard / Productor: J. Ernest Williamson para MGM / Guión: Lucien Hubbard, basado la novela de Julio Verne / Fotografía: Percy Hilburn / Música: Martin Broones y Arthur Lange / Montaje: Carl Pierson / Efectos especiales: J. Ernest Williamson / Intérpretes: Lionel Barrymore (Conde Andre Dakkar), Jacqueline Gadsden (Condesa Sonia Dakkar), Lloyd Hughes (Nikolai Roget), Montagu Love (Baron Hubert Falon), Harry Gribbon (Mikhail), Snitz Edwards (Anton), Gibson Gowland (Dmitry), Dolores Brinkman (Teresa)... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1929. Duración y datos técnicos: 93 min. B/N
1.33 : 1 (V.O.S.E. y Muda)



Comentario



Las películas habladas no llegaron a la industria del celuloide de la noche a la mañana. Debido a los recursos variables de los estudios de cine y a los diferentes grados de entusiasmo por el cine sonoro, hubo un período en los años 1920 en el que cine mudo, cine sonoro, y películas que tenían partes sonoras y mudas coexistieron. Algunas películas mudas fueron terminadas pero permanecieron inéditas cuando el film de la Warner, “El cantor de Jazz” (“The Jazz Singer”, 1927) comenzó a tener éxito. Para no perder la inversión hecha, a muchos de estos filmes se les añadieron escenas habladas o, incluso, llegaron a hacerse pseudos doblajes (todos recordamos “Cantando bajo la lluvia”, de 1952, donde de forma cómica se narran esos comienzos del cine sonoro). El film que nos ocupa pasó por este molesto trance, con partes habladas añadidas a la cinta original.
“La isla Misteriosa” está basada en la novela de Julio Verne del mismo nombre, pero sólo parte de su trama se refiere a dicha obra, ya que en realidad se usan elementos de varias de las historias de Verne. En ella nos encontramos con el Conde Dakar (el verdadero nombre de Nemo) que ha construido dos submarinos capaces de navegar bajo el agua. También, en el fondo del mar tiene una ciudad subterránea habitada por extrañas criaturas. Además hay un dragón y un pulpo gigante.
La MGM había concebido la película como un espectáculo cargado de efectos. Para ello fue filmada principalmente en “2-strip Technicolor”, un nuevo proceso. Sólo las espectaculares secuencias submarinas fueron filmadas en blanco y negro. Pero, lamentablemente, dichas impresiones en color no se conservaron. El director fue Maurice Tourneur (padre del futuro director Jacques Tourneur), que había llegado a Hollywood de Francia en 1914 donde estableció su propia productora. Pero por diferencias con el jefe de producción de la MGM, Irving Thalberg, se retiró del proyecto y, poco después regresaría a Francia. Lucien Hubbard completó la película, apareciendo en los créditos como único director. Aunque Benjamin Christensen también filmó algunas escenas.
Entonces llegó “El cantor de jazz” y todo cambió. La MGM seguía pensando que el cine sonoro era una moda pasajera, pero añadió a “La isla Misteriosa” escenas con diálogos y efectos de sonido. La revista Variety diría en un titular: "90% color, 5% diálogos”. La película terminó siendo muy costosa, más de 1 millón de dólares. Recibió buenas críticas: The New York Times declaró que "son este tipo de cosas la que hacen que los niños se sorprendan y diviertan. Un fantástico melodrama submarino". Variety alabó su "riqueza de decorados, trajes, ingenios mecánicos y miniaturas elaboradas. Su grandiosidad y su carácter insólito son incuestionables, con grandes posibilidades en taquilla." La realidad fue muy diferente. La película recaudó sólo 55.000 dólares, demostrando una gran crisis financiera en toda la industria que daría lugar a la muerte de la ciencia ficción durante muchos años.
“La isla misteriosa” fue el último film mudo de Lionel Barrymore, a pesar de que habla un poco en ella. Barrymore hizo la transición del cine mudo al sonoro bastante bien, ya que era un actor de Hollywood que tenía experiencia en el teatro. Además, su voz tenía textura, poder,... Estaba preparado. Y aunque muchos en Hollywood desdeñaban al cine sonoro, Barrymore tenía una actitud más práctica. Les dijo a los preocupados ejecutivos de la MGM que el sonido suponía una evolución, no una aberración. Eso le gustó a Irving Thalberg y Barrymore pronto se encontró dirigiendo películas. Trabajó como director de la MGM de pleno derecho durante un año, realizando siete filmes en ese período de tiempo.
Las secuencias submarinas de “La Isla Misteriosa” son espectaculares. Curiosidad “Plan 9”.







