lunes, 26 de septiembre de 2011

Let's Scare Jessica To Death (USA 1971) V.O.S.E.




sinopsis:
Jessica es una mujer que, tras la muerte de su padre, ha sufrido una crisis mental tan grave como para tener que ser ingresada en un sanatorio psiquiátrico. Una vez recuperada y con sus miedos superados, decide, junto a su marido Duncan, abandonar Nueva York e iniciar una nueva vida en una granja de Nueva Inglaterra. Acompañados por su amigo Woody, se establecen en su nuevo hogar, un viejo caserón de madera construido en el siglo XIX, al que la gente de los alrededores conoce como Casa Bishop. Al llegar se encuentran con una joven “okupa”, una pelirroja llamada Emily, que se había establecido en el lugar pensando que la granja no tenía dueño y con la que congenian hasta el punto de permitir que siga vivienda con ellos, al menos durante un tiempo.
Los problemas empiezan cuando Jessica se da cuenta de que no está tan recuperada como creía. O, al menos, eso es lo que parece…


Ficha Técnica
Director: John D. Hancock / Productora: Paramount Pictures / Guión: John D. Hancock y Lee Calcheim / Fotografía:Robert M Baldwin / Música: Orville Stoeber / Montaje: Murray Solomon / Intérpretes: Zohra Lambert, Barton Heyman, Kevin O’Connor, Mariclare Costello, Alan Manson, Gretchen Corbett / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1971 / Duración y datos técnicos: 90 min. Color. DVDRip. Versión original en inglés con subtítulos en castellano.



