sinopsis Mr. Freedom, un superhéroe de Estados Unidos que lucha por Dios y su país robando, violando y matando a cualquier persona que parece que podrían estar en desacuerdo con él. Cuando se entera de que Francia está en peligro de caer en manos de los comunistas, Mr. Freedom se va de cabeza al extranjero para arreglar las cosas.
Ficha Técnica Director: William Klein / Productor: Guy Belfond, Christian Thivat, Michel Zemer / Guión: William Klein / Fotografía: Pierre Lhomme / Música: Michel Colombier y Serge Gainsbourg / Montaje: Anne-Marie Cotret / Intérpretes: Delphine Seyrig (Marie-Madeleine), John Abbey (Mr. Freedom), Donald Pleasence (Dr. Freedom), Jean-Claude Drouot (Dick Sensass), Serge Gainsbourg (M. Drugstore), Rufus (Freddie Fric), Philippe Noiret (Moujik Man), Yves Montand (Capt. Formidable),... / Nacionalidad y año: Francia 1969 / Duración y datos técnicos: 95 min. Color 1.66 : 1
Comentario Fotógrafo y cineasta neoyorquino, William Klein se ha interesado siempre por las artes plásticas, sobre todo a partir de su llegada a Paris en 1949, donde realizó varias pinturas murales paralelamente a su cada vez más prestigiosa labor fotográfica. En el año 1955, Klein comenzará su relación con la revista Vogue, para la cual firmaría numerosos reportajes de moda, debutando en el cine tres años después con un cortometraje titulado “Broadway by Night”. En adelante su relación con el celuloide será constante: en 1960, trabaja como consejero artístico de Louis Malle en “Zaize en el Metro”; en 1966 dirige el largometraje “¿Quién eres tú, PoIly Magoo?”, seguido de Mister Freedom en 1969 y “La Couple Tenoin”, ya en 1977. Pero, sin duda, el apartado fílmico donde Klein se ha labrado una mayor reputación a ambos lados del Atlántico ha sido el del documental. Obras como “Cassius Clay” (1964), “Grands Soirs et Petits Matins” (1968-1978), “Muhamad Ali The Grearest” (1974) o “The French” (1982), constituyen excelentes ejemplos de su talento como documentalista. faceta en la cual ha dejado hasta el momento una mayor impronta creativa que como cineasta de ficción.
“Mister Freedom” constituye una aproximación paródica, por momentos divertida e inspirada, al “modelo de vida americano” en general y los tópicos de los superhéroes en particular. La excusa argumental es la siguiente: Mr Freedom (super héroe típicamente norteamericano interpretado por John Abbey) acude a París tras el asesinato de su amigo Capitaine Formidable (Yves Montand). Una vez allí esta especie de Superman chapucero (que para colmo es un fascista y un racista) tendrá que defender Europa de la amenaza de unos súper villanos que ponen en peligro la “libertad” de los habitantes del continente, para lo cual Mr. Freedom utilizará unos métodos tan expeditivos como contraproducentes.
Rareza cinematográfica en toda regla, “Mister Freedom” manifiesta el innegable gusto visual de su director (a veces la película parece un dibujo animado), aunque también, por desgracia, sus obvias debilidades como narrador, quedando a la postre como un loable pero irregular intento de sátira en clave pop de la cultura americana y sus resbaladizas relaciones con el resto del mundo.
A destacar, por último, las siempre gratas presencias de tres pesos pesados de la interpretación europea como son PhiIippe Noiret, Donald Pleasance e Yves Montand (qué bien hace de muerto), y la aparición del grandísimo sinvergüenza (poeta, músico, artista con mayúsculas) y al que admiro una barbaridad: Serge Gainsbourg.
Nuevo repost de un clásico ya posteado antes. En versión dúal y con los subtítulos aparte (dentro del archivo rar), que incluye además el corto “THX 1138 EB”, realizado por Lucas cuando estudiaba y sobre el que está basado este film.
Si preferís la versión doblada al español, sólo debéis ir al post original, a través de este Link
sinopsis Siglo XXV. En una central de fabricación de robots, uno de los operarios llamado THX 1138 comete un error debido a una incorrecta administración de las drogas legales que le son suministradas habitualmente por el gobierno. Detenido y encarcelado junto a otros delincuentes cuyos delitos resultan ser insignificantes, THX 1138 decide buscar una salida a ese mundo de pesadilla autárquica…
Ficha Técnica Director: George Lucas / Productor ejecutivo: Francis Ford Coppola para American Zoetrope – Warner Bros. / Guión: George Lucas, Walter Murch, según argumento de G. Lucas, basado en el guión de G. Lucas / Fotografía: Albert Kihn, David Myers / Música: Lalo Schifrin / Montaje: George Lucas / Intérpretes: Robert Duvall (THX 1138), Donald Pleasence (SEN 5241), Don Pedro Colley (SRT, holograma), Maggie McOmie (LUH 3417), Ian Wolfe (PTO, prisionero), Marshall Efron, Sid Haig, John Pearce, Irene Forrest, Gary Alan Marsh, Johnny Weissmuller Jr., David Ogden Stiers... / Nacionalidad y año: USA 1971 / Duración y datos técnicos: 88’ C 2.35:1.
