Un científico de California lleva un tiempo enviando transmisiones de radio a Marte y, un día, al fin, recibe respuesta. Las comunicaciones posteriores sobre el modo de vida en el planeta rojo conmocionan a la Tierra de tal modo que ocasiona una crisis energética, llevando al paro a miles de trabajadores.
Ficha Técnica
Director: Harry Horner / Productores: Donald Hyde, Anthony Veiller para United Artists/Melaby Pictures Corp. / Productor ejecutivo: / Guión: Anthony Veiller, John L. Balderston, según la obra teatral Red Planet de J. L. Balderston, John Hoare / Fotografía: Joseph F. Biroc / Música: Mahlon Merrick / Montaje: Francis D. Lyon / Intérpretes: Peter Graves (Dr. Chris Cronyn), Andrea King (Linda Cronyn), Herbert Berghof (Dr. Franz Calder), Walter Sande (almirante Bill Carey), Marvin Miller (Arjenian), Willis Bouchey (presidente), Morris Ankrum (Secretario de Defensa Sparks), Orley Lindgren (Stewart Cronyn), Bayard Veiller, Vince Barnett, Claude Dunkin, Tom Keene, Bill Kennedy, Grace Leonard, Lewis Martin, House Peters Jr. / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1952 / Duración y datos técnicos: 87' B/N 1.37:1. (V.O.S.E.)
Comentario
Nos encontramos con una película de ciencia ficción atípica que en realidad, es un panfleto anti-comunista y pro-cristiano de esos que gusta mucho hacer a los americanos. Una rareza que a pesar de supurar propaganda y doctrina pura y dura, por sus características intrínsecas merece cierta atención, que puede irritar al espectador demasiado serio, pero que vista con sentido del humor puede suponer un entretenimiento menor pero entrañable, amén de poder presenciar una cinta de ciencia-ficción de postulados introspectivos, e incluso puede resultar aleccionadora para ver cómo era el pensamiento norteamericano del momento, tampoco demasiado distinto a como lo es ahora, seamos sinceros. Nos encontraremos con comunistas extremadamente malos, americanos muy buenos y una fe (la cristiana) que nos proporciona, luz y esperanza. Si vas a verla no leas esto, porque te cuento la película: Ejemplo del más obvio cine de propaganda anticomunista, “Red Planet Mars” comienza cuando un matrimonio de científicos (Peter Graves y Andrea King) detectan una serie de transmisiones televisivas procedentes de Marte. El Planeta Rojo, en los didácticos mensajes, es descrito como un lugar idílico en el que no existen desigualdades ni injusticias, gobernado por algo parecido a una deidad. La propaganda marciana, evidentemente, no agrada en exceso a los gobiernos de la Tierra. Después de esta hilarante introducción, todo se vuelve insensato: los mensajes resultan estar emitidos por un científico ex nazi, algo loco, que pretende acabar con el capitalismo. Pero la cosa no acaba ahí: los marcianos emiten, ahora de verdad, un mensaje en el que anuncian que la vida en Marte es realmente agradable y que la única autoridad ante la que los marcianos responden es el mismo Dios. Paralelamente, el gobierno comunista de Rusia es derrocado por una horda de fundamentalistas religiosos. Anti comunismo demente y fantasía delirante nunca habrán hecho mejor pareja.
En la británica isla de Fara se están alcanzando máximos de temperaturas, mientras el resto del país está en pleno invierno. Debido al elevado calor, las líneas de teléfono no funcionan, los aparatos eléctricos estallan y la conducta de la gente se ve afectada. Pero lo que en un principio parece ser obra del clima, en realidad es fruto de una invasión extraterrestre, la cual ha elegido la isla de Fara como campo de pruebas de una ocupación...
Ficha Técnica
Director: Terence Fisher / Productor: Tom Blakeley para Planet Film Prod. / Productor asociado: Ronald Liles / Guión: Ronald Liles, con diálogos adicionales de Jane Baker y Pip Baker, basado en la novela homónima de John Lymington / Fotografía: Reginald H. Wyer / Música: Malcolm Lockyer / Montaje: Rod Nelson-Keys / Efectos especiales: Martin Gutteridge / Intérpretes: Christopher Lee (Godfrey Hanson), Patrick Allen (Jeff Callum), Peter Cushing (Dr. Vernon Stone), Jane Merrow (Angela Roberts), Sarah Lawson (Frankie Callum), William Lucas, Kenneth Cope, Percy Herbert, Thomas Heathcote, Anna Turner… / Nacionalidad y año: Reino Unido 1967 / Duración y datos técnicos: 94 min. color 1.66:1. (Dúal Español/Inglés)
Comentario
“Night of the Big Heat” es el segundo de los films de ciencia ficción que Terence Fisher rodó para Planet Films y el último de una trilogía (completada con “SOS, el mundo en peligro”, en 1967, y el primer título en Planet Films, y “Earth Dies Screaming”, 1964) rodada para Lippert Films) cuyo material dramático esencial era, tratado siempre de forma simjlar, la amenaza de distintas hordas de seres letales, ora extraterrestres, ora mutantes. En esta ocasión, los seres son protoplasmas alienígenas (como manda la novela “Night of the Big Heat”, de John Lymington, en la que está basada la película), que provocan una ola de calor de tanta intensidad que varios ciudadanos mueren abrasados. Chistopher Lee y Peter Cushing, como en los otros films del ciclo, luchan contra la amenaza, pero poco pueden hacer. Fisher, como siempre: atmosférico, comedido pero poético, superó las deficiencias del guión y realizó una sugerente película, que resulta entretenida aun siendo la peor de la trilogía. Ya que la historia oscila entre la invasión alienígena y la presencia de un triángulo amoroso, siendo éste, quizás, más importante en la trama que el que unos protoplasmas invadan tu pueblo. Llegando a parecer más un melodrama insulso y descafeinado, que una película del género. No estuvo tan fino como siempre el amigo Fischer. Pero aun así, se deja ver con gusto. Es entretenida. ¡Y cómo suda todo el mundo! Decir que la historia recuerda (especialmente el final) a “la Guerra de los Mundos” (1953), de Byron Haskin. Cuando la veáis lo comprenderéis.
