viernes, 30 de julio de 2010

La Mosca (1958) (V.O.S.E.) ("The Fly")



Nuevo repost de un clásico ya posteado antes, en versión Original con subtítulos incrustados (dentro del archivo rar). Si preferís la versión doblada, sólo debéis ir al post original, a través de este Link






(Título original: "The Fly")


Sinopsis:

Cuando François Delambre recibe la noticia de la muerte de su hermano, el científico André, todo apunta a un homicidio por parte de la esposa de éste, Hélène. Su declaración hace creer a la policía que están tratando con una demente: según ella, tras un fallido experimento con la traslación de materia, su marido quedó transformado en un horrible monstruo y le pidió que le destruyera. Sólo existe una prueba que puede demostrar la cordura de Hélène: una mosca con la cabeza blanca...




Ficha Técnica

Director y productor: Kurt Neumann / Producción: Twentieth Century Fox / Guión: James Clavell, basado en el relato "The Fly" de George Langelaan / Fotografía: Karl Struss / Efectos fotográficos especiales: L. B. Abbott / Música: Paul Sawtell / Montaje: Merrill G. White / Dirección artística: Lyle R. Wheeler, Theobold Holsopple / Decorados: Walter M. Scott, Eli Benneche / Vestuario: Adele Balkan / Maquillaje: Ben Nye / Intérpretes: Al Edison (André), Patricia Owens (Hélène Delambre), Vincent Price (François), Herbert Marshall (Inspector Charas), Kathleen Freeman (Emma), Betty Lou Gerson (enfermera Andersone), Charles Herbert (Philippe Delambre), Eugene Borden, Harry Carter, Charles Tannen, Torben Meyer... / Nacionalidad y año: USA 1958 / Duración y datos técnicos: 94 min. DeLuxe color. Cinemascope.






Comentario

En un tiempo en el que las mutaciones físicas generadas por la radiación atómica estaban a la orden del día, La mosca se presenta como un caso insólito dentro de la ciencia-ficción de los años 50. Partiendo de la vieja premisa de los experimentos científicos, el film de Neumann nos conduce a lo largo de 90 minutos hacia el inquietante universo del horror, basándose fielmente en un relato de George Langelaan, que algún crítico consideró como "el cuento más terrorífico escrito en el siglo XX".

Tanto el relato como el film se plantean en su comienzo como una trama policial que, a medida que vaya atando todos sus cabos, irá desvelando una realidad mucho más aterradora que la que un simple asesinato puede suponer.

El film se abre con la muerte de André, genial científico y feliz padre de familia a la vez. Su mujer Hélène, que accionó la prensa hidráulica que lo aplastó, asegura que lo hizo por voluntad de su marido. El comportamiento de ésta, extrañamente complacido, se ve perturbado cada vez que ve una mosca. Ante la sorpresa de su cuñado, François (un Vincent Price alejado de sus habituales papeles), éste le pide que le cuente todo lo sucedido. Así, un largo flashback nos muestra el hogareño marco familiar en el que irrumpirá el desastre. Durante toda esta parte del metraje, el espectador asiste a un idílico entorno en el que todo es felicidad: él es un científico optimista y de ideas progresistas que valora al ser humano por encima de todo ("para él la vida era sagrada", se nos sugiere varias veces), y que vive enamorado de su esposa, de su hijo y de su laboratorio; ella es la comprensiva madre a la que nos tienen acostumbrados los films y seriales de los 50, dispuesta a lo que sea por su marido. Es aproximadamente a los sesenta minutos de metraje cuando se introduce el elemento que va a dar un giro a esta viva representación del american way of life. La sutileza con que se nos va mostrando esta desviación de la cotidianidad es admirable: durante unos días el científico permanece encerrado en su laboratorio sin que se nos explique la causa; unas notas por debajo de la puerta del laboratorio anuncian a la esposa que algo no va bien; posteriormente, André accede a que Hélène entre en la habitación, y él lleva puesto una tela negra que le cubre la cabeza. Ha habido un pequeño fallo en el experimento, se nos anuncia, y la única solución estriba en encontrar la mosca que lo provocó. Comienza entonces la desesperada búsqueda del entrometido insecto. El sonido aquí constituirá un factor importante que es utilizado hábilmente: los golpes de los que la sufrida esposa y el científico se sirven para comunicarse, ante la imposibilidad de éste de hablar; el sonido que André produce al sorber una taza de té con ron; el escalofriante maullido del gato de la casa en un fracasado intento de teletransportarlo...

En este entorno repentinamente hostil, el más trivial elemento de la naturaleza se puede convertir en la imagen más pesadillesca, como la que nos muestra la inolvidable secuencia final, ejemplo de la crueldad con que se puede dar conclusión a uno de los filmes más brillantes que haya dado la ciencia-ficción de la era atómica.





Anécdotas

 La impactante secuencia final tuvo que ser repetida varias veces ante los ataques de risa que se producían en los protagonistas: ni Herbert Marshall ni Vincent Price pudieron evitar soltar una carcajada mientras contemplaban una mosca con la cabeza de Al Hedison pidiendo auxilio.  La labor de maquillaje jugó un importante papel. Para la citada secuencia de la mosca con cabeza humana, se empleó pegamento que recubría al actor simulando la telaraña. Por otra parte, para el humano con cabeza de insecto se utilizó una especie de mascarilla de gas a la que se añadieron dos placas semicirculares a modo de enormes ojos.

A La mosca le siguieron dos inevitables secuelas, en vista del éxito obtenido: El regreso de la mosca (Return of the Fly, 1959) dirigida por Edward L Bernds, y Curse of the Fly (1965), del irregular Don Sharp y producida en el Reino Unido. Ambas se rodaron en blanco y negro, algo extraño teniendo en cuenta que la original se rodó en color y constituía un factor importante en el film (los tonos verdes del laboratorio, los fluorescentes de la máquina teletransportadora...). Los resultados fueron bastante mediocres en ambos casos, si bien la primera secuela la salva la presencia de Vincent Price. 



Links

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martes, 27 de julio de 2010

La Cosa (1982) (V.O.S.E.) ("The Thing")



Nuevo repost de un clásico ya posteado antes, en versión Original con subtítulos aparte (dentro del archivo rar). Si preferís la versión doblada, sólo debéis ir al post original, a través de este Link






Excelente “remake” de la película de “El enigma… ¡De otro mundo!” (1950), film dirigido por Christian Nyby bajo la atenta supervisión del celebre productor y director Howard Hawks, quienes crearon un clásico del género de la ciencia-ficción basado en un relato escrito por John W. Campbell, el cual fue publicado en 1938 bajo el título “ Who Goes There? (¿Quien anda allí?).



Sinopsis:

La presencia de un perro en una remota base polar norteamericana situada en la Antártica alarma a sus doce miembros ya que el animal está siendo perseguido y disparado desde un helicóptero de nacionalidad noruega.

Este hecho provoca un grave incidente en todo el lugar, apercibiéndose el grupo de que el animal no es lo que aparenta ser. Pronto investigarán el origen de esa criatura desde la base noruega de donde se había escapado.




Ficha Técnica

Director: John Carpenter / Productores: David Foster y Lawrence Turman para MCA/Universal y Turman-Foster Company / Guión: Bill Lancaster, basado en una historia corta de John W. Campbell Jr. / Fotografía: Dean Cundey / Música: Ennio Morricone / Efectos especiales: Rob Bottin (maquillajes), Jim Danforth (pinturas matte) / Montaje: Todd Ramsay / Intérpretes: Kurt Russell (MacReady), Wilford Brimley (Blair), T.K. Carter (Nauls), David Clennon (Palmer), Keith David (Childs), Richard Dysart (Dr. Cooper), Charles Hallahan (Norris), Richard Massur (Clark), Donald Moffat (Garry), Joel Polis (Fuchs), Peter Maloney (Bennings), Thomas G. Waits, Norbert Weisser, Larry J. Franco, John Carpenter… / Nacionalidad y año: USA 1982 / Duración y datos técnicos: 109 min. color scope.



