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miércoles, 23 de febrero de 2011

Spaceways (1953) (V.O.S.E.)





sinopsis
Las autoridades británicas acusan a un científico de cohetes americano de asesinar a un camarada. Para limpiar su nombre él toma la medida drástica de viajar en el próximo cohete para ver si la víctima del asesinato está en un satélite recientemente lanzado.



Ficha Técnica
Director: Terence Fisher / Productor: Michael Carreras, para la Hammer / Guión: Paul Tabori Y Richard Landau, basado en el serial radiofónico de Charles Eric Maine / Fotografía: Reginald H. Wyer / Música: Ivor Slaney / Montaje: Maurice Rootes / Efectos Visuales: Les Bowie y Vic Margutti / Intérpretes: Howard Duff (Dr. Stephen Mitchell), Eva Bartok (Dr. Lisa Frank), Alan Wheatley (Dr. Smith), Philip Leaver (Profesor Koepler), Michael Medwin (Dr. Toby Andrews), Andrew Osborn (Dr. Philip Crenshaw), Cecile Chevreau (Vanessa Mitchell), Anthony Ireland (General Hayes), Hugh Moxey (Coronel Alfred Daniels), David Horne (Ministro), Leo Phillips (Sargento Peterson), Marianne Stone (Señorita Rogers), Jean Webster-Brough (Señorita Daniels),... / Nacionalidad y año: Reino Unido 1953 / Duración y datos técnicos: 76 min. ByN 1.37 : 1 (V.O.S.E.)


Comentario
En los años 50 se produce el nacimiento de la era espacial, lo que abría las puertas a un incipiente cine de ciencia-ficción que mostraba lo que podía deparar el futuro. Algo ansiado por el público en general que se encontraba deseoso de ver películas llenas de nuevas tecnologías, viajes interestelares e invasiones alienígenas.
Evidentemente Hollywood se adelantó a esta nueva moda con un film que contaba con un gran presupuesto y una deliciosa fotografía en Technicolor. Hablamos, claro está, de “Destination Moon” (1950). Pero, aprovechando la expectación ante el film de Irving Pichel, Kurt Neumann rodó en tan solo18 días, con un presupuesto ínfimo y en blanco y negro tintado, “Rocketship X-M” (1950), que se estrenó antes en el cine y obtuvo un grandísimo éxito. La película fue distribuida en el Reino Unido por Exclusive Pictures que puso a la Hammer en marcha para rodar aprovechando la popularidad del film. Como era normal en aquellos tiempos, se cogió un guión de un drama radiofónico, y se rodó una película de ciencia ficción sin apenas presupuesto.
Aunque en realidad, “Spaceways” es más un thriller que una película de ciencia ficción. Terence Fisher combina con acierto la ciencia ficción y el melodrama psicológico, siendo esta segunda opción la que predomina en el film. Y gracias a su talento el resultado es más que aceptable. Ya que Fisher consigue plasmar de manera más que acertada los conflictos que se generan a lo largo del film, y que le añaden seriedad y dramatismo, dándose momentos ciertamente brillantes, como cuando un científico actúa de manera maliciosa y es visto distorsionado a través de un espejo del laboratorio por un colega. O los destellos de incomodidad y malestar en la cara de uno de los ingenieros cuando en un momento de éxito de su proyecto espacial, se ve obligado a mencionar los experimentos con cohetes de la Alemania nazi. El guión está repleto de un diálogo serio que se presta a detalles como éstos, ninguno de los cuales parecen estar fuera de lugar.
Además, “Spaceways” cuenta con un grupo de buenos actores que ayudan al resultado final del film. A destacar Howard Duff, que parece estar disfrutando del trabajo en uno de los papeles más cerebrales e introspectivos de su carrera;
En definitivas cuentas, un modesto producto de serie B que, a pesar de ser vendido como un film de ciencia-ficción, es un thriller psicológico que fue dirigido con presteza y eficacia por terence Fisher que consigue crear una atmósfera de tensión e intriga bastante efectiva. En fin, que se deja ver sin problemas.