Comentario La andadura de los estudios “American Zoetrope” se inició en los años 1960, en San Francisco. Francis Ford Coppola, un joven director promesa, convenció a Warner Bros para ayudar a financiar y distribuir un grupo de películas realizadas por los nuevos cineastas que había reunido a su alrededor. Coppola había terminado con éxito la producción de su film “El Valle del Arco Iris" (‘Finian's Rainbow’. Francis Ford Coppola, 1968), y su propuesta sonaba bien en una época en la que el cine necesitaba y buscaba desesperadamente cambios sustanciales en sus propuestas. Pero todo resultó un fiasco, causas perdidas. Y muchas de las películas de American Zoetrope ni se hicieron, y las que sobrevivieron no tuvieron demasiado éxito. Warner Bros., tras haber decidido abandonar el experimento de San Francisco, no respalda esas producciones con mucho entusiasmo. El mayor batacazo fue el film de George Lucas: "THX-1138", una parábola de ciencia ficción que se desarrolla en el siglo 25 y que tiene un lenguaje visual muy certero y una escenografía magistral
La fuerza de la película no está en su historia, sino en su inquietante y extrañamente eficaz estilo visual y sonoro. La historia mantiene los estándares de la ciencia ficción: Cinco siglos en el futuro, la humanidad vive en ciudades subterráneas que son programadas por computadoras y vigiladas por robots. El individuo es sustituido por el conjunto y así, los ciudadanos son obligados a tomar drogas para inhibir sus pasiones, pero THX 1138 (Robert Duvall) y su compañera LUH 3417 (Maggie McOmie) reducen sus raciones de drogas y descubren que tienen apetitos sexuales. Peor aún, está en el amor.
Lo que sigue es una batalla contra el sistema informático centralizado, la lucha contra los robots policías, y una ¿persecución hacia la libertad? Nada de esto es muy original, porque revisando el guón podemos comprobar que el tema de la alineación humana, la distopía total es un tema manido que ha sido tratado de manera más profunda por Orwell, Ray Bradbury o Philip K. Dick, entre otros innumerables escritores.
Esta película en sí es un excelente ejercicio de realización que parte de la anterior experiencia adquirida como estudiante cinematográfico de Lucas con su cortometraje “THX 1138 EB”.
Hay que añadir que el sonido ayuda a crear ese efecto de distancia, de despersonalización. La gente mantiene un tono impersonal, como si la droga les hiciera indiferentes a todo lo que les rodea. Sólo los anuncios de televisión tienen vitalidad, fuerza, vida con el objeto de transmitir confianza.
A destacar también el importante reparto encabezado por el gran actor Robert Duvall y el secundario (pero no menos famoso) Donald Pleasence, cuyos personajes son muy bien interpretados, y son de lo mejor de este título junto a la extraordinaria y nada convencional música de Lalo Schifrin y, por supuesto la ambientación de la ciudad que consigue crear un ambiente opresivo simplemente con ese blanco luminoso que casi llega a cegar y puede llegar a provocar angustia y claustrofobia.
En conclusión, “THX 1138” no es una típica película de ciencia-ficción hecha para un público convencional, de ahí su sonado fracaso en taquilla y su conversión en película de culto en años posteriores. A mí personalmente, me gusta.
THX-1138 4EB es un corto dirigido por George Lucas en 1967 mientras que estudiaba en la Universidad de California meridional. Rodada en 16 mm y con una duración de 15 minutos fue el germen, el origen de THX 1138.
Este cortometraje nos muestra una huída, el afán de escapar de 1138 de su mundo frío y distópico y los esfuerzos que hacen las autoridades para detenerlo.
Fue rodado en puertas de acceso y garajes subterráneos del Aeropuerto internacional de Los Ángeles para representar una ciudad subterránea en un futuro distópico.
Este corto fue primordial para que Lucas fuera contratado por la Warner y pudiera rodar "THX 1138".
Nuevo repost de un clásico ya posteado antes, en versión dúal y con los subtítulos aparte (dentro del archivo rar). Ripeado desde el dvd, gran calidad. Si preferís la versión doblada, de menor peso y calidad, sólo debéis ir al post original, a través de este Link
sinopsis
A finales del siglo XX, el científico checo Jan Benes es requerido por los Estados Unidos por su conocimiento sobre la capacidad de alargar el período de reducción de un individuo al tamaño de una bacteria. Hasta el momento, los investigadores americanos han experimentado con un máximo de una hora. A su llegada a América, Jan Benes sufre una hemorragia cerebral. Para poder operar en el cerebro del eminente científico, el capitán Owens comanda un submarino atómico miniaturizado que viaja por el flujo sanguíneo del paciente. El doctor Duval, la doctora Cora y su asistente, el doctor Michaels, y el agente secreto Grant acompañan a Owens en su viaje por el interior del cuerpo humano
Ficha Técnica
Director: Richard Fleischer / guión: Harry Kleiner, basado en una historia de Otto Klement y Jerome Bixby / Productor: Saul David / Fotografía: Ernest Laszlo / Música: Leonard Rosenman / Montaje: William B. Murphy / Efectos especiales: L.B. Abbott / Intérpretes: Stephen Boyd (Grant), Raquel Welch (Cora), Edmond O'Brien (General Carter), Donald Pleasence (Dr. Michaels), Arthur O'Connell (Coronel Donald Reid), William Redfield (Capitán Bill Owens), Arthur Kennedy (Dr. Duval), Jean Del Val (Jan Benes), Ken Scott (Servicio Secreto), Shelby Grant (Nurse)... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1966 / Duración y datos técnicos: 96 min. color
Comentario
la ciencia-ficción americana de los años 50 alertaba sobre grandes peligros: invasiones desde el espacio exterior, mutaciones debidas a la radioactividad, los peligros de la investigación... Todo motivado por ese clima de miedo a lo desconocido, el peligro nuclear, la carrera espacial. Así, mientras todos miraban hacia el infinito, Richard Fleischer se concentró en algo que hace que "Viaje Alucinante" sea una obra original y maravillosa: el cuerpo humano.
El film trata del viaje que unos científicos realizan a través del interior de un hombre para poder salvarle la vida. Su misión es eliminar un tumor que pone en peligro su vida. Para ello deben ser miniaturizados y e introducidos en el interior de su cuerpo. Ahí comienza la aventura. Porque en realidad, aunque Viaje Alucinante entre de lleno en el género de la ciencia-ficción, también se podría calificar como cine de aventuras, en el que un grupo de personas comienzan una odisea llena de dificultades que van superando poco a poco. Y son esas dificultades las que hacen que esta película sea atípica. Porque no hablamos de alienígenas invasores o monstruos creados a partir de una bomba atómica. En esta ocasión, los protagonistas están expuestos a los peligros que puede pasar una bacteria en el organismo cuando el sistema inmunológico del cuerpo se activa al notar algo extraño. Si a ello añadimos los sabotajes a los que están sometidos por un miembro de la expedición, nos encontramos con una aventura de las de tomo y lomo.
