martes, 31 de marzo de 2009

Cohete K-1 (1950) (V.O.S.E.) (Rocket Ship X-M)







sinopsis

El Cohete K-1 despega en su primera misión a la Luna, llevando a bordo al Dr. Karl Eckstrom, a la bella matemática Lisa Van Horn, al coronel Floyd Graham, al navegador Harry Chamberlin y al ingeniero de vuelo Bill Corrigan. Durante el vuelo una lluvia de meteoritos los desvía de su trayectoria y la tripulación pierde el conocimiento. Al despertar se encuentran vagando por el espacio sin saber cuánto tiempo han estado inconscientes. Su nave, en lugar de dirigirse hacia la Luna, se está aproximando a Marte en donde tendrán que hacer un aterrizaje forzoso. Allí descubrirán unas antiquísimas ruinas.




Ficha Técnica

Dirección: Kurt Neumann / Productor: Kurt Neumann / Guión: Kurt Neumann / Fotografía: Karl Struss / Música: Ferde Grofé Sr. / Montaje: Harry W. Gerstad / Efectos especiales: Jack Rabin / Intérpretes: Lloyd Bridges (Coronel Floyd Graham), Osa Massen (Doctora Lisa Van Horn), John Emery (Dr. Karl Eckstrom), Noah Beery Jr. (Mayor William Corrigan), Hugh O'Brian (Harry Chamberlain), Morris Ankrum (Dr. Ralph Fleming), Patrick Aherne (Reportero), Sherry Moreland (Marciana), John Dutra (Físico), Kathy Marlowe (Reportera) / Nacionalidad y año: USA/ Estados Unidos 1950 / Duración y datos técnicos: 79 min. B/N y SEPIA. 1.37 : 1.(V.O.S.E.)



Comentario

Algunos de los más famosos clásicos de la ciencia-ficción, como: “Ultimátum A La Tierra”, “El Enigma de otro Mundo”, “Cuando los mundos Chocan”, “Vinieron del Espacio Exterior”, entre otros, trataron de sacar provecho de un género poco visitado, y apenas existente (la ciencia ficción), que se había puesto de moda gracias a dos producciones de 1950. Ambas películas trataban sobre los viajes espaciales y se estrenaron a las pocas semanas una de otra. “Destination Moon” se había rodado en Technicolor, con toda la prensa expectante y con el beneplácito de los expertos por su rigor científico. La otra película, “Cohete K-1”, nace como un film en blanco y negro, advenedizo y oportunista, que se realizó con una fracción del presupuesto total del film de George Pal (“Cohete K-1” costó 94.000 dólares y “Destination Moon”, 600.000) y sin ninguna base científica minimamente coherente. Aunque ambas consiguieron un gran éxito. Y, sobre todo, dieron paso a la época dorada del cine de ciencia-ficción.

Rodada en plena guerra fría, se ha descubierto recientemente que en el guión de “Cohete K-1” participó Dalton Trumbo, popular escritor acusado de ser un simpatizante comunista durante la caza de brujas de McCarthy, que se encontraba en la lista negra de guionistas que no podían trabajar en Hollywood.

Hay expertos que suelen dividir la ciencia-ficción de los 50 en dos bandos: a la derecha los filmes más conservadores como “El enigma de otro Mundo”, “Cuando los Mundos Chocan”, “La Guerra de Los Mundos”,… Y a la izquierda, filmes con cierto cariz pacifista (hay que fijarse que nos encontramos en plena Guerra fría y ha terminado recientemenete la 2ª Guerra Mundial), como “Ultimátum A La Tierra”, “El Ser Del Planeta X” y “Vinieron del Espacio Exterior”. Trumbo logra que “Cohete K-1” sea el primer film de esta segunda facción

Así, Trumbo, al mismo tiempo que nos entrega unos típicos personajes (tejano con blando corazón, científico anti emocional, doctora destinada a casarse y tener hijos) se las arregla para entrar en una serie de discursos sobre los peligros de una guerra nuclear. Hay que recordar que en 1950 no había nada en la cultura popular que se opusiera a la energía nuclear, y habían sido ocultados muchos de los peligros que conllevaba la radiación. “Cohete K-1” tuvo el valor de mostrar un contador Geiger con la aguja al máximo de radiación. La investigación de las ruinas de Marte es suspendida porque es peligroso andar con tanta radiación. En el año en que el científico nuclear Robert Oppenheimer estaba viendo su carrera bajar en picado sólo por decir cosas negativas acerca de la bomba, Trumbo llegaba a millones de niños americanos con sus igualmente “anti americanos”discursos sobre la locura nuclear. En el film se nos da el mensaje de que la guerra nuclear podría destruir nuestra civilización. Aunque, discursos aparte, el machismo está muy presente en el film. Resulta curioso como en unos momentos se pasa del progresismo antinuclear más absoluto al sexismo más retrógado y conservador.

Por otro lado, la ciencia en “Cohete K-1” es risible. Sus trajes espaciales no son nada más que chaqueta de cuero y corbata, pero lo que es más divertido son los momentos previos a la salida del cohete. Quince minutos antes del despegue se celebra una conferencia de prensa. Cuando finalmente entran en la nave, descubren sorprendidos que apenas tienen tres minutos para prepararse para el despegue.Ah, cuando llegan a Marte, la cinta pasa de blanco y negro a color sepia, emulando lo que se puede ver en el planeta rojo. O como ahorrarse unos dólares.

En definitivas cuentas, la primera aventura espacial del cine de ciencia-ficción (excepto "Viaje A La Luna" o "Aelita"). Todo un clásico.




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lunes, 23 de marzo de 2009

En El Corazón de la Tierra (1976) (V.O.S.E.) ("At The Earth´s Core")




sinopsis

El doctor Abner Perry y su ayudante han diseñado una impresionante máquina. Durante uno de los ensayos algo va mal y la máquina se precipita con todos sus ocupantes hacia el centro de la Tierra. Allí descubren a un grupo de hombres dominado por unos enormes pájaros con poderes. Los exploradores deciden poner todo su empeño en ayudarles.




Ficha Técnica

Dirección: Kevin Connor / Productores: John Dark, Max Rosenberg, Milton Subotsky para American International Pictures, Amicus Productions, Burroughs Productions Inc. / Guión: Milton Subotsky sobre la novela homónima de Edgar Rice Burroughs / Fotografía: Alan Hume / Música: Michael Vickers / Montaje: John Ireland, Barry Peters / Efectos especiales: Ian Wngrove / Intérpretes: Peter Cushing (Dr. Abner Perry), Doug McClure (David Innes), Caroline Munro (Princesa Dia), Cy Grant (Ra), Godfrey James (Ghak), Sean Lynch (Hoojah), Bobby Parr (Jefe Sagoth), Michael Crane (Jubal, el feo), Keith Barron (Dowsett), Anthony Vender (Gadsby), Helen Gill (Maisie), Andree Cromarty (Mujer en sacrificio), Robert Gillespie (Fotógrafo)… / Nacionalidad y año: Reino Unido / Estados Unidos 1976 / Duración y datos técnicos: 89 min. color. 1.85:1.(V.O.S.E.)



Comentario

Adaptación de una novela de Edgar Rice Burroughs que narra las aventuras del Dr. Abner Perry (Peter Cushing)y David Innes (Doug McClure) en el interior de la tierra. Un viaje repleto de aventuras donde encuentran de todo: monstruos, una civilización oculta y esclavizada, una ciudad subterránea... El típico pupurrí que todos hemos devorado de pequeños los sábados por la tarde en televisión.
Debemos verla sin ninguna pretensión y ewvitar analizarla o calificarla porque la película perdería mucho. No me gusta Doug mcClure. Más aún, me repatea. Y Peter Cushing hace uno de sus papeles más flojos, evidentes en sus diálogos (no para de repetir: "¡David, David!"). El tono humorístico del film llega a cansar y la dirección es floja. Además de ciertos pequeños errores que cantan a la legua (vamos, que bajas al centro de la tierra y sus habitantes hablan un perfecto inglés).
Pero es ideal para verla con un buen paquete de palomitas, tumbado en el sofá, totalmente relajado. Es una agradable cinta de aventuras fantásticas de tono ligero. Película Plan 9 para todas las edades.