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Pass: terencefisher




jueves, 1 de abril de 2010

The House In The Square (1951) (V.O.S.E.)



sinopsis:

Un físico nuclear norteamericano afincado en Inglaterra, Peter Standish, es acompañado a su casa por un colega, Roger, que comprobará con cierto temor que la vivienda, ubicada en el centro de Londres, conserva el mismo interior que hace doscientos años. Poco a poco, el norteamericano se confesará ante Roger, revelándose sus creencias –avaladas por planteamientos científicos– de la posibilidad del viaje en el tiempo, logrando con ello trasladarse al contexto de sus antepasados en el siglo XVIII.




Ficha Técnica

Dirección: Roy Ward Baker. Productor: Sol C. Siegel para Twentieth Century-Fox Film Corporation. Guión: Ranald MacDougall, según la obra teatral Berkeley Square de John L. Balderston [y la novela inconclusa The Sense of the Past de Henry James]. Fotografía: Georges Périnal. Música: William Alwyn. Montaje: Alan Osbiston. Dirección artística: C. P. Norman. Intérpretes: Tyrone Power (Peter Standish), Ann Blyth (Helen Pettigrew / Martha Forsyth), Michael Rennie (Roger Forsyth), Dennis Price (Tom Pettigrew), Beatrice Campbell (Kate Pettigrew), Kathleen Byron (Duquesa de Devonshire), Raymond Huntley (Mr. Throstle), Irene Browne (Lady Anne Pettigrew), Ronald Adam, Robert Atkins, Felix Aylmer, Hamlyn Benson, Catherine Carlton, Richard Carrickford, Jill Clifford, Arthur Denton, Peter Drury, Alec Finter, Tom Gill, Victor Maddern... Nacionalidad y año: Reino Unido 1951. Duración y datos técnicos: 90 min. color-B/N 1.37:1. (V.O.S.E.)

Comentario


Cuando alguien (no creo que sean muchos, la verdad) a la hora de evocar la andadura de los profesionales del estudio británico Hammer Films, saca a colación el nombre del realizador Roy Ward Baker, se olvida la experiencia previa que este mantuvo en el cine norteamericano. Una andadura que se centró con la 20th Century Fox, y de la que quizá sólo se recuerda “Niebla en el alma” (“Don’t Bother the Knock”, 1952), en la medida de suponer uno de los primeros papeles de relieve de la mítica Marilyn Monroe (que encarnaba con poca fortuna un personaje desequilibrado psicológicamente) y la apreciable “Inferno” (1953).

Cierto es que una mirada de conjunto a sus aportaciones en el estudio de Zanuck nos revela una inclinación hacia temas sórdidos, oscilando entre el policíaco y el suspense, que le llevaron a practicar (quizá por vez primera en su filmografía) con el fantastique. Lo hará por medio de “The House in the Square” (1951), una insólita apuesta por el subgénero de viajes en el tiempo, combinando en sus modos el look habitual del cine noir del estudio con una apuesta que entremezclara la aportación británica de la filial inglesa de la Fox. Todo ello, permitirá una curiosísima propuesta, apenas mencionada y reconocida en nuestros días, que logra articular esos condicionantes de producción (otro de ellos sería la posibilidad de servir a su protagonista, Tyrone Power, en un rol que le permitiera su facilidad como galán de época, además de incidir en esa poco reconocida ambivalencia interpretativa del actor, potenciada en sus años de madurez). El resultado, como antes señalaba, aparece simpático en líneas generales, sorprendente en algunos momentos, e incluso revestido en alguno de sus tramos de una notable intensidad cinematográfica. Sin embargo, esos ocasionales destellos, e incluso la relativa originalidad del conjunto, no impide que una cierta sensación de irregularidad limite los logros de una propuesta que, con un mayor arrojo o equilibrio, sin duda hubiera permitido todo un logro del género, quedando finalmente como un producto apreciable y, sobre todo, insólito.