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pass: julioverne



Voyage to the Planet of Prehistoric Women (1968) (V.O.S.E.)





sinopsis:

Unos astronautas aterrizan en Venus en busca de otra expedición pérdida, para su sorpresa, se toparán con un clan de mujeres, que aparentemente paracen salidas de la edad de piedra.



Ficha Técnica

Dirección: Peter Bogdanovich / Productores: Norman D. Wells y Roger Corman / Guión: Henry Ney / Fotografía: Flemming Olsen / Música: Keith Benjamin / Montaje: Bob Collins / Efectos especiales: Giovanni De Palma / Intérpretes: Mamie Van Doren (Moana), Mary Marr (Verba), Paige Lee (Twyla), Gennadi Vernos (Astronauta Andre Freneau), Margot Hartman (Mayaway), Irene Orton (Meriama), Pam Helton (Wearie), Frankie Smith (Mujer de Venus), Georgi Tejkh (Capitán Alfred Kern), Vladimir Yemelyanov (Comandante William 'Billy' Lockhart), Yuri Sarantsev (Astronauta Howard Sherman), Georgi Zhzhyonov (Astronauta Hans Walters), Peter Bogdanovich (Narrador)... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1968. Duración y datos técnicos: 78 min. Color (V.O.S.E.)


Comentario



“Voyage to the Planet of Prehistoric Women” fue la cuarta de una serie de películas que el legendario productor-director, rey del baratillo, Roger Corman logró hacer mediante la compra de dos películas de ciencia ficción soviéticas que fueron rehechas (gracias a un nuevo doblaje, y a unos cuantos añadidos) para el público estadounidense. Corman primero comenzó con “Nebo zovyot” (1960), que fue rehecha por un novato Francis Ford Coppola para convertirse en “Batalla más Allá del Sol“ (“Battle Beyond the Sun”, 1963), y de la que sacaría imágenes para “El Planeta Sangriento “ (“Queen Of Blood”, 1966). Más tarde se haría también con los derechos de “El Planeta De Las Tormentas” (“Planeta Bur”, 1962), y la reconvirtió como “Viaje Al Planeta Prehistórico” (“Voyage to the Prehistoric Planet, 1965), que es el film soviético entero doblado por actores norteamericanos, y con unas cuantas escenas más con Basil Rathbone. Por último, volvió a coger “Planeta Bur”, y algunas imágenes de “Nebo zovyot” y realizó otro refrito que se tituló “Voyage to the Planet of Prehistoric Women”, dirigida por un novel Peter Bogdanovich. Porque la verdad, Corman tenía muy buena vista y se rodeó de jóvenes directores, a los que concedía sus primeras oportunidades de entrar en la industria del cine y realizar filmes al mismo tiempo que se aprovechaba de su ilusión y su voluntad de trabajar, pagándoles una miseria. Así, los “prehistoric planet” films cuentan con nombres como Ford Coppola, Harrington Curtis, Stephanie Rothmann y el productor de “Star Wars” (1977) Gary Kurtz. Con “Voyage to the Planet of Prehistoric Women”, Corman le dio una oportunidad a un joven Bogdanovich, que dirige la película con el pseudónimo de Derek Thomas. Un año más tarde, Corman le cedería a Peter Bogdanovich tres días de un contrato que no había utilizado con Boris Karloff y Bogdanovich pudo realizar el excelente psico-thriller “Targets” (1968) que aseguró su carrera. Posteriormente, Bogdanovich nos regalaría películas tan aclamadas como la genial “The Last Picture Show"(1971), “¿Qué me pasa doctor?” (1972), “Paper Moon” (1973), “Daisy Millar” (1974), “Nickelodeon” (1976) y “Mask” (1985).
Las tres cuartas partes de “Voyage to the Planet of Prehistoric Women” se compone de imágenes registradas en los dos films rusos de ciencia ficción anteriormente citados. El lanzamiento, el acoplamiento con la estación espacial y el viaje al planeta todo viene de “Nebo zovyot”, mientras que las escenas explorando la superficie de Venus son de “Planeta Bur”. Peter Bogdanovich sólo rodaría unos 15-20 minutos de escenas originales con las mujeres sirena, comandadas por la escultural Mamie Van Doren. No hay diálogo en ninguna de estas escenas, sólo voces en off.