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El último hombre sobre la Tierra (1961) (V.O.S.E.) ("The Last Man on Earth")





sinopsis

El despertador suena, y Robert Morgan inicia su jornada. Vaga por una ciudad vacía, aparta diversos cadáveres a su paso, clava estacas en los pechos de algunos seres que halla durmiendo en almacenes, y se provee de suministros; al atardecer debe volver a su casa y guarecerse en ella, pues entonces las calles se llenan de vampiros.




Ficha Técnica

Director: Sidney Salkow / Productor: Robert L. Lippert para Associated Producers Inc. / AIP / Produzioni la Regina SpA. / Productor ejecutivo: Samuel Z. Arkoff / Guión: Logan Swanson [Richard Matheson], William P. Leicester, Furio M. Menotti, según la novela Soy leyenda (I Am Legend) de R. Matheson / Fotografía: Franco delli Colli / Música: Paul Sawtell, Bert Shefter / Montaje: Gene Ruggiero, Franca Silvi / Intérpretes: Vincent Price (Robert Morgan), Franca Bettoia (Ruth Collins), Emma Danieli (Virginia Morgan), Giacomo Rossi-Stuart (Ben Cortman), Christi Courtland (Kathy Morgan), Umberto Rau, Antonio Corevi, Hector Ribotta, Giuseppe Mattei... / Nacionalidad y año: USA / Italia 1961 / Duración y datos técnicos: 87 min. b/n 2.35:1.(V.O.S.E.) Calidad TVRip.




Comentario

               “Sí, el mundo me pertenece. Un mundo vacío, muerto y silencioso”  

                                                                                   (Robert Morgan)


Esta primera adaptación de la novela de Richard Matheson “I Am Legend” es seguramente la más fiel de las tres que se han hecho (hablamos de “El último hombre vivo” (‘The Omega Man’. Boris Sagal, 1971) con Charlton Heston, y “Soy Leyenda” (‘I am a legend’. Francis Lawrence, 2007), con Will Smith). Lamentablemente, es también la menos entretenida. Aunque hay algunas escenas que captan el sentir de la novela, la producción italiana se ve obstaculizada por un bajo presupuesto, y una pésima dirección que hace que parezca una película hecha por un aficionado. Eso socava el poder de su historia (trata de un hombre solo que queda con vida en un mundo invadido por vampiros).

El film comienza con imágenes de una ciudad desierta. Robert Morgan (Vincent Price) se despierta y comienza su rutina diaria: comprobar la radio por si hay alguna señal de vida, prepara su equipo para ir de viaje ya que va poco a poco explorando la ciudad (su equipo consta de un saco lleno de estacas) y recoger los cuerpos que se va encontrando para quemarlos. Nos enteramos de repente que es 1968, y han pasado tres años desde que Morgan ha "heredado" el mundo. Poco a poco la naturaleza del apocalipsis queda claro (el resto de la población humana ha muerto por una peste que convierte a sus víctimas en vampiros). Sugerente comienzo que rápidamente decae al comprender que, aparte de los flashbacks en los que Morgan cuenta su historia, el grueso del fin es el ir y venir del protagonista, mientras que su voz (en off) nos va narrando lo que sucede. Son gran cantidad de escenas intrascendentes que enfrían al espectador. Si la intención es conseguir reflejar la soledad y el hastío de Morgan, lo consiguen con creces.

En verdad, sigue bastante fielmente la novela, por lo menos más que las otras versiones. Recoge el hecho de que los infectados tienen alergia al ajo, odian reflejarse en los espejos y no toleran la luz del sol. Morgan sale, estacas en mano, a cazarlos. Existen algunos infectados que pueden salir al sol gracias a una vacuna. Y tal como en el libro, estos portadores controlados salen a cazar a Morgan por el hecho de que, en sus cacerías, no ha distinguido a infectados de los mismos vampiros (se ha convertido en un asesino legendario, de allí el nombre de la obra de Matheson). El final se encuentra en la misma onda que la novela: Morgan es rodeado por los portadores y les increpa que no son humanos; los infectados están organizando una nueva sociedad y deben asesinar al verdadero monstruo que los asedia, que es el personaje de Vincent Price. Lástima que la sangre de Morgan es la única con anticuerpos que pueden poner fin a la enfermedad.

Vincent price desarrolla su papel de forma irregular porque aunque se defiende bien en las escenas de soledad, donde se encuentra al borde de la locura, o en los flashbacks, donde recuerda como perdió todo lo que amaba, no consigue entrar de lleno en el papel de justiciero luchador, asesino de vampiros. Yo, por lo menos, no lo veo.

Los escenarios intentan simular una ciudad de los Estados Unidos aunque veamos unos cuantos Fiats, y ni ha crecido la hierba, no hay telarañas,… Llegando incluso a encontrarse Morgan con ajos frescos. ¡Y han pasado 3 años desde la plaga! De la dirección mejor no hablar. Bueno, y los vampiros no dan miedo, sólo molestan. Parecen los típicos zombies torpes y estúpidos de la gran mayoría de películas del género.

En conclusión, una película menor que tiene su interés por Price y por se la primera adpatación de la novela de Richard Matheson.



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(Calidad TVRip)

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domingo, 22 de marzo de 2009

THX 1138 (Director´s Cut) (1971) (Dos versiones: dual + subs y Doblada)




sinopsis

Siglo XXV. En una central de fabricación de robots, uno de los operarios llamado THX 1138 comete un error debido a una incorrecta administración de las drogas legales que le son suministradas habitualmente por el gobierno. Detenido y encarcelado junto a otros delincuentes cuyos delitos resultan ser insignificantes, THX 1138 decide buscar una salida a ese mundo de pesadilla autárquica…




Ficha Técnica

Director: George Lucas / Productor ejecutivo: Francis Ford Coppola para American Zoetrope – Warner Bros. / Guión: George Lucas, Walter Murch, según argumento de G. Lucas, basado en el guión de G. Lucas / Fotografía: Albert Kihn, David Myers / Música: Lalo Schifrin / Montaje: George Lucas / Intérpretes: Robert Duvall (THX 1138), Donald Pleasence (SEN 5241), Don Pedro Colley (SRT, holograma), Maggie McOmie (LUH 3417), Ian Wolfe (PTO, prisionero), Marshall Efron, Sid Haig, John Pearce, Irene Forrest, Gary Alan Marsh, Johnny Weissmuller Jr., David Ogden Stiers... / Nacionalidad y año: USA 1971 / Duración y datos técnicos: 88’ C 2.35:1.




Comentario

La andadura de los estudios “American Zoetrope” se inició en los años 1960, en San Francisco. Francis Ford Coppola, un joven director promesa, convenció a Warner Bros para ayudar a financiar y distribuir un grupo de películas realizadas por los nuevos cineastas que había reunido a su alrededor. Coppola había terminado con éxito la producción de su film “El Valle del Arco Iris" (‘Finian's Rainbow’. Francis Ford Coppola, 1968), y su propuesta sonaba bien en una época en la que el cine necesitaba y buscaba desesperadamente cambios sustanciales en sus propuestas. Pero todo resultó un fiasco, causas perdidas. Y muchas de las películas de American Zoetrope ni se hicieron, y las que sobrevivieron no tuvieron demasiado éxito. Warner Bros., tras haber decidido abandonar el experimento de San Francisco, no respalda esas producciones con mucho entusiasmo. El mayor batacazo fue el film de George Lucas: "THX-1138", una parábola de ciencia ficción que se desarrolla en el siglo 25 y que tiene un lenguaje visual muy certero y una escenografía magistral

La fuerza de la película no está en su historia, sino en su inquietante y extrañamente eficaz estilo visual y sonoro. La historia mantiene los estándares de la ciencia ficción: Cinco siglos en el futuro, la humanidad vive en ciudades subterráneas que son programadas por computadoras y vigiladas por robots. El individuo es sustituido por el conjunto y así, los ciudadanos son obligados a tomar drogas para inhibir sus pasiones, pero THX 1138 (Robert Duvall) y su compañera LUH 3417 (Maggie McOmie) reducen sus raciones de drogas y descubren que tienen apetitos sexuales. Peor aún, está en el amor.