Nos encontramos en un laboratorio nuclear en el Londres de inicios la década de los cincuenta. Los primeros compases del film nos describen la minuciosidad del comportamiento científico expresado por el físico nuclear norteamericano Peter Standish (Power). La extremada pasión con la que desarrolla su trabajo ha llamado la atención de sus compañeros, encargándose de vigilarlo otro miembro del colectivo científico (Roger Forsyth). Tras acompañar a Standish a su casa, Roger comprobará con cierto temor que la vivienda (ubicada en el centro de Londres), conserva el mismo interior que hace doscientos años. Poco a poco, el norteamericano se confesará ante Roger, revelándose sus creencias (avaladas por planteamientos científicos) de la posibilidad del viaje en el tiempo, logrando con ello trasladarse al contexto de sus antepasados en el siglo XVIII.

Será éste, sin lugar a duda, el fragmento más valioso de la película, en unos minutos ejemplarmente modulados en la realización, la utilización de una escenografía que podría plasmar cualquier film noir de la Fox, la dirección de los actores (especialmente en el temor creciente que irá expresando el estupendo Michael Rennie) y la ubicación de los dos intérpretes en el escenario, contando finalmente con el apoyo oportuno de la tormenta que irá incorporándose y punteando el desarrollo dramático y progresivamente inquietante del episodio. Una sensación de miedo ante lo desconocido, también de deseo de traspasar la frontera de lo numinoso, se encuentra expresada con fuerza en ese preámbulo rodado en el preciso blanco y negro del estudio, que dará paso al traslado del protagonista a ese pasado que ha intuido podía llegar a experimentar.

De una manera bastante creíble la acción se remitirá al mismo Londres de dos siglos atrás, convirtiéndose el protagonista en su antepasado, que se ha trasladado a la capital británica desde su origen en Nueva Inglaterra, para comprometerse en matrimonio con su prima Kate Pettigrew (Beatrice Campbell). En ese encuentro muy pronto emergerán los anacronismos en actitudes y comportamientos que Standish no siempre podrá controlar, y que muy pronto le granjearán en la estirada comunidad una fama de excéntrico, aumentando estos recelos hasta ver en él una vertiente diabólica. Será una incómoda situación en la que nuestro protagonista solo encontrará un asidero emocional, a partir de la pasión que desde el primer momento se manifestará con la joven hermana de su inicial prometida, Helen (Ann Blyth). En este largo fragmento destacará por un lado la formulación cromática de sus secuencias (en un espléndido color de raíces pictóricas, igualmente obra de Georges Périnal), que mostrará un especial cuidado en una ambientación que acentuará los contrastes entre las clases más opulentas, con la generalidad llena de miseria del Londres de la época (la secuencia en la que Power, impecablemente vestido, recorre ese contexto lleno de suciedad y casi esclavitud, es reveladora de esas intenciones).

En cualquier caso, y pese a las buenas intenciones existentes, el film queda limitado un poco a sí mismo, quizá debido al excesivo servilismo del sesgo teatral de su origen (obra de John L. Balderston, el autor de la versión teatral de Drácula que sirvió como base al film de Tod Browning) e, indudablemente, a la falta de arrojo que adquiere finalmente la función a la hora de integrarse en los senderos de ese relato de amor fou que la película pedía casi a gritos. Contemplando las imágenes siempre eficaces, e incluso puntualmente inspiradas del film de Baker, uno no puede dejar de recordar referentes más logrados como el que podía suponer “La muerte en vacaciones” (“Death Takes a Holiday”, 1934. Mitchell Leisen), “El retrato de Dorian Gray” (“The Picture of Dorian Gray”, 1945. Albert Lewin) o la admirable y aún casi desconocida “Viviendo el pasado” (“The Lost Moment”, 1947. Martin Gabel). Títulos todos ellos que lograban combinar su atractivo fantastique, un alcance romántico y feérico, e incluyendo en ellas la violentación a un contexto social dominado por las discriminaciones e injusticias. En esta ocasión, preciso es reconocerlo, no se alcanzan los objetivos que sí mostraban (en diversas de estas vertientes) los títulos antes citados. Sin embargo, no por ello podemos hablar de un conjunto desprovisto de atractivos. Hay en los giros y en el desequilibrio del film de Baker suficiente interés en sí mismo como para no reconocer los valores de un título atractivo, que merece su pequeño lugar (todavía no reconocido; es un título absolutamente ignorado) dentro de la historia del cine fantástico norteamericano en la primera mitad de los cincuenta.