Comentario
Todos habréis oído hablar del Gótico como género literario y cinematográfico (sí, ya sé que, además de eso, y sobre todo, es un estilo artístico desarrollado durante la Baja Edad Media y principios de la Moderna, ejem. Pero yo creo que nos entendemos, mes amis). Al respecto hay diferentes opiniones y (sobre todo últimamente) cada vez más indigencia y laxitud en la caracterización. Yo mismo, sin ir más lejos, he visto cómo se catalogaban de “góticas” cosas que no tenían nada que ver con el adjetivo. Desde las novelas de Stephen King hasta las sagas vampíricas de moda destinadas al público adolescente. Quien así hace está confundiendo el todo con la parte. Si bien es cierto (a grandes rasgos) que lo Gótico pertenece al género terrorífico, no todo lo terrorífico es gótico. No son términos sinónimos. Ni mucho menos.
No es cuestión de entrar ahora en definiciones, sobre todo porque aquí cada uno tiene su opinión, y la mía es igual de discutible que cualquier otra, pero conviene aclarar las cosas. Algún día habrá que abordar el tema y debatirlo en condiciones (civilizadamente, quiero decir, jejeje) pero vayan por delante unos ejemplos para dar una idea de lo que (yo creo) es el Gótico y deslindarlo de lo que no lo es.
El Drácula de Bram Stoker (la novela) no es gótico (mal que les pese a los que lo repiten, incansablemente, una y otra vez). El Drácula de Terence Fisher (la peli de la Hammer de 1958) sí es Gótico.
Melmoth El Errabundo, la novela de Maturin de 1840, es Gótico (quintaesencial, además). El Conde Magnus, de M.R. James no es gótico (a pesar de ser uno de los mejores relatos de terror de todos los tiempos).
La Maschera Del Demonio (la película de Mario Bava de 1960) es Gótico (pluscuamperfecto). El Viy (la cinta soviética de 1967), que se inspira en el mismo relato y con mayor fidelidad, no es gótico. Como no lo es el cuento original de Gogol al que las dos toman como base.
En literatura son góticos autores como el mencionado Maturin, Walpole, M.R. Lewis, Mary Shelley (aunque yo, su Frankenstein, no lo veo gótico... Cosas mías), Anne Radcliffe, etc. Parte de la producción de Poe podría considerarse gótica también (aunque otra, la mayor y más famosa, no tiene absolutamente nada que ver). Y lo mismo ocurre con gente como Hoffman, Dumas y otros.
Pero los autores de la segunda mitad del siglo XIX como Dickens, Le Fanu, Benson, Maupassant, M.R. James etc, no son góticos (con independencia de que, a veces, contengan elementos que si podrían guardar relación con el goticismo. Sobre todo Le Fanu). Y ya no digamos lo alejada que está de ese estilo gente como Ambrose Bierce, Arthur Machen, Algernoon Blackwood, Robert E Chambers... Por no hablar de Lovecraft (al que en algún sitio he visto citar, ya en el colmo del disparate, como gran gurú del género gótico. Lo dicho... Hay quien confunde el culo con las témporas).
Pues establecido esto (y os aseguro que sobre el tema escribiría un tocho insoportable. Soy un pelma) quiero hablar de un término que, aunque parezca guardar relación con lo anteriormente expuesto, en realidad no tiene nada que ver. Se trata de lo que se ha venido denominando AMERICAN GOTHIC.
La idea es, en sí misma, una contradicción. Estados Unidos no es un país con tradición gótica (ni literaria, ni arquitectónica, of course). América es un continente joven al que la civilización occidental llegó en pleno Renacimiento. Incluso cuando el género literario (la novela de terror) nació y tuvo su auge, entre finales del siglo XVIII y principios del XIX, los yanquis se mantuvieron algo apartados (con matices… Wieland O La Transformación es una obra seminal, pionera del género terrorífico en muchísimos aspectos). Poe, ya digo, tiene su puntico gotizante en algunos relatos, pero no puede considerarse un autor gótico. Lo mismo (pero corregido y aumentado) le pasa a Hawthorne. Washington Irving es el que, en cierto modo, más se acerca al modelo europeo... pero tampoco es un prototipo.
Curiosamente, en el cine suele achacarse a los norteamericanos la fijación del canon gótico con las producciones de la Universal, aunque yo albergo ciertas dudas... No tengo claro que el Dracula de Lugosi fuese una peli gótica strictu-sensu (aunque sí los Frankensteins de Whale), ni, desde luego, los diferentes hombres-lobo de los 40’s. La RKO sólo tocó el subgénero (desde mi discutible e indigente punto de vista) en Bedlam. Y poco más.
Las películas del ciclo Poe-Corman-Price (y algunas otras, desde The Undead hasta Twice Told Tales, por nombrar apenas dos) son finísimos ejemplos de Gótico cinematográfico, eso sí. Pero ojo: que sean películas góticas americanas no quiere decir que pertenezcan al American Gothic; en absoluto. De hecho no tienen nada que ver con él. Sí, ya sé que la cosa suena confusa, pero os lo puedo explicar. El American Gothic y el Gótico (literario, cinematográfico) son, más allá de la homofonía, dos cosas completamente diferentes, sin apenas punto de contacto (más allá de tratarse de subgéneros del terror)
En realidad el término American Gothic proviene de un cuadro pintado en 1932 por Grant Wood que todos conoceréis (incluso los que penséis que no) porque, de alguna forma, es algo así como un icono del siglo XX. Ya sabéis... Ése en el que aparece una pareja de granjeros mirando hieráticos al frente, plantados delante de su granja de madera (en la que se advierte, en el piso superior, una ventana de estilo neogótico victoriano... Quizás de ahí el título que Wood le dio a su obra. No sé.). Un cuadro a la vez costumbrista e inquietante. Naif y complejo al mismo tiempo.
¿En qué consiste en realidad el American Gothic cinematográfico? No lo tengo claro del todo. Hay quien usa el término simplemente como una acotación cronológica, designando con él a las películas norteamericanas de terror realizadas entre 1968 y 1980. Yo, humildemente, me apunto a otra acepción (no soy original, que conste...). Para mí el American Gothic sería un subgénero con ciertos elementos comunes más o menos claros. Películas yanquis realizadas, sí, entre finales de los 60’s y finales de los 70’s, ambientadas siempre en el medio rural, preferentemente en ese medio-Oeste arquetípico que en cierta imaginería es el corazón espiritual de los Estados Unidos. Un medio-Oeste conservador y religioso, de comunidades pequeñas y cerradas, granjas apacibles, tartas de arándanos puestas a enfriar en la ventana y atardeceres dorado de verano. Pero que, tras esa imagen de postal costumbrista, esconde secretos inconfesables y horribles. Una especie de contrafigura siniestra de los cuadros de Edward Hopper. Como si la depresión de los años 30 no hubiese terminado nunca y se hubiera enquistado en el alma de la gente creando algo negro y terrible. Como si detrás de ese escenario de granjas de madera, campos interminables de maíz o de trigo y vías de ferrocarril hubiese algo espantoso, sucio, inconcebible. Como si esos graneros pintados de rojo con entramado blanco que tan reconocibles nos resultan escondiesen monstruos informes, asesinos degenerados y salas de tortura chorreantes de sangre.
Por otra parte, he de decir que yo acepto la expresión American Gothic como término para definir ese subgénero. Que me gusta incluso, pero siempre reconociendo que no tiene absolutamente nada que ver con el gótico literario ni cinematográfico del que antes he hablado. Lo de American Gothic no deja de ser una convención, una especie de licencia poética, un nombre elegido para etiquetar un tipo de cine que no guarda ninguna relación con lo que siempre se ha entendido por gótico pero que resulta evocador y hasta epatante. No obstante, precisamente porque al manejarlo sabemos de qué estamos hablando y somos conscientes de la distancia y las diferencias (de la absoluta alienidad, más bien) me parece un término válido e incluso sugestivo.
Bueh... pues una vez largado semejante tocho, toca decir que Let’s Scare Jessica To Death, la peli que ahora os presento, es una de las obras seminales (casi casi inaugurales) de ese subgénero, ese American Gothic que os acabo de presentar.
Realizada en 1971 por John Hancock (un director que volvió a tocar el tema fantástico en algunas producciones para TV pero que ni fue demasiado prolífico ni ha vuelto ha firmar nada de especial relevancia) y protagonizada por actores que también desarrollaron casi toda su carrera en el medio televisivo, la película ha ido adquiriendo un status de culto casi desde el principio (por cierto, que en España o algún país latinoamericano se estrenó como La Maldición De Los Bishop. Pero nunca he visto un audio en castellano por ningún lado).
Ni la historia es excesivamente original, ni el lenguaje utilizado resulta revolucionario, ni, en su momento, supuso ningún punto de ruptura con nada. Pero, no obstante, Let’s Scare Jessica To Death es, con todos los honores, uno de los momentos culminantes (e inaugurales) del American Gothic. Con una vocación perfectamente clásica, con escaso presupuesto (como pasa casi siempre) y con una sobriedad y contención narrativa admirables, la peli es absolutamente eficaz. Inquietante, elusiva, desazonadora (Sí... Ya sé que siempre empleo los mismos adjetivos... Pero es que son los que van a este tipo de películas, mes amis), no necesita truculencias ni golpes de efecto para conseguir su objetivo: meternos miedo.
Aquí no hay sótanos oscuros, ni pasillos interminables, ni casas siniestras, ni paisajes desolados, ni demás lugares comunes. Los cementerios que aparecen al principio de la película no tienen ningún carácter ominoso (se nos muestran a plena luz del día... Son casi parques por los que pasear). La vieja granja de los Bishop es simplemente eso: una vieja granja de madera en medio de un paisaje singularmente hermoso, junto a un río y un lago, rodeada de bosques. La comunidad donde Jessica y su marido se establecen parece, a primera vista, un pueblecito apacible y acogedor en el que nunca pasa nada.
Pero esto es American Gothic, mes amis. Todos esos elementos son parte integrante y necesaria del subgénero. Y ahí entra en juego lo que antes os he explicado. Detrás de toda esa apariencia reconocible y tranquilizadora se esconde algo oscuro y jodido; algo horrible y amenazador. Nuestro viejo conocido El Mal (así, con mayúsculas, para que dé más miedo). En este caso se trata de un elemento claramente sobrenatural, una mezcla de fantasma clásico y vampiro... Aunque en otros ejemplos (otras películas) el Mal puede encarnarse en horrores perfectamente humanos. Lo importante es que esté ahí, oculto, escondido tras el paisaje, esperando su oportunidad para entrar en acción.
Y así ocurre en Let’s Scare Jessica To Death. Poco a poco, de forma casi imperceptible, todo lo que en un principio era normal y apacible va quitándose la máscara y ofreciendo un rostro siniestro, maligno. La granja se llena de sombras y viejos fantasmas. El paisaje deja de ser apacible y bucólico y pasa a ser amenazante. El pequeño villorrio se convierte en un sitio hostil y peligroso. Incluso el lago y los bosques, a plena luz del día, parecen esconder horrores inimaginables.
Y Emily, claro, deja de ser esa jipi simpática y pelirroja que canta canciones de amor y siempre está sonriendo para parecerse, cada vez más, a la chica de un viejo retrato decimonónico en tonos sepia...
Aunque, y eso es uno de los puntos característicos de esta película, en el fondo nunca sabremos si todo lo que ha ocurrido (lo que está pasando delante de nuestros ojos) es real o una pesadilla de la mente trastornada de Jessica. Porque, no lo olvidemos, la pobre moza acaba de salir de una crisis psiquiátrica muy grave en la que incluso ha llegado a estar internada en un centro especial...
El ripeo procede de un DVD americano. Los subs los he traducido yo mismo porque, aunque circulaban por Internet algunas traducciones, no terminaban de gustarme del todo (manías de viejo). En realidad ésa ha sido la principal razón para colgarla.
Como siempre he cortado la peli en varios archivos con el File Splitter & Joiner. Los subs van aparte.
Y nada más, mes amis. Que voacés disfruten de la peli.



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The Asphyx (UK 1972) V.O.S.E.