Lo que sigue es una batalla contra el sistema informático centralizado, la lucha contra los robots policías, y una ¿persecución hacia la libertad? Nada de esto es muy original, porque revisando el guón podemos comprobar que el tema de la alineación humana, la distopía total es un tema manido que ha sido tratado de manera más profunda por Orwell, Ray Bradbury o Philip K. Dick, entre otros innumerables escritores.

Esta película en sí es un excelente ejercicio de realización que parte de la anterior experiencia adquirida como estudiante cinematográfico de Lucas con su cortometraje “THX 1138 EB”.

Hay que añadir que el sonido ayuda a crear ese efecto de distancia, de despersonalización. La gente mantiene un tono impersonal, como si la droga les hiciera indiferentes a todo lo que les rodea. Sólo los anuncios de televisión tienen vitalidad, fuerza, vida con el objeto de transmitir confianza.

A destacar también el importante reparto encabezado por el gran actor Robert Duvall y el secundario (pero no menos famoso) Donald Pleasence, cuyos personajes son muy bien interpretados, y son de lo mejor de este título junto a la extraordinaria y nada convencional música de Lalo Schifrin y, por supuesto la ambientación de la ciudad que consigue crear un ambiente opresivo simplemente con ese blanco luminoso que casi llega a cegar y puede llegar a provocar angustia y claustrofobia.

En conclusión, “THX 1138” no es una típica película de ciencia-ficción hecha para un público convencional, de ahí su sonado fracaso en taquilla y su conversión en película de culto en años posteriores. A mí personalmente, me gusta.




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La Conquista Del Espacio (1955) (V.O.S.E.) ("Conquest Of Space")





sinopsis

En la estación espacial conocida como la Rueda, un grupo de hombres se prepara para realizar una expedición a la Luna. Pero el ambiente está cargado de tensiones debido a la presión de la misión. Llegan nuevas órdenes de la Tierra, que cambian el objetivo del viaje al planeta Marte. La tripulación de la Rueda aborda una nave y se lanzan a explorar el planeta rojo, pero el general Merritt comienza a tener delirios de corte religioso, considerando que la misión es una abominación que viola los límites impuestos por Dios a los hombres. 




Ficha Técnica

Director: Byron Haskin / Productor: George Pal / Guión: Barre Lyndon, George Worthing Yates & Philip Yordan, sobre el libro de Chesley Bonestell & Willy Ley / Fotografía: Lionel Lindon / Montaje: Everett Douglas / Intérpretes: Walter Brooke (General Samuel Merritt), Eric Fleming (Capitán Barney Merritt), Phil Foster (Sargento Jackie Siegle), Mickey Shaughnessy (Sargento Mahoney), Benson Fong (Sargento Imoto), Ross Martin (Sargento Andrei Fodor) / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1955 / Duración y datos técnicos: 81'’ Color  1.85 : 1. (V.O.S.E.)




Comentario

La Conquista del Espacio es otro producto de la factoría de George Pal, que en los cincuenta supo ser bastante prolífica con un género no muy popular en aquellos años. Aquí, contando con el respaldo de grandes estudios, Pal puede despacharse con una excelente batería de efectos especiales de calidad, los que siempre fueron su marca de fábrica. Lamentablemente no son los únicos rastros de Pal en el film.
El problema con las producciones de Pal pasa por dos aspectos : personajes terriblemente escritos, y un tufillo empalagosamente cristiano. Ambas cosas terminan por poner el toque ridículo en sus filmes, ya que los caracteres se comportan como robots, cuando no se suben a un banquito y comienzan una arenga propia de un film de propaganda. Uno no puede decir que los filmes producidos por Pal sean forzosamente malos, pero muchas veces lo que lo diferencia de los peor de la clase B (y Z) es simplemente el presupuesto. A uno le da la impresión de que Pal, al abordar el terreno de la ciencia ficción, intentó provocar un debate y una sensación de asombro. Sus películas son eventos cinematográficos y, como tales, pueden ser aprovechados para plantear ciertas reflexiones. Pero en vez de plantear cuestiones filosóficas de profundidad, Pal termina por decantarse hacia cierta moralina que a veces resulta soportable y otras veces no. En todo caso, no pasa de ser filosofía barata que podría plantearse después de una reunión de domingo en la iglesia.

El problema en sí no es el enfoque cristiano, sino que las líneas argumentales plantean afirmaciones y no preguntas. En ese sentido, lo que hace Pal es asaltar al espectador con sermones más que aprovechar la ocasión para plantear interrogantes. Aquí por ejemplo, el personaje del General Merritt comienza a disparar algunos razonamientos interesantes (la microscópica presencia del hombre en el vasto universo, la magnificencia de la obra de Dios, la posibilidad de que el hombre este violando leyes naturales al abandonar su propio mundo y explorar lo desconocido). El problema es que el General Merritt termina transformándose en un psycho killer católico (algo realmente absurdo) por culpa del stress, en donde todos sus postulados cristianos se van al carajo cuando sabotea la nave e intenta provocar el estrellamiento (y la muerte de toda la tripulación) sobre suelo marciano, algo que obviamente contradice los postulados por los que se guía el personaje.
A esto se suma el pésimo perfil de los caracteres, que no dejan de ser caricaturas. Las partes, digamos, cómicas son realmente malas, y algunos personajes como el sargento Imoto se despachan con razonamientos ridiculos, como que Japón es un país subdesarrollado y por ello construye sus casas con papel (!), cuando no escenas vergonzosas y eternas como la despedida de la Tierra de los familiares cercanos con los tripulantes. Es una lástima que nadie haya puesto empeño en desarrollar decentemente los personajes (el guión, en tal sentido, parece escrito por un adolescente), ya que sobre el resto de los temas pareciera haber una gran rigor científico. A ojos de un individuo viviendo en los 50, el viaje espacial que plantea el film es coherente (obviamente el espectador moderno puede encontrar fallas en su rigurosidad científica, pero son menores). Hay un buen sentido didáctico en explicar los pasos de la misión, así como en los métodos que implementan las soluciones del caso.

En cuanto a los efectos especiales, son realmente buenos. Aquí se plantea la forma de rueda para una estación orbital, la posibilidad de que una nave espacial tenga alas para poder aterrizar, y uno no se sorprendería si varias de estas ideas no hayan sido tomadas y refinadas por Stanley Kubrick en 2001. Dentro de las limitaciones de la época, el apartado de FX es realmente notable.

Pero más allá del cristiano loco y de los personajes bizarros, el otro problema del film pasa por la escalada dramática que plantea el guión. Pareciera que emprender la titánica tarea de explorar Marte no fuera suficiente como para generar tensión, por lo que precisa arrojar al ruedo al general desquiciado, su muerte a manos del hijo (griten todos juntos : pecado!) y la tripulación a punto de lincharlo... aunque son todos autistas y no pueden percatarse que si el general no era detenido, todos morirían. Mientras la mayor tensión está puesta en este incidente, la exploración de Marte pasa sin demasiada pena ni gloria, a lo sumo sirve como pretexto para generar algunas situaciones anecdóticas (el cohete averiado que debe ser alineado de un modo ridículo e ilógico, el terremoto en suelo marciano). En ese sentido, La Conquista del Espacio tiene idénticos problemas de desarrollo y enfoque que la más reciente “El Planeta Rojo” (Anthony Hoffman, 2000). La aventura por sí sola no basta, sino que hay que salpicarla de numerosas tribulaciones para poder cumplir con el tiempo de duración mínimo.