No fue, por otra parte, la primera ocasión en la que el norteamericano (y todavía no justamente valorado) Tyrone Power se incorporara a títulos de cierta ascendencia con dicho género. Lo hizo siempre en el contexto de la 20th Century Fox, a la que se mantuvo fiel, en títulos como el igualmente atractivo “The Luck of the Irish” (1948, Henry Koster), inclinándose a roles de cierto alcance inquietante, a partir de su éxito en la excelente “El filo de la navaja” (“The Razor’s Edge”, 1946) y la inmediatamente posterior “El callejón de las almas perdidas” (“Nightmare Alley”, 1947), ambas firmadas por Edmund Goulding.

The House in the Square finalizará con una situación quizá dominada por el artificio (el retorno de Standish al tiempo presente le permitirá encontrarse en la hermana de Roger, a una joven con el mismo aspecto y sensibilidad que la Helen que ha tenido forzosamente que abandonar), aunque coronada por una bellísima visita nocturna a la tumba en donde yacen los restos de esa mujer a la que conoció y amó en su fugaz viaje a dos siglos atrás. Una muestra más de la efectividad de unos códigos de probada eficacia en el contexto del cine norteamericano y que, si más no, el británico Roy Ward Baker (entonces firmando aún sin el “Ward”) supo manejar con eficacia y profesionalidad.

Autor: Juan Carlos Vizcaíno


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domingo, 14 de marzo de 2010

Luna Cero Dos (1969) ("Moon Zero Two")






sinopsis:

William Kemp fue el primer hombre en pisar Marte; pero para el 2012 sus días de exploración han terminado, y ahora se encuentra trabajando free lance con su propio ferry espacial en la Luna. Kemp recibe una propuesta de trabajo por parte del millonario J.J. Hubbard, para abordar un asteroide e impulsarlo - mediante motores - hasta que se estrelle contra el lado oscuro de la Luna. Es una operación claramente ilegal - y Hubbard planea explotar las 6.000 toneladas de zafiro que componen el asteroide -, pero Kemp decide aceptar ya que se encuentra acosado por los reglamentos lunares que están a punto de decomisar su nave Luna Cero Dos. Pero en el camino de Kemp se cruza Clem Taplin, una muchacha que ha venido desde la Tierra a buscar a su hermano ... y no pasará mucho tiempo antes de descubrir que la desaparición del mismo se encuentra íntimamente ligada al acto de piratería que pretende montar Hubbard con el asteroide.



Ficha Técnica

Director: Roy Ward Baker / Productor: Michael Carreras, para Hammer Studios / Guión: Michael Carreras, sobre una historia de Martin Davison / Fotografía: Paul Beeson / Música: Don Ellis / Efectos Especiales: Les Bowie / Montaje: Spencer Reeve / Intérpretes: James Olson (Capitán William H. Kemp), Catherine Schell (Clementine Taplin), Warren Mitchell (J.J. Hubbard), Adrienne Corri (Elizabeth Murphy), Ori Levy (Korminski), Dudley Foster (Whitsun), Bernard Bresslaw (Harry), Joby Blanshard (Smith),... / Nacionalidad y año: Reino Unido 1969 / Duración y datos técnicos: 100 min. Color 1.85:1.