Comentarios:

La idea de volver a adaptar a la pantalla grande el relato de Campbell surgió a mediados de los años 70 cuando Stuart Cohen, un gran admirador del mencionado relato desde niño, recuperó el texto original y, junto con los productores David Foster y Lawrence Turman, decidieron realizar esta película adaptándola fielmente con la colaboración de Bill Lancaster (el hijo de actor Burt Lancaster) y de John Carpenter como director.Este último era la persona idónea para rodarla dado su gran entusiasmo por la obra cinematográfica de Howard Hawks, quedando patente en su trayectoria la gran influencia del mencionado director y productor en su obra fílmica, con muchas de sus películas manteniendo férreamente el espíritu hawskiano. Con esta producción supera a la película original en todos sus conceptos, sobre todo en la atmósfera de terror, desconfianza y suspense acerca de los estragos que ocasiona la criatura a su paso.


El rodaje de la película empezó con la fotografía principal el 24 de Agosto de 1981 y duró un periodo de doce semanas. Los lugares en donde se rodó fueron los estudios de la Universal de Los Angeles, en el glaciar Taku, en la banca de hielo de Juneau (Alaska), donde llegaron a ocuparse más de seis estudios, algunos de ellos enfriados a temperaturas bajo cero por exigencias del rodaje mientras en el exterior el calor llegaba a superar los cuarenta grados, y en Stewart (Canada), una localidad histórica que fue una comunidad en auge durante la fiebre del oro.

Como hemos dicho, está inspirada en El enigma... ¡de otro mundo!, clásico de la ciencia ficción de 1952 producido por Howard Hawks. El film de John Carpenter se aleja sobremanera de los postulados del original (una parábola sobre el maccarthysmo y la "caza de brujas") y apuesta por el terror puro -acércandose más, al tiempo, al original literario de John W. Campbell-, personificado en una criatura insaciable y mutante, que deja sin aliento al público en sus súbitas, nauseabundas y sangrientas apariciones. Cualquiera de los científicos que pueblan la desolada base puede ser el ente, hasta el supuesto héroe, MacReady (Kurt Russell), y la situación que mejor ilustra esta incertidumbre es aquella en la que los supervivientes han de probar su humanidad con una muestra de sangre. La tensión se hace insoportable hasta la revelación de la identidad de la criatura, y esta escena permanece en nuestras retinas como una de las mejores de la filmografía del director americano. No obstante, gran parte de la efectividad de esta y otras secuencias de la película donde hace acto de presencia "la Cosa" se debe al brillante trabajo de Rob Bottin, responsable de los "vívidos" efectos especiales, que seguro harían las delicias de un David Cronenberg tan obsesionado con las mutaciones y descomposición de la carne.

Pero de nuevo lo que destaca de La Cosa es su dominio de los espacios cerrados, las sombras y las elipsis narrativas (impagables aquí para hacer dudar sobre quién es el transformado), y la integración de los personajes en un entorno aislado redondean un film de ciencia ficción y terror redondo: el suspense es constante, la tensión sobresaliente y el uso de la acción, magistral.

También la extraordinaria y tétrica banda sonora de Ennio Morricone, que aporta su granito de arena para crear la atmósfera siniestra que posee una película que no tuvo la acogida que se merecía por parte del público y de la critica, aquel año decantados por el benigno E.T. de Steven Spielberg.

Con el paso del tiempo “La cosa” de Carpenter ha ganado adeptos convirtiéndose, como muchas otras, en una película de culto.



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pass: johncarpenter

Aquí va también, para el que guste, la banda Sonora:

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martes, 20 de julio de 2010

Lust For A Vampire (1971) (V.O.S.E.)





sinopsis:

A un internado femenino centroeuropeo sito en el antiguo señorío de los Karnstein (a los que, en vida, sus vasallos no tenían en gran estima, la verdad), llega una nueva joven llamada Mircalla. Poco después comienzan a suceder extrañas cosas...

Y no digo más, aunque cualquier puede imaginárselo, ejem...





Ficha Técnica

Director: Jimmy Sangster / Productora: HAMMER Films / Guión: Tudor Gates (basado, muy libremente, en el relato "Carmilla" de Joseph Sheridan Le Fanu / Fotografía: David Muir / Música: Harry Robinson / Montaje: Spencer Reeve / Intérpretes: Yutte Stensgaard, Ralph Bates, Suzanna Leigh, Barbara Jefford, Michael Johnson, Helen Christie, Pippa Steel, David Healy, Harvey Hall, Mike Raven, Jack Melford, Michael Brennan, Judy Matheson, Christopher Cunningham, Erik Chitty, Caryl Little / Nacionalidad y año: Reino Unido 1971 / Duración y datos técnicos: 95 min. Color Versión Original en inglés con subtítulos en castellano en archivo aparte.




Comentario



En torno a 1969-1970 el género de Terror sufrió una serie de transformaciones que lo modificaron y condicionaron para siempre. De alguna manera (en mi subjetiva y discutible opinión) el cambio de década supuso un punto de inflexión, un límite, una frontera perfectamente definida que marcó un antes y un después.

El viejo terror clásico dio paso a nuevas formas, nuevos argumentos, nuevos modos, abandonando los escenarios y estéticas anteriores. El entrañable y queridísimo Gótico Italiano pasó a mejor vida, mientras el Giallo (que mezclaba el terror propiamente dicho con el suspense, el tema policiaco y cierto tremendismo visual) tomaba el relevo. Las viejas historias de vampiros, criptas y cementerios decimonónicos fueron sustituidas por asesinos en serie, monstruos humanos (no sobrenaturales), disfuncionalidades psíquicas y/o sociales y familiares y truculencias explícitas. Todavía no había llegado la eclosión splatter y gore de finales de los 70’s, pero ya podía adivinarse en el horizonte que, tarde o temprano, las sierras mecánicas, los taladros eléctricos y los cuchillos carniceros iban a adueñarse del género en un tiempo más o menos breve.

Estados Unidos comenzaba a recuperarse de su “decadencia” y llamaba de nuevo a las puertas del género, reclamando una posición dominante que había perdido diez, quince, veinte años atrás a favor de Europa (y, principalmente, del Brit-Terror).


En concreto, en las Islas Británicas, todavía detentadoras de la hegemonía, la evolución era evidente. La gloriosa Hammer, que desde finales de los 50’s y durante toda la década de los 60’s había encadenado una joya tras otra con un éxito incontestable, comenzaba a experimentar dificultades. El viejo goticismo marca de la casa no terminaba de enganchar con el nuevo público de jóvenes post-swingin’ London que demandaban emociones fuertes y erotismo explícito. La productora no quiso dormirse en los laureles, y comenzó a experimentar tratando de recobrar la hegemonía y el favor de la taquilla. No obstante, a pesar de echarle imaginación a la cosa, nunca renunció en el fondo a la vieja “marca de la casa”, tan querida y característica. Buscó nuevos giros argumentales, como la mezcla de capa y espada con el tema vampírico que supuso “Captain Kronos, Vampire Hunter” o la tremenda “The Seven Golden Vampires” (A.k.a. "Kung-Fu Contra Los Siete Vampiros De Oro" en la que los chupasangres se mezclaban con las Artes Marciales e, incluso, con el western. Vamos... el sueño de un chaval de ocho o nueve años en los 70's hecho realidad), actualizó el personaje estrella de la casa, el buen y viejo conde Drácula, ambientando sus aventuras en la más estricta contemporaneidad (“Dracula 72 A.D.” y “The Satanic Rites Of Drácula”) y terminó asumiendo las nuevas modas satánicas en la estimable e infravalorada (y última película de género que la productoras firmó, por cierto. Su canto del cisne) “To The Devil A Daughter”.

Pero, como ya he dicho, nunca abandonó sus querencias goticistas, sus ambientes centroeuropeos y sus vampiros de toda la vida, con sus colmillos puntiagudos y sus capas negras, como debe ser y comodiosmanda.


Lo que sí hizo la Hammer, en ese cambio de década, fue plegarse al nuevo gusto por lo erótico sin mayor problema. La productora siempre había tenido muy presente ese aspecto (aquellos rotundísimos escotes de Yonne Romain o Dana Gillespie, las piernas perfectas de Barbara Shelley, los impresionantes bikinis prehistóricos de Raquel Welch y Martine Beswick... y ya vale, que me encano...), así que no hubo dificultad en adaptarse a los tiempos. Los camisones se hicieron más trasparentes, los escotes más pronunciados y las situaciones más explícitas. Se ficharon nuevas hammeretes, más jóvenes y dispuestas a desnudarse como las gemelas Collinson (recién coronadas como playmates del mes en Octubre de 1970), la deliciosamente exhuberante Valerie Leon, la pizpireta Madeleine Smith, la tremenda Veronica Carlson, la delicada Yutte Stensgaard o la desarmante Ingrid Pitt y asunto solucionado. Para que la cosa quedase clara, se inició un nuevo ciclo vampírico, el conocido como La Trilogía Karnstein, en el que el personaje de Drácula fue sustituido por el de la famosa vampira creada en el relato homónimo de Joseph Sheridan Le Fanu (desde mi punto de vista, en la creación icónica del vampiro cinematográfico y literario anterior a esa caterva de adolescentes colmilludos y con problemas hormonales que ahora nos aflige y a los homoerotizantes y lánguidos vampirillos de Anne Rice, el vampiro de toda la vida, vaya, tan importante es la novela de Mr. Le Fanu como el Drácula de Stoker). Carmilla, Mircalla, Marcilla, sea cual sea el nombre elegido (todos valen) es, de alguna manera la protagonista de la trilogía, compuesta por tres películas: “The Vampire Lovers”, “Twins Of Evil” y “Lust For A Vampire” y datada entre 1970 y 1971


En la primera (y para mi gusto la mejor de la saga) el protagonismo recae sobre la maravillosa y guapísima Ingrid Pitt, generosa de camisones trasparentes y caricias sáficas. En la segunda son las gemelas Collinson las que se dedican a pegar mordiscos a los que se les ponen por delante y a abrirse el escote del camisón para hipnotizar al más pintado... Y en la tercera, que es la que ahora cuelgo, el papel de vampira rozagante y mollar lo asume la rubia y escandinava Yutte Stensgaard.

No es ésta la mejor película del ciclo, desde luego, pero tiene su aquél...


Sigue siendo puro Hammer. El escenario, como no podía ser menos, es esa Estiria indefinida en el corazón de Centroeuropa, con topónimos y nombres alemanes, pueblos típicos, curas católicos, aldeanos en blusón y mocicas recién sacadas de un cuadro típico. Castillos tardomedievales, criptas góticas y bosques umbríos. Y, en este caso, para sazonar con más picante el guiso, un internado femenino lleno de adolescentes sonrosadas cuyo pecho se agita delicado y rotundo bajo el escote recto del vestido estilo imperio que todas lucen (estamos en el primer tercio del siglo XIX, of course).


Como ya he dicho, la peli paga tributo a su tiempo y a los condicionantes que la Hammer había asumido para mantener la cuota de mercado. Un erotismo soft y en absoluto agresivo que, visto hoy, no sólo resulta inocentón sino hasta un poco ñoño. Y, por si faltaba algo, incluso hay hueco para meter una cancioncilla semipop (más bien easy-listening) para que sirviese de banda sonora ambiental en la escena erótico-pastoril en la que vampira deviene enamorada, ejem (Al fin y al cabo era algo normal en aquellos años. Piensen voacés en “Dos Hombres y Un Destino”, “Casino Royale”, “La Balada De Cable Hogue”, “The Thomas Crown Affair”, etc... Donde menos se lo pensaba uno, saltaba la liebre y aparecía una canción pop. Y algunas siguen sonando deliciosamente bien treinta años después, por cierto).

La señorita Stensgaard no ha pasado a la historia, precisamente, por sus dotes interpretativas. Era una jovencita adorable y sumamente atractiva (y me quedo corto, ejem...) pero limitadísima como actriz. Así que la peli no puede por menos que resentirse de ello; y ni siquiera la presencia siempre eficaz de Ralph Bates y otros secundarios típicos de la Hammer cubre ese flanco. Por otra parte, el argumento es otra variación de la historia de Carmilla que ya se había desarrollado (con diferentes giros argumentales pero con la misma trabazón básica) en las anteriores películas de la mini-saga, las aludidas “Vampire Lovers” y “Twins Of Evil”. Vamos... que “Lust For A Vampire”, como ya he dicho, no es la mejor película de la Hammer (y, de hecho, es la más flojica de toda la Trilogía Karnstein).


Pero... ¡Qué diablos...! Todavía es una cinta de brit-terror de su época dorada. Todavía están ahí todos los detalles y motivos que, no por manidos y comunes, siguen siendo encantadoramente reconfortantes. La fotografía, la ambientación, la corrección narrativa, el respeto por el espectador (del que no se piensa que es un estúpido dispuesto a tragarse cualquier barbaridad). Todo eso sigue ahí.

Y, además, la rubia y juncal Yutte no sería una actriz del método, pero a fe mía que resulta una vampira especialmente sugerente y deleitable (vamos... que al verla venir de frente, más que dejarse morder, lo que uno haría es morderla a ella, ejem...).


Pues eso, mes amis. Que la peli, a pesar de sus deficiencias y limitaciones, sigue siendo perfectamente disfrutable y agradecida. Y una de la Hammer siempre será una de la Hammer, qué coñe...


Está cortada con File Splitter & Joiner. Va en inglés original con subs en castellano en archivo aparte (son los primeros subtítulos que yo hice. En realidad aproveché una traducción previa de un compañero latinoamericano y la modifiqué de cabo a rabo). Se trata de un DVDRip con muy buena calidad de imagen.

Curiosamente, las otras dos películas de la trilogía Karnstein están publicadas en DVD en España (“Las Amantes Del Vampiro” y “Drácula Y Las Mellizas” son los títulos con los que se las puede encontrar), pero ésta tercera no.


Que la disfruten voacés.







Links descarga

(Rapidshare)


http://rapidshare.com/files/231886882/Jimmy_Sangster_-_Lujuria_para_un_vampiro__1971_.avi.001
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Subtítulos:

http://rapidshare.com/files/286185479/Lust_For_A_Vampire__1971_.srt






La Garra De Satán (1970) ("Blood on Satan's Claw")




sinopsis:



Inglaterra, segunda mitad del siglo XVII. Una pequeña población rural del interior. En un campo de labor aparecen, al labrar la tierra, unos extraños restos pertenecientes a algún animal más o menos indeterminado (en mi tierra a eso se le llama "carnuz"). Nada importante.

Tampoco tiene mayor importancia (ni aparente relación con la cosa) el que, al poco tiempo, una joven novia se vuelva loca (un caso típico de histeria femenina, al fin y al cabo) o que el pastor local sienta cierta inquietud ominosa ante no se sabe bien qué (cosas de curas).

Ni que los niños y adolescentes, allá en el bosque, se dediquen a jugar a “extraños juegos...”



Ficha Técnica

Director: Piers Haggard / Productora: TIGON Films / Guión: Piers Haggard y Robert Wynne-Simmons / Fotografía: Dick Bush / Música: Marc Wilkinson / Montaje: Richard Best / Intérpretes: Linda Hayden, Patrick Wymark, Barry Andrews, Michelle Dotrice, James Hayter, Anthony Ainley, Howard Goorney, Charlotte Mitchell, Wendy Padbury, Tamara Ustinov, Simon Williams, Robin Davies / Nacionalidad y año: Reino Unido 1970 / Duración y datos técnicos: 93 min. Color. Versión Doblada al castellano (español europeo). 


Comentario



Ya he comentado en alguna ocasión que, junto a la Hammer y a remolque de su éxito, surgieron durante los años 60’s en Gran Bretaña dos productoras también especializadas en el género de Terror (el glorioso Brit-Terror de los 60’s) denominadas AMICUS y TIGON.

La primera se dedicó a mimetizar el estilo “hammeresco” con especial fruición, haciendo casi indistinguibles algunas de sus películas de las que facturaba la productora de los Carreras; aunque con el tiempo terminó acuñando un estilo propio y reconocible basado, principalmente, en las películas de episodios cortos (“películas ómnibus”, les decían).

La TIGON, por su parte, se decidió a seguir un camino propio, caracterizado por el manejo de presupuestos más exiguos y por cierto efectismo argumental y visual con el que intentó conectar con los públicos más jóvenes de finales de la década. En ese sentido, fue de las primeras productoras en reconocer y apuntarse a corrientes como el diabolismo, la brujería, el terror adolescente y la explicitud erótico-festiva (lo de “explicitud” cójanlo vuesas mercedes con pinzas, ejem... Simplemente un menudeo de desnudos más o menos integrales, sin más). Además, fue, de las tres productoras mentadas, la menos apegada a goticismos y “marcas de la casa”, lo que, con el paso de los años, dota a sus producciones de un punto de frescura y originalidad bastante agradecido y las hace muy diferentes entre sí.


La crítica especializada suele considerar “The Witchfinder General” como la mejor película de la productora. La peli, rodada por el mitificado Mike Reeves en 1968 y protagonizada por Vincent Price, es verdaderamente estimable; no obstante, yo creo que casi todas sus producciones terroríficas, en mayor o menor medida, gozan del suficiente encanto como para ser reivindicadas (incluida la denostada “The Virgin Witch”, uno de los primeros y definitorios ejemplos de nuddie brujeril británico; o las infravaloradas “Curse Of The Crimson Altar” y “The Blood Beast Terror”; al menos disfrutables y entretenidas, coñe).


Pero sobre todas ellas destaca la que, en mi subjetiva y poco fiable opinión, es la mejor cinta de Tigon (por encima incluso de la mentada “The Witchfinder General” o de la sobresaliente “Neither The Sea Nor The Sand”, ya posteada en el blog) y que ahora posteo: “Blood On Satan’s Claw”.


Estrenada en 1970, su acción se desarrolla durante el siglo XVII en el interior de Inglaterra, en concreto durante el gobierno de Cromwell y el auge del puritanismo religioso y político. Es ésa una época que ha sido tratada varias veces por el Brit-Terror (la ya citada “The Witchfinder General”, la encantadora “Cry Of The Banshee” y alguna más) y que desde el punto de vista del género tiene un interés evidente y da mucho juego (hay una novela de 1910 titulada “El Agujero Del Infierno”, escrita por Adrian Ross, verdaderamente magistral y ambientada en esa misma época).


El título y el argumento podrían hacer creer que nos encontramos ante otra película de tema brujeril más o menos canónica (en USA se estrenó como “The Devil’s Skin”. Y en España, la edición videográfica apareció con el nombre de “La Garra De Satán”). E, incluso, en el libro El Demonio En El Cine, Máscara Y Espectáculo, publicado por Valdemar hace unos años, el capítulo dedicado al diabolismo cinematográfico británico (Blood, Sex And A Cup Of Tea; Satán Es Inglés) la cataloga como tal al comentarla (elogiosamente, por cierto).


Pero yo no lo veo tan claro, mes amis. No creo que la cosa brujeril y satánica sea tan evidente. O, mejor dicho, sí... Lo brujeril sí es cierto. Pero desde un punto de vista diferente, muy británico además.

Es característico en el brit-terror abordar todo eso de las brujas y los aquelarres en medio del bosque desde un ángulo ligeramente diferente al que el cine americano de la misma época empleaba. En el caso británico los resabios paganos están por delante del satanismo puro y duro. La cosa es más compleja de lo que parece. Un poco en la línea de teorías (ya entonces muy divulgadas) como la de la Dr. Margaret Murray y su libro The Witchcraft-Cult In Western Europe o James Frazer y su famosísimo La Rama Dorada.


En “Blood On Satan’s Claw” (ya digo... en mi modesta y seguramente equivocada opinión) hay mucho de eso. El Mal que encarna en la aldea tras la aparición de los restos del extraño animal, el horror que se abate sobre la comunidad, tiene más que ver con las fuerzas oscuras del pasado, con los antiguos rituales druídicos (y su aspecto más tenebroso) y la vieja religión que con un demonio judeocristiano con cuernos y rabo.

No hay más que ver a Linda Hayden oficiando de bruja principal... más cerca de lo que uno imaginaría que fueron las druidesas prerromanas que de las hechiceras isabelinas... Vestida de blanco, con esas extrañas cejas pintadas, coronada de flores y dirigiendo extraños ritos entre la espesura, a plena luz del día. Por cierto que la película tuvo su punto de polémica por ofrecer un desnudo frontal de la chica (el inevitable toque nudie de la época) que, según se dijo, todavía era menor de edad.

Y luego esta esa locura difícil de definir, ajena y escalofriante, que se apodera de la chiquillería del pueblo y los impulsa a “jugar a extraños juegos” en lo más profundo del bosque; esa especie de histeria religiosa, paganizante en sentido estricto, que termina apoderándose de casi toda la población.

Hay algo más viejo, más raro, más escalofriante, más nebuloso que la consabida historia de brujas y adoradores del diablo en todo esto.

Son los viejos dioses, que han estado dormidos en algún lugar del bosque durante mil años y que han despertado de nuevo. Son los viejos dioses, los dioses oscuros, que vuelven.


Y hay algo (mucho) también de Arthur Machen en esta película. O al menos a mí me lo parece. Supongo que casi todos conocéis al escritor galés de relatos de terror de finales del XIX y principios del XX (y el que no lo conozca ya está tardando... Es absolutamente maravilloso). Bueh... Pues su espíritu sobrevuela esta película. Todo eso de los “extraños juegos”, de los niños corrompidos, del misterio ominoso a plena luz del día, de la amenaza escondida en lo profundo del bosque, inaprensible, ajena, inexplicable, antigua. Esa corrupción “espiritual” que está más allá del Pecado y del Mal tal y como los conoce la religión cristiana...

No obstante, es casi imposible plasmar en imágenes cinematográficas un relato macheniano. Bastante más difícil que hacerlo con uno de Lovecraft, por cierto (a despecho de ese lugar común que insiste en ello una y otra vez. Lo de Lovecraft, digo). Porque todo eso de la “sugerencia” y la “indefinición” que suele atribuirse al maestro de Providence no resiste una revisión mínimamente seria; mientras que es perfectamente aplicable, sin ningún matiz, a la obra de Arthur Machen. De hecho, la única película que yo recuerde que haya conseguido plasmar ese espíritu ominoso, indefinido, mágico, extraño e inquietante del autor galés es la maravillosa “Picnic En Hanging Rock” de Peter Weir. Un relato macheniano en sentido estricto, aunque no se inspire en ningún cuento suyo (y sí en un hecho real).

Y por eso mismo, porque es casi imposible, “Blood On Satan’s Claw”, a pesar de estar impregnada de machenismo, no termina de ser un ejemplo perfecto y termina tirando por la explicitud a la hora de representar el Mal (incluida la aparición de una figura antropoide y amostrencada pero siempre cubierta con una capucha), de mostrar asesinatos más o menos sangrientos y de recurrir a señuelos erótico- sexuales (desnudando a un par de mozas) para motivar al público juvenil. Servidumbres de la época y de las limitaciones técnicas y artísticas, mes amis.

En cualquier caso, sin ser una obra maestra definitiva, ya digo que a mí me parece la mejor (o una de las mejores) películas de la TIGON y una de las más notables producciones del Brit-Terror de finales de los 60’s y principios de los 70’s (cuando el género estaba cambiando y adaptándose a los nuevos tiempos).

Con sus limitaciones, con sus errores, con su abrupto y precipitado final, sus tremendismos más o menos escandalosos (el aludido desnudo integral de Linda Hayden acarreó cierta polémica porque se decía que todavía era menor de edad, como ya he dicho. Y a eso se unió un rumor promocional que aseguraba que la peli se inspiraba en unos terribles y famosos sucesos protagonizados, en aquella época, por unos niños que habían asesinado a otro) pero, al mismo tiempo, con su honesta humildad, su eficaz dirección y su excelente ambientación la película es más que aprovechable y merece una urgentísima reivindicación como el pequeño clásico que es.


La versión que ahora posteo (y que colgué hace ya mucho tiempo en otro foro de descarga directa) es un DVDRip con excelente calidad de imagen que aparecía firmado por un tal Tommy (gracias, seas quien seas) y que encontré en la mula. Yo tengo una edición en DVD publicada en España hace ya unos años (y descatalogadísima, por cierto) así como una edición británica muy reciente con algunos extras que no añaden nada especial. No ripeé ninguna de mis copias porque, como digo, la calidad de imagen de este archivo .avi es buenísima. No obstante, tiene una pega: Está doblada al castellano y no mantiene la banda sonora original en inglés. No es dual, vaya.

Algún día ripearé una versión en el idioma de origen (en dual, mejor dicho) pero hoy por hoy os tenéis que conformar, amigos míos, con esta versión doblada.


La subo en Rapidshare y en Megaupload. Las dos versiones, siendo la misma (el mismo archivo .avi, quiero decir), no tienen los enlaces intercambiables. De hecho, los que están en Rapidshare fueron cortados con File Splitter & Joiner mientras que los de Megaupload se trocearon con el Hacha. La subida a Megaupload fue por cortesía de un amigo llamado Arch Stanton (que ha tenido el detalle de hacer lo mismo con muchos de mis posteos, originalmente todos ellos subidos únicamente a Rapidshare).


Pues nada más, mes amis. Que voacés disfruten la peli tanto como yo lo he hecho.





Links descarga

(Rapidshare)


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(Megaupload)


http://www.megaupload.com/?d=L0D25DVI
http://www.megaupload.com/?d=5FUE13YL
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domingo, 18 de julio de 2010

Neither The Sea Nor The Sand (1972) (Dual Esp/Inglés)




sinopsis:

Anna es una mujer treintañera, casada y en plena crisis conyugal que visita la islita anglonormanda de Jersey. Allí conoce a Hugh, un mozarrón local de mandíbula cuadrada, bastante más joven que ella, del que (como mandan los cánones de las historias románticas tipo Barbara Steele y similares) se enamora perdidamente. Los recién estrenados amantes se dedican a mirarse a los ojos, pasear por hermosos paisajes, escuchar el oleaje, conocerse en el sentido bíblico de la expresión (ejem) y jurarse amor eterno mientras Anna renuncia a su matrimonio y, de paso, hacen una escapada a Escocia (para seguir haciendo lo mismo… esto es: mirarse a los ojos, pasear por hermosos paisajes clavadicos a los anglonormandos, escuchar el oleaje de nuevo, tener ayuntamiento carnal con regular frecuencia y volver a jurarse amor eterno). En éstas que Hugh (quién lo diría… siendo el más joven de la pareja) sufre un ataque al corazón y muere en brazos de Anna, en una playa preciosa y un marco incomparable. Bueh… Pues punto y final. Fue bonito mientras duró, la vida es cruel y las historias de amor con final trágico son las más enternecedoras ¿Verdad…?

Pues no, mes amis… Esto es una película de miedo. Y recuerden voacés que antes he dicho que los dos amantes se habían jurado “amor eterno”. Literalmente…



Ficha Técnica

Director: Fred Burnley / Productora: TIGON Films. / Guión: Gordon Honeycombe y Rosemary Davies (basado en la novela del primero) / Fotografía: David Muir / Música: Nachum Heiman / Montaje: Norman Wanstall / Intérpretes: Susan Hampshire, Michael Petrovich, Frank Finlay, Michael Craze, Jack Lambert, Betty Duncan, David Garth, Anthony Booth / Nacionalidad y año: Reino Unido 1972 / Duración y Datos Técnicos: 110 min. Color. DVDRip Dual Castellano/Inglés) 


Comentario



Estaba yo el otro día haciendo unos conjuros mágicos en la cripta que tengo debajo de mi casa (nada… Una cosa de encargo por cuenta de un amigo mío que está afiliado a un partido político y que quiere que a determinado candidato le caiga un piano encima cuando va por la calle. Bueh… Y de paso que mirase a ver si podía conseguir que le tocase el cupón de la ONCE) cuando, inopinadamente, realicé alguna operación de forma incorrecta y en medio de la estancia se materializó el demonio Pulgatómika. Como es un diablo del infierno al que conozco desde hace un tiempo y que me debía un favor, me dijo que le pidiese un deseo, el que fuera, que me lo concedía en el acto… Pillado de improviso, dudé un momento sin saber qué elegir entre todo lo que tenía en mente (la paz en el mundo, que terminase la crisis, que Bill Gates muriese de repente dejándome heredero de toda su fortuna, que mi jefe resultara ser un criminal de guerra serbio al que va a juzgar el Tribunal Penal de La Haya, que mi señora esposa se convirtiese en una especie de clon de Scarlett Johansson… cosas así). El caso es que me puse nervioso y al final me decidí por pedirle que montase un audio en castellano (procedente de un VHSRip) sobre el ripeo de un DVD de Neither The Sea Nor The Sand que yo tenía. Cuando uno se ve tan presionado, obligado a pedir algo sobre la marcha, así, de sopetón, pasan estas cosas…


Alguna vez he comentado cuánto me llama la atención eso que los angloparlantes (tan modernos y finos ellos) denominan Crossover y que nosotros, vulgares y pobretones descendientes de romanos muertosdehambre denominamos, prosaicamente, Cruce De Géneros. Sobra decir que cuando hablo de géneros (y de cruce) doy por hecho que uno de ellos es el de Terror, por supuesto…

Y es que, de todos los géneros cinematográficos, el más dado a cruzarse (el más promiscuo, podríamos decir) es el terrorífico. Porque casi no hay palo que no haya tocado ni cama en la que no se haya metido (ejem). Piénsenlo vuesas mercedes: el Terror es un Casanova insaciable que ha flirteado con todos los demás géneros que en el mundo han sido. Con la Ciencia-Ficción forma un matrimonio estable e indestructible (resulta difícil deslindar dónde empieza el uno y termina la otra… Aunque la cosa viene de muy atrás. De la misma literatura. Piensen voacés que a principios del siglo XIX se publicó Frankenstein O El Moderno Prometeo de Mary Shelley).

Algo parecido ocurre con el tema Histórico (lo que demuestra que nos encontramos con un evidente caso de bigamia). Y también en este caso el matrimonio Terror-Ficción Histórica viene de largo. Desde el mismísimo nacimiento de la literatura de miedo como género independiente y reconocible en el siglo XVIII (¿Qué otra cosa fue la novela gótica inglesa, coñe?).

No obstante, quiero señalar una cosa que, en este punto, me trae a mal traer: Aunque hay montones de películas de terror con ambientación “de época” (sobre todo del siglo XIX, pero también del XVIII, XVII y una indefinida y encantadora Edad Media que casi siempre está, infaliblemente, entre los siglos XIII y XIV. Aunque muy idealizados, eso sí) encuentro a faltar incursiones del género en otros periodos cronológicos. No sé… Imaginen voacés una peli de miedo ambientada en tiempos del Califato de Córdoba; o durante las grandes migraciones de los siglos V y VI; o en el Egipto ptolemaico; o en la Britania romana del siglo III. Sí… ya sé que en una película española de 1971 titulada “Pastel De Sangre” aparece un episodio de tema vampírico ambientado en tiempos del Imperio romano (originalísima idea) pero es un caso aislado y, además, absolutamente fallido. Y el único ejemplo que se me ocurre de algo parecido y bien resuelto es esa peli titulada “El Guerrero Número Trece”, protagonizada por Antonio Banderas, basada en una novela de Michael Crichton (la única que a mí me gusta de ese hombre, por cierto) y ambientada en un nebuloso siglo IX lleno de vikingos y embajadores abbásidas más o menos desubicados (y, por eso mismo, eficaz, originalísima y estimable. Y, hasta cierto punto, de miedo, coñe). Urgentemente reivindicable, por cierto.

Ésas son las esposas oficiales. Las que reconoce la ley del profeta. Luego están las amantes ocasionales y las concubinas permanentes, aceptadas y formales. Porque, como el incorregible seductor que es, el Terror ha flirteado (y llegado a mayores) con todo lo que os podáis imaginar. Desde el Western (“Ravenous”, “Desapariciones”, “Billy The Kid Vs Dracula”, “El Charro De Las Calaveras”, “La Noche De Los Gigantes”) hasta el bélico (“Deadwatch”, “El Torreón”, “Dog Soldiers”) pasando por el cine negro (“El Corazón Del Ángel”), el de aventuras (“Caltiki, Il Mostro Immortale”, “La Montaña Del Dios Caníbal”), el de capa y espada (“Captain Kronos, Vampire Hunter” o esos ejemplos recientes –e infumables- que son “Van Helsing” y “Solomon Kane”) e incluso el musical (que nadie se ría… ¿Os acordáis de “The Wicker Man”? Seguro que sí, ejem). Si aceptamos “El Hombre Lobo De Washington” como cine político y “Cabeza Borradora” como cine de autor (que lo es) y algunas más por ese estilo, yo creo que el espectro queda completo…


Bueh… Me he dejado un género en la recámara. A mala leche, claro está. El drama romántico. Ya sabéis: Todas esas historias de amor más o menos dramáticas y un puntico tremendonas que cuando éramos pequeños (los chicos, digo) pensábamos que sólo les gustaban a nuestras madres y abuelas. Y a las niñas que iban a nuestra clase (a ellas también, supongo… Ahora no me acuerdo bien, pero esa especie de pseudo-machismo infantil es una cosa que estará investigada).


Cuando entro en una de esas librerías grandes que son casi las únicas que existen ahora (tipo Fnac, El Corte Inglés o La Casa Del Libro) hay tres grandes estanterías en las que nunca me detengo porque no me interesan absolutamente nada. La de Más Vendidos o Best Sellers (allá cada cual con sus gustos y preferencias… Al fin y al cabo, hasta a Adolfo Hitler lo eligieron en elecciones democráticas y por mayoría), la de Novela Histórica (me apasiona la historia y, al mismo tiempo, soy un lector compulsivo de novela ¿Hace falta explicar más? Pues eso) y la de Novela Romántica (todos esos volúmenes grandes en rústica, lomos en color rosado o lila y letras doradas, con señoritas pechugonas vestidas con ropajes rasgados abrazadas por maromos de mandíbula cuadrada y brazos musculados como una especie de Conan-de-andar-por-casa sobre un fondo de atardecer rojizo en la portada echan para atrás al más pintado. Coñe… Es que hasta da vergüenza que te pillen cerca si te encuentras con alguien en la librería…).


Bueh… pues fijen voacés esa imagen. La de esos libros en rústica del último estante. Porque precisamente de eso se trata en el caso de esta película. De maridar una historia de Terror en sentido estricto con el argumento de una de esas novelas de lomo rosa y letras doradas que conocemos como “Románticas”.

Hay otras películas de miedo en las que aparecen historias de amor. Muchísimas. E incluso algunas en la que la subtrama erótico-amorosa es particularmente importante. Desde “La Llamada” (1965) de Setó hasta el “Drácula” (1992) de Coppola, los ejemplos serían interminables.

Pero, en todas ellas, la adscripción al género terrorífico es lo que las verdaderamente define y el pespunte amoroso-sensual no es sino un elemento secundario, más o menos importante, pero no básico ni indispensable. No son crossovers, vaya.


En ésta no. En ésta el cruce de géneros es la propia razón de ser de la película. Porque lo que hace “Neither The Sea Nor The Sand” es mezclar los dos ingredientes (el terror y el drama romántico) sin pudor alguno y hasta las últimas consecuencias.


No conozco la novela de Honeycombe en la que se inspira el guión (que el propio autor adaptó, por cierto). Y, de hecho, ignoro si me estoy pasando un poco y la obra original no era, estrictamente, una de esas historietas de amor romántico al estilo de las de Barbara Steele. Es más, por lo que sé hubo algunos cambios en el guión que, según el autor, modificaban completamente el espíritu original de su historia (en la novela, según parece, la protagonista femenina era una chica jovencita y el mozarrón era un caballero de mediana edad. El detalle tiene su importancia). Pero, en cualquier caso, el resultado está a la vista. Y lo que queda es un pluscuamperfecto crossover entre el terror sobrenatural y el drama romántico más o menos lacrimoso.


Por la parte amorosa y romancesca aparecen todos los ingredientes del melodramón de lágrima fácil que hace las delicias de los aficionados (mejor dicho... de las aficionadas. Para qué nos vamos a engañar con correcciones políticas innecesarias). Mujer casada treintañera con matrimonio en crisis, mocetón de aspecto sensible y viril a la vez (y si puede ser, con cierto aire meridional, que es algo que siempre queda bien), paisajes hermosos, atardeceres interminables, el furioso batir de las olas contra las rocas de los acantilados, los paseos por la playa bien abrazadicos los dos, las puestas de sol, las escenas de cama delicadamente apasionadas (tiernas y fogosas al mismo tiempo, al gusto del respetable), los jerséis de lana de oveja de las islas Shetland, el leve desafío a las convenciones (“a la mierda el qué dirán, cariño mío”), las confidencias junto a la chimenea a primera hora de la noche, el viento despeinando elegantemente los flequillos y las declaraciones de amor eterno mirándose fijamente a los ojos. Y todo rematado, como mandan los cánones, por una escena trágica, inevitable y resolutiva en la que uno de los dos amantes (en este caso el moreno y apuesto Hugh) muere y sume en la más absoluta desolación al otro (la rubia y adorable Anna).


Y a partir de ahí entra en escena la parte terrorífica y sobrenatural, mes amis. Y lo hace también a conciencia. Porque, como he comentado en la sinopsis, los dos amantes se habían jurado amor eterno. O, mejor dicho, se habían prometido el uno al otro no separarse nunca. Y, como cualquiera puede imaginar, el bueno de Hugh cumple su promesa. No deja a Anna en la estacada, no señor. Hugh es un tipo serio y formal y lo suyo no es un calentón de verano. Lo suyo es para siempre.


¿Alguno de vosotros ha leído un relato de Jacobs, escrito en el siglo XIX y titulado La Pata De Mono? Es una de las historias de terror clásico más conocidas y eficaces (y mira que hay). Bueh... Pues, de alguna forma, en esta película (y en la novela original de Honeycombe) se juega un poco con lo que el cuento de Jacobs planteaba. Vamos, que Honeycombe tenía en mente la historia escrita en el siglo XIX al escribir la suya.

Efectivamente, no destripo nada si os digo que Hugh, cumpliendo su palabra, vuelve junto a Anna después de muerto. Lo curioso y lo realmente original de la película es la forma en que lo hace. Y el desarrollo que la historia tiene a partir de ese momento.


Que quede claro, por enésima vez, que esto es, en el fondo, una peli de miedo. Vamos, que no es Ghost ni nada parecido. Hugh vuelve en cuerpo y alma (bueh... lo del alma sería opinable). Algo torpón, silencioso e inexpresivo, sí, pero reconocible, absolutamente corpóreo y tangible.

Anna lo recibe al principio alborozada y feliz. El milagro del amor ha vencido a la propia muerte y los dos amantes están juntos para siempre. Pero ocurre que el mozo está, real, inevitablemente, muerto; y eso complica un poquico las cosas. El hermano de Hugh es consciente de lo terrible (lo casi blasfemo) de la situación. El resto de la gente no debe saber lo que está ocurriendo (¿Cómo vas a explicar algo así?), hay cosas que ya no resultan tan fáciles y naturales como al principio incluso para la pareja más enamorada del mundo (jejeje) y, para colmo, la naturaleza sigue su curso y ya se sabe que los cuerpos muertos terminan (esto... ejem...) sufriendo un proceso físico que conocemos como “descomposición”.


Pues eso... Imagínenselo voacés.


¿Recuerdan vuesas mercedes una canción de finales de los 80’s o principios de los 90’s que se titulaba Mi Novio Es Un Zombi? Era de Alaska Y Dinarama (¿O ya habían mutado en Fangoria?) aunque la versión original la había escrito Nacho Canut para su banda paralela Los Vegetales. ¿La recuerdan? Bueno... Pues ésa es la idea, mes amis.


Porque, efectivamente, el bueno de Hugh no es otra cosa que un zombi; un zombi como la copa de un pino (mal que le pese a la rubia y enamorada Anna).


Recuerdo que hace unos meses comenté, en otro foro, algo sobre la película ésta. Alguien me preguntó qué pensaba yo sobre el personaje del muerto revivido, si era un fantasma o un zombi strictu-sensu. Y, reconociendo que no se agota en un solo aspecto (sobre el tema hay opiniones y la mía no vale nada) yo contesté que lo consideraba un zombi más que otra cosa. Un zombi, sí señor. Aunque un zombi pre-Romero (y no del todo... lo de pre-Romero, digo... Porque algo debe al arquetipo fijado en “The Night Of The Living Dead” de 1968). Y, sobre todo, un zombi enamorado (para que veamos que también tienen su corazoncito).


En su momento, el público, la crítica y los distribuidores no debieron verlo tan claro. Sobre todo porque el título con el que la peli apareció en USA parece jugar a otra cosa. Efectivamente, en los Estados Unidos la cinta fue titulada “The Exorcism Of Hugh”, seguramente intentando aprovechar la estela de la moda que “El Exorcista” de Friedkin (estrenada a finales de 1973) implantó. Para cualquier que vea la película, la trampa de los distribuidores americanos es evidente, porque en “Neither The Sea Nor The Sand” no hay exorcismos, diabolismos, posesiones ni nada que se le acerque remotamente. Esto, como he dicho al principio, es una mezcla de drama romántico y terror de la vieja escuela. Para el caso, hubiesen hecho mejor eligiendo como título Zombies In Love. Al menos no habrían mentido.


Bueh... Y ya me he enrollado bastante, así que voy a ir terminando.


Aquí les dejo, mes amis, la película para que le echen un vistazo y saquen sus propias conclusiones, que son las que valen, al fin y al cabo. Pero antes quiero dejar claro que a mí me ha parecido, de siempre, una peli interesantísima, original y muy bien resuelta. Toda la segunda parte, la de la presencia sobrenatural del muerto viviente Hugh, está verdaderamente lograda y no chirría en ningún momento, (a pesar del carácter fantástico de lo que está contando). Las reacciones de Anna (Susan Hampshire) a las diferentes situaciones, desde la aparición de su amante revivido a la progresiva decadencia física y la descomposición que su cuerpo (animado pero, en el fondo, muerto) va sufriendo, son perfectamente razonables y, lo que es más importante, creíbles. El miedo aquí no surge de ninguna amenaza evidente, de ninguna escena desagradable o epatante. Lo inquietante, lo desazonador es la propia situación... Hay un poso de horror incómodo y (por utilizar una terminología algo forzada) blasfemo en la aparente naturalidad con que Anna acepta la presencia de su amante muerto, lo acaricia, lo acomoda en el salón y lo arropa frente al fuego. Como lo hay en la progresiva constatación de su repugnancia, leve al principio, evidente al final, ante los cambios “físicos” que el cuerpo de Hugh va sufriendo (incluido el hedor de la corrupción).


Y ya vale, que cada día estoy más pelma y más insoportable.


La peli es un DVDRip hecho por mí de una edición británica que tenía desde hace ya tiempo. Como he comentado, encontré un VHSRip en castellano y le pedí a maese Pulgatómika que montase el audio sobre mi ripeo. La calidad de imagen, creo yo, es muy buena. Y la de sonido también.

Al hacer el montaje maese Pulga sólo incluyó el audio en castellano (Fue culpa mía. Se me pasó decirle que mantuviese el carácter dual... y eso que lo comentamos expresamente. Pero ya digo, fue un despiste mío). Así que cuando tuve la versión doblada, y para no volver a molestar a maese Pulga, intenté yo mismo añadirle el audio inglés. Ya he dicho que soy más torpe que un cerrojo, pero algo tan sencillo sí que puedo hacerlo. No obstante, por la razón que sea el VirtualDubMob no me dejó trabajar y al final recurrí a otro amigo llamado maese Arch Stanton (a él no tuve que amenazarle con nada. Ni me debe ningún favor. Simplemente odia a toda la humanidad lo suficiente como para colaborar conmigo en mis proyectos y refocilarse luego en todo el mal innecesario y gratuito que voy sembrando aquí y allá, jejejeje) que fue el que añadió el audio inglés al montaje de maese Pulga.


Esta vez no está cortada con File Splitter & Joiner sino con Winrar. Está subida a Rapidshare y Megaupload. Los archivos, como es evidente, son intercambiables y el peso total del archivo .avi resultante es de más de 1,6 Gb.


Pues eso, que la disfruten voacés. Yo lo he hecho. Mucho.






Links descarga

(Rapidshare)


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(Megaupload)


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Eye Of The Devil (1966) (V.O.S.E.)







sinopsis:

Catherine, una británica casada con el aristócrata Phillippe De Montfaucon, llega con sus dos hijos a la hacienda solariega de su esposo, en la localidad francesa de Bellenac. Phillippe ya está allí, pues se adelantó unas semanas para atender asuntos relacionados con la sequía y los problemas de los viñedos. Nada más instalarse en el chateau familiar, la mujer comenzará a percibir extrañas cosas, extraños comportamientos en las gentes del pueblo y en su propio marido. Hasta el punto de sospechar que allí, bajo la aparente normalidad y la típica devoción católica de la Francia rural, todavía sobrevive un antiguo culto pagano…



Ficha Técnica

Director: J. Lee Thompson / Productor: John Calley y Martin Ransohoff para Filmways Pictures. / Guión: Dennis Murphy, según la novela “Day of the Arrow” de Philip Loranie / Fotografía: Erwin Hillier / Música:Gary McFarland / Montaje: Ernest Walter / Intérpretes: Deborah Kerr, David Niven, Sharon Tate, Donald Pleasence, Edward Mulhare, Flora Robson, Emlyn Williams, David Hemmings, John Le Mesurier, Michael Miller, Donald Bisset, Pauline Lets, Robert Duncan / Nacionalidad y año: Reino Unido 1966 / Duración y datos técnicos: 96 min. Blanco y Negro SatRip (Excelente) V.O. Inglés con subtítulos en castellano.


Comentario



Mirad bien la lista de intérpretes: David Niven (sí... una peli de terror protagonizada por ese impecable gentleman, aunque parezca mentira), Deborah Kerr (todavía reciente esa maravilla que es “The Innocents”), David Hemmings (un actor muy de moda en aquellos tiempos, y con un toque inquietante bastante efectivo), Sharon Tate (resplandeciente, desarmante en su hermosura en un 1966 que tendría que haber durado para siempre. Penica de moza... Que los viejos dioses amables la hayan acogido junto a ellos. Y, de paso, que el loco Azzathot termine agarrando –más pronto que tarde– por los testículos al hideputa de Charlie Manson y lo arrastre consigo hasta el centro del caos, junto a los flautistas ciegos para que ulule como un lechuzo por los siglos de los siglos...) y Donald Pleasance (también en su buena época). Y comprobad quién es el director: J. Lee Thompson (el de “Los Cañones De Navarone”, “El Cabo Del Miedo” o “Taras Bulba”).¿A que la cosa promete?


Bueh... pues, a pesar del reparto, del director y de la época (en 1966 Lee Thompson todavía no había entrado en barrena... Y los actores estaban en el momento cumbre de su carrera. De hecho, la Tate justo empezaba) la película es bastante desconocida. Hasta el punto de encontrarse ilocalizable en DVD tanto en las Españas (lo que no es raro... lo extraño sería encontrarla aquí. Aunque, eso sí, llegó a estrenarse en nuestro país en 1967. Y yo juraría haberla visto de chico en la tele o en el cine) como en Gran Bretaña o Estados Unidos.

Que no ha sido editada, vaya. Cosa que me resulta inexplicable, porque es encantadora y le sobran méritos propios y cualidades. Está muy bien dirigida e impecablemente interpretada (como no podía ser menos). Y en segundo porque su argumento es tremendamente original, hasta el punto de anticipar, siete años antes, una película tan querida por mí como “The Wicker Man” (Robin Hardy, 1973. Ya está colgada en este mismo blog).



La primera versión que colgué (en un foro de descarga directa) era un ripeo de la tele, del canal TCM, que existe aquí también, en Canal Satélite... aunque éste sería el británico o el americano porque iba en inglés original y sin subtítulos.


Olvidaos del diablo que aparece en el título. Aquí no hay satanismo strictu sensu ni brujerías canónicas, sino pervivencias paganas, antiguos ritos (más o menos druídicos) que todavía siguen vigentes en el corazón de la Francia rural a mediados de los 60’s.

La señora Montfaucon (Deborah Kerr) viaja hasta la finca familiar de su marido para descubrir que en ese pueblo de Bellenac todavía pervive la antigua religión. Y que, bajo la capa de catolicismo más o menos tradicional, se esconde el culto a los viejos dioses, las viejas tradiciones precristianas. De hecho, ante la sequía que amenaza la cosecha de uva (es una región vitivinícola) la solución, a la antigua usanza, pasa por realizar un sacrificio humano...


La película tiene bastantes tics característicos del cine inglés de los sesenta. Tomas raras, movimientos de cámara, encuadres. En algún lugar he leído que ese tipo de cosas la lastran un poco. Pero a mí, que soy muy raro, en realidad me gustan... Le dan encanto, la ambientan mejor. La hacen más sixties. Como curiosidad, la peli empieza casi igual que “Get Carter” (“Asesino Implacable” Mike Hodges, 1971), con la cámara rodando las vías del tren, aunque sin ningún tipo de música.

David Niven lo borda en su papel de aristócrata más o menos atormentado por lo que sabe es su destino inexcusable, lejos de esos papeles de comedia con los que casi siempre lo recordamos. Deborah Kerr está hecha una dama (tan guapa y eficaz como siempre), mientras que Donald Pleasance hace lo que mejor sabe hacer (inquietarnos sin que acertemos a saber bien qué es lo que nos desazona cada vez que lo vemos). Hemmings y Sharon Tate, por su parte, parecen dos yeyés recién llegados de Portobello Road y del Swinging London a la campiña francesa (sin que la cosa chirríe, que conste. Prerrogativas y ventajas de los maravillosos 60's...).


Y vale, que me enrollo.

Bueh... Ya he dicho que la primera versión que colgué eran un SatRip del TCM en inglés y sin subs. Finalmente, hace ya unos meses, encontré unos en polaco y los aproveché como plantilla para ir traduciendo la peli "de oído".
Poco después, un compañero argentino que firma como Lord Of Bedlam (o Sims) halló un SatRip todavía mejor que el inicial, y con 5 minutos de duración adicionales. Adaptó los subs que yo había hecho y añadió algunas frases. Ésa es la versión que ahora cuelgo. Siendo un SatRip tiene una calidad de imagen fabulosa (y, cosa importante, no aparece el logo de TCM que aparecía en la mía). Eso sí... las capturas que adjunto pertenecen a mi aporte original (por eso llevan el logo del canal televisivo). Pero, insisto, la versión que ahora posteo es superior en calidad de imagen. Y el verdadero fautor es maese Sims/Lord Of Bedlam.

.

Y nada más: que la disfruten voacés. Y ya me dirán si es no un curioso "antecedente" de "The Wicker Man".






Links descarga

(Megaupload)


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jueves, 15 de julio de 2010

Atmósfera Cero (1981) (Dúal Esp/Ing + Subs) ("Outland")



Nuevo repost de un clásico ya posteado antes, en versión dúal con subtítulos aparte (dentro del archivo rar). Ripeado desde el dvd, gran calidad. Si preferís la versión doblada, de menor peso y calidad, sólo debéis ir al post original, a través de este Link




(Título Original: "Outland")

Sinopsis

Un agente de policía es enviado a una remota colonia en Júpiter para investigar la sospechosa muerte de tres obreros en una mina. Su situación se vuelve peligrosa cuando descubre que han muerto a causa de una droga diseñada para aumentar la productividad y no quiere abandonar la investigación.


Ficha Técnica

Director/guión: Peter Hyams / Productor: Richard A. Roth para The Ladd Company, Outland Productions / Fotografía: Stephen Goldblatt / Música: Jerry Goldsmith / Montaje: Stuart Baird / Efectos especiales: John Stears / Intérpretes: Sean Connery (O’Niel), Peter Boyle (Sheppard), Frances Sternhagem (Lazarus), James Sikking (Montone), Kika Markham (Carol), Clarke Peters (Ballard), Steven Berkoff (Sagan), Nicholas Barnes (Paul O´Niel), John Ratzenberger, Manning Redwood, Eugene Lipinski... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1981 / Duración y datos técnicos: 105 min. color 2.20:1. 



Comentario

En 1979 se estrenó Alien - el octavo pasajero (Alien, Ridley Scout) un film que en su día resultó impactante no solo por la fusión de dos géneros, ciencia ficción y terror, sino porque, como contrapunto del Universo Star Trek creado por Gene Roddenberry, donde la humanidad explora el espacio para alcanzar una (teórica) era de paz con todos sus habitantes, en el Universo Alien son las omnímodas compañías multinacionales las que intentan aprovechar comercialmente todos los recursos que ofrece el espacio. En este contexto, Atmósfera Cero, estrenada dos años después de las aventuras de la suboficial Ripley, continúa con esta visión mercantilista de la exploración espacial, perspectiva que aprovecha, como hizo su predecesora, para efectuar una contundente crítica al capitalismo salvaje que tantos problemas provocó en los años 70 y 80 del siglo XX, precisamente en el sector energético. 

Así, la acción se desarrolla en la explotación minera Con-Am 27, situada en Io, satélite de Júpiter. En este sentido hay que destacar la magnífica ambientación lograda por los responsables técnicos del film, que consiguen que resulte creíble un paraje tan complejo como es una laberíntica estación minera, puesto que, lejos de conformarse con mostrarnos un caótico intrincado de túneles, nos presentan un conjunto de edificaciones heterogéneas: cúpulas, corredores interiores, galerías acristaladas…, jugando siempre con el peligro del vacío exterior, elemento clave del film. Otro acierto de la película es el contexto minero, lleno de gente ruda gobernada por un encargado nombrado por la compañía minera, Sheppard, que pronto chocará con la recién llegada autoridad policial, el marshall O’Niel, un hombre íntegro que tiene que investigar una serie de misteriosos suicidios aparentemente producidos por una nueva droga sintética. 

De este modo, en la primera parte del film, partiendo de un contexto propio de la ciencia ficción la historia se podría encuadrar en el género policiaco más negro, ya que posee muchos de sus elementos: un ambiente opresivo que sustituye los bajos fondos de una gran ciudad por las instalaciones mineras de Io; un detective con problemas personales, en este caso familiares, puesto que su esposa considera que el hijo de ambos debería ser criado en la Tierra, un entorno mas adecuado en donde el chico nunca ha estado; y una historia de amistad con la doctora Lazarus, médico local que le ayudará al protagonista en sus investigaciones. 

Sin embargo en su segunda parte, el film evoluciona hacia un clásico esquema del western, para acabar con un magnífico duelo entre el “sheriff” y los sicarios de Sheppard, confrontación que ha motivado que muchos críticos califiquen la presente como un remake futurista de Solo ante el peligro (High Noon, 1952), de Fred Zinnemann, con la cual ésta tiene no pocas concomitancias. Además, la ambientación de la estación minera le añade ese toque crepuscular creado por el genial Sam Peckinpah, propio del western más contemporaneo.

En resumen, un crisol de géneros -ciencia ficción, cine negro, western…- que constituye una producción muy disfrutable, con una magnífica ambientación y unas solventes interpretaciones, en especial la de Sean Connery.




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