Sinopsis:
Sir Hugo Cunningham es un científico prestigioso que vive en la Inglaterra victoriana. Viudo, padre de dos hijos y tutor de un joven adoptado, está a punto de casarse de nuevo. Aparte de eso, está llevando a cabo una curiosa investigación que puede tener trascendentales consecuencias.Mediante un sistema de su invención (que él denomina “imágenes en movimiento”) y que combina la fotografía y una especie de antecedente del cinematógrafo, ha registrado un extraño fenómeno: Al filmar o fotografiar a personas agonizantes, justo en el momento antes de morir, las placas reveladas muestran, junto a los enfermos, la presencia de una entidad etérea, indefinida, que él identifica con el Asphyx, el espíritu de la muerte.
Su vida, que hasta ese momento era dichosa y ordenada, sufre un giro trágico. Y la obsesión por controlar y dominar al Asphyx se hace enfermiza…


Ficha Técnica
Director: Peter Newbrool / Productora: Glendale Films. / Guión: Christina Beers, Lawrence Beers y Brian Comport / Fotografía: Freddie Young / Música: Bill McGuffie / Montaje: Maxine Julius / Intérpretes: Robert Stephens, Robert Powell, Jane Lapotaire, Alex Scott, Ralph Arliss, Fiona Walker, Terry Scully, John Lawrence, David Grey, Tony Caunter / Nacionalidad y año: Reino Unido 1972/ Duración y datos técnicos: 100 min. Color. Versión original en inglés con subtítulos en castellano.


Comentario

Sitúense vuesas mercedes en 1972. El terror británico, que hasta la fecha había sido totalmente hegemónico, había empezado a ceder el testigo a una nueva forma de hacer que era la americana. Estados Unidos había reaccionado (ya a finales de los 60’s empezó a hacerlo, en realidad) y era cuestión de tiempo que recuperase su preeminencia. En Europa el Gótico italiano era sólo un recuerdo, el Giallo estaba en pleno apogeo (aunque llevaba dentro de sí la célula cancerosa que iba a terminar provocando su muerte... Desde mi discutible e indigente punto de vista el Giallo era un subgénero con menos recorrido vital y artístico –así, a priori- que sus predecesores y contemporáneos... Otra cosa es que, por unas razones u otras, alargara su ciclo más de lo que su propia naturaleza hubiese hecho pensar), el Fantaterror español dominaba la escena eurotrash (aunque no todo eran obras menores, que conste) y, lo que es más importante, se había producido un evidente recambio generacional en el público. Los jóvenes consumidores de cine de terror de principios de los 70’s eran diferentes de sus hermanos mayores. Demandaban otras cosas, otras explicitudes, otras truculencias, otros escenarios y argumentos.
El estreno, en 1973, de El Exorcista acabó definitivamente con la primacía británica (y, por extensión, con la europea). Al mismo tiempo que la moda satánico-exorcista se adueñaba de las pantallas, la avalancha de splatters, slashers y demás cintas con toque gore terminó de condicionar los 70’s y fue recibida como agua de mayo por esas nuevas generaciones de espectadores a las que antes he aludido, ávidas de realismo sanguinolento y de ambientaciones rigurosamente contemporáneas.
Bueh... pues rodada precisamente en ese año, The Asphyx es, curiosamente, un ejemplo pluscuamperfecto de Brit-Terror al viejo estilo. Tanto que podría estar fechada, tranquilamente, seis o siete años antes sin ningún problema (bueh... tal vez hubiesen llamado un poco la atención los peinados de los protagonistas. Nada más). En eso recuerda muchísimo a aquellos intentos de la Tyburn tan estimables y encantadores (The Night Of The Ghoul o The Legend Of The Werewolf) , destellos tardíos del viejo hacer a cargo de la Tigon (The Creeping Flesh) o a algunas de las últimas propuestas de la propia Hammer.
Todo en The Asphyx evoca la época dorada del Brit Terror. La ambientación (excelente, como no podía ser menos) en plena era victoriana, la inclusión de elementos sobrenaturales, la desbordante imaginación, el cuidado de la fotografía, la música, la total ausencia de tremendismos visuales (en toda la película no aparece una sola gota de sangre... Ni falta que hace...), la suavidad en las formas y los lenguajes, la absoluta elegancia que la caracteriza. La dirección e interpretación son excelentes (o a mí me lo parecen) y el guión impecable. Es, en definitiva, una pequeña joya del terror británico que no desmerece en absoluto la vieja tradición y que resiste cualquier comparación con sus (por así decir) hermanas mayores.
La historia es muy original y el tratamiento que recibe de una eficacia admirable. La película engancha desde el principio, sin detenerse en morosidades ni recurrir a golpes de efecto o a giros inesperados. Todo discurre suave y ligero, como debe ser, contando una historia a medio camino entre el terror y esa ciencia-ficción de ambientación victoriana que ahora se ha dado en llamar steam-punk, pero que entronca directamente con la fantasía de algunos de los relatos de Julio Verne o de otros autores de la época bastante menos conocidos.
Por cierto, que el tal “Asphyx” o Asfyx del título, al que se nos presenta como una especie de genio o numen de la mitología griega (a medio camino entre una personificación del alma, la representación medieval de la Muerte -aunque sin guadaña- y un psicopompo algo extravagante), es absolutamente desconocido para mí. Jamás había oído hablar de él. No soy una autoridad en la materia (ni en ésa ni en ninguna, la verdad…) pero me da a mí que los guionistas de la película inventaron esa figura de la nada, que no hay ninguna antigüedad griega detrás, vaya... En cualquier caso, tanto da. El bichejo cumple con creces su cometido y la historia, como ya he dicho, es enormemente entretenida y eficaz.
La película conoció edición en España, en DVD, hace un par de años. Tengo por costumbre no colgar nunca ripeos de cintas editadas aquí, pero en este caso creo que el posteo está totalmente justificado, ya que ésta es una versión diferente de la que se publicó en nuestro país. Se trata, efectivamente, de una edición británica muy cuidadosa (de Odeon, en dos DVD’s) en la que se incluía el montaje original británico y el que se hizo para su estreno en USA. El que ahora os traigo es el de la versión íntegra, con un metraje más largo (unos diez minutos más). Además, la calidad de imagen es también muy superior a la de la edición española. Por supuesto, va en inglés original. Los subs los he hecho yo mismo.
Y nada más, mes amis. Por esta vez voy a ser breve (es un decir, ejem). Insistir en que se trata de una película tremendamente disfrutable, una auténtica joyica de la vieja escuela, de ésas que te hacen añorar (al menos a mí) las antiguas formas de hacer cine de terror, la elegancia, el buen gusto, el maravilloso respeto por el público que, desgraciadamente, escasea cada vez más en el género.
Que voacés la disfruten tanto como lo he hecho yo.



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viernes, 17 de junio de 2011

Monster On The Campus (1958) (V.O.S.E.)






sinopsis
En la universidad de Dunsfield, el profesor Donald Blake recibe de Madagascar un espécimen de celacanto, un pez que se creía extinguido desde hacía más de 50 millones de años. Poco después, el terror se apodera del campus. Un perro dócil parece rabioso, aparece una libélula gigante y tiene lugar un crimen salvaje...