Comentario

La Hammer siempre será recordada como un estudio británico dedicado al terror gótico. Pero ocasionalmente asomaba su cabeza en otros géneros, y ésta es una de las escasísimas oportunidades en que incursionaría en la ciencia ficción. Sus experiencias anteriores serían la trilogía del profesor Quatermass y el subproducto “X: The Unknown” (un clon no oficial de Quatermass), que datarían de los años 50. Aquí el estudio se tira de cabeza a intentar explotar la euforia de la época por el reciente alunizaje de la misión norteamericana en Julio de 1969.
“Luna Cero Dos” es un ignorado pequeño clásico del género. Llega en un momento en que la sci fi estaba dividida entre lo intelectual y pretensioso (“2001, Odisea del Espacio”), y la temática “exploitation” con ribetes bizarros de la serie B (todos los filmes de monstruos e invasiones alienígenas que pulularon las carteleras de aquel tiempo). En cambio “Moon Zero Two” se planta en el medio con el simple propósito de entretener, creando un universo creíble y con leyes bastante reales, y sin mayor objetivo que el placer de la aventura. Hay detalles que han quedado anticuados (la música, toda la colorida moda pop que recrea el mundo futuro), pero la mecánica de la historia es notablemente moderna. Uno podría generar un remake con cambios mínimos del guión, y obtendría un blockbuster instantáneo.
El tema es que el film traza un rumbo que en su momento era novedoso; y el estudio no supo muy bien cómo venderlo, razón por la cual la taquilla que obtuvo fue bastante pobre. Ciertamente “Luna Cero Dos” depreda las bases del western para trasladarlas al espacio (los exploradores en tierra inhóspita; el mercenario de buen corazón, la chica en apuros, el despiadado villano con sus secuaces, la pelea por una mina supuestamente estéril que esconde el secreto de una fortuna), pero esos mecanismos funcionan muy bien en la película (con la excepción de un par de escenas obvias, como la gran pelea en la cantina). Es por ello que el film es una de las primeras muestras de la corriente que considera que el western y la sci fi son géneros intercambiables (“Atmósfera Cero”, “Batalla Más Allá de las Estrellas”, “Serenity”, “Robocop”). Los clichés del oeste se pueden adaptar perfectamente al espacio con cambios mínimos. En sí no es una idea tan descabellada ni tampoco tan inusual: prácticamente la mayoría de películas de John Carpenter adoptan esa misma postura en el género fantástico (“Escape de Nueva York”, “They Live”). Pero cuando la Hammer quiso venderlo como "el primer western espacial", nadie entendió la idea; y ciertamente tampoco es un slogan brillante que sirva para atraer a la audiencia para que vea la película.
Pero apartando el tema del molde del western, es una película que funciona realmente bien como ciencia ficción creíble. No es un mundo acartonado sino que es diverso y se siente realmente vivo (es un efecto similar al que logró George Lucas con su “Star Wars”, donde los aliens maldecían, se peleaban, vivían en pueblos polvorientos). Los personajes tienen diálogos interesantes y, especialmente, vuelcan una enorme cantidad de datos sobre las particularidades de vivir en la Luna, lo que enriquece el relato. Hay algunos detalles menores (James Olson no es el actor más carismático para llevar el papel adelante, simplemente está bien; el villano de Warren Mitchell empieza de manera desastrosa con una catarata de clichés y sobreactuaciones, pero después se ajusta hasta resultar potable; la presentación animada no tiene tanta gracia y hace anticipar una comedia que el filme no es), pero no terminan por desmerecer el producto. Sin dudas Moon Zero Two es una aventura light pero sólida y muy entretenida, y merece una mayor reconocimiento.
Unas cuantas ideas de “Luna Cero Dos” serían recicladas para la mediocre “Las Aventuras de Pluto Nash”, de Eddie Murphy.





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jueves, 18 de febrero de 2010

El Abominable Hombre de las Nieves (1957) ("The Abominable Snowman")






sinopsis

En una remota región del Himalaya, el doctor en botánica John Rollason decide formar parte en una expedición de extrema peligrosidad en busca del legendario Yeti. Después de establecer el campo base, el grupo es atacado por una gran bestia que resulta abatida.
Poco a poco, la tensión se apodera del grueso de la expedición hasta que algunos empiezan a perder el control. Ante una creciente sensación de terror, el Dr. Rollason sospecha que la raza del monstruo gigante, no sólo existe, sino que es capaz de adentrarse en los pensamientos de la raza humana.




Ficha Técnica

Director: Val Guest / Productor: Aubrey Baring para Hammer Films [y Buzz Productions, sin acreditar] / Productor ejecutivo: Michael Carreras / Productor asociado: Anthony Nelson-Keys / Guión: Nigel Kneale, [y Val Guest, sin acreditar] según su serial televisivo propio "The Creature" / Fotografía: Arthur Grant / Música: Humphrey Searle, supervisada por John Hollingsworth / Efectos especiales de maquillaje: Phil Leakey / Montaje: Bill Lenny / Intérpretes: Forrest Tucker (Tom Friend), Peter Cushing (Dr. John Rollason), Maureen Connell (Helen Rollason), Richard Wattis (Peter Fox), Robert Brown (Ed Shelley), Michael Brill (McNee), Wolfe Morris (Kusang), Arnold Marle (Gran Lama), Anthony Chin (mayordomo), Fred Johnson, John Rae… / Nacionalidad y año: Reino Unido 1957 / Duración y datos técnicos: 87 min. B/N 2.35:1. (Doblada al Español)



Comentario

'En un par de años (1957-58) la Hammer gozó de una bonanza crítico-taquillera encomiable (“Quatermass II”, “The Curse of Frankenstein”, “Drácula”, “The Hound of Baskervilles”, “The Revenge of Frankenstein”), casi siempre por obra y gracia de Terence Fisher y sus actores fetiches. Sin embargo este “The Abominable Showman” no pasó nunca de ser uno más de esos clásicos menores y nunca bien ponderados de la productora británica. En cierta medida, fue el intento de apuntarse un tanto fácil (al igual que hicieran con “X the Unknown” en 1957), encargándole el proyecto a uno de sus directores de reserva, Val Guest, quien no había desaprovechado la oportunidad que le brindaron con “El Experimento del Dr. Quatermass“ (1955). Se contó con un guionista eficiente, Nigel Kneale (también creador del personaje de Quatermass), que adaptaba su obra televisiva “The Creature”, el carisma de Peter Cushing, la presencia del siempre eficaz Forrest Tucker y la inspiración de dos filmes anteriores sobre el Yeti, “The Snow Creature” (1954) y “Man Beast” (1956), ninguno de la Hammer pero que no habían funcionado mal. El resultado es una obra menor de ciencia-ficción donde los efectos especiales brillan por su ausencia, algo que es suplido sin problemas por una historia eficaz llena de intriga que cautiva al espectador. Todo ello acompañado de una atmósfera inquietante brillantemente realzada por una buena fotografía en blanco y negro y el sonido del viento, que se suma para conseguir esa atmósfera opresiva. De nuevo los ingleses suplen la falta de medios con inteligencia, originalidad y calidad, alejándose del modelo de cine de ciencia-ficción estadounidense. “Plan 9” viaja al Himalaya.




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lunes, 31 de agosto de 2009

Estos Son Los Condenados (1963) (V.O.S.E.) ("These Are The Damned")





sinopsis

Un grupo variopinto de gente, en concreto un turista americano, una banda de macarras que lo acosan, una muchacha, hermana del líder de la banda, y que inicia un escarceo con el primero, y una escultora bohemia, descubren que bajo los riscos de un acantilado vive encerrado un grupo de niños con los cuales el ejército inglés realiza un experimento de supervivencia tras una hecatombe atómica.




Ficha Técnica

Director: Joseph Losey / Productor: Anthony Hinds para Hammer Film Prod., Columbia Pictures Co. / Productor ejecutivo: Michael Carreras / Productor asociado: Anthony Nelson Keys / Guión: Ben Barzman, Evan Jones, según la novela The Children of the Light de H. L. Lawrence / Fotografía: Arthur Grant / Música: James Bernard / Montaje: Reginald Mills / Intérpretes: Macdonald Carey (Simon Wells), Shirley Anne Field (Joan), Viveca Lindfors (Freya Neilson), Oliver Reed (King), Alexander Knox (Bernard), Brian Oulton (Mr. Dingle), James Villiers (capitán Gregory), Rachel Clay, Tom Kempinski, Kenneth Cope, Walter Gotell, Barbara Everest, Allan McClelland, James Maxwell, Caroline Sheldon, Nicholas Clay... / Nacionalidad y año: Reino Unido 1963 / Duración y datos técnicos: 96/84/77 min. B/N 2.35:1.(V.O.S.E.)




Comentario

Año 1961. Nos hallamos en el cénit de la primera oleada de ciencia ficción de postguerra. Elaborado como un manifiesto de condena del abuso de poder atómico, el filme pretende reflejar la batalla en el mundo por el poder político, y el miedo a la amenaza nuclear.
Evan Jones mezcla y dosifica muy inteligentemente estos elementos en el guión, escrito a partir de la novela “Chi!dren of Light”. Viveca Lindfors es una escultora de pájaros que piensa que su novio, un jefe del Gobierno interpretado por Knox, tiene una amante. Mientras investiga, conoce casualmente a Macdonald Carey, y juntos descubren un proyecto secreto del gobierno, en el que se utilizan niños para intentar hallar una fórmula de inmunidad a las radiaciones atómicas.
El final llega con la elipse de un pájaro convertido en helicóptero, testigo del dramático desenlace. Cielo y mar son omnipresentes en la cinta, brillantemente fotografiada por Grant, en la que Losey consigue ese efecto de falsa ilusión, de realidad disturbada, de riqueza de imágenes, que hace engrandecer la película por encima de los intentos moralizantes de la misma. "Plan 9" va a Inglaterra.





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martes, 27 de enero de 2009

X, Lo Desconocido (1956) ("X, The Unknown")





sinopsis

En una zona rural, se descubre una fuente de radiación potentísima, y el ejército junto con varios científicos acordonan la zona para investigar las causas de la radiación. Sin embargo, mientras están investigando, algo emerge del subsuelo y empieza a arrasar todo lo que encuentra a su paso, especialmente la energía eléctrica y radioactiva. El equipo de científicos debe ir contrarreloj para detener ese extraño y deforme fenómeno nunca antes visto por el hombre.





Ficha Técnica

(Título Original: "X: The Unknown") / Director: Leslie Norman/ productor: Bill Pope, para la Hammer Studios/ Guión: Jimmy Sangster/ Fotografía: Gerald Gibbs/ Música: James Bernard/ Intérpretes: Dean Jagger (Dr. Adam Royston), Edward Chapman (John Elliott), Leo McKern (Inspector McGil), Anthony Newley (Capitán 'Spider' Webb), Jameson Clark (Jack Harding), William Lucas (Peter Elliott), Peter Hammond (Teniente Bannerman), Marianne Brauns (Zena, la enfermera) / Nacionalidad y Año: Reino Unido, 1956 / Duración y Datos Técnicos: 80' b/n. 





Comentario

Los primeros años 1950 fueron un momento en que el mundo estaba viviendo en una atmósfera de miedo y paranoia. La Guerra Fría mantenía una constante amenaza de ataque nuclear, el McCarthismo hacía estragos en América, la guerra de Corea y el aumento de la tensión entre oriente y occidente y la carrera armamentística en constante evolución suponían una clara amenaza hacia el género humano. La bomba atómica había traído una nueva dimensión con el nivel de destrucción posible en los conflictos y la escalada de dispositivos nucleares en ambos lados del telón de acero creaba un caldo de cultivo para el temor a la aniquilación global. Los efectos de las radiaciones eran terribles, y la propaganda ante la posibilidad de un ataque nuclear y la atención a un enemigo visible y real mantenía alta la tensión. 


Como resultado de esta amenaza atómica, la industria del cine llegó con docenas de películas que mostraban los efectos de la era atómica sobre la civilización. La mayoría de estos fueron filmes de ciencia ficción o películas de terror que representan las mutaciones y monstruos ante la exposición a la radiación. La más famosa de 1956 es Godzilla. Todas ellas con un claro mensaje anti-atómico y que aumentaban aún más el temor a todo lo relacionado con la era nuclear.




El guión del debutante Jimmy Sangster, - que más tarde haría para la Hammer varios clásicos como “Drácula2 (1958), “la Momia” (1959) y “Drácula: príncipe de la oscuridad” (1966) - nos ofrece sólo una premisa: una fuerza desconocida que se alimenta de la radiación. La película comienza cuando soldados británicos están realizando ejercicios de entrenamiento utilizando contadores Geiger para localizar muestras radiactivas en caso de ataque nuclear. De repente se abre una fisura en la tierra y dos soldados son expuestos a la radiación, uno fatalmente. El ejército llama al científico nuclear Dr. Adam Royston (Dean Jagger). Royston está llevando a cabo experimentos con las ondas de radio como medio para neutralizar la radiación. Cuando más víctimas de esta fuerza desconocida aparecen, el inspector de policía McGill (Leo McKern) es llevado a investigar, y emplea a Royston para que le ayude. Royston finalmente viene con una explicación de las apariciones, y el gracias a su investigación se crea un método de lucha contra la amenaza. 

Hay varias interesantes observaciones que hacer sobre esta película. La primera es la imagen de un ejército claramente ineficaz - hay una escena en la que los militares atacan el origen del problema con lanzallamas y explosivos, y lo hacen en vano. Vemos también un comentario social por parte del padre de una víctima acusando a la comunidad científica de la causa del problema, un ataque a la creación de la bomba atómica. Sin embargo, al final del día, los científicos son los que salvan la situación. También es interesante el hecho de que el monstruo en la película, a pesar de los efectos devastadores que causa a los que entran en contacto con él, realmente no tiene malas intenciones hacia los seres humanos. Son los productos derivados de la existencia del hombre lo que supone de verdad una amenaza (otro no muy sutil comentario sobre la investigación y el desarrollo atómico de la época). 

“X Lo desconocido” tiene una gran semejanza con los filmes de la saga Quatermass. En ambos casos, un actor americano tiene el papel principal en un esfuerzo para aumentar el interés público en los USA. Pero ambos actores, Brian Donlevy como Quatermass películas y Dean Jagger en “X El desconocido”, no eran demasiado populares. También en ambos filmes un profesor es el que lleva las riendas de toda la trama desde el principio al final. En el primer caso, Quatermass, un brusco científico autoritario, desconsiderado, y tenaz. Jagger en esta película interpreta al Dr. Royston: cojo, compasivo, con su tonto gorrito de lana y que es constantemente ridiculizado por el director de la instalación de investigación científica donde trabaja. Quatermass, especializado en… Nunca me quedó claro cual era su especialidad. Y Royston, como ya dijimos, estudia las ondas de radio como medio de contrarrestar la radiación. 


Desde una perspectiva de los efectos especiales, son bastante buenos para la época. Las quemaduras, explosiones e incluso la misma bestia son plasmados de forma correcta. También “X El desconocido" está lleno de secuencias eficazmente inquietantes, pero la mejor es cuando los soldados y Royston bajan en una plataforma para buscar trazas de radiactividad. (Es como la bajada al sótano de las películas de horror.) 

Un dato curioso: la película la comenzó Joseph Losey que tuvo que abandonarla, eso decía la nota de prensa, por motivos de salud.

En definitivas cuentas, un film más que interesante para los fans del cine de ciencia-ficción de los 50. Si te gustó la saga Quatermass no puedes perderte este “X The Unknown”. 



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