Una batalla más allá del tiempo y del espacio. Entretenida historia de ciencia ficción, que, inspirada en el argumento de "Los siete Magníficos", sitúa la acción en espacios interestelares. Un planeta lejano llamado Akir, colonizado por pacíficos habitantes, sufre las amenazas de un implacable conquistador, Sador, que posee el arma más sofisticada de todo el universo: un convertidor estelar, capaz de destruir cualquier planeta. Shad, emisario de Akir, es enviado al espacio exterior para tratar de reclutar a un grupo de soldados intergalácticos que planten cara al malvado Sador.
Ficha Técnica
Director: Jimmy T. Murakami / Productor: Ed Carlin, para New World. / Guión: John Sayles / Fotografía: Daniel Lacambre / Música: James Horner / Montaje: Allan Holzman / Intérpretes: Richard Thomas (Shad), Robert Vaughn (Gelt), John Saxon (Sador), George Peppard (Cowboy), Darlanne Fluegel (Nanelia), Sybil Danning (Saint-Exmin), Sam Jaffe (Dr. Hephaestus), Jeff Corey (Zed), Morgan Woodward (Caimán), Marta Kristen (Lux), Earl Boen (Nestor 1), John D. Gowans (Nestor 2), Steve Davis (Quopeg), Lawrence Steven Meyers (Kelvin 1), Lara Cody (Kelvin 2), Lynn Carlin (Nell (voz)),... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1980 / Duración y datos técnicos: 104 min. color 1.85 : 1.
Comentario
Con un presupuesto de 5 millones de dólares, esta película ha sido la producción más cara abordada por la New World de Roger Corman hasta el momento. Al parecer, cuando el prestigioso John Dykstra pidió 2 millones de dólares a Corman para poder crear los efectos especiales apropiados para este film, éste, tan ahorrativo como siempre, decidió crear un departamento de efectos especiales en su propio estudio, consiguiendo los resultados buscados por la mitad de la cifra solicitada por el reputado técnico. El guión, escrito por John Sayles (quien ya había trabajado para la New World en "Piraña", 1978), viene a ser, ni más ni menos lo que el título español expresa a las claras, es decir, un remedo sideral del western de Jon Sturges. Richard Thomas interpreta a un joven en busca de mercenarios para que defiendan su planeta de la amenaza de un saqueador espacial (Jon Saxon). Entre los aventureros reclutados se encuentran Robert Vaughn (reinterpretando/parodiando su propio papel en “Los siete magníficos” (1960), George Peppard y la atómica Sybil Danning. Dirigida con bastante poca vitalidad por Jimmy T. Murakami, la película proporciona más de un momento de diversión. Siempre y cuando no se tome en absoluto en serio nada de lo que pasa (ni. sobre todo, cómo pasa). En 1983 Corman produjo “Space Raiders” con el único objetivo de reutilizar los efectos especiales de este film. En fin, uno de esos filmes de ciencia-ficción de la era post-“Star Wars” que, contando con una infinitesimal parte de su presupuesto, nos prepara para aventuras estelares, seres extraterrestres de apariencia extraña, luchas espaciales… Aventuras y diversión para toda la casa. Cine palomitas “Plan 9”.
La pequeña floristería regentada por el sr. Mushnick está en crisis. Sus dos empleados, Seymour y Audrey, dos almas gemelas, torpes y de escaso ánimo, languidecen en ella hasta que él descubre accidentalmente una extraña planta que acaba convirtiéndose en un reclamo comercial. Mientras Audrey mantiene una destructiva relación con un sádico dentista sin percibir que Seymour está secretamente enamorado, éste descubre que para mantener vivo al exótico vegetal tiene que suministrarle algo más que abono convencional...
Ficha Técnica
Director: Frank Oz / Productor: David Geffen para The Geffen Company, Warner Bros. / Guión: Howard Ashman, según su musical y el guión de Charles Griffith / Fotografía: Robert Paynter / Música: Alan Menken, Miles Goodman / Montaje: John Jympson / Efectos especiales: Sherry Amott, Martin Gutteridge y David McCall; efectos visuales: John Alagna y Peter Chiari) / Intérpretes: Rick Moranis (Seymour), Ellen Greene (Audrey), Vincent Gardenia (Mr. Mushnick), Steve Martin (Orin Scrivello), Bill Murray (Arthur Denton), James Belushi (Patrick Martin), John Candy (Wink Wilkinson), Tichina Arnold (Crystal), Michelle Weeks (Ronette), Tisha Campbell (Chiffon), Levi Stubbs (Audrey II [voz]), Christopher Guest, Stan Jones, Bertice Reading, Ed Wiley, Alan Tilvern, John Scott Martin, Vincent Wong ... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1986 / Duración y datos técnicos: 94 min. color 1.85:1.