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jueves, 19 de marzo de 2009

2001: Una Odisea del Espacio (1968) (Dúal.) ("2001: A Space Odyssey")







sinopsis

La historia de la humanidad, en diversos estadios del pasado y del futuro, es narrada en la película de ciencia-ficción de culto por excelencia de la historia del cine. Hace millones de años, en los albores del nacimiento del homo sapiens, unos simios descubren un monolito que les lleva a un estadio de inteligencia superior. Otro monolito vuelve a aparecer, millones de años después, enterrado en una luna, lo que provoca el interés de los científicos humanos. Por último, HAL 9000, una máquina de inteligencia artificial, es la encargada de todos los sistemas de una nave espacial tripulada durante una misión de la NASA.







Ficha Técnica

Director: Stanley Kubrick / Productor: Stanley Kubrick para Stanley Kubrick Prod., Polaris, MGM / Guión: Stanley Kubrick y Arthur C. Clarke, según el relato “El centinela” de A. C. Clarke / Fotografía: Geoffrey Unsworth / Montaje: Ray Lovejoy / Efectos especiales: Colin Arthur, Les Bowie, Roger Dicken, Stanley Kubrick, Douglas Trumbull, Wally Veevers, Richard Yuricich… / Intérpretes: Keir Dullea (Dr. Dave Bowman), Gary Lockwood (Dr. Frank Poole), William Sylvester (Dr. Heywood R. Floyd), Daniel Richter (simio que mira la luna), Leonard Rossiter (Dr. Andrei Smyslov), Douglas Rain (voz de HAL 9000), Margaret Tyzack, Robert Beatty, Sean Sullivan, Frank Miller, Bill Weston, Ed Bishop, Glenn Beck, Vivian Kubrick, Kevin Scott… / Nacionalidad y año: 1968 / Duración y datos técnicos: 141 min. color 2.20:1.







Comentario

 Recuerdo cuando vi por primera vez esta película. Tenía quince o dieciseis años, era un domingo y decidí meterme en el cine con un par de amiguetes. Cuando salimos, mis compañeros tenían los ojos llorosos y bostezaban sin parar. Se habían aburrido de lo lindo. Yo mantenía la boca abierta, imposible cerrarla, por lo que acababa de ver. No había entendido de la misa la mitad, ni me importaba. Esa grandiosa puesta en escena, todos los aspectos visuales, la perfecta sincronización música-imagen, el realismo de las naves, en especial cuando aterriza el vuelo de pasajeros en la estación a ritmo del vals de Strauss, el viaje psicotrópicos lleno de luces y sonidos,... me dejó fuera de combate, me hipnotizó y consiguió que desde ese momento yo me convirtiera en uno más de esa legión de seguidores acérrimos que veneran una de las más grandes obras maestras del cine de ciencia-ficción de todos los tiempos, sino la más grande. Con el tiempo he podido leer muchas interpretaciones, lecturas diferentes del film, y la he vuelto a ver muchas veces. pero me quedo con ese momento que se encuentra grabado dentro de mi cerebro en la sección "cosas que me han impactado sobremanera", junto a sucesos extraordinarios como por ejemplo, ver a Neil Young en directo o mi primera experiencia sexual.. Por ello, me voy a permitir no hablar del film y he recogido un par de opiniones de las muchas que hay en la red. Ambas son cabales, tienen su lógica, credibilidad y están escritas con conocimientos sobre Kubrick, "2001" y el cine en general.



"Calificar un film siempre es algo subjetivo. Incluso es, de cierto modo, algo inapropiado. Existen peliculas comerciales que son perfectas en su clase, películas artísticas que son obras maestras en su rubro, y películas descerebradas que cumplen su objetivo. Poner una puntuación establece, de algún modo - erróneo -, que los filmes pueden ser medibles y comparables. En realidad es una calificación que debería reflejar la experiencia como espectador y el éxito del director para pulir y transmitir su mensaje. Quizás fuera mejor calificar en porcentajes de satisfacción, que con una simple cifra. Como ahora calificamos a 2001, muchos pueden pensar que hemos cometido el sacrilegio de considerar a La Guerra de las Galaxias o Batman Begins, como mejores filmes que la obra maestra de Kubrick. Cada film es excelente en lo suyo, y es imposible comparar cine arte con sci fi comercial o una cinta basada con un comic. Sin embargo, desde el punto de vista del espectador, 2001 es una experiencia frustrante en muchos momentos de su duración. Y aún con el paso de los años, y miles de hojas escritas de análisis sobre el contenido del film, no deja de ser una obra despareja. 

Posiblemente todas estas líneas suenen a herejía, pero reflejan cierta realidad. 2001 no es un film sino muchos filmes, y cada uno de ellos varía en calidad. Sin duda el amanecer de la humanidad es perfecto, un ejemplo de lenguaje cinematográfico. Con sólo imágenes, Kubrick logra transmitir el concepto de Deux Ex Machina que significa la presencia del monolito : la inteligencia extraterrestre que aparece en momentos claves de la humanidad para iniciar avances en la evolución de la especie.

Los problemas del film comienzan cuando pasamos al espacio. Sin duda, las imágenes son de una belleza admirable, comenzando con el memorable ballet entre la nave y la estación orbital, pasando por los paisajes lunares y los efectos especiales impecables, que se mantienen dignamente a 40 años de su filmación original. Pero los problemas pasan por el lado de los seres humanos. En más de una ocasión Kubrick ha manifestado que 2001 es una experiencia visual, y que la escasez de diálogos se debe a evitar los corsés de las palabras. Ciertamente, si los personajes entraran en algunos debates podrían debilitar la atemporalidad del film, recitando conceptos propios de los 60 que posiblemente hoy resultaran anticuados o perimidos. Pero tampoco los diálogos que hay son brillantes. La secuencia del Dr. Floyd hablando con su hija por video teléfono es totalmente superflua, ni siquiera sirve para darle alguna humanidad al personaje (además que la actuación de William Sylvester es demasiado estoica). La charla con conocidos en un bar da algunos ramalazos de lo que pasa, pero no aclara nada. Y la charla del Dr. Floyd en la base lunar es totalmente fútil. En el medio de todo esto, hay demasiados tiempos muertos y cierto engolosinamiento de Kubrick en los aterrizajes de las naves (si funcionó con la estacion orbital, entonces...). Ciertamente si la idea de Kubrick es la de transmitir el concepto de tecnología, lo logra, pero da la impresión que sobran minutos de metraje.

Acto seguido, pasamos a la misión en Jupiter, que es el núcleo del film. Sin duda, son los momentos más recordados de la película, pero también los más engañosos. Recordemos que el film trata de explicar una historia : la presencia de inteligencia extraterrestre como catalizador (y centinela) de la evolución humana. Pero opta por desviar nuestra atención hacia la aventura a bordo con HAL 9000 rebelándose contra la tripulación.¿Por qué?. Tampoco resulta claro. En cierto momento, HAL le dice a Bowman que su conducta se debe a que considera que la presencia humana - de accionar impredecible - podría atentar contra las posibilidades de éxito de la misión. El comienzo de la extraña conducta de HAL es precisamente cuando está comentando el propósito real del viaje a Jupiter, mientras a su vez posee información que sólo será revelada cuando lleguen a destino. Indica una falla de equipo que no es real. ¿Acaso HAL se le ocurrió, subitamente, que debía poner a prueba a los humanos?. No es claro, de ningún modo, el sentido del desvío de esta trama de la historia original. Quizás hubiera sido mejor no engolosinarse con tanto paisaje espacial y brindar otras explicaciones : que, por ejemplo, HAL quería ser la primera entidad en ponerse en contacto con la inteligencia extraterrestre, que se consideraba mas apto.