Catherine, una británica casada con el aristócrata Phillippe De Montfaucon, llega con sus dos hijos a la hacienda solariega de su esposo, en la localidad francesa de Bellenac. Phillippe ya está allí, pues se adelantó unas semanas para atender asuntos relacionados con la sequía y los problemas de los viñedos. Nada más instalarse en el chateau familiar, la mujer comenzará a percibir extrañas cosas, extraños comportamientos en las gentes del pueblo y en su propio marido. Hasta el punto de sospechar que allí, bajo la aparente normalidad y la típica devoción católica de la Francia rural, todavía sobrevive un antiguo culto pagano…
Ficha Técnica
Director: J. Lee Thompson / Productor: John Calley y Martin Ransohoff para Filmways Pictures. / Guión: Dennis Murphy, según la novela “Day of the Arrow” de Philip Loranie / Fotografía: Erwin Hillier / Música:Gary McFarland / Montaje: Ernest Walter / Intérpretes: Deborah Kerr, David Niven, Sharon Tate, Donald Pleasence, Edward Mulhare, Flora Robson, Emlyn Williams, David Hemmings, John Le Mesurier, Michael Miller, Donald Bisset, Pauline Lets, Robert Duncan / Nacionalidad y año: Reino Unido 1966 / Duración y datos técnicos: 96 min. Blanco y Negro SatRip (Excelente) V.O. Inglés con subtítulos en castellano.
Comentario
Mirad bien la lista de intérpretes: David Niven (sí... una peli de terror protagonizada por ese impecable gentleman, aunque parezca mentira), Deborah Kerr (todavía reciente esa maravilla que es “The Innocents”), David Hemmings (un actor muy de moda en aquellos tiempos, y con un toque inquietante bastante efectivo), Sharon Tate (resplandeciente, desarmante en su hermosura en un 1966 que tendría que haber durado para siempre. Penica de moza... Que los viejos dioses amables la hayan acogido junto a ellos. Y, de paso, que el loco Azzathot termine agarrando –más pronto que tarde– por los testículos al hideputa de Charlie Manson y lo arrastre consigo hasta el centro del caos, junto a los flautistas ciegos para que ulule como un lechuzo por los siglos de los siglos...) y Donald Pleasance (también en su buena época). Y comprobad quién es el director: J. Lee Thompson (el de “Los Cañones De Navarone”, “El Cabo Del Miedo” o “Taras Bulba”).¿A que la cosa promete?
Bueh... pues, a pesar del reparto, del director y de la época (en 1966 Lee Thompson todavía no había entrado en barrena... Y los actores estaban en el momento cumbre de su carrera. De hecho, la Tate justo empezaba) la película es bastante desconocida. Hasta el punto de encontrarse ilocalizable en DVD tanto en las Españas (lo que no es raro... lo extraño sería encontrarla aquí. Aunque, eso sí, llegó a estrenarse en nuestro país en 1967. Y yo juraría haberla visto de chico en la tele o en el cine) como en Gran Bretaña o Estados Unidos.
Que no ha sido editada, vaya. Cosa que me resulta inexplicable, porque es encantadora y le sobran méritos propios y cualidades. Está muy bien dirigida e impecablemente interpretada (como no podía ser menos). Y en segundo porque su argumento es tremendamente original, hasta el punto de anticipar, siete años antes, una película tan querida por mí como “The Wicker Man” (Robin Hardy, 1973. Ya está colgada en este mismo blog).
La primera versión que colgué (en un foro de descarga directa) era un ripeo de la tele, del canal TCM, que existe aquí también, en Canal Satélite... aunque éste sería el británico o el americano porque iba en inglés original y sin subtítulos.
Olvidaos del diablo que aparece en el título. Aquí no hay satanismo strictu sensu ni brujerías canónicas, sino pervivencias paganas, antiguos ritos (más o menos druídicos) que todavía siguen vigentes en el corazón de la Francia rural a mediados de los 60’s.
La señora Montfaucon (Deborah Kerr) viaja hasta la finca familiar de su marido para descubrir que en ese pueblo de Bellenac todavía pervive la antigua religión. Y que, bajo la capa de catolicismo más o menos tradicional, se esconde el culto a los viejos dioses, las viejas tradiciones precristianas. De hecho, ante la sequía que amenaza la cosecha de uva (es una región vitivinícola) la solución, a la antigua usanza, pasa por realizar un sacrificio humano...
La película tiene bastantes tics característicos del cine inglés de los sesenta. Tomas raras, movimientos de cámara, encuadres. En algún lugar he leído que ese tipo de cosas la lastran un poco. Pero a mí, que soy muy raro, en realidad me gustan... Le dan encanto, la ambientan mejor. La hacen más sixties. Como curiosidad, la peli empieza casi igual que “Get Carter” (“Asesino Implacable” Mike Hodges, 1971), con la cámara rodando las vías del tren, aunque sin ningún tipo de música.
David Niven lo borda en su papel de aristócrata más o menos atormentado por lo que sabe es su destino inexcusable, lejos de esos papeles de comedia con los que casi siempre lo recordamos. Deborah Kerr está hecha una dama (tan guapa y eficaz como siempre), mientras que Donald Pleasance hace lo que mejor sabe hacer (inquietarnos sin que acertemos a saber bien qué es lo que nos desazona cada vez que lo vemos). Hemmings y Sharon Tate, por su parte, parecen dos yeyés recién llegados de Portobello Road y del Swinging London a la campiña francesa (sin que la cosa chirríe, que conste. Prerrogativas y ventajas de los maravillosos 60's...).
Y vale, que me enrollo.