“Voyage to the Planet of Prehistoric Women” cae en los clichés de varias películas del género de la década de los1950, como “Abbott and Costello Go to Mars” (1953), “Cat Women of the Moon” (1953), “Fire Maidens from Outer Space” (1955), “Queen of Outer Space” (1958) que nos muestran planetas poblado por razas de mujeres sin hombres, ansiosos de ellos. La desventaja de este supuesto es que, debido a la naturaleza misma de la forma en que fue concebida “Voyage to the Planet of Prehistoric Women”, los astronautas (que aparecen en el material de archivo que proviene del film soviético) y las mujeres sirena (que provienen del material rodado por Peter Bogdanovich) nunca llegan a juntarse, que suele ser la recompensa en estas otras películas. Hay escenas de las rubias mujeres sirena descansando sobre las rocas y de vez en cuando se sumergen en el océano. Para estos planos, Bogdanovich simplemente cogió un puñado de bellezas y las llevó a Malibú. Las escenas de ellas con sus bikinis de conchas y sus pantaloncillos cortos resultan, en verdad, bastante absurdas y claramente un parche. Pero bueno, algo debían variar las tres películas (la rusa y sus dos refritos).
Lo que sí nos encontramos es con un final bastante peculiar. Las mujeres sirena terminan destruyendo su monumento al dios reptil Terra, siendo sustituido por los restos del robot que fue abandonado por los astronautas al caer éste en la lava, y lo toman como su nuevo dios. Una escena que en verdad tiene cierta poesía y que resulta un más que acertado y original final.
Por cierto, no es porque nos caiga muy bien, pero podemos llegar a justificar ese placer innato de Corman de exprimir obras soviéticas para reutilizarlas como filmes propios por dos razones. Primero, le salía más barato, y lo más importante, los efectos de las películas soviéticas eran mucho mejores, estaban más cuidados, que los que Corman podría llegar a realizar. Pero esa poca vergüenza vampírica creo que resulta excesiva. Aunque puede llegar a resultar curioso ver las tres películas seguidas y comprobar como, a pesar de ser el mismo film, cambia totalmente por unos nuevos doblaje y guión. Quien lo haga, que nos lo cuente, por favor.

Os recuerdo que tanto "Planeta Bur", como Viaje Al Planeta Prehistórico, ya están posteadas en este, vuestro blog.





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sábado, 15 de mayo de 2010

El Planeta Fugitivo (1961) (V.O.S.E.) ("The Phantom Planet")





sinopsis:

Una serie de extrañas desapariciones induce a un cohete a explorar una parte del espacio, topándose con un pequeño asteroide que vaga a la deriva. Cuando el capitán Frank Chapman explora la superficie, encoge de estatura y luego se topa con los diminutos habitantes del lugar, que lo retendrán a la fuerza.



Ficha Técnica

Dirección: William Marshall / Productor: Fred Gebhardt para Four Crown Productions Inc / Guión: William Telaak, Fred De Gorter, Fred Gebhardt, con diálogos adicionales de William Marshall, basado en un argumento de Fred Gebhardt / Fotografía: Elwood J. Nicholson / Música: Leith Stevens / Montaje: Hugo Grimaldi / Efectos especiales: Charles Duncan, Louis DeWitt / Intérpretes: Dean Fredericks (capitán Frank Chapman), Coleen Gray (Liara), Anthony Dexter (Herron), Francis X. Bushman (Sesom), Richard Weber (teniente Ray Makonnen), Al Jarvis (Eden, el juez), Dick Haynes (coronel Lansfield), Earl McDaniels, Mike Marshall, John Herrin, Mel Curtis, Jimmy Weldon, Akemi Tani, Lori Lyons, Richard Kiel, Susan Cembrowska, Marissa Mathes, Gloria Moreland, Dolores Faith... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1961. Duración y datos técnicos: 82 min. B/N 1.85:1. (V.O.S.E.) 