Comentario
El argumento básico del pequeño clásico de Roger Corman “The Little shop of Horrors” (1960) dio lugar en 1982 a una divertida comedia musical, debida a la magnifica pareja Howard Ashman-Alan Menken (en buena parte responsables del renacimiento de la animación Disney, gracias a sus partituras para “La Sirenita”, 1989, y “La Bella y la Bestia”, 1991), que obtuvo un notable éxito en los escenarios de Broadway. Cuatro años después, el siempre consistente Frank Oz se decidió a llevar de nuevo a la pantalla la historia escrita dos décadas antes por Charles Griffith para la película original, aunque basándose en esta ocasión en la obra teatral en lugar de en el pequeño film de Corman. La trama, no obstante, conserva las líneas básicas de aquélla: el joven Seymour (Rick Moranis) es un pobre infeliz que trabaja, a cambio de un sueldo miserable, en la no menos miserable floristería del ruin señor Mushnik (Vincent Gardenia). Seymour está enamorado en silencio de la adorable Audrey (Ellen Greene), mas no se atreve a confesarle su amor debido a que ella tiene novio, un dentista, sádico, rockero y drogadicto (Steve Martin) que la maltrata con frecuencia. Un día, Seymour compra una extraña planta que, al poco, descubrirá que es carnívora, alimentándola en secreto con su propia sangre. Gracias a la rareza de la planta (bautizada por Seymour como Audrey 11, en honor a su amada), la tienda de Mushnik prosperará de forma asombrosa, forzando al muchacho a alimentarla cada vez con más sangre para que no deje de crecer. Lo que todavía desconoce Seymour es que Audrey 11 (que, además de glotona, resulta una bocazas de aupa) en realidad es un ente, inteligente y maléfico, procedente del espacio que, a medida que se hace más fuerte, maquina la invasión terráquea. Con un ritmo milimétrico, un guión semiperfecto (obra del propio Howard Ashman), unas canciones magníficas (auténticas lecciones de narratividad, entre lo cómico y lo emotivo inspiradas en el rock and roll clásico de los cincuenta y las bandas de chicas de los 60 tipo Ronnettes) y unas interpretaciones ajustadísimas (Moranis, Gardenia) y, en ocasiones, decididamente brillantes (Greene), “La Pequeña Tienda de los horrores” puede considerarse uno de los poquísimos musicales dignos producidos en Hollywood durante las ultimas dos décadas, además de una comedia fantástica imprescindible que, por mucho que insistan los puristas, supera de largo a la versión de los 60 en todos los aspectos. Mención aparte merece la arrolladora, inabarcable y pasada de rosca composición del gran Steve Martin como el dentista demente, capaz de, con tan sólo tres breves apariciones, eclipsar por completo al resto del reparto. Se los juro, el dentista es la leche. No os la perdáis. Recomendación “Plan 9”.
Seymour Krelboin (Jonathan Haze), un joven dependiente de una floristería, está enamorado de su compañera Audrie (Jackie Joseph), pero ella sale con un sádico dentista. Un día, justo después de un extraño eclipse, compra una pequeña planta, a la que bautiza como Audrie II. La planta comenzará a moverse, e incluso a hablar con Seymour, de forma que se convierte en una atracción para la ciudad. Poco pueden imaginar todos que realmente es un ser abominable, que Seymour casualmente ha descubierto que se alimenta... de sangre humana.
Ficha Técnica
Director: Roger Corman / Productores: Roger Corman para The Filmgroup, Santa Clara Prod. / Guión: Charles B. Griffith / Fotografía: Archie R. Dalzell, Vilis Lapenieks / Música: Fred Katz, Ronald Stein / Montaje: Marshall Neilan, Jr. / Dirección artística: Daniel Haller / Intérpretes: Jonathan Haze (Seymour Krelboin), Jackie Joseph (Audrey), Mel Welles (Mr. Mushnick), Dick Miller (Burson Fouch), Jack Nicholson (Wilbur Force), Myrtle Vail (Winifred Krelboin), Tammy Windsor [Karyn Kupcinet], Toby Michaels, Leola Wendorff, Lynn Storey, Wally Campo, Jack Warford, Meri Welles… / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1960 / Duración y datos técnicos: 70 min. B/N 1.37:1.
Comentario
La que algunos críticos han bautizado como la mejor película rodada en dos días fue realizada por Roger Corman en ese lapso, y utilizando un plato sobrante y decorados de otro film, sólo para batir su propio récord de velocidad. La historia es una variación de “A Bucket Of BIood” (1959), el film inmediatamente anterior de Corman, y fue escrita por Chuck Griffith atendiendo a dos explícitas peticiones de Corman: que fuera ubicable en el decorado preexistente y que pudiera rodarse en dos días. Con esas premisas, Griffith diseñó en pocas jornadas de trabajo una de las historias más célebres de la ciencia ficción cinematográfica. Seymour Krelboin, aprendiz en una floristería, crea, sin proponérselo, una planta carnívora. Un día descubre que la planta necesita sangre humana para vivir y comienza a proporcionársela mediante selectos crímenes. El atribulado aprendiz se ve obligado a ir asesinando cada vez más, ya que con cada nueva víctima, la planta crece, y con ella la popularidad de la tienda y la suya propia. “The Little Shop of Horrors”, notablemente bien interpretada y dirigida a pesar de la celeridad de su rodaje, se erigió en emblema del cine de Roger Corman, alcanzando tanta popularidad que en 1982 los geniales Howard Ashman y Alan Menken, crearon una adaptación musical para el teatro que obtuvo un inmenso éxito en el off-Broadway. Este musical se convirtió de nuevo en película en 1987, dirigida por Frank Oz. Una pequeña joya de la ciencia-ficción americana del rey del baratillo, Roger Corman, que se aleja de los postulados habituales en los que la comedia brilla por su ausencia. Aquí tenemos diálogos chispeantes, personajes delirantes y una trama muy conseguida que provoca la risa general. Recomendación “Plan 9”.
Pruebas atómicas han provocado que el continente perdido de Seatopia emerja en Japón. En venganza por los daños causados por los tests nucleares, los seatopianos liberan a Megalon, una cucaracha gigante para que destruya la Tierra. A su vez, agentes encubiertos de los seatopianos se han apoderado de un robot llamado Jet Jaguar, que es la única arma sobre la Tierra que puede hacerles frente. Pero los científicos recuperan el control del robot, y lo envían a la Isla de los Monstruos, a que libere a Godzila. Mientras Godzila se dirige a combatir a Megalon, los seatopianos invocan al monstruo espacial Gaigan. Y, en el punto de reunión, el robot y las tres creaturas se batirán a duelo por el dominio de la Tierra.
Ficha Técnica
Director: Yoshimitsu Banno / Productor: Tomoyuki Tanaka / Guión: Jun Fukuda y Takeshi Kimura / Fotografía: Yuzuru Aizawa / Montaje: Michiko Ikeda / Música: Riichiro Manabe / Efectos especiales: Teruyoshi Nakano / Intérpretes: Akira Yamauchi (Dr Yano), Hiroyuki Kawase (Ken), Toshie Kimura (Toshie Yano), Toshio Shibaki (Yukio), Keiko Mari (Miki), ... / Nacionalidad y año: Japón 1973 / Duración y datos técnicos: 86 min. Color. 2.35 : 1 (V.O.S.E.)
Comentario
King Kong es el padre del cine de monstruos y data de 1933. Pero el género recién tomaría auge a partir de la producción americana de los 50 llamada "The Beast from 20.000 Fathoms". Principalmente porque exponía a los monstruos como producto del poder atómico, y no tardaría su temática en repercutir en Japón (victimas reales del holocausto nuclear), donde desatarían en 1954 a "Godzilla". Si bien su llegada al género es tardía, Godzila es el exponente más popular del tema, e impulsaría el desarrollo de toda una corriente cinematográfica con casi 30 secuelas en su haber que llegan hasta nuestros días, amén de infinidad de imitadores. Si bien en la filmografía japonesa no son raras las sagas que se cuentan por decenas, sólo Godzilla se erige como la serie nipona más popular a nivel mundial, compitiendo en longevidad con otras mainstream como, por ejemplo, James Bond.
Es interesante observar que a lo largo de su vasta cinematografía, la saga de Godzilla tiene tres etapas bien marcadas. Muchas veces se las identifica por las características del diseño del traje del monstruo, pero las etapas también indican las fases creativas y artísticas por las cuales pasó el personaje. Se denomina la serie Showa al período que va desde la "Godzilla" original de 1954 hasta "El Terror de Mechagodzila" de 1975. La serie Heisei abarca desde "Godzila 1985" hasta "Godzila versus Destroyer" de 1995; y la serie Millenium cubre desde "Godzila 2000" hasta "Godzila : Final Wars" del 2004. Obviamente, el film de Roland Emmerich queda fuera de estos períodos. La etapa Showa es la inicial, y también la de la decadencia. Desde 1954, Godzila evoluciona de ser el terror atómico a transformarse en el defensor del Japón, y culminando por convertirse en un patético y ridículo monigote propio de las matinés infantiles. En la serie Heisei se intenta recuperar cierta dignidad y la imagen del Godzila destructor, apelando a remakes y nuevas tramas más respetuosas del material original, pero con cierta respuesta tibia del público. Y recién después del desastre de Emmerich de 1998, cuando la Toho recupera el control del personaje, hay un intento serio de evolución creativa, de expandir las bases que había dejado Ishiro Honda en los 50 y 60. Pero el final de la etapa Showa de la mano del director Jun Fukuda es, simplemente, terrible. Y "Godzila vs Megalon" se puede considerar como el punto más bajo de toda la filmografía del gigante verde. Lo cual ya es mucho decir, teniendo en cuenta que hablamos de tipos enfundados en trajes de goma de dinosaurios mutantes destruyendo maquetas de cartón durante 50 años. Pero las películas de Godzilla funcionan en otro nivel diferente al de los valores cinematográficos tradicionales; son filmes serie Z, pero que siempre resultan entretenidos de ver, y eso explica la popularidad que ha mantenido viva la serie durante tanto tiempo.
Y si bien siempre resulta un placer culpable ver a multitudes corriendo y señalando a un monstruo gigante pisando maquetas, lo cierto es que hay ciertas rutinas que deben seguirse para que un film sea medianamente entretenido. Al igual que los filmes de James Bond, las películas de Godzilla han creado sus propias recetas, y es lo que el público espera ver en pantalla cada vez que acude al cine. No importa lo descerebrado de los argumentos, uno espera la aparición de los monstruos, algunas destrucciones masivas sin sangre, algunos giros imprevistos, y la gran pelea final of course. Pero "Godzilla vs Megalon" se ve como el pariente idiota de la familia, denotando una escasez de presupuesto y creatividad inusual para esta clase de films. Hay varios gruesos errores que lastran la película. Primero, la gran cantidad de relleno que tiene el film hasta la aparición de los monstruos. Las idas y venidas entre científicos y agentes seatopianos por el control del robot "Jet Jaguar" resultan eternas, y están filmadas sin nervio alguno. Hay una triste persecución de autos protagonizada por un Volkswagen y un Fiat 850, digna de olvido. Y Godzilla recién hace acto de presencia a la hora de comenzado el film. Segundo, la pobreza de medios que resulta evidente. Los escenarios están acotados a dos o tres locaciones, y hay un espíritu más próximo al de un telefilm que al de una película de la gran pantalla, además de insertar mucho material de stock de cintas anteriores de Godzilla (el monstruo cambia, según el plano, de apariencia física - claro, en películas previas se usaban trajes distintos !! -). Tercero, por el bizarro diseño de robots y creaturas. Evidentemente "Jet Jaguar" está moldeado sobre la base del éxito de la TV "Ultraman" (incluso puede cambiar de tamaño y crecer hasta la altura de "Megalon", por ejemplo), pero el diseño es insípido, sin hablar de los trajes de "Megalon" (una cucaracha gigante con taladros como brazos), "Gaigan" y, especialmente, "Godzilla". Si bien es cierto que el traje original es una mezcla de dinosaurio e iguana con una cabeza de dragón de desfile, el diseño en este film se ve horrendo y ridículo. Se podría decir que algunos episodios de los Power Rangers se ven como superproducciones comparados con "Godzila vs Megalon", en cuanto a trajes y combates. Cuarto, es la falta de seriedad en todo el tema. Uno no pide que sea Bergman, pero al menos que sea fiel a sus orígenes. Pero cuando los monstruos se saludan chocando puños, "Megalon" anda a saltitos, "Godzilla" y "Jet Jaguar" se abrazan, y las peleas incluyen ridículas patadas voladoras (como la de Godzilla, apoyado sobre su cola), uno termina por ver una gigantesca versión de "Titanes en el Ring", pero con tipos enfundados en disfraces baratos. Lejísimo quedó atrás cuando Godzilla aplastaba personas, vehículos y edificios, se movía a 10 km por hora y era un monstruo gigante que infundía miedo.
Godzilla seguiría su penoso descenso de calidad de la mano de Fukuda en un par de filmes más, y entraría en un letargo de 10 años. Pero Toho terminaría por reflotar a su héroe más popular en la excelente "Godzilla 1985", recuperando su fase más famosa : la siniestra
Suceden cosas extrañas en Riverdale, Illinois. Se ha encontrado, semienterrada, una estructura enorme que parecería ser de origen alienígena. El senador Walter Powers (Jack Hill) y el Dr. Paul Kettering (Edwin Nelson), encargados de investigar el origen de ese objeto misterioso, descubren que los parásitos provenientes del centro de la tierra, que se aferran al cuello de sus víctimas para controlar sus cerebros, se han infiltrado en la ciudad y ahora controlan a las autoridades y a los trabajadores e impiden la comunicación con el exterior. Powers, Kettering y un grupo de personas libres deberán frenar la invasión.
Ficha Técnica
Director: Bruno VeSota / Productor: Ed Nelson para American International Pictures / Guión: Gordon Urquhart, basado en la novela "The Puppets Master", de Robert A. Heinlein / Fotografía: Lawrence Raimond / Música: Tom Jonson / Montaje: Carlo Lodato / Intérpretes: Ed Nelson (Dr. Paul Kettering), Alan Frost (Glenn Cameron), Cornelius Keefe (Senator Walter K. Powers), Joanna Lee (Alice Summers), Jody Fair (Elaine Cameron), David Hughes (Dr. Wyler), Robert Ball (Dan Walker), Greigh Phillips (Sheriff), Orville Sherman (Alcalde Cameron), Leonard Nimoy (Profesor Cole), Doug Banks (Doctor), Henry Randolph (Telegrafista), Saul Bronson (Profesor Helsingman),... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1958 / Duración y datos técnicos: 66 min. B/N. (V.O.S.E.)
Comentario
Una imaginativa película de bajo presupuesto que, no obstante, no aprovecha toda la capacidad de sugerencia que ofrecía la novela de Robert Heinlein, “The Puppet Masters” (1953), en que está basada. El libro proponía una invasión extraterrestre de amorfos borujos (pasas) de protoplasma que se adherían a la espalda de los humanos para dominar sus mentes, ahondando en la línea de horror paranoico trazada por “La invasión de los ladrones de cuerpos” (1956). La película reduce las posibilidades terroríficas y simbólicas de estas informes criaturas pre-cronenbergianas a la de parásitos que actúan según el esquema tradicional del film de monstruos venidos del espacio, tipo “Invasores de Marte”. Resulta muy curiosa la nave en que Viajan los invasores, una especie de taladro surgido del corazón mismo de la Tierra. Y divertido, sin duda, el reparto, con un Ed Nelson pre-“Peyton Place” (que fue también productor de la película), Joanna Lee, alienígena de la inefable “Plan 9 From Outer Space” (1959), y un irreconocible Leonard Nimoy en el papel de un oscuro anciano barbado.
Un meteorito gigante cae en la Tierra, cerca del pueblo de San Angelo. Un geólogo encuentra un fragmento y se lo lleva a su laboratorio para analizarlo. Poco después aparece petrificado y el laboratorio está lleno de rocas. En una carrera desesperada contra el tiempo y la naturaleza, otro geólogo que trabajaba con él debe descubrir el secreto que esconden estas rocas mortíferas llegadas del espacio antes de que cubran nuestro planeta y acaben con la humanidad.
Ficha Técnica
Director: John Sherwood / Productor: Howard Christie para Universal International Pictures / Guión: Robert M. Fresco, Norman Jolley, según argumento de R. M. Fresco y Jack Arnold / Fotografía: Ellis W. Carter / Música: Henry Mancini, Herman Stein, Irving Gertz, William Lava / Montaje: Patrick McCormack / Efectos especiales: Clifford Stine / Intérpretes: Lola Albright (Cathy Barrett), Grant Williams (Dave Miller), Les Tremayne (Martin Cochrane), Trevor Bardette (Prof. Arthur Flanders), Phil Harvey (Ben Gilbert), William Flaherty (jefe Dan Corey), Harry Jackson (Dr. Steve Hendricks), Richard H. Cutting (Dr. E.J. Reynolds), Linda Scheley (Ginny Simpson), Dean Cromer, Steve Darrell, Troy Donahue, Paul Frees… / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1957 / Duración y datos técnicos: 77 min. B/N 1.37:1. (V.O.S.E.)
Comentario
Basada en una historia original de Jack Arnold y Robert M. Fresco, y con buenos efectos especiales de Clifford Sline, uno de los grandes técnicos de la época. “The Monolith Monsters” es una de las más imaginativas (a la par que desconocidas) monster movies de los cincuenta. En una pequeña ciudad situada en el centro mismo de un desierto norteamericano (una localización amada con fervor por los autores del fantástico de la década) cae un meteorito. Del interior del cuerpo celeste emergen una miríada de seres cristalinos, luego cristales gigantes, que diezman a la población, agárrense, absorbiendo el silicio de sus cuerpos. Grant Williams, después de decrecer hasta lo insondable ese mismo año en El “Increíble hombre Menguante”, interpreta al héroe: evidentemente, un geólogo; Lola Albright es la clásica maestra de escuela primaria que ayuda al héroe; el resto de actores son verdaderos protagonistas (y no Monigotes) de una historia redonda. Porque el film está dotado de un fantástico guión que dosifica la información, y la tensión y el suspense se liberan de forma gradual, aritmética, al igual que otros dos títulos fundamentales de la década, la americana “La Humanidad en peligro” (Them!, 1954), de Gordon Douglas, y la inglesa “El experimento del doctor Quatermass” (The Quatermass Xperiment, 1955), de Val Guest. Curiosamente, con la primera también comparte el elemento de la niña en estado de shock tras el desastre acontecido en su casa. “Plan 9” te la recomienda enfervorecidamente
El joven Akira descubre que el planeta Icarus se encuentra en trayectoria de colisión contra la Tierra. Pero antes de que pueda notificar la noticia, es secuestrado por un grupo de agentes del gobierno, quienes lo llevan hasta las instalaciones secretas del Dr. Yamatone en los Alpes japoneses. Allí Yamatone le dice que Akira debe ayudarlos a encontrar un diamante especial - el que le daría la potencia necesaria al rayo construído por el Dr. Pearl e imprescindible para destruir a Icarus -. Al recibir una llamada de auxilio procedente de uno de los equipos de Yamatone, Akira, el doctor y el resto los miembros salen a investigarla. La señal los lleva a una extraña isla en medio del océano, en donde encuentran muertos a los integrantes del grupo de exploración. Pero se cruzan con Nazo, un criminal alienígena que está decidido a destruir la Tierra - él provocó el desvío de Icarus de su órbita - e intenta detener los planes de construcción del rayo destructor. Tras el asedio de los ataques de las fuerzas de Nazo, el equipo termina refugiándose en unas antiguas ruinas, sólo para descubrir un antiguo sarcófago que data de hace 10.000 años. Al retirar el enorme diamante que tiene el cuerpo, la joven Emily revive accidentalmente a un antiquísimo guerrero atlante llamado Ogon Batto. Batto es un ser superpoderoso que promete ayudarlos, y es el único capaz de derrotar a Nazo antes de que éste logre destruir al planeta.
Ficha Técnica
Director: Hajime Sato / Guión: Yoshimitsu Banno, basado en el personaje creado por Takeo Nagamatsu / Fotografía: Yoshikazu Yamasawa / Música: Shunsuke Kikuchi / Intérpretes: Sonny Chiba (Dr. Yamatone), Osamu Kobayashi (Fantasmagórico), Wataru Yamagawa (Akira Kazahaya), Chako van Leeuwen (Naomi Akiyama), Emily Takami (Emily Paird), Andrew Hughes (Dr. Pearl), Hirohisa Nakata (Shimizu), Kôsaku Okano (Nakamura), Koji Sekiyama (Nazo), Yoichi Numata (Keloid), Keiichi Kitagawa (Jackal), Keiko Kuni (Piranha),... / Nacionalidad y año: Japón 1966 / Duración y datos técnicos: 73 min. B/N. 2.35 : 1 (V.O.S.E.)