Ficha Técnica
Director: Jack Arnold / Productor: Joseph Gershenson / Guión: David Duncan / Fotografía: Russell Metty / Montaje: Ted J. Kent / Intérpretes: Arthur Franz (Prof. Donald Blake), Joanna Moore (Madeline Howard), Judson Pratt (Teniente Mike Stevens), Nancy Walters (Sylvia Lockwood), Troy Donahue (Jimmy Flanders), Phil Harvey (Sargento Powell), Helen Westcott (Enfermera Molly Riordan), Alexander Lockwood (Profesor Gilbert Howard), Whit Bissell (Dr. Oliver Cole), Ross Elliott (Sargento Eddie Daniels),... / Nacionalidad y año: USA 1958 / Duración y datos técnicos: 77 min. b/n 1.37 : 1(V.O.S.E.)


Comentario
“Monster on the Campus” es uno de los títulos más flojos de Jack Arnold, no obstante ser un maestro del género fantástico.
El profesor Donald Blake (Arthur Franz) experimenta con un pez de un millón de años de edad; algo sale mal y el científico sufre una metamorfosis regresiva tras la que deviene un horrible y violento simio cuya única ambición parece ser destruir el máximo número de cosas.
Film de argumento pobre y grisácea puesta en escena, “Monster on the Campus” no es más que una aportación más al subgénero “hombre-convertido en-monstruo”, tan en boga en la época.
Tras haber encandilado con la pieza maestra de ese subgénero: “El increíble hombre menguante” (1957), Arnold debería haberse cuidado de no engrosar la lista de malas películas sobre el tema. No lo hizo; y ahí queda este pequeño engendro.







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Queen Of Outer Space (1958) (V.O.S.E.)






sinopsis
Tres astronautas estadounidenses realizan, junto al profesor Konrad, una misión rutinaria cuando son atacados y desviados de su rumbo, estrellandose en el planeta Venus. Allí descubren que está habitado sólo por mujeres, que los toman prisioneros ya que la reina odia a todos los hombres y cree que son espías venidos para preparar una invasión.



Ficha Técnica
Director: Edward Bernds / Productor: Ben Schwalb / Guión: Charles Beaumont sobre una historia de Ben Hecht / Fotografía: William P. Whitley / Música: Marlin Skiles / Montaje: William Austin / Efectos especiales: Milt Rice, Jack Cosgrove(efectos visuales) / Intérpretes: Zsa Zsa Gabor (Talleah), Eric Fleming (Capt. Neal Patterson), Dave Willock (Teniente Mike Cruze), Laurie Mitchell (Reina Yllana), Lisa Davis (Motiya), Paul Birch (Profesor. Konrad), Patrick Waltz (Teniente Larry Turner), Barbara Darrow (Kaeel), Marilyn Buferd (Odeena),... / Nacionalidad y año: USA 1958 / Duración y datos técnicos: 80 min. color 2.35 : 1(V.O.S.E.)


Comentario
Como ya comentábamos en la reseña de “El planeta de las mujeres invasoras” (1966), en el cine, al igual que en la literatura, mitología,…, desde sus inicios ha existido un subgénero en el que aventureros, náufragos, astronautas,… Hombres en general, se encuentran con civilizaciones perdidas compuestas sólo por mujeres. Oportunidad para mostrar mujeres ligeritas de ropa y, en la mayoría de los casos, presentar un mensaje marcadamente machista ya que en casi todos los filmes se deja claro que la mujer sin el hombre no puede vivir.
Y este es un claro ejemplo de ello, ya que nuestros náufragos espaciales llegan a Venus (no podía ser otro, tenía que ser Venus) encontrándose con un planeta habitado sólo por mujeres ya que el hombre ha sido erradicado por ser sinónimo de dominación, violencia y belicismo. Aunque existe un grupo de subversivas que añoran la compañía masculina, y que ayudarán a nuestros protagonistas a derrocar el gobierno tiránico anti-hombres, para restablecer “el orden natural de las cosas”.
Así “Queen of outer space” podríamos considerarla como una fantasía sexual interestelar por dos razones: en primer lugar ya que el único planeta habitado del Sistema Solar, además de la tierra, está completamente lleno de preciosas mujeres en minifalda ansiosas (aunque sea en su fuero más interno) de hombres. Y, en segundo lugar, porque unos pocos astronautas muy machotes conseguirán cambiarlo todo y destruir su orden establecido, domándolas a fuerza de piropos y seducción.
La película es un pestiño desde el principio, con una historia absurda, a pesar de contar con unos escritores bastante competentes (el guionista Charles Beaumont escribiría los libretos para, entre otras “Night of the Eagle/Burn, Witch, Burn” (1961) y “The Masque of Red Death” (1964), además de varios episodios de “The Twilight Zone” (1959-63). La historia original correría a cargo del reputado guionista de Hollywood, autor de “Gunga Din” (1939), “Spellbound” (1945), “Notorious” (1946) y “Kiss of Death” (1947). Pero aquí se lucieron con este argumento tan demencial que, para colmo está escrito de una manera que roza el bajuneo y la chabacanería. Es increíble como unos astronautas a punto de ser ejecutados se muestren no sólo enteros e impávidos ante su próximo final, sino que se tiran todo el rato haciendo chistes malos y tirándoles los tejos a sus captoras. Infumable.
Sí, amigos. “Queen of Outer Space” es mala con avaricia. Con unos decorados cutres a más no poder (se nota que es de muy bajo presupuesto), unos efectos casi inexistentes (lo mejor las imágenes de archivo del lanzamiento) y que en verdad ha adquirido en algunos sitios el carácter de película de culto porque la protagoniza es la exuberante Zsa Zsa Gabor.
El director es Edward L. Bernds, (“The Bowery Boys Meet the Monsters” (1955), “Bowery to Bagdad” (1955), “Jungle Gents” (1956), “World Without End” (1956), “Spacemaster X-7” (1958), “Return of the Fly” (1959), “Valley of the Dragons” (1961), “The Three Stooges Meet Hercules” (1962) y “The Three Stooges in Orbit” (1962), que en este film se lució. Madre del amor hermoso!!!






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martes, 31 de mayo de 2011

La Furia (1978) (Dual Español/Inglés+Subs) ("The Fury")






sinopsis
El hijo de un agente del gobierno es secuestrado por sus poderes psíquicos. Su padre intentara recuperarlo a toda costa, descubriendo los planes de una agencia secreta del gobierno de los Estados Unidos que realiza peligrosos experimentos con el poder mental del muchacho.