Comentario



“The Phantom Planet” es una mala película (no digo bodrio porque servidor con ver un extraterrestres, un par de cohetes y cuatro efectos especiales se considera satisfecho para, al menos, darle un visionado a cualquier subproducto de serie b que se le presente delante de sus narices). Pero no es mala porque el presupuesto sea bastante escaso, que lo es; ni porque los actores sean de una mediocridad mayúscula, que lo son; ni que los efectos especiales sean pocos, artesanales y cutres,… Lo dicho. Sino porque además de todo esto el guión es torpe y convencional. Con una trama estirada en exceso, unos diálogos cansinos y una historia que no tiene ni pies ni cabeza. Y encima dura 82 minutos.
La historia es bien simple: es 1980, y el hombre ha avanzado en su propósito de explorar el espacio exterior. Para ello ha construido una base lunar (una maquetilla muy coqueta) que sirve como trampolín a la exploración espacial. Nos encontramos que un par de naves han desaparecido misteriosamente. Bueno, que han chocado contra un meteorito que aparece y desaparece por ensalmo. Así que mandan un tercer cohete donde nuestro protagonista (el pésimo actor de corta carrera, Dean Fredericks), el capitán Frank Chapman y el teniente Makonnen se dirigen a explorar el espacio en busca de respuestas.
Hay unos pocos diálogos absurdos, principalmente llenos de datos de navegación (por cierto, esta película está llena de pesudo ciencia con teorías inventadas de nombres rimbombantes muy, pero que muy cargantes), y un encuentro con unos meteoritos que causan graves averías en la nave. Así que para arreglarlas deben salir al espacio exterior. El paseo espacial es de pena. Los astronautas van encorvados, lentos, intentando emular la gravedad cero, pero la verdad, te partes la caja de risa, porque no dan el pego ni por asomo. Además, salen sin sujeciones, ni nada. Con un mono como de piloto, unas botas militares, un casco y la mochila con el oxígeno… Cutre, cutre. Pero lo mejor es cuando van a arreglar la avería y saca el tío su llave inglesa… Ahí, me retorcía de la risa. En verdad, si no fuera por lo plúmbeo de la historia,… Pero tiene sus momentos. Como este pequeño paseo.
Debido a los restos de la lluvia de meteoritos, un rayo cae sobre el teniente que es proyectado al espacio, al infinito (ni Kubrick) para morir mientras reza el padrenuestro. El capitán, maltrecho, vuelve a la nave para descubrir que va a chocar contra un enorme Krispy de kellogs (el metorito), que lo atrae con un rayo gravitacional. Chapman sale de la nave y descubre que es observado por unos “liliputienses” espaciales. De repente él también se reduce de tamaño (luego explicarán porqué, bostezo), y es apresado por los minúsculos habitantes del planeta-asteroide que, ni corto ni perezoso se deciden a juzgarlo Lo llevan ante su líder, Sesom (Moses, o sea Moisés, al revés) y es juzgado. El jurado son un puñado de bellezas en mini falda (dos de ellas fueron Playmates) que lo declaran culpable. Como castigo lo nombran habitante de su pueblo y, al rato, le dicen que deberá desposarse con una de sus mujeres (puede elegir entre Liara, la hija de Sesom, el líder, y Zetha, que es muda. Como siga así, se hace el amo del planeta.
Tras un rato de banalidades, pseudo ciencia de todo a cien, celos, envidias y aburrimiento soberano, es acusado de nuevo. Si antes los cargos fueron herir a un habitante del asteroide, esta vez se le acusa de tontear con ambas mujeres (Liara y Zetha). Hay que decir que a Chapman le va más la muda, pero su mayor deseo es volver a la luna, y cumplir con su deber. Hay un duelo, que gana Chapman. Más tonterías y yo creo que en ese momento fue cuando los guionistas dijeron: “Joder, sólo llevamos 50 minutos. ¿Con qué lo rellenamos?”. Y se sacan de la manga a los solaritas. Unos bichos cheposos, con una carita de pena, y unos pies de pollo que son casi clavaditos a nuestra amiga Caponata de barrio Sésamo. Los solaritas atacan con unas naves ardiendo de lo más cutre y son exterminados en un decir “Jesús”. Uno de ellos al que tenían prisionero (Richard Kiel, el posterior Tiburón de dientes de acero, de la saga James Bond), se escapa y tienen que reducirlo. La pelea es de pena, con un Kiel incapaz de moverse bien con el traje y que sólo alza torpemente los brazos mientras la banda sonora le hace articular bramidos “terribles”. Otro buen momento para el solaz y la risa.
Cuatro tonterías más, y al final Chapman regresa con los suyos.
En definitivas cuentas, de lo peor que se ha posteado en este, vuestro blog. Ciencia-ficción de todo a cien, mejor, a cincuenta. Pero sé que tú, fanático de la serie B de sci-fi no podrás resistirte y tendrás que verla. No digas que no te lo advertí.