Pero no. Kubrick no da detalles al respecto. Y a medida que transcurre el film, se vuelve más críptico, más cerrado y complejo. Es un gran momento de suspense, contiene escenas impresionantes, pero el espectador aún está pensando en el monolito mientras Kubrick insiste que atendamos los intentos desesperados de Bowman por sobrevivir, enfrentándose a la computadora rebelde. 

Y por último, desactivado HAL, llegamos a Jupiter y al monolito orbitando. Bowman sale a explorarlo, el monolito abre una puerta temporal... y en medio de un excesivamente largo viaje lisérgico, llegamos a la escena más polémica del film, que es el final. El pasaje por estadíos de vejez de Bowman en una habitación de gusto barroco. Posiblemente la inteligencia extraterrestre lo haya llevado por un viaje hacia su interior, hacia el inconsciente... ¿de qué modo explicar la ambientación?. Y a medida que Bowman envejece velozmente hasta encontrarse en su lecho de muerte en unos instantes, con el monolito a sus pies, y transformarse en un feto que contempla a la Tierra desde el espacio.... signifique posiblemente que la humanidad ha entrado en comunidad con la inteligencia extraterrestre y que sea el origen de una nueva raza humana. La interpretación está abierta a lo que ud. considere correcto.

2001 posiblemente sea la mejor obra de ciencia ficción de la historia - simplemente por el tema que toca y la seriedad de cómo lo trata -, pero también es la mas pretenciosa. Hay muchos momentos en que el mensaje que transmite es vago. Hay demasiados tiempos muertos. No hay polémica o discusiones en los personajes acerca de un acontecimiento que debería resultar estremecedor. Los pocos diálogos que hay son ciertamente superfluos. La historia se desvía de rumbo muchas veces, y pareciera que la intención es llenar metraje. Y cuando decide avanzar en el contenido, lo hace de modo cada vez más abstracto. Uno puede deducir ciertas cosas, y podría decir que el mensaje podría haberse expresado de un modo mas claro y sin distracciones. 2001 es la mejor película del género simplemente porque es la más seria sobre el tema del contacto de una inteligencia extraterrestre (o Dios, como quiera interpretarlo) con la humanidad, pero dista de ser un film perfecto. Bien podría haberse suprimido la secuencia de HAL (o darse otros motivos más desarrollados para su conducta), y bien podrían haberse cortado muchas escenas operáticas en el espacio, a cambio de secuencias en que los personajes dialogaran y debatieran sobre el acontecimiento que estaban investigando. Para el espectador, el film le resulta intrigante, retando inteligentemente creencias y conceptos, pero sólo de ráfagas, y rellenado con demasiados sub argumentos futiles y otorgando información con cuenta gotas y de modo demasiado abstracto. Ciertamente no hay respuesta posible (ni entonces ni ahora) a la pregunta, pero los acertijos que deja Kubrick hacia el final del film resultan expuestos de un modo casi incomprensible.

Sin duda Kubrick es el mejor director de cine de todos los tiempos. Casi toda su filmografía es simplemente clásica : pero, en mi opinión, Dr. Strangelove o La Naranja Mecánica resultan superiores en terminos de exposición de ideas e historia. Como dijimos al principio, 2001 no es uno sino varios filmes que difieren en calidad. Y quizás sea esa diversidad lo que termina por quitarle el brillo a la obra, en vez de optar por hundir el cuchillo hasta el final en un solo tema - el monolito - y explorar todas las posibilidades que brindaba el tema."

                                       (Autor: Alejandro Franco    Fuente: El Arlequín)



"Anticipándose en un año a la llegada del hombre a la Luna, Stanley Kubrick izó la bandera en suelo selenita con ‘2001: Una Odisea del Espacio’, dignificando, al mismo tiempo, un género, la ciencia ficción, hasta entonces depauperado. Con la inestimable ayuda de Arthur C. Clarke, quien, en un proceso creativo insólito, escribió la novela a la par que colaboraba en la redacción del guión, el cineasta neoyorquino se columpió en el firmamento cinematográfico y se abrió camino rumbo a la Puerta de las Estrellas. Siguiendo la estela de su aventura de proporciones homéricas, otros directores como Andrei Tarkovski y Ridley Scott se lanzaron a la conquista del espacio como epígonos de Yuri Gagarin o Neil Armstrong, sepultando así los últimos vestigios de la space opera. Lejos de perpetuarse como un coto privado de quinceañeros y platillos volantes, la sci-fi devino en campo abonado a la filosofía. Por fin la ciencia ficción había alcanzado su madurez.

En una nueva muestra de hasta dónde podía llegar su ambición, Kubrick concibió ‘2001: Una Odisea del Espacio’ como una experiencia visual que trascendiera las limitaciones del lenguaje: 

'2001 es una experiencia no verbal: de dos horas y 19 minutos de película, sólo hay un poco menos de 40 minutos de diálogo. Traté de crear una experiencia visual que trascendiera las limitaciones del lenguaje y penetrara directamente en el subconsciente con su carga emotiva y filosófica. Quise que la película fuera una experiencia intensamente subjetiva que alcanzara al espectador a un nivel interno de conciencia como lo hace la música' (Stanley Kubrick).

No le hicieron falta didascalias para mostrar, que no explicar, la evolución desde el amanecer del hombre hasta la aparición de los primeros signos de inteligencia, siempre ligados a la lucha por la supervivencia. Tan hostil es la charca que se disputan dos tribus enfrentadas de homínidos como los confines del espacio, gélido e insondable. El hueso de jumento lanzado al aire por un antepasado no tan lejano como nos gustaría creer, transformado a la sazón en nave espacial por obra y gracia de la elipsis más memorable del cine, es tan sólo el epítome del discurso que propone el director nacido en el Bronx.

Nunca antes el cine se había fusionado tan bien, como un ensamblaje de la Estación Espacial Internacional, con dos estratos fundamentales del saber humano como la filosofía y la música. La teoría del superhombre de Nietzsche vibra en el monolito en el instante en que comienza a sonar el preludio de ‘Así Habló Zaratustra’, de Richard Strauss, cuando se produce la alineación de los tres cuerpos celestes (Tierra, Luna y Júpiter). El astronauta Dave Bowman (Keir Dullea), a su vez, se convierte en feto de las estrellas al final de la misión Júpiter, ejemplificando la última etapa de la evolución auspiciada por ese loco genial oriundo de la Bactriana. 

Para el filósofo de Röcken el hombre tenía que tender puentes hacia el superhombre. Para alcanzar ese grado de perfección debía escalar tres peldaños. El primero lo representa el camello, que carga sobre su joroba con el peso de la existencia. El camello sería el mono antropomorfo que sufre los ataques de animales más feroces, como el tigre, ante los que no puede defenderse. El segundo escalafón viene dado por el león, que se distingue por la agresividad y por el poder que entraña el uso de la fuerza. El león sería esa primera chispa de inteligencia que brota en el cerebro del homínido que aprende a usar un hueso como arma, uso que marcaría su transición hacia el homo habilis, y de ahí sólo habría un paso hacia el homo sapiens y la reproducción de la guerra en el espacio. Por último, el tercer peldaño lo constituye el bebé nonato, cuya burbuja o placenta le aísla y protege de las normas sociales, requisito indispensable para cambiar el orden establecido y crear así un nuevo mundo. El starchild en el que se transforma Bowman se encamina a la Tierra con intenciones inescrutables, pero que en la novela, más explícita que la película, se adivinan beligerantes. Su mirada en el último plano enlazaría con el primer plano de Alex De Large, protagonista de ‘La naranja mecánica’, como una continuación lógica del enfant terrible que subvierte las convenciones sociales.