Bueh... Ya he dicho que la primera versión que colgué eran un SatRip del TCM en inglés y sin subs. Finalmente, hace ya unos meses, encontré unos en polaco y los aproveché como plantilla para ir traduciendo la peli "de oído". Poco después, un compañero argentino que firma como Lord Of Bedlam (o Sims) halló un SatRip todavía mejor que el inicial, y con 5 minutos de duración adicionales. Adaptó los subs que yo había hecho y añadió algunas frases. Ésa es la versión que ahora cuelgo. Siendo un SatRip tiene una calidad de imagen fabulosa (y, cosa importante, no aparece el logo de TCM que aparecía en la mía). Eso sí... las capturas que adjunto pertenecen a mi aporte original (por eso llevan el logo del canal televisivo). Pero, insisto, la versión que ahora posteo es superior en calidad de imagen. Y el verdadero fautor es maese Sims/Lord Of Bedlam.
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Y nada más: que la disfruten voacés. Y ya me dirán si es no un curioso "antecedente" de "The Wicker Man".
En el Edimburgo del primer tercio del siglo XIX el doctor Robert Knox es un afamado especialista en Anatomía que da clases en la Facultad de Medicina. Admirado por sus alumnos y reverenciado por la buena sociedad, ve, no obstante, condicionadas sus investigaciones por las mismas carencias que afectan a la propia Universidad: la falta de cadáveres humanos con los que practicar. Convencido de que el progreso de la ciencia lo justifica, termina recurriendo, como muchos de sus colegas, a los llamados “ladrones de cadáveres”, gente sin escrúpulos y de baja extracción que malvive desenterrando en los cementerios los cuerpos de personas recién fallecidas y vendiéndolos a los estudiantes y anatomistas. Sus principales proveedores van a ser dos individuos poco recomendables llamados William Hare y William Burke.
Ficha Técnica
Director: John Gilling / Productor: Robert S. Baker y Monty Berman / Guión: John Gilling y Leo Griffith / Fotografía: Monty Berman / Música: Stanley Black / Montaje: Jack Slade / Intérpretes: Peter Cushing, Donald Pleasance, June Laverick, George Rose, Renee Houston, Dermot Walsh, Billie Whitelaw, John Cairney, Melvyn Hayes, June Powell, Andrew Faulds, George Woodbridge / Nacionalidad y año: Reino Unido 1960 / Duración y datos técnicos: 94 min. Blanco y Negro. 704x256. DVDRip. Inglés con subtítulos en archivo aparte.(V.O.S.E.)
Comentario
Ya he explicado en otro comentario inmediatamente anterior a éste (el de Horrors Of The Black Museum) todo eso de los Penny Dreadfulls del siglo XIX y la existencia de una línea truculenta en la historia del terror inglés, paralela a la refinada estilización de las Ghost Stories más clásicas y reconocidas. Allí, como aquí (y como en todos los sitios) la literatura más popular y menos exigente, artísticamente hablando, desarrolló una tendencia a la explicitud y al tremendismo que, mutatis mutandi, se corresponde con la afición al gore y el menudillo que hoy en día castiga al género (y a nosotros) tanto a nivel cinematográfico como literario. Naturalmente, el paso del tiempo puso las cosas en su sitio, y mientras los maravillosos relatos de Benson, M.R. James, Le Fanu, Dickens o Delamare mantienen su vigencia y su condición de grandes (o pequeños) clásicos de la literatura siendo continuamente reeditados, nadie recuerda (ni publica) cosas como Barney The Vampire.
Bueh... Pues recordado ese detalle, vamos con otra película de mis adorados Robert S. Baker y Monty Berman, herederos espirituales y estéticos del viejo tremendismo de los Penny Dreadfulls y representantes de ese otro tipo de Brit-Terror, menos estilizado, menos elusivo, menos elegante pero igualmente maravilloso en su barroquismo e ingenua truculencia.
Como ya se ha dicho, sólo firmaron cinco películas de terror en sentido estricto (y una de ellas, la primera de la lista, puede ser adscrita sin problemas, además, a la sci-fi): The Trollenberg Terror, Jack The Ripper, The Hellfire Club, Blood Of The Vampire y ésta que ahora cuelgo: The Flesh And The Fiends. Lo que no deja de ser una pena, porque en los pocos años que dedicaron al tema (entre 1958 y 1961) alumbraron una pequeña colección de joyas a la altura de las que una productora tan emblemática como la Hammer estaba entregando (de hecho, el nivel de las pelis de Baker y Berman está muy por encima de las que luego filmaron directas competidoras de la casa de los Carreras como fueron la Tigon o la Amicus).
Escrita y dirigida por John Gilling, un viejo conocido del aficionado que firmó además alguna de las joyas de la corona de la Hammer durante los 60’s (desde The Mummy’s Shroud a The Plague Of The Zombies, pasando The Reptile o Pirates Of Blood River) es una auténtica joya de la mejor época del Brit-Terror, cuando el género estaba en su apogeo y, al mismo tiempo, fijaba el canon.
Fotografiada espléndidamente (por el propio Berman) en un maravilloso y evocador blanco y negro, dirigida con pericia por Gilling y fabulosamente interpretada por dos monstruos del género como Peter Cushing y Donald Pleasance (secundados por un puñado de secundarios absolutamente magistrales), aborda una historia mil veces recreada en el cine y la literatura (el propio Robert Louis Stevenson escribió un cuento memorable) y que tiene su origen en un hecho real, perfectamente documentado.