Ficha Técnica
Director: Brian de Palma / Productor: Frank Yablans para 20th Century Fox / Guión: John Farris, según su propia novela / Fotografía: Richard H. Kline / Música: John Williams / Montaje: Paul Hirsch / Efectos especiales: Rick Baker, Greg Cannom (efectos de maquillaje), Frank Tuttle (supervisor de maquillajes) / Intérpretes: Kirk Douglas (Peter Sandza), John Cassavetes (Ben Childress), Carrie Snodgress (Hester), Charles Durning (Dr. Jim McKeever), Amy Irving (Gillian Bellaver), Fiona Lewis (Dra. Susan Charles), Andrew Stevens (Robin Sandza), Carol Eve Rossen (Dra. Ellen Lindstrom), William Finley (Raymond Dunwoodie), Dennos Franz (Bob, el policía), Daryl Hannah (Pam), Laura Innes, Rutanya Alda, Joyce Easton, Jane Lambert, Sam Laws, J. Patrick McNamara, Melody Thomas Scott, James Belushi / Nacionalidad y año: USA 1978 / Duración y datos técnicos: 116 min. color 1.85:1. (Dual Español/Inglés + Subs)


Comentario
No me gusta en exceso Brian de palma, y aunque esta película lleva subida bastante tiempo, siempre se me ha atragantado el comentario. Por ello, como en otras ocasiones, echo mano de una crítica que a mí parecer define bien el film. Para mí es una película más de las de sábado por la tarde-me aburro-a ver que echan en la tele.

Ah, un aviso: el comentario revela partes del argumento.


Después del gran éxito de Carrie, el siguiente proyecto que tomó en sus manos Brian De Palma fué "La Furia". Todo parecía indicar que se trataba de una elección más que adecuada - otra historia de adolescentes con poderes psíquicos; un buen reparto; el libreto basado en un best seller -. Pero lo cierto es que el guión de John Farris es tan abominable que no hay nada que De Palma pueda hacer para salvarlo. El dictamen final de La Furia se puede resumir en tres palabras: incoherente, ridículo y aburrido.

El libreto está plagado de problemas. El filme arranca con una no muy inspirada escena de acción, en donde Kirk Douglas se salva raspando del ataque de unos asesinos árabes (verdaderos, falsos... qué importa) contratados por Childress (John Cassavetes, en otra de sus clásicas interpretaciones estoicas) para quedarse con su hijo. Fast forward y nos encontramos ahora en Norteamérica, en donde Douglas ha contratado a un investigador idiota (cameo de William "Fantasma en el Paraíso" Finley) para rastrear a una de las alumnas de la Escuela Para Jovenes Dotados del Profesor X... no, perdón, el Instituto Paragon que regentea Childress. La chica es la ex Sra Spielberg Amy Irving, la que parece tener un vínculo síquico con el hijo de Douglas. Digo yo, ¿para qué contratar a un investigador privado si Douglas ya se encamaba con la secretaria del instituto?. Para colmo, a Douglas lo rastrean los hombres de Cassavetes, y el otrora astro debe salir corriendo de su hotel en calzoncillos, tomando de rehenes a una familia de viejos que viven en la zona. En el medio de todo esto, hay diálogos malísimos.

En realidad el problema principal de La Furia es el autor y libretista que está demasiado enamorado de su propia prosa y piensa que es brillante. Es una historia a la que había podarle un montón de pedazos, rearmarla con otro tono, y dársela a otro guionista más inteligente para que hiciera los diálogos desde cero. Durante el primer tercio, el filme no parece tomarse muy en serio a sí mismo y se despacha con algunas secuencias seudo cómicas que son bochornosas. En la mitad de la película, la historia cae en un sopor casi comatoso - se terminaron las ridiculeces, pero hay un montón de idas, venidas y charlas redundantes extremadamente aburridas -. Lo peor de todo es que estamos hablando de una película acerca de gente con poderes síquicos, y éstos recién aparecen sobre los 20 minutos finales (para una película interminable que dura una hora 50). En vez de centrarse en las intimidades del instituto, el libreto podría haber puesto el ojo sobre el entrenamiento / encierro de Robin... pero no lo hace. Y cuando por fin se acerca el final, es bastante lamentable. No sólo está mal orquestado, sino que tiene tensión cero. Recién en los últimos dos minutos hay un momento de shock... pero a esa altura la platea ya tiene el cerebro licuado.

La Furia es un filme terrible desde el momento que no cumple lo que promete. Se centra en sandeces, con malos diálogos y pésimas perfomances, y menosprecia totalmente la premisa de la historia - termina siendo un thriller mediocre con algunos toques fantásticos -. Hay un par de momentos en que De Palma logra escaparse del temible guión de John Farris, como cuando Amy Irving se conecta síquicamente a Andrew Stevens mientras le "succiona" la vida a la doctora del instituto, y por supuesto el final con un explosivo John Cassavetes al estilo de Scanners, Amos de la Muerte. Pero el resto resulta ser un bodrio letal e imposible de recomendar.

Autor: Alejandro Franco.
Fuente: Arlequín






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Pass: depalma



Excursion Dans la Lune (1908) (Muda)








sinopsis
Un grupo de personajes discute la posibilidad de viajar a la Luna. Hacen construir una bala hueca, que es disparada a la boca del satélite, y una vez allí se echan la siesta, pero una copiosa nevada les induce a entrar en un cráter, llegando a una zona con setas gigantescas. Los selenitas le llevan ante su rey, quien hace que sus mujeres bailen para los visitantes, pero uno de ellos escapa con una muchacha. El rey monta en cólera, pero ellos rápidamente se embarcan en la bala y se arrojan desde un acantilado de regreso a la Tierra.


Ficha Técnica
Director: Segundo de Chomón / Productora: Pathé Frères / Guión: Segundo de Chomón / Fotografía: Segundo de Chomón / Diseño de producción: Vincent Lorant-Heilbronn / Efectos especiales: Segundo de Chomón / Supervisor: Ferdinand Zecca / Intérpretes: Desconocidos / Nacionalidad y año: Francia 1908 / Duración y datos técnicos: 7 min. B/N con tintados 1.33:1.


Comentario
Segundo Víctor Aurelio Chomón y Ruiz (17 de octubre de 1871 en Teruel - 2 de mayo 1929) fue un director pionero del cine español. Produjo varios cortometrajes en Francia, mientras trabajaba para Pathé Frères y ha sido comparado a Georges Méliès, debido a sus trucos de cámara frecuentes y las ilusiones ópticas. Todos recordaréis la simpática "El Hotel Eléctrico", ya posteada aquí.

Excursión dans la Lune fue rodada en 1908 por Segundo de Chomón y es un remake de "Un Viaje a La Luna" de Georges Méliès, basadas amabas en la obra de Julio Verne. Aunque, claro está, con el estilo inconfundible de De Chomón que gustaba de colorear sus películas, fotograma a fotograma, en distintos tonos, según los personajes y decorados.

Otra joya antediluviana que hay que ver sin prejuicios y con una sonrisa en la cara.







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Pass: segundo


viernes, 27 de mayo de 2011

Santo Contra La Invasión De Los marcianos (1966)







sinopsis
Esta vez, el Enmascarado de Plata se enfrentará a una invasión marciana con maléficos planes para nuestro planeta, al que trata de reducir ante la escalada nuclear que amenaza al mundo.


Ficha Técnica
Alfredo B. Crevenna. Productor: Alfonso Rosas Priego para Producciones Cinematográficas, Películas Nacionales. Guión: Rafael García Travesí. Fotografía: Jorge Stahl Jr. Música: Antonio Díaz Conde. Montaje: Alfredo Rosas Priego. Diseño de producción: Francisco Marco Chillet. Intérpretes: Santo (Santo, el Enmascarado de Plata), Wolf Ruvinskis (Argos), El Nazi (marciano), Beny Galán (marciano), Ham Lee (Morfeo), Eduardo Bonada, Antonio Montoro, Maura Monti (Afrodita), Eva Nordind (Selene), Belinda Corel (Diana), Manuel Zozaya (profesor Ordorica)... Nacionalidad y año: México 1966. Duración y datos técnicos: 85 min. B/N 1.66:1.