Aunque Arthur C. Clarke escribió el libro y el guión a la vez, partió de un relato corto titulado ‘El Centinela’, que ya contenía la idea de una civilización extraterrestre que rastreaba la aparición de señales de inteligencia por todo el universo. Así nació el monolito, en el que muchos han querido ver, espoleados quizá por el consumo de sustancias psicotrópicas de la época hippie, la representación de un micropunto, lo que explicaría el viaje lisérgico de Bowman. Clarke se comprometió a no publicar la novela hasta que se estrenara el filme.

Con ‘2001: Una Odisea del Espacio’ Kubrick rompió, no ya sólo con las convenciones narrativas –la presencia de diálogos es testimonial–, sino también con el uso establecido de la banda sonora. Su innovadora propuesta formal sólo encuentra un lejano parecido en el primer plano de ‘Ciudadano Kane’, con el cartel “No Trespassing” colocado en la verja del palacio Xanadú, así como en la cuchilla de afeitar que corta un ojo en ‘Un perro andaluz’, de Luis Buñuel. También fue pionero en la inclusión de partituras clásicas, que en esta película cobran la forma de ‘El Danubio Azul’, de Johann Strauss II; del Adagio del ‘Gayane Ballet Suite’, de Aram Khatchaturian; y del ‘Lux Aeterna’, de György Ligeti; entre otras. Inolvidable el vals de las naves espaciales alrededor de la órbita terrestre. 

En un cambio de última hora, el director decidió prescindir de la música creada para la ocasión por Alex North, quien ya había trabajado para él en ‘Espartaco’. Años más tarde, el compositor pudo ver cumplido su deseo de publicar su banda sonora al margen de la película que tanto dolor le había causado. 

Después de ‘¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú’, Kubrick volvió a retomar la lucha entre el hombre y la máquina. La bomba atómica sobre la que cabalgaba Slim Pickens es reemplazada aquí por la computadora HAL 9000, un personaje humano, demasiado humano. Una vez más, el cineasta norteamericano fue un visionario, hablando de inteligencia artificial –título del proyecto que legó a su amigo Steven Spielberg– a finales de los sesenta, cuando era prácticamente una desconocida. HAL es el hijo pródigo que se rebela contra su creador, como Roy Batty contra Tyrell en ‘Blade Runner’, al temer por su propia existencia. Se hace preguntas sobre su devenir, mostrándose como un discípulo aventajado de Heráclito. Frente a la frialdad casi inhumana de Frank Poole (Gary Lockwood) y Dave Bowman, la computadora siente miedo ante el incierto futuro que le deparará la misión Júpiter. La secuencia en que lee los labios de los astronautas mientras planean dentro una cápsula cómo dejarle fuera de combate ha pasado a la posteridad. Al igual que los homínidos y que todos los demás seres vivos, HAL lucha por su supervivencia y, así, no titubeará en cobrarse la vida de Poole arrojándolo al vacío sideral cuando éste sale a arreglar la antena. Su trágica desconexión a manos de Bowman –la venganza es un plato que se sirve frío– hace que involucione hasta una forma primitiva, recordando su nacimiento (Illinois, 1992) y entonando ‘Daisy’, una canción infantil, con voz plañidera y herrumbrosa, su canto del cisne. La voz de HAL 9000 es la de Douglas Rain, en el original.

Era bien conocida la afición de Kubrick por el cripticismo. En este sentido, mucho se ha especulado sobre el significado de las siglas HAL. Prevalece la interpretación según la cual es una derivación de IBM, formada por las letras que le preceden en el abecedario. Aunque el director lo desmintió, aduciendo que era el acrónimo de Heuristic Algorithm Logarithmic, lo cierto es que una casualidad como ésa parece improbable en una mente tan milimétrica como la suya. Por otra parte, esta suerte de publicidad soterrada respondía a la hegemonía de esa marca comercial en el mercado de la informática.

Que ‘2001: Una Odisea del Espacio’ está relacionada con el famoso poema homérico queda de manifiesto en su propio título, pero hay muchos más detalles que apuntan en esa dirección. Bowman, el Arquero, es un personaje de ‘La Odisea’, y además lee durante su singladura este clásico imperecedero. El ojo rojo de HAL 9000 es el ojo del cíclope, que todo lo observa. La Discovery es como el bajel en el que Ulises surca los mares persiguiendo el sueño de Ítaca. 

‘2001: Una Odisea del Espacio’ reúne todos los requisitos para ser analizada a la luz del ‘Viaje del héroe’, de Joseph Campbell, y del ‘Monomito’, de Christopher Vogler. Hay un héroe, Dave Bowman; un mentor, el monolito; una ordalía, el enfrentamiento con HAL; y un retorno con el elixir, el superhombre. 

La imperfección de lo perfecto es otra de las obsesiones de Kubrick. En ‘Atraco Perfecto’ un plan en apariencia sin fisuras se iba al traste en el último momento por algo tan insignificante como el ladrido de un perro. En ‘2001: Una Odisea del Espacio’ la infalible computadora HAL 9000 empieza a errar en sus diagnósticos precisamente porque se siente humana. Eso sí, no perdona cuando juega una partida de ajedrez. Hombre y equivocación son dos palabras indisociables para el genio neoyorquino. 

Los decorados asépticos recuerdan vagamente al art decó, excepto la habitación Luis XVI donde Bowman envejece, que es de composición manierista. La frialdad, por lo tanto, no sólo se percibe en el espacio, sino también en ese futuro dominado por la tecnología. Todas las relaciones humanas son frías, tanto en la Estación Espacial, como en la Base Lunar Clavius, como en la Discovery. Incluso la llamada telefónica del doctor Heywood Floyd a su familia es lacónica. Los alimentos tienen una textura plastificada que despierta más indiferencia que apetito. Es, en definitiva, una sociedad esterilizada. 

No hay mucho que decir sobre la fotografía de Geoffrey Unsworth, salvo que es maravillosa. Los travellings dentro de la Discovery, con su cilindro centrífugo, son toda una lección de cine. La ingravidez está representada por un hieratismo en los movimientos. Los asombrosos efectos especiales le valieron a Kubrick su único Oscar, aunque contó con la ayuda de Douglas Trumbull, autor de los efectos de ‘Blade Runner’. George Lucas tomó buena nota de ellos para preparar ‘La Guerra de las Galaxias’. 

‘2001: Una Odisea del Espacio’ fue la última película de Kubrick para la Metro Goldwyn Mayer y la primera de su gran etapa creativa, que continuaría con ‘La Naranja Mecánica’ y finalizaría con ‘Barry Lyndon’. 

Seguro que Neil Armstrong convendría conmigo en que ‘2001: Una Odisea del Espacio’ fue un pequeño paso para el cine, y un gran salto para la ciencia ficción".

                                                  (Autor: Oscar B.  Fuente: www.elmulticine.com)



La obra maestra de Kubrick, apreciada como el estandarte definitivo de la ciencia ficción, crece con el tiempo hasta justificar su carácter científicamente profético y cinematográficamente precoz.

1968: LA CONQUISTA DEL ESPACIO


El abatimiento que la preeminencia soviética provocaba en los EE.UU. se tornó en obsesiva proyección de espectaculares designios: la construcción de bases en el espacio, la llegada del hombre a la Luna o a Marte.... En medio de tal crispación irrumpe el film de Kubrick, que, lejos de ser acogido como el antídoto a su aflicción, cosecha infinidad de rechazos, acreditando su incomprensión. La detracción crítica se basa, no sólo en el carácter subversivo de una historia de ciencia ficción, sino también en su trascendencia social. Y es que el escepticismo que el director manifestaba sistemáticamente hacia la institución político-social adquiere en 2001 un cardinal protagonismo. En cierto modo, por tanto, 2001 sería acusada de contribuir, en plena carrera espacial, a la divulgación del espíritu de conspiración por parte del gobierno americano contra sus ciudadanos.


Como era de esperar, el cine de dicha época se dejaría influenciar por los propósitos ex-colonizadores de las potencias mundiales, siendo el género de ciencia ficción su principal consignatario. No obstante, el panorama cinematográfico es mucho más esperanzador. Durante la década de los 60’s, la ciencia ficción era aún un género prematuro que debía amamantarse de anteriores experiencias (en su mayoría correspondientes a la serie B), así como de los incipientes éxitos televisivos (Dr. Who, Perdidos en el espacio o la legendaria Star Trek). Sin embargo, pronto se abandonaría el carácter descuidado que rigiese durante los inicios del género para empezar a realizar películas de gran calidad: Farenheit 451 (François Truffaut) o El planeta de los simios (Franklin J. Schaffner).


Pero, sin lugar a dudas la aportación más importante llegaría con 2001: una odisea del espacio. Su aparición cobraría una trascendencia inimaginable, pues ninguna de las originarias muestras había conseguido alcanzar tanto realismo como la obra de Kubrick; nunca antes el género de ciencia ficción había aspirado a tanto. Dicho director, sirviéndose de los mismos elementos que definieron su filmografía, consigue crear una película totalmente subversiva y reaccionaria al requerir la participación del espectador para descifrar sus claves y desarrollar sus ideas. Su sedición anularía el ingenuo ideal de diversión y entretenimiento sobre el que se asentó el género y acabaría siendo, por lo tanto, un imprescindible recurso para su maduración.

2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO


La adaptación que Kubrick hace del relato de Arthur C. Clarke El Centinela, es probablemente el mejor ejemplo para intuir la singularidad con que el cineasta aplica un argumento previo. Y es que Stanley Kubrick, junto con Luchino Visconti, es probablemente el cineasta literario más insólito. Su singularidad a la hora de adaptar obras literarias radica en la aportación personal, asistida con la intención de justificar su distinción artesanal y la interpretación del tratamiento fílmico (redimido del compromiso al que la novela podría someterle).

Este comportamiento, que aparece ya en la adaptación argumental, gobernará durante todo el proceso fílmico. Stanley Kubrick se acoge al género como mero amortiguador ya que, al fin y al cabo, su interés reside en explotar las posibilidades ofrecidas por la realización. Obsesionado por controlar cada detalle de su obra, nunca hubiese dejado nada en manos del azar: desde la composición del plano o la fotografía, hasta las salas de exhibición, pasando por los decorados o el registro interpretativo. Sin duda, el perfeccionismo es uno de los principales distintivos de este realizador, encaprichado tanto por la polisemia visual de la escena como por la construcción narrativa de la historia (consumada en densos planos que acaban configurando el tempo, forzando así al espectador a compartir la aplacada fluidez con que avanzan los hechos).

La película, que, como describe Bordwell, arranca con uno de los emparejamientos gráficos más atrevidos del cine narrativo, es una sinfonía espacial en cuatro actos que toma como referente La Odisea de Homero. Un bello recorrido visual por el conocimiento humano, analizando su evolución desde el advenimiento hasta su apocalipsis, ilustrando la máxima de Asimov: El control de los humanos por parte de las máquinas es una nueva forma de ilustrar el mal de la sociedad contemporánea.

En el último acto, el hombre se proyecta hacia el universo para alcanzar la inmortalidad, descubriéndose así el mensaje nietzscheano. La búsqueda constante de un objetivo quimérico juega en la cinematografía moderna un papel importantísimo; tanto como en la obra de Kubrick. No obstante si el Rosebud de Welles o el Mc Guffin hitchconeano catalizan el movimiento del personaje, en los films de Kubrick la mediación del individuo para esforzarse en conseguir su objetivo no acaba siendo el motor de la historia, sino la voluntad de ésta. Es decir, el personaje no hace avanzar la historia según sus deseos, sino que, en base a un concepto más idealizado, parece ser el curso del argumento el que domina al personaje, accionándolo según su propósito. El sujeto acaba siendo una marioneta agitada por las leyes que rigen la historia, de forma que, si apeláramos al ocasionalismo de Malebranche, las acciones de los actores serían en gran medida placebos disfuncionales: una apariencia de participación coordinada, en última instancia, por la historia.

Así, se consigue dotar a 2001 de un halo absorto y simbólico que, inevitablemente, estimula la reflexión. Al mismo tiempo, deberíamos resaltar la concordia establecida entre música e imagen como partícipe de la citada aureola mística (otorgando a la cinta una rítmica similar a las obras de Strauss o Ligeti).

Finalmente, quisiera acentuar el interés que Kubrick demostró por el arte, preñando cada una de sus películas con infinidad de influencias y referencias, desde la expresión pictórica y cinematográfica, hasta la literaria o mitológica (el propio Kubrick afirmó que "2001 es más una historia mitológica que una historia de ciencia-ficción").

En 2001 la influencia del minimalismo se aviene tanto al planteamiento fílmico lineal como a la composición escénica: anegada de formas rectilíneas, estructuras geométricas y colores primarios. Dicha iconografía conecta directamente con el arte minimal americano (Morris Louis, Kenneth Noland, Barnett Newman...) además de exhibir un interés especial por la sicodelia y el op art de los 60’s (Albers, Bridget Riley, Victor Vasarely, Yaacov Agam o Frank Stella).

En definitiva, 2001: una odisea del espacio es una obra maestra completa que no puede faltar en ninguna videoteca.

                                             (Autor: José Tirado     Fuente: www.labutaca.net)          



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En el zip hay un fichero de subtítulos en castellano para la V.O., sincronizados.

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miércoles, 18 de marzo de 2009

10.000 Clicks From Outer Space



Mi novia dice que soy un friki porque he montado este blog con esta temática tan específica y con esa cantidad de barbaridades cinematográficas que sólo unos pocos elegidos podrían soportar (véase "Plan 9 from outer space"). Invasores extraterrestres, mutaciones atómicas, científicos locos,... Como nos ponen a todos los apasionados del genero.

Por eso queridos congéneres del sector friki más interestelar, aquí en http://capricornio-uno.blogspot.com/ estamos de enhorabuena porque ya van 10.000 clicks con un montón de visitantes. Eso me llena de alegría porque veo que no soy tan bicho raro como pensaba. Gracias a todos por estar ahí y espero vuestras opiniones, sugerencias,... lo que sea será bienvenido.

Espero seguir un poco más ofeciendo esos clásicos del género y como adelanto una pequeña lista de lo que en breve tendremos aquí: El monstruo de Tiempos Remotos (The Beast From 20,000 Fathoms) (Eugène Lourié, 1953), THX 1138 (George Lucas, 1971),  La fuga de logan (Logan´s Run) (Michael Anderson, 1976), Cat-women of the moon (Arthur Hilton, 1953), Invasores Invisibles (Invisible Invaders) (Edward L. Cahn, 1959), Cuando Los Mundos Chocan (When The Worlds Collide) (Rudolph Maté, 1951),  Engendro Mecánico (Demon Seed) (Donald Cammell, 1977), Doctor Cíclope (Dr. Cyclops) (Ernest B. Schoedsack, 1940), Stalker (Andrei Tarkovsky, 1979), Mazinger-z,el robot de las estrellas (Mach Baron, 1974) , Santa Claus Conquista a los Marcianos (Santa Claus Conquers the Martians) ( Nicholas Webster, 1964), y muchas más.

Para celebrar tan magno acontecimiento (los 10.000 clicks de marras) contaremos con una de las grandes del género en el próximo post: 2001, Una Odisea Del Espacio (Stanley Kubrick, 1968).  Espero que os guste.

Pues nada, aquí os dejo este pequeño recortable para que al clickar en él lo amplieis y tras imprimirlo podáis recortarlo, pegarlo y tener vuestro pequeño amigo robot. Gracias y un afectuoso saludo a todos.




martes, 17 de marzo de 2009

El Cerebro que no Quería Morir (1959) (V.O.S.E.) "The Brain That Wouldn't Die"





sinopsis

Un cirujano sin escrúpulos, el doctor Bill Cortner, desarrolla una técnica de trasplante de órganos y miembros. Cuando su prometida, Jan Compton, resulta decapitada en un accidente, preservará la cabeza mientras busca un cuerpo femenino donde implantarla…





Ficha Técnica

Director: Joseph Green / Productor: Rex Carlton / Guión: Joseph Green, según argumento de J. Green, Rex Carlton / Fotografía: Stephen Hajnal / Montaje: Leonard Anderson, Marc Anderson / Efectos especiales: Byron Baer / Intérpretes: Jason Evers (Dr. Bill Cortner), Virginia Leith (Jan Compton), Leslie Daniels (Kurt), Adele Lamont (Doris Powell), Bonnie Sharie (Stripper rubia), Paula Maurice (Stripper morena), Marilyn Hanold (Peggy Howard), Bruce Brighton (Dr. Cortner), Arny Freeman, Fred Martin, Lola Mason, Doris Brent, Bruce Kerr, Audrey Devereal, Eddie Carmel… / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1959 / Duración y datos técnicos: 83’/70’ B/N 1.66:1. (V.O.S.E.)




Comentario

Película de serie B en estado puro, realizada con cuatro duros y en tan sólo trece días.. Un pequeño engendro cinematográfico que de puro malo, gusta y entretiene (a los amantes del género, claro). Porque “El cerebro que no quería morir” es una película con una trama floja, unas actuaciones pésimas, una ambientación cutre y unos efectos especiales de todo a cien.
El guión se basa en el film “El cerebro de Donovan” y nos presenta una trama llena de tópicos, vacía y con unos diálogos más que anodinos (algunos de ellos llenos de alusiones sexuales, incluso con un descarado tono lésbico), que se estira hasta poder alcanzar el metraje deseado (82 minutos). Un absoluto disparate sin piés ni cabeza. Resumamos: un científico que experimenta con los transplantes, sufre un accidente en el que resulta decapitada su prometida. Entonces mantiene la cabeza en vida, gracias a unos aparatos mientras sale a buscar el cuerpo perfecto al que unir su amada cabeza. Mientras, dicha cabeza se queda en el laboratorio (evidentemente) comiéndole (valga la redundancia) la cabeza al ayudante del científico. Además mantiene conversaciones con un engendro (fruto de anteriores experimentos y de la mala cabeza del científico) que permanece encerrado en una habitación adyacente al laboratorio. Con esto lo digo todo. Pero como suele pasar en estos filmes, entretiene. Ese guión disparatado te hace sonreír y lo absurdo de algunas situaciones, carcajearte (incluído el final).
Tú decides. Total, sólo son 88 minutos de tu vida. Engendrillo “Plan 9”






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Surgió Del Fondo Del mar (1954) (V.O.S.E.) ("It Came from Beneath the Sea")




Esta es la versión Original más subtítulos (dentro del archivo rar). Si preferís la versión dual Español/Inglés + Subtítulos, sólo debéis ir al post a través de este Link




sinopsis

El submarino nuclear al mando del comandante Pete Matthews se topa con un enorme objeto al norte del Pacífico, el cual atrapa a la nave y a duras penas logran deshacerse de él. De regreso al puerto descubren un enorme fragmento de tejido orgánico atrapado entre las helices del submarino. Con la asistencia de la profesora Joyce y el Dr. Carter, los científicos llegan a la conclusión de que se trata de un enorme pulpo, que debía permanecer sumergido en uno de los abismos del océano y que, con las recientes pruebas atómicas, se vio obligado a buscar aguas menos profundas en busca de alimento. Es que el monstruo se ha convertido en una criatura radiactiva y su fuente natural de alimento - los peces - perciben a la distancia su presencia. Hambriento y en fuga, la criatura se encuentra en trayectoria directa hacia la ciudad de San Francisco. Ahora todo depende de que Matthews, Joyce y Carter encuentren una manera viable de detenerlo.





Ficha Técnica

Director: Robert Gordon / Productor: Charles H. Schneer para Columbia / Productor ejecutivo: Sam Katzman / Guión: George Worthing Yates, Hal Smith, según argumento de G. W. Yates / Fotografía: Henry Freulich / Música: Mischa Bakaleinikoff / Efectos especiales: Ray Harryhausen, Jack Erickson / Montaje: Jerome Thoms / Intérpretes: Kenneth Tobey (Cdte. Pete Mathews), Faith Domergue (prof. Lesley Joyce), Donald Curtis (prof. John Carter), Ian Keith (almirante Burns), Dean Maddox Jr. (almirante Norman), Chuck Griffiths (Tte. Griff), Harry Lauter (sheriff Bill Nash), Richard W. Peterson (capitán Stacy), Del Courtney, Ed Fisher, Jules Irving, Jack Littlefield... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1954 / Duración y datos técnicos: 75 min. B/N 1.85:1. (V.O.S.E.)




Comentario

"Surgió Del Fondo Del mar" es importante, para empezar, porque supuso la unión del gurú de los efectos especiales, Ray Harryhausen, con el productor Charles H. Schnner. Una asociación que durará veintiséis años y que cambió las películas del género para siempre. Harryhausen es más conocido por su trabajo de 1963, "Jasón y los argonautas", pero ocho años antes de que él nos regalara su imagen más recordada (los esqueletos espada en mano peleando), creó un gigantesco pulpo que causó estragos en la ciudad de San Francisco, tras recorrer todo el Océano Pacífico. Quizás éste no sea el mejor film de Harryhausen, pero tiene su magia, su toque personal. Sólo hay que ver al pulpo atacando la ciudad. Quién sabe cómo habría sido el film sin la colaboración de Harryhausen. Porque, seamos sinceros, lo mejor de la película es el monstruo que, a pesar de los años y la evolución de los efectos especiales, no ha perdido un ápice de su ferocidad y su realismo (sólo hay que ver cuando se desliza por el Golden Gate o cuando ataca el puerto). Porque existe una interacción entre las personas reales, los decorados y las marionetas “in stop-motion”, que no rechina tanto como debiera si las comparamos con las películas actuales.Esto demuestra que cuando hay talento, incluso una forma arcaica en el diseño y los movimientos de la criatura pueden competir con la tecnología moderna en muchos casos.
Los primeros veinte y siete minutos del film son completamente diferentes al resto del film, y en él se utilizan elementos del documental, con esa voz en off que va explicando lo que sucede que parece casi como un noticiario. Eso le otorga a la acción de una mayor inmediatez, informando al espectador de lo que va sucediendo. Pero tan pronto como aparece en escena nuestro gigantesco cefalópodo, la cosa cambia y la película se transmuta en algo totalmente diferente, espectacular.
El guión en verdad, supera la media habitual de las series B de los 50, porque no sólo se basa en el mosntruo sino que les pone un enorme grado de atención a los personajes y resultan muy interesantes. La profesora Joyce (Faith Domergue) se nos presenta con la suficiente personalidad como para llenar la pantalla. Acostumbrados a las protagonistas que sólo sirven para lucir palmito y gritar hasta la saciedad, nos encontramos con el personaje de una profesora inteligente, atractiva y con carácter (vamos, que hasta da órdenes a los militares). A su vez el comandante Pete Matthews (Kenneth Tobey) repite el mismo molde que su oficial locuaz de “El Enigma de otro Mundo” (en realidad, pareciera que el actor interpretara sus papeles con el mismo perfil que un detective de la serie negra de los cuarenta: simpático, pícaro, heroico y mujeriego por encima de todas las cosas). Y posiblemente de los héroes de la serie B, Kenneth Tobey sea el que le ha tocado los mejores papeles, por encima de John Agar o Hugh Marlowe.
En definitivas cuentas, una sencilla producción de serie B que supera con creces la media ya que existe una excelente combinación entre un buen guión y unos increíbles efectos especiales. Clásico “Plan 9”





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