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viernes, 14 de mayo de 2010

El Ataque de las Sanguijuelas Gigantes (1959) (V.O.S.E.) ("Attack of the Giant Leeches")








sinopsis:

En un pueblecillo de una región pantanosa, un furtivo dispara contra una extraña criatura con ventosas, dándola por muerta, pero al poco es atacado y fallece con misteriosas marcas en su cuerpo. El sheriff local no se toma demasiado interés en el asunto, pero un representante de la ley forastero que está sirviendo en el lugar decide investigar.



Ficha Técnica

Dirección: Bernard L. Kowalski. Productor: Gene Corman. Productor ejecutivo: Roger Corman para AIP. Guión: Leo Gordon. Fotografía: John M. Nickolaus Jr. Música: Alexander Laszlo. Montaje: Carlo Lodato. Dirección artística: Daniel Haller. Intérpretes: Ken Clark (Steve Benton), Yvette Vickers (Liz Walker), Jan Shepard (Nan Greyson), Michael Emmet (Cal Moulton), Tyler McVey (Doc Greyson), Bruno VeSota (Dave Walker), Gene Roth, Dan White, George Cisar, Guy Buccola, Joseph Hamilton, Ross Sturlin. Nacionalidad y año: Estados Unidos 1959. Duración y datos técnicos: 63 min. B/N 1.85:1.


Comentario



Destinada en un principio a exhibirse como complemento de la comedia negra de Roger Corman, “A Bucket Of Blood” (1959), esta típica película de monstruos de la AIP, que reunió a los hermanos Corman en las tareas de producción, es un ejemplo arquetípico del material más psicotrónico de la American International Pictures, capaz de combinar el estilo del mas descarado “cine de lo inútil” con los inocentes y grotescos monstruos propios de la casa. En este caso, la acción presenta a un puñado de sanguijuelas humanoides del Profundo Sur de los USA, que acechan a sus víctimas en los pantanos de la región, con la esperanza de matarlas (de risa, cabe suponer, ante la visión de su ridículo traje de trapo), y sorberles a continuación el fluido vital. La historia, escrita por el también actor Leo Gordon, arranca cuando, en un comienzo que envidiaría el propio Russ Meyer, un grosero barman descubre que su esposa (la sexy Yvette Vickers) le pone los cuernos con el guapo Michael Emmett. Inmediatamente, se los lleva al pantano a punta de escopeta, dejándolos a merced de las sanguijuelas gigantes.
A pesar de lo que pueda parecer, la galería de típicos y repelentes personajes de “gótico sureño” anima el cotarro. Tanto o más que los monstruos de peluche, gracias a la participación de actores tan característicos como Bruno Ve Sota (el malvado barman) o Ken Clark.
Considerada como una de las más baratas producciones de Corman (lo que ya es decir), “Attack of the Giant Leeches”, también distribuida como “The
Giant Leeches” a secas, ejemplifica por lo demás una de las grandes virtudes de las series B y Z de la época: su duración, que es de solo 62 minutos. ¿Alguien da más en tan poco tiempo?





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