Comentario
De nuevo otra obra maestra de nuestro amigo Alfredo B. Crevenna que rebosa esa estética camp que tanto nos gusta, esta vez con Santo “el enmascarado de plata” como súper héroe.

En México se realizaron gran cantidad de películas con púgiles de lucha libre como protagonistas. Uno de los más famosos fue “Santo, el enmascarado de plata”. Personaje que se enfrentó contra todo lo habido y por haber (fantasmas, vampiros, momias aztecas,…) en una interminable saga llena de aventuras y luchas coreografiadas. En este caso, nuestro héroe se enfrenta a una invasión alienígena.

Lo curioso que aunque la película parezca una auténtica chorrada, sigue los postulados de la ciencia-ficción norteamericana de los 50, encontrándonos con la versión mejicana de “Ultimátum a la tierra” (1951). Los invasores vienen a la Tierra a darnos un ultimátum: o dejamos de jugar con el átomo o destruyen el planeta. Bueno, y ya de paso apoderarse de la fuerza de “Santo”, que con sus puños desnudos y sus llaves infernales, combate a los invasores con tesón y, como no, con éxito.

La trama argumental es difícil de tragar y está llena de momentos que de absurdos rozan el surrealismo. Por ejemplo, los extraterrestres deciden cambiar sus vestimentas marcianas por otras más acordes con las costumbres terrestres. Y se embuten en unos trajes más propios de la antigüedad romana que otra cosa. Momentos memorables como éste los hay a espuertas.

En definitivas cuentas, es un film infumable recomendado para adeptos de la lucha libre y el cine mejicano de enmascarados.





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Pass: controlmachete


Mr. Freedom (1969 (V.O.S.E.)




sinopsis
Mr. Freedom, un superhéroe de Estados Unidos que lucha por Dios y su país robando, violando y matando a cualquier persona que parece que podrían estar en desacuerdo con él. Cuando se entera de que Francia está en peligro de caer en manos de los comunistas, Mr. Freedom se va de cabeza al extranjero para arreglar las cosas.


Ficha Técnica
Director: William Klein / Productor: Guy Belfond, Christian Thivat, Michel Zemer / Guión: William Klein / Fotografía: Pierre Lhomme / Música: Michel Colombier y Serge Gainsbourg / Montaje: Anne-Marie Cotret / Intérpretes: Delphine Seyrig (Marie-Madeleine), John Abbey (Mr. Freedom), Donald Pleasence (Dr. Freedom), Jean-Claude Drouot (Dick Sensass), Serge Gainsbourg (M. Drugstore), Rufus (Freddie Fric), Philippe Noiret (Moujik Man), Yves Montand (Capt. Formidable),... / Nacionalidad y año: Francia 1969 / Duración y datos técnicos: 95 min. Color 1.66 : 1


Comentario
Fotógrafo y cineasta neoyorquino, William Klein se ha interesado siempre por las artes plásticas, sobre todo a partir de su llegada a Paris en 1949, donde realizó varias pinturas murales paralelamente a su cada vez más prestigiosa labor fotográfica. En el año 1955, Klein comenzará su relación con la revista Vogue, para la cual firmaría numerosos reportajes de moda, debutando en el cine tres años después con un cortometraje titulado “Broadway by Night”. En adelante su relación con el celuloide será constante: en 1960, trabaja como consejero artístico de Louis Malle en “Zaize en el Metro”; en 1966 dirige el largometraje “¿Quién eres tú, PoIly Magoo?”, seguido de Mister Freedom en 1969 y “La Couple Tenoin”, ya en 1977. Pero, sin duda, el apartado fílmico donde Klein se ha labrado una mayor reputación a ambos lados del Atlántico ha sido el del documental. Obras como “Cassius Clay” (1964), “Grands Soirs et Petits Matins” (1968-1978), “Muhamad Ali The Grearest” (1974) o “The French” (1982), constituyen excelentes ejemplos de su talento como documentalista. faceta en la cual ha dejado hasta el momento una mayor impronta creativa que como cineasta de ficción.
“Mister Freedom” constituye una aproximación paródica, por momentos divertida e inspirada, al “modelo de vida americano” en general y los tópicos de los superhéroes en particular. La excusa argumental es la siguiente: Mr Freedom (super héroe típicamente norteamericano interpretado por John Abbey) acude a París tras el asesinato de su amigo Capitaine Formidable (Yves Montand). Una vez allí esta especie de Superman chapucero (que para colmo es un fascista y un racista) tendrá que defender Europa de la amenaza de unos súper villanos que ponen en peligro la “libertad” de los habitantes del continente, para lo cual Mr. Freedom utilizará unos métodos tan expeditivos como contraproducentes.
Rareza cinematográfica en toda regla, “Mister Freedom” manifiesta el innegable gusto visual de su director (a veces la película parece un dibujo animado), aunque también, por desgracia, sus obvias debilidades como narrador, quedando a la postre como un loable pero irregular intento de sátira en clave pop de la cultura americana y sus resbaladizas relaciones con el resto del mundo.
A destacar, por último, las siempre gratas presencias de tres pesos pesados de la interpretación europea como son PhiIippe Noiret, Donald Pleasance e Yves Montand (qué bien hace de muerto), y la aparición del grandísimo sinvergüenza (poeta, músico, artista con mayúsculas) y al que admiro una barbaridad: Serge Gainsbourg.







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Pass: gainsbourg


El planeta de las mujeres invasoras (1966) (TvRip)






sinopsis
Procedentes de un planeta habitado sólo por mujeres guerreras, aterriza en México una nave espacial con un grupo de sexys alienígenas. Su objetivo: capturar algunos especímenes humanos para hacer pruebas con ellos y hallar la manera de fabricar un filtro para sus sistemas respiratorios y soportar el aire de la atmósfera terrestre, para preparar una invasión en toda regla.


Ficha Técnica
Director: Alfredo B. Crevenna / Productor: Emilio Gómez Muriel / Guión: Emilio Gómez Muriel sobre una historia de Alfredo Ruanova / Fotografía: Alfredo Uribe / Música: Antonio Díaz Conde / Montaje: Raul J. Casso / Intérpretes: Lorena Velázquez (Adastrea; Alburnia), Elizabeth Campbell (Martesia), Maura Monti (Eritrea), Guillermo Murray (Daniel Wolf), Adriana Roel (Silvia), Rogelio Guerra (Marcos Godoy), José Ángel Espinosa 'Ferrusquilla' (Rey Taquito), Raúl Ramírez (Tono), Ethel Carrillo (Desinea), Graciela Doring (Mujer secuestrada), Guillermo Álvarez Bianchi (Hombre gordo secuestrado), José Chávez (Beto), Enrique Ramírez (Ramón), Aarón Hernán (Hombre secuestrado), Monica Miguel (Fitia), ... / Nacionalidad y año: México 1966 / Duración y datos técnicos: 87 min. ByN 1.33:1.