En efecto, durante el primer tercio del siglo XIX, en la ciudad de Edimburgo, dos pillastres con pocos escrúpulos llamados William Burke y William Hare se dedicaban a proporcionar cadáveres “frescos” al insigne y prestigioso cirujano Robert Knox, que enseñaba en la Facultad de Medicina de la ciudad. Como todos sabéis, por aquella época en las universidades había escasez de cadáveres para los estudios prácticos, y solía recurrirse a los cuerpos de los ejecutados públicamente por algún tipo de crimen. Esa provisión era insuficiente, y los propios estudiantes y profesores recurrían a los “servicios” de individuos de dudosa reputación que saqueaban regularmente los cementerios y exhumaban los cadáveres que acababan de recibir sepultura para venderlos por unas monedas. Bueh... Pues el caso de Burke y Hare alcanzó especial notoriedad porque los muy desaprensivos, considerando aquel negocio una auténtica mina, decidieron tomar la iniciativa y no limitarse a esperar a que la gente muriese y fuera enterrada para acudir al cementerio y exhumarla. No... Ellos eran empresarios de fino olfato y con una aguda visión del negocio. Auténticos pioneros y antecesores de los modernos gurús y triunfadores del mundo financiero y empresarial, vieron que la forma de optimizar el negocio consistía en adaptarse a las necesidades del mercado y en abandonar su condición de meros intermediarios para pasar a controlar todo el proceso (useáse, no sólo la distribución sino, sobre todo, la “producción”, ejem). En definitiva, que comenzaron a asesinar a gente para vender sus cuerpos al mentado profesor Knox.
Cuando el caso salió a la luz creó una conmoción tremenda, no sólo en Edimburgo, sino en todo el Reino Unido. De hecho, suele considerarse el detonante que impulsó al Parlamento británico a promulgar la famosa Anatomy Act de 1832, que regulaba de una vez por todas el espinoso tema del suministro de cadáveres a las facultades de medicina y desincentivaba el siniestro “contrabando de cuerpos”, acabando con los “resurreccionistas” (así es como eran llamados, casi irónicamente) de una vez por todas.
Burke fue ejecutado en la horca, Hare, fue condenado solamente a pena de cárcel (se valoró su colaboración con la policía y el hecho de no ser autor material de ninguna muerte) y el Dr. Knox salió exhonerado de todo el proceso (de hecho, es posible que el médico no supiera en absoluto que sus proveedores eran, de alguna manera, “fabricantes” de la mercancía). Aunque, eso sí, su prestigio docente y científico se vio muy afectado.
Bueh... Pues con estos mimbres los avispados Baker y Berman produjeron esta pequeña joya del Brit-terror temprano en 1960. El argumento, como podéis ver, ya había sido tratado varias veces. De hecho, la película de la RKO, dirigida por Robert Wise, escrita por el genial Val Lewton y protagonizada por Boris Karloff y Bela Lugosi en 1945, The Body Snatcher, ya abordaba el caso (y el archifamoso relato de Stevenson que he nombrado antes también, que conste). Baker y Berman, simplemente, aplicaron su olfato para los negocios y contrataron a John Gilling. Lo demás vino solo.
A mí la película me parece una auténtica maravilla. De principio a fin. Verdaderamente, eran aquellos unos tiempos afortunados, cuando argumentos tan sórdidos (y también manidos y previsibles... Todo hay que decirlo), puestos en manos de artesanos eficaces daban lugar a pequeños clásicos disfrutables y perfectos.
Como también comentaba en el post de Blood Of The Vampire, Baker y Berman eran especialistas en eso de las dobles versiones. Y es esto una cosa bien curiosa. Todo el mundo sabe que en la España de los primeros 70’s y la explosión del Fantaterror era habitual rodar dos versiones diferentes de la misma película. Una para el mercado interior y otra “para la exportación”. La diferencia entre ambas consistía, básicamente, en que en la versión “internacional” las actrices mostraban desnudos más o menos generosos mientras que en la que se estrenaba en los cines patrios tal cosa no aparecía (la misma escena, según la versión, mostraba a la señorita corriendo in puribus naturalis o recatadamente cubierta con un camisón de lino suficientemente tupido. Aunque gritar, gritaba lo mismo). Bueh... Pues lo que ya no sabe todo el mundo es que en todos sitios “cocían habas” y que también en Gran Bretaña existió esa costumbre. Aunque un poco antes.
De hecho, y dejando aparte cosas tan conocidas como el Código Hayes en USA y tal y tal, lo cierto es que los desnudos en el cine no fueron habituales (bueh... ni habituales ni nada de nada) al menos hasta la segunda mitad de los años 60. Y, en realidad, no se convirtieron en algo más o menos natural (a veces demasiado impostado... ¿Alguien recuerda aquello que en España se llamó “El Destape”?) hasta la década de los 70’s. Vamos... Aquí y en Estocolmo (bueh... En el mismo Estocolmo precisamente no. Estos escandinavos ya se sabe que andaban más liberados).
Gran Bretaña fue uno de esos países donde la visión de un desnudo femenino estaba restringida a la versión local de las blue-movies y a las fotografías (deliciosas, por cierto) de revistas para adultos (como Kamera y toda esa camarilla del entrañable Harrison Marks). Pero como en los cines franceses, escandinavos y holandeses el público estaba empezando a demandar algo de picante, los avispados productores ingleses recurrían al viejo truco de la doble versión que nosotros los españoles elevamos a la categoría de una bella-arte.
En el caso británico no rodaban dos escenas, una con desnudos y otra con camisones. No, los british lo que hacían eran incluir un par de escenas adicionales, de escasos minutos (apenas dos o tres en total) en las que aprovechaban para incluir algunas mocicas en top-less. De hecho, sólo conozco dos casos de películas en las que no se usó ese sistema (y sí el “español”, es decir... La misma escena rodada dos veces): la genial Peeping Tom y la entrañable Circus Of Horrors (ambas de 1960). Curiosamente, en el caso de la segunda yo nunca he visto la copia “uncut”, hasta el punto de llegar a pensar que era una leyenda. Pero no... Basa y Freixas (expertos indiscutibles en la materia) lo aseguran en algún libro. Y yo creo en la palabra de esos dos señores tanto como en la de la Santa Madre Iglesia.
Como también dije en el post de Blood Of The Vampire, esas dos versiones diferentes son conocidas con los nombres de “Theatrical” (la estrenada originalmente en Reino Unido; esto es, la “cortada”) y “Continental” (la dedicada a la exportación a los cines “continentales” europeos. Básicamente franceses, escandinavos, alemanes y del Benelux. Y, por lo tanto, la que incluía esos ingenuos top-less de los que estamos hablando).
De las cinco películas del género que Baker y Berman firmaron, al menos cuatro conocieron la doble versión (The Trollenberg Terror es la única excepción). Y, como comenté en su post, Blood Of The Vampire se rodó tan deprisa que no les dio tiempo a incluir desnudos propiamente dichos, sino solamente un poco más de generosidad en los escotes femeninos y varias chicas con vestidos desgarrados.
Bueh... Pues la versión que ahora cuelgo de The Flesh And The Fiends es la Continental, mes amis. Uséase, que dura unos dos minutos más que la Theatrical. Y esos dos minutos (no llegan) consisten en un par de escenas cortitas en las que salen señoritas que parecen directamente sacadas de las sesiones fotográficas del aludido Harrison Marks (aunque vestidas de época, of course) mostrando fugazmente sus pechos. La cosa (créanme) no aporta absolutamente nada a la película. Ni argumental ni artísticamente. Pero tampoco es desagradable de ver (ejem).
Se trata de un DVDRip con una calidad de imagen fabulosa aunque con un aspect ratio quizás demasiado alargado (casi panorámico… 704x256 vaya…). Aunque yo tengo el DVD original británico, este archivo lo encontré en la mula, igual que los subtítulos (que, por cierto, están muy bien hechos).
Pues nada más, maeses. Ahí va la película. Que voacés la disfruten tanto como yo.
En el futuro año 1997, el crimen ha aumentado considerablemente, hasta tal punto, que la isla de Manhattan ha sido convertida en una prisión de alta seguridad. Unos terroristas intentan asesinar al Presidente estrellando su avión en la ciudad, pero éste consigue salvarse en una cápsula de emergencia, aunque es capturado por los criminales que habitan la prisión. Al legendario convicto, Snake Plissken, le ofrecen la libertad si en menos de 24 horas viaja a la prisión, rescata al Presidente y recupera una valiosa cinta en su poder.
Ficha Técnica
Director: John Carpenter / Productor: Larry J. Franco / Guión: John Carpenter y Nick Castle / Fotografía: Dean Cundey / Música: John Carpenter y Alan Howarth / Montaje: Todd C. Ramsay / Efectos Especiales: Pat Patterson / Intérpretes: Kurt Russell (Snake Plissken), Lee Van Cleef (Hauk), Ernest Borgnine (Taxista), Donald Pleasence (Presidente), Isaac Hayes (El Duque), Harry Dean Stanton (Cerebro), Adrienne Barbeau (Maggie), Tom Atkins (Rehme), Charles Cyphers (Secretario de Estado), Frank Doubleday (Romero), John Strobel (Cronenberg), ... / Nacionalidad y año: REstados Unidos 1981 / Duración y datos técnicos: 99 min. 1.33 : 1 (Doblada)
Comentario
Además de por ser una de las obras maestras de su director, John Carpenter, hay muchos motivos que hacen de “1997: Rescate en Nueva York” una película especial, única e irrepetible. Uno de ellos es su arranque memorable, quizá uno de los más atractivos del subgénero futurista. 1988: el crimen en Estados Unidos aumenta un 400%. La ciudad de Nueva York se ha convertido en la única prisión de máxima seguridad del país. Todos sus accesos han sido minados. Dentro no hay guardias, sólo los presos y las sociedades que ellos mismos han establecido. Un ejército fuertemente armado vigila el perímetro de Manhattan. Quien entra no vuelve a salir. 1997: ahora. Un grupo revolucionario estrella el avión del presidente en la ciudad prisión. Las autoridades encomiendan la misión de rescate a un convicto recién llegado, el misterioso Snake Plissken, ‘El serpiente’. Visto con la perspectiva actual, no deja de sorprender el hecho de que una historia con tanto potencial, escrita por Carpenter y Nick Castle, se pudriera en un cajón desde 1974 hasta 1980, año en el que AVCO-Embassy Pictures diera luz verde a un proyecto llamado a convertirse por méritos propios en lo que los norteamericanos denominan un “cult classic.” Sin embargo, la genialidad de la película no se sostiene simplemente por esta premisa argumental sino sobre los hombros de su protagonista, Snake Plissken, ‘El serpiente', el más grande de los personajes que habitan la filmografía carpentiana y, sin duda, la mejor creación de Kurt Russell. Pantalón de camuflaje, camiseta negra, cazadora de cuero raída, barba, melena y un parche en el ojo izquierdo son los rasgos físicos de un antihéroe de voz susurrante y movimientos tan silenciosos como los de el animal que le sirve de apodo. Cínico, descreído, individualista, seguro de sí mismo, impasible, desconfiado y muy resolutivo, Snake es la estrella de la función, un arquetipo que, como afirma la productora de la película, Debra Hill, “representa el otro lado de América. El antipatriota patriota. Alguien que querríamos ser pero que tenemos miedo de ser”. La primera aparición en escena de Snake no tiene nada que ver con las rimbombantes entradas del héroe de acción al uso, sin embargo, desde el principio atrapa la atención del espectador con su magnética personalidad y su mirada de cíclope. Estamos ante un personaje de cualidades casi legendarias, alguien de quien el resto de presos habla con admiración y respeto. “Tú eres Snake Plissken. Pero, ¿no estabas muerto?”, preguntan invariablemente todos los que se encuentran con él, añadiendo un aura de leyenda a su personalidad. Plissken es el motor y el alma de la película. Engañado por el jefe de seguridad de la prisión (Hauk, encarnado por un también memorable Lee Van Cleef), no tiene más remedio que rescatar a un presidente que poco le importa antes de que expire un plazo de 22 horas, momento en el que los pequeños explosivos inyectados en sus arterias explotarán. Sus motivaciones no son altruistas. Sólo quiere sobrevivir a cualquier precio, sin importarle la suerte de los demás. Ello que queda patente en una polémica escena, censurada la primera vez que el filme se emitió por televisión en Estados Unidos, en la que es testigo de la violación de una mujer y no hace nada para evitarlo simplemente porque no es asunto suyo. La composición de este antihéroe se completa con otra pincelada magistral: a diferencia de los titánicos campeones del cine de acción, Plissken es vulnerable, sangra, puede ser herido. Los 45 minutos finales (casi la mitad del metraje), se los pasa cojeando por una herida de flecha en la pierna, algo impensable en un héroe de acción tradicional. Las primeras escenas que transcurren en la prisión revelan la verdadera naturaleza de “1997: Rescate de Nueva York”: un spaghetti western posmoderno disfrazado de película futurista y aderezado con una perfecta mezcla de géneros: desde la aventura pura y dura a la sátira postapocalíptica. Aunque en ningún momento se habla de guerra nuclear, Manhattan es un escenario dantesco, un paisaje de pesadilla sucio y devastado que tiene mucho de esas ciudades fronterizas del oeste, donde conviven todo tipo de personajes peligrosos, sin moral ninguna. Al tono de western que domina la cinta contribuye también de manera muy determinante la presencia en el reparto de Lee Van Cleef (icono de ese género gracias a títulos como ”La muerte tenía un precio”, “El bueno el feo y el malo” o “El halcón y la presa”, entre otros), cuya mirada penetrante de ave rapaz da una réplica perfecta a Snake; y la de un personaje secundario, Romero (pequeño homenaje a george A. Romero), cuyo psicótico estilo recuerda a las interpretaciones del no menos legendario Klaus Kinski. Ninguno de los personajes que pueblan la cinta se rige por valores positivos o códigos éticos. El microcosmos de la prisión posee una estructura piramidal, esperpéntico reflejo de la sociedad que existe fuera de sus muros, coronada por un personaje salido de la blaxploitation, el Duque de Nueva York (encarnado por el cantante, Isaac Hayes), y dividida en bandas o castas muy similares a las contemporáneas tribus urbanas. El líder del mundo libre tampoco se salva de la quema. Cobarde, mezquino y tan oportunista como los habitantes de la prisión, el presidente de los Estados Unidos (interpretado eficazmente por Donald Pleasance), merecería compartir el mismo destino del resto de los reos. La mirada desencantada, satírica (es paradójico que el cuartel general de los guardias de la prisión esté ubicado precisamente en Liberty Island, a los pies de la Estatua de la Libertad) y amarga de Carpenter no deja lugar a ningún tipo de esperanza o fe en la raza humana: la gran manzana, al igual que el resto del mundo que la rodea, está podrida. Su crítica al poder y a los estados represores y su alegato en favor de las libertades individuales le han convertido en un agitador de conciencias, únicamente tolerado porque envuelve sus mensajes con el papel de la ciencia ficción o el terror, eficaz arma para despistar a los obtusos. La desesperanzada y mordaz visión de la sociedad occidental que muestra “1997: Rescate en Nueva York” es compartida con otra serie de películas de ciencia ficción, rodadas desde finales de la década de los 60 a la primera mitad de los 80, entre las que merece la pena destacar “El último hombre vivo” y “Cuando el destino nos alcance”, como directas precursoras, “Mad Max”, como hermana de sangre, y “Terminador” y “Robocop”, como continuadoras y actualizadoras del subgénero al tocar el tema de los peligros que encierra la progresiva deshumanización del individuo en una sociedad cada vez más tecnificada. En el apartado técnico resalta el excelente diseño de producción de Joe Alves (sobre todo teniendo en cuenta el presupuesto total del filme: 5 millones de dólares), la dirección fotográfica de Dean Cundey y el revolucionario uso que se hizo de la steadicam, que, por aquel entonces, empezaba a utilizarse en la industria norteamericana. La banda sonora de la cinta es puro estilo Carpenter: una partitura con un único tema, sencillo, rítmico y pulsátil. En el conjunto de la filmografía del cineasta norteamericano, “1997: Rescate en Nueva York” se sitúa entre “La niebla” (1979) y “La cosa” (1982). Esta última vuelve a estar protagonizada por un antihéroe cínico y desarraigado, también interpretado por Kurt Russell, atrapado en lugar de en una cárcel de cemento en una de hielo, la Antártida. De obligada mención es también “2019: Rescate en L. A.”, secuela de 1997 (única vez que Carpenter se ha permitido semejante lujo en toda su carrera), que repite el mismo esquema argumental punto por punto pero sin llegar ni de lejos al nivel de la original, al cargar las tintas en una excesiva caricaturización de personajes y situaciones que, en lugar de potenciar la sátira, acaba desembocando en una triste parodia. Recomendación 100% “Plan 9”
Siglo XXV. En una central de fabricación de robots, uno de los operarios llamado THX 1138 comete un error debido a una incorrecta administración de las drogas legales que le son suministradas habitualmente por el gobierno. Detenido y encarcelado junto a otros delincuentes cuyos delitos resultan ser insignificantes, THX 1138 decide buscar una salida a ese mundo de pesadilla autárquica…
Ficha Técnica
Director: George Lucas / Productor ejecutivo: Francis Ford Coppola para American Zoetrope – Warner Bros. / Guión: George Lucas, Walter Murch, según argumento de G. Lucas, basado en el guión de G. Lucas / Fotografía: Albert Kihn, David Myers / Música: Lalo Schifrin / Montaje: George Lucas / Intérpretes: Robert Duvall (THX 1138), Donald Pleasence (SEN 5241), Don Pedro Colley (SRT, holograma), Maggie McOmie (LUH 3417), Ian Wolfe (PTO, prisionero), Marshall Efron, Sid Haig, John Pearce, Irene Forrest, Gary Alan Marsh, Johnny Weissmuller Jr., David Ogden Stiers... / Nacionalidad y año: USA 1971 / Duración y datos técnicos: 88’ C 2.35:1.
Comentario
La andadura de los estudios “American Zoetrope” se inició en los años 1960, en San Francisco. Francis Ford Coppola, un joven director promesa, convenció a Warner Bros para ayudar a financiar y distribuir un grupo de películas realizadas por los nuevos cineastas que había reunido a su alrededor. Coppola había terminado con éxito la producción de su film “El Valle del Arco Iris" (‘Finian's Rainbow’. Francis Ford Coppola, 1968), y su propuesta sonaba bien en una época en la que el cine necesitaba y buscaba desesperadamente cambios sustanciales en sus propuestas. Pero todo resultó un fiasco, causas perdidas. Y muchas de las películas de American Zoetrope ni se hicieron, y las que sobrevivieron no tuvieron demasiado éxito. Warner Bros., tras haber decidido abandonar el experimento de San Francisco, no respalda esas producciones con mucho entusiasmo. El mayor batacazo fue el film de George Lucas: "THX-1138", una parábola de ciencia ficción que se desarrolla en el siglo 25 y que tiene un lenguaje visual muy certero y una escenografía magistral
La fuerza de la película no está en su historia, sino en su inquietante y extrañamente eficaz estilo visual y sonoro. La historia mantiene los estándares de la ciencia ficción: Cinco siglos en el futuro, la humanidad vive en ciudades subterráneas que son programadas por computadoras y vigiladas por robots. El individuo es sustituido por el conjunto y así, los ciudadanos son obligados a tomar drogas para inhibir sus pasiones, pero THX 1138 (Robert Duvall) y su compañera LUH 3417 (Maggie McOmie) reducen sus raciones de drogas y descubren que tienen apetitos sexuales. Peor aún, está en el amor.
Lo que sigue es una batalla contra el sistema informático centralizado, la lucha contra los robots policías, y una ¿persecución hacia la libertad? Nada de esto es muy original, porque revisando el guón podemos comprobar que el tema de la alineación humana, la distopía total es un tema manido que ha sido tratado de manera más profunda por Orwell, Ray Bradbury o Philip K. Dick, entre otros innumerables escritores.
Esta película en sí es un excelente ejercicio de realización que parte de la anterior experiencia adquirida como estudiante cinematográfico de Lucas con su cortometraje “THX 1138 EB”.
Hay que añadir que el sonido ayuda a crear ese efecto de distancia, de despersonalización. La gente mantiene un tono impersonal, como si la droga les hiciera indiferentes a todo lo que les rodea. Sólo los anuncios de televisión tienen vitalidad, fuerza, vida con el objeto de transmitir confianza.
A destacar también el importante reparto encabezado por el gran actor Robert Duvall y el secundario (pero no menos famoso) Donald Pleasence, cuyos personajes son muy bien interpretados, y son de lo mejor de este título junto a la extraordinaria y nada convencional música de Lalo Schifrin y, por supuesto la ambientación de la ciudad que consigue crear un ambiente opresivo simplemente con ese blanco luminoso que casi llega a cegar y puede llegar a provocar angustia y claustrofobia.
En conclusión, “THX 1138” no es una típica película de ciencia-ficción hecha para un público convencional, de ahí su sonado fracaso en taquilla y su conversión en película de culto en años posteriores. A mí personalmente, me gusta.
A finales del siglo XX, el científico checo Jan Benes es requerido por los Estados Unidos por su conocimiento sobre la capacidad de alargar el período de reducción de un individuo al tamaño de una bacteria. Hasta el momento, los investigadores americanos han experimentado con un máximo de una hora. A su llegada a América, Jan Benes sufre una hemorragia cerebral. Para poder operar en el cerebro del eminente científico, el capitán Owens comanda un submarino atómico miniaturizado que viaja por el flujo sanguíneo del paciente. El doctor Duval, la doctora Cora y su asistente, el doctor Michaels, y el agente secreto Grant acompañan a Owens en su viaje por el interior del cuerpo humano
Ficha Técnica
Director: Richard Fleischer / guión: Harry Kleiner, basado en una historia de Otto Klement y Jerome Bixby / Productor: Saul David / Fotografía: Ernest Laszlo / Música: Leonard Rosenman / Montaje: William B. Murphy / Efectos especiales: L.B. Abbott / Intérpretes: Stephen Boyd (Grant), Raquel Welch (Cora), Edmond O'Brien (General Carter), Donald Pleasence (Dr. Michaels), Arthur O'Connell (Coronel Donald Reid), William Redfield (Capitán Bill Owens), Arthur Kennedy (Dr. Duval), Jean Del Val (Jan Benes), Ken Scott (Servicio Secreto), Shelby Grant (Nurse)... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1966 / Duración y datos técnicos: 96 min. color
Comentario
la ciencia-ficción americana de los años 50 alertaba sobre grandes peligros: invasiones desde el espacio exterior, mutaciones debidas a la radioactividad, los peligros de la investigación... Todo motivado por ese clima de miedo a lo desconocido, el peligro nuclear, la carrera espacial. Así, mientras todos miraban hacia el infinito, Richard Fleischer se concentró en algo que hace que "Viaje Alucinante" sea una obra original y maravillosa: el cuerpo humano.
El film trata del viaje que unos científicos realizan a través del interior de un hombre para poder salvarle la vida. Su misión es eliminar un tumor que pone en peligro su vida. Para ello deben ser miniaturizados y e introducidos en el interior de su cuerpo. Ahí comienza la aventura. Porque en realidad, aunque Viaje Alucinante entre de lleno en el género de la ciencia-ficción, también se podría calificar como cine de aventuras, en el que un grupo de personas comienzan una odisea llena de dificultades que van superando poco a poco. Y son esas dificultades las que hacen que esta película sea atípica. Porque no hablamos de alienígenas invasores o monstruos creados a partir de una bomba atómica. En esta ocasión, los protagonistas están expuestos a los peligros que puede pasar una bacteria en el organismo cuando el sistema inmunológico del cuerpo se activa al notar algo extraño. Si a ello añadimos los sabotajes a los que están sometidos por un miembro de la expedición, nos encontramos con una aventura de las de tomo y lomo.