Comentario
“Ogon Batto” (“Fantasmagórico”) es el primer superhéroe japonés, y data de 1930. El origen del personaje no es muy claro; algunos indican que apareció en novelas antes de ser trasladado al manga, y otros dicen que surgió primero en los “kamishibai”, una especie de espectáculo teatral intinerante en donde se proyectaban imágenes y la historia era contada por un narrador. El personaje resultó ser muy popular, sobreviviendo incluso a la Segunda Guerra Mundial, y en los sesentas tendría un gran revival. La Toei produciría esta versión en vivo, tras lo cual vendría la serie animada de 52 capítulos que se emitirían entre 1967 y 1968. Algunos historiadores indican que la posible influencia creativa pudo haber sido un personaje similar desarrollado en uno de sus cuentos por Robert E. Howard (el creador de Conan). Pero muchos de los documentos que podrían haber servido para respaldar la mayor parte de dichas teorías desaparecieron durante el conflicto bélico. Es difícil describir la calidad de esta versión con actores. En sí la trama es un delirio y la ejecución es pobrísima, pero es tan gloriosamente ridícula que uno no puede evitar reírse a mandíbula partida durante todo el tiempo. Es una película tan mala que termina siendo buena. Comenzando por el superhéroe del título, que parece vestido como un mago de Las Vegas y tiene una máscara inexpresiva a la cual le faltan dos dientes; siguiendo por el villano de la trama, que es una bolsa de plástico con dos nuditos en las puntas (para simular las orejas) y cuyos ojos son dos pares de faros de moto. Si de por sí Nazo no fuera suficientemente ridículo, tiene una pinza enorme como mano, y en la otra tiene un guante de látex tres tallas más grandes. Debe figurar como el villano cinematográfico más patético de la historia. Toda la historia tiene un entusiasmo juvenil que sólo los japoneses pueden inventar. Lógica cero, héroes incompetentes, villanos inútiles (que se lanzan de manera suicida contra los rayos que disparan los buenos), cambio de locaciones todo el tiempo, efectos especiales bizarros. Al menos “Ogon Batto” hace las cosas como corresponde, ya que es indestructible y aparece cuando está todo que arde. En el medio hay delirios de todo tipo, como el sarcófago egipcio encontrado en los restos de la Atlántida (por que los egipcios en realidad eran descendientes de los atlantes, ¿no lo sabían?), navecitas patéticas copiadas de los “Thunderbirds”, trajes plateados, personajes clonados por los villanos para infiltrarse en el cuartel de los buenos,y niveles siderales de sobreactuación. En cada aparición “Ogon Batto” se ríe con una carcajada diabólica, como si se hubiera fumado alguna sustancia estupefaciente. Con su cetro (sí, porque el tipo tiene un bastón muy cool) dispara rayos y vuela. Porque los atlantes volaban, ¿o también desconocíais ese dato? Es imposible aburrirse con “El Murciélago Dorado”. Hajime Sato le pone tanta energía y ritmo que no decae casi nunca, exceptuando al último tercio del filme en donde “Ogon Batto” está ausente la mayor parte del tiempo (¡y uno lo extraña!). Por el resto, es rutina propia de las series Ultra de Eiji Tsuburaya, sólo que el personaje fue creado treinta años antes: hay otro equipo secreto de ultratecnología que debe combatir una amenaza espacial y que termina siendo salvado sobre la hora por un superhéroe alienígena. Aquí es la joven Emily la que posee un broche dorado con forma de murciélago y que utiliza para invocar a “Ogon Batto”. Les recomiendo de todo corazón El Murciélago Dorado. Es una figurita difícil de conseguir pero vale la pena. Es un show camp absolutamente sin desperdicio.
Tres astronautas quedan atrapados en un planeta extraño cuando su nave espacial falla. En tanto la base terrestre tendrá una carrera contra reloj para lograr rescatarlos sanos y salvos.
Ficha Técnica
Director: John Sturges / Productor: M.J. Frankovich / Guión: Mayo Simon, basado en la novela de Martin Caidin / Fotografía: Daniel L. Fapp / Montaje: Walter Thompson / Efectos especiales: Chuck Gaspar / Intérpretes: Gregory Peck (Charles Keith), Richard Crenna (Jim Pruett), David Janssen (Ted Dougherty), James Franciscus (Clayton Stone), Gene Hackman (Buzz Lloyd), Lee Grant (Celia Pruett), Nancy Kovack (Teresa Stone), Mariette Hartley (Betty Lloyd), Scott Brady (Oficial de relaciones públicas), Craig Huebing (Director de vuelo), Frank Marth (director de sistemas de la fuerza aérea), John Carter (cirujano de vuelo), Vincent Van Lynn (periodista), George Gaynes (director de la mission), Walter Brooke (comentarista de noticias), Dennis Robertson (director del lanzamiento), ... / Nacionalidad y año: USA 1969 / Duración y datos técnicos: 134 min. Color (Eastmancolor). 2.20 : 1
Comentario
Durante el último trecho de su prolífico itinerario fílmico, y tras el inmenso bombazo internacional de “La gran evasión” (1963), el competente artesano John Sturges se vería abocado, de repente, a realizar un puñado de superproducciones, en las antípodas de sus sintéticos, vigorosos y aplaudidos primeros trabajos. Emplazada durante estos años, “Atrapados en el espacio” representa la segunda (y última) incursión, tras “Estación 3: Ultrasecreto” (1965), del veterano realizador en el género fantacientifico, y una nueva y lamentable muestra de la esclerosis narrativa que aquejaría al tramo final de su carrera. Debido a un fallo técnico al penetrar en la atmósfera terrestre, los componentes de una cápsula lunar quedan aislados en el vacío espacial, centrándose toda la trama posterior (basada en una novela de Martin Cardin) en la detallada exposición del proceso de rescate, con especial atención a los aspectos más “tecnoplomizos”. Narrada en un estilo semidocumental y con gran despliegue de efectos especiales, la película adolece de un clímax romo, un ritmo cansino y una escasa contundencia visual, así como de un guión poco verosímil que cae en ocasiones en tics propios del más estereotipado melodrama. Ni el lujosísimo reparto (en cuyo seno, además de individuos más ilustres, destaca el televisivo James “Longstreet” Franciscus, en una de sus primeras apariciones) ni unos convincentes efectos especiales (galardonados merecidamente con un Oscar) evitan el bostezo en este interminable y tedioso fiasco sideral.
La historia ocurre en el planeta desierto «Plyuk» de la galaxia «Kin-Dza-Dza», donde dos humanos que no se conocían, «Tío Vova» y «El violinista», como se llaman el uno al otro, van a parar tras un encuentro accidental con un dispositivo teletransportador alienígena. La película describe sus peripecias en la búsqueda de la vuelta a su hogar.
Los oriundos del planeta parecen humanos, con teconología de aspecto primitivo y una cultura bárbara, con semejanzas satíricas a la humana. Pueden comunicarse por telepatía y las únicas palabras que usan normalmente son «ku» y «kiu». Sin embargo, son capaces de adaptarse rápidamente y entender y hablar ruso. La sociedad de Plyuk está dividida en dos castas: los «chatlanians» y los «patsaks». Los chatlanins son la casta privilegiada, y un patsak debe de seguir un sistema de ceremonias para mostrar su inferioridad. La base de su diferencia es inexplicable, pero puede saberse quién es de cada clase mediante un dispositivo («visator»).
El único grupo que puede usar armas «transglukators» son los «etsylopps». El líder del planeta se llama «Pe-Zhe», y todo el mundo hace lo que puede para mostrar su adoración por él, pero cuando se le conoce en persona, es tonto e inofensivo. El combustible de Plyuk se llama «luts» y está hecho de agua. Toda el agua del planeta ha sido convertida en luts, así que el agua potable es un bien muy apreciado (de hecho, solo se puede conseguir agua a partir de luts). Las cerillas comunes («katse») son un bien extremadamente preciado en Plyuk.
La ambientación distópica a se considera una representación alegórica de la sociedad soviética.
Vocabulario:
Katse — cerillas Chatl — unidad monetaria Tsak — campanilla que cuelga d e la nariz para indicar el bajo estatus social del portador Tentura y Antitentura — dos partes opuestas del universo. Algunos planetas están en Tentura y otros (como la Tierra) en Antitentura. Pepelatz — una nave interplanetaria (de la palabra en georgiano «pepela», mariposa) Gravitsapa — un compomente del pepelats que permite el viaje intergaláctico Luts — el combustible del pepelats. Está hecho a partir de agua Kappa — un botón Etsylopp — policía («policía» dicho al revés en inglés (ecilop)) Etsikh — caja de latón para prisioneros («Etsikh» proviene del georgiano «tsikhe», prision) Kiu — una palabrota socialmente aceptable Ku — resto de palabras
Ficha Técnica
Director: Georgi Daneliya / Guión: Georgi Daneliya y Revaz Gabriadze / Fotografía: Pavel Lebeshev / Montaje: Natalya Dobrunova / Música: Gia Kancheli / Efectos especiales: Sergei Khramtsov / Intérpretes: Stanislav Lyubshin (Vladimir Nikolaevich Mashkov), Evgeni leonor (Wef), Yuriy Yakovlev (Bi, Patsak), Levan Gabriadze (Gedevan Aleksandrovich), Olga Mashnaya (Decont), Irina Shmelyova (Tsan), Lev Perfilov (Kyrr), Anatoli Serenko (Aralai), Aleksandra Dorokhina (mujer colossal), Galina Daneliya-Yurkova (Lyudmila Mashkova), ... / Nacionalidad y año: Rusia 1986 / Duración y datos técnicos: 135 min. Color. (V.O.S.E.)
Comentario
Extraña película, de culto para muchos, quizás por ser una distopía que no sigue otro modelo que el de la fantasía más alocada, con toques absurdos aunque divertidos. Verla hoy requiere construir su contexto de producción y recepción, en caso contrario, no se disfrutará su velada metáfora de la sociedad rusa de los 80, donde los artistas actúan dentro de jaulas. Interesante planteo con personajes pintorescos y graciosos, pero que nunca terminan de ser típicos. Con ambientaciones y efectos logrados para la época, pero también con cierta pobreza de diseño oculta detrás de las inverosímiles escenografías, más preocupadas por sorprender que por efectos de verosimilitud, aunque como dije, la película es distópica. Por momentos es sublime y por momentos aburrida, pero en suma (y contextualizando) se sostiene bien.