Comentario
Si pensabais que íbamos a acabar con la bizarra filmografía del simpar Alfredo B. Crevenna, estabais equivocados. Y menos teniendo en cuenta que para aprobar esta asignatura es de obligado visionado el film que nos ocupa: “El Planeta de Las Mujeres Invasoras”. Película que alcanza la categoría de psicotrónica por méritos propios. Pero vayamos paso a paso.
Alfredo B. Crevenna fue un muy prolífico realizador mejicano con más de 150 películas a sus espaldas (la última la dirigió un año antes de su muerte, con 81 años), entre las que hay unas cuantas dedicadas al género. Pero su más importante aportación a la serie Z más casposa y bizarra es ésta.
“El Planeta de las Mujeres Invasoras” viene a ser la secuela de “Gigantes Planetarios”. Bueno, más que una secuela un remake. Ya que prácticamente ambas películas son idénticas (hasta en equipo técnico y actores) pero con una salvedad: en esta ocasión las malvadas alienígenas son hermosas señoras con trajes muy cortos luciendo palmito.
Ya desde la antigüedad (con las amazonas) la historia de la existencia de tribus, civilizaciones o, como es el caso, planetas poblados únicamente por féminas ha aparecido cientos de veces en novelas, comics y, como no, en el cine. Desde el mismísimo Tarzán hasta nuestros simpáticos viajeros interplanetarios del film de Crevenna, la idea de una sociedad sólo compuesta por mujeres supuso un filón de oro para los estudios de cine, ya que permitía la aparición de decenas de mujeres en paños menores en muchos casos ávidas de presencia masculina (para, por ejemplo, la perpetuación de la especie) que al final eran cautivadas por el apuesto protagonista. En el género, filmes como “Queen Of Outer Space” (1958), “Missile to the Moon” (1959), “Cat Women Of The Moon” o la lisérgica (ya que hay que estar colocado para entenderla) “Mesa Of Lost Women” (1953) son un claro ejemplo de esta corriente. “El Planeta de las Mujeres Invasoras” será la aportación mejicana. Aunque, en este caso, la intención de las alienígenas, aparte de exhibirse, no tiene ningún afán sexual o amoroso, sino que sólo desean de los humanos sus pulmones para poder respirar en la Tierra y así poder invadirla.
Pero eso no quita para que el elenco de bellas mozas que no pronuncian frase se pasen casi toda la película posando, con la mano en la cintura y en una actitud más de un concurso de belleza que de una invasión en toda regla. Y qué más da. La película es mala con avaricia, aunque yo la incluiría en ese pequeño grupo de productos infumables que de malas que son provocan, como mínimo, la simpatía del espectador.
Porque “El Planeta de las Mujeres Invasoras” tiene su gracia. Es un film simpático, lleno de humor (provocado o no) que causa la hilaridad del que la ve. Con unos diálogos tontos a más no poder, llenos de chistes malos, dentro de un delirante hilo argumental sin pies ni cabeza. Si a esto le añadimos unos paupérrimos efectos especiales (se ven los hilos que sujetan los platillos, o la forma tan ruda de aterrizarlos que tienen, por ejemplo), y que no hacen nada por disimularlos, y una realización más que discreta (opta sobre todo por el plano general para evitar calentamientos de cabeza) nos encontramos con una de esas maravillas que te hacen, como mínimo, sonreír durante todo su visionado.
También hay que destacar que esta modesta “space opera” mejicana bebe de las fuentes de los seriales pulps nortamericanos, especialmente de “Flash Gordon”, como podréis comprobar por la estética (y el rayo de la muerte).
En fin, para amantes de lo “camp” y en general, para todos los que querráis pasar un muy buen rato. Ideal para ver con amigotes (esta vez no es necesaria la cerveza. La risa sale sola)

P.D.: No he destripado nada del argumento porque es una de estas ocasiones en que es preferible ver el film sin ninguna referencia externa. Gusta aún más.





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domingo, 22 de mayo de 2011

Valerie A Tyden Divu ("Valerie And Her Week Of Wonders") (1970) (V.O.S.E.)





sinopsis
Valerie es una niña de 13 años que acaba de entrar en la adolescencia (al principio de la película sabemos que la noche anterior ha tenido su primera menstruación). Vive con su abuela (su madre, a la que no recuerda, fue repudiada al quedar embarazada de un sacerdote y murió poco después de su nacimiento. Al menos eso es lo que siempre le han contado), es morena, dulce, ama a los animales, le gustan las flores y tiene una desbordante imaginación.
Todo transcurre en unos pocos días de un verano bohemio (o moravo) especialmente dorado y hermoso, a finales del siglo XIX. En el pueblo se celebra una boda, unos sacerdotes llegan a la localidad para dirigir una especie de ejercicios espirituales, una compañía de cómicos y trovadores se deja caer por la zona, los hurones atacan de vez en cuando los gallineros y palomares.
Y los vampiros acechan por la noche a las novias recién casadas y a las niñas que empiezan a ser mujeres…




Ficha Técnica

Director: Jaromil Jires / Productora: Filmove Studio Barramdov / Guión: Jaromil Jires, Ester Krumbachova y Jiri Musil (basado en una novela de Vitezslav Nezval) / Fotografía: Jan Curik / Música(preciosa, por cierto): Lubos Fiser y Jan Klusak / Montaje: Josef Valusiak / Intérpretes:Jaroslava Schallerova, Elena Anyzova, Petr Kopriva, Jiri Prymek, Jan Klusak, Libuse Komankova, Karel Engel, Alena Stojakova, Otto Hradecky, Martin Wielgus, Jirina Machalicka, Michaela Klocova. / Nacionalidad y año: República Checa (Ex Checoslovaquia) 1970/ Duración y datos técnicos: 71 minutos. DVDRip. Idioma original Checo con subtítulos en castellano en archivo aparte.



Comentario
Pues aquí va una película que a mí me gusta mucho pero que, durante un tiempo, tuve ciertos reparos en postear.
Me he terminado de decidir al ver que se ha estrenado en los cines una cosa llamada Caperucita Roja y que pretende ser una peli de miedo que disecciona científica y espiritualmente el cuento-de-toda-la-vida para que nosotros, pobres mortales ignorantes, nos demos cuenta de dónde coño viene y la carga de perversión, terror y desazón que contiene…
Mandagüevos (que dijo el poeta). Estos impresentables que se dirigen a adolescentes abducidos por el éxito de pseudos-sagas ridículas como Crepúsculo et alia deben creer que somos todos idiotas y que no nos acordamos de nada…. Deben de pensar que porque ellos han descubierto el Mediterráneo los demás tenemos que rendirles pleitesía y reconocer su mérito.
Cagüentodolomalo.
Me molesta esto. Me molesta este eterno redescubrimiento de la pólvora (cada mañana, oigan ustedes) y, sobre todo, el descenso de nivel que conlleva (cada mañana también… Ese Mediterráneo y esa pólvora recién descubiertos son cada vez peores, cada vez más pequeños, cada vez más inútiles, cada vez más impostados e inservibles).
¿Pretenden descubrir, a estas alturas, la perversión y el horror que se esconden en los cuentos de hadas? Amos, anda… Que todo está escrito ya y (como se dice en mi pueblo) no se puede engañar a los abuelos con pistolas de agua…
Porque de eso se trata, maeses. De eso va esta película. Del horror extraño que se esconde bajo la superficie de los cuentos de hadas. No es la única que lo ha destapado, hay más… Ahora mismo me acuerdo de En Compañía De Lobos (Neil Jordan, 1984. Por cierto, para mi discutible e indigente criterio, la versión definitiva sobre el tema de las caperuzas rojas, las niñas inocentes y los lobos acechando en la espesura del bosque). O de La Noche Del Cazador (Charles Laughton, 1955. Pero ésta desde otro punto de vista. Diferente).
Valerie A Tyden Divu es parte de eso. Una especie de vivisección psicodélica y amable (dentro de lo que cabe) del horror que late bajo la superficie de un cuento de hadas. La pobre niña inocente, el malvado depredador, la abuela, el mozo esforzado y rescatador… No falta de nada. Pero hay más cosas aún.
Imagínenlo vuesas mercedes: Checoslovaquia (un país que, por cierto, ya no existe) en 1970. Checoslovaquia era un país raro.
Caía al otro lado de aquel Telón de Acero que dividió Europa entre 1945 y 1990, pero era una cosa rara. Desde su nacimiento, tras la implosión del Imperio austro-húngaro, era una nación con vocación occidental. Un país industrializado, culto, de clase media; más parecido a Austria que a Bulgaria (a pesar de su carácter eslavo). La Centroeuropa por antonomasia. ¿Habéis leído a Karel Capek (el inventor de la palabra “Robot” por cierto)? Y no hablo de Kafka o de Kubin porque, aunque checos, eran de expresión alemana. Ésa es otra historia. No vale.
Bueh… Pues situémonos. Tras la II Guerra Mundial Checoslovaquia era un país situado al otro lado del telón de acero, con un régimen comunista y todo lo que eso conllevaba. Pero era diferente a sus vecinos y socios. Mucho.
Y eso empieza a notarse, sobre todo, en los años 60. Cuando en las calles de Praga o Bratislava (más de la primera que de la segunda) los jóvenes comienzan a dejarse el pelo largo y a montar bandas de rocanrol como sus primos hacían en Occidente.
Lo de Dubcek y su primavera es lo de menos… Porque la cosa venía de lejos. Era sólo una manifestación más de la evidente diferencia.
Sólo hay que ver las pelis que se hicieron allí entre 1964 y 1968 (Los Amores De Una Rubia, Margaritas, Trenes Rigurosamente Vigilados, ¿Quién Quiere Matar A Jessica?). La estética pop “occidental” estaba tan presente en Checoslovaquia como en la España franquista (por citar un país –el mío- con un régimen en aquel entonces también autoritario pero en las antípodas ideológicas). Era el Pop, joder, el Pop (el mismo que reinaba en Londres, en París, en Roma, en Nueva York, en Tokio, en Madrid, en Ámsterdam, en Buenos Aires o en Los Angeles, coñe… El mismo).
El caso es que todo acabó como el rosario de la aurora y los tanques de Breznev ocuparon Praga (y el resto del país) en agosto de 1968. Y la primavera se fue al carajo.
Pero (cuenta la leyenda) en el aspecto cinematográfico la cosa siguió funcionando durante un tiempo, como una especie de inercia extraña y curiosa. Y Valerie A Tyden Divu es una de las pruebas.
Yo no lo tengo tan claro. Es cierto que la película es el producto de una cinematografía y una sociedad perfectamente maduras y asimilables a los estándares occidentales-civilizados (ejem). Pero, al mismo tiempo, no estoy seguro de que si dos años antes (en 1968) los tanques soviéticos no se hubiesen llevado por delante los 60’s checoslovacos la película no hubiese sido diferente. Todo ese rollo anticlerical y tal y tal queda muy bien en una película hecha en cualquier país occidental, pero allí era una especie de peaje, mes amis… No sé si me explico (cuando la veáis entenderéis a lo que me refiero). Dicho en cristiano: no encuentro en la peli ningún punto crítico con el socialismo real y con el statu quo posterior a la invasión, la verdad. Todo muy bonito, muy poético pero, en el fondo, muy asumible por las autoridades. Todo esto lo digo porque, insisto, me he cansado de leer que la primavera checoslovaca sobrevivió, de alguna manera, en el cine hasta principios de los 70’s. Y que esta peli forma parte de ese rollo. Si esto es así, yo no he encontrado pruebas. Y menos aquí. Desde el punto de vista político e ideológico, digo…
Porque desde el estético, siempre fue como si los tanques nunca hubiesen entrado en Praga.
Son cosas diferentes.
Bueh… Pero dejémonos de disgresiones histórico-políticas y volvamos a la peli.
He hablado antes de los reparos que tuve para postearla. Y quiero aclarar la cosa. Valerie A Tyden Divu no es exactamente una película de terror (aunque también). En realidad juega a otro juego.
Es una cinta poética, onírica, llena de símbolos y de segundas lecturas. Es un cuento de hadas para adultos que maneja muchas cosas al mismo tiempo. Una alegoría del fin de la infancia, de los veranos dorados, del descubrimiento del amor, del miedo a la oscuridad y a lo desconocido en clave de poema surrealista. La acción no es lineal (o no lo es del todo). Los hechos se suceden de forma aparentemente caótica, los personajes parecen contradecirse de una escena a otra… Cada poco tiempo, todo vuelve a empezar (sin que los acontecimientos anteriores parezcan haber tenido consecuencias, sin que los protagonistas establezcan ninguna relación causa-efecto entre ellos).
Como un sueño, sí. Como una sucesión de sueños que a veces son gozosos y a veces adoptan la forma de una pesadilla.
El argumento, una mezcla entre Caperucita Roja y Alicia En El País De Las Maravillas, maneja todos los elementos del cuento de hadas, situándolos en un indefinido siglo XIX checo, en un pequeño pueblo de Bohemia (o Moravia, vaya usted a saber) y contándonos, a base de alegorías e imágenes simbólicas, el paso de la infancia a la adolescencia de una niña de trece años que acaba de tener su primera menstruación.
Hay humor, poesía, hedonismo y celebración del goce de vivir. Hay, también, una sensualidad explícita, evidente (no menos lírica y hermosa), descaradamente erótica que a veces tiene su contrafigura inquietante.
Y hay terror.
El autor juega con elementos característicos de la cultura centroeuropea (quizás sólo checa… Quizás algo más amplio). Ese siglo XIX idealizado que parece compuesto por una sucesión de postales coloreadas del imperio austro-húngaro, con un toque de decadente languidez. El verano dorado y amable. Las costumbres populares, las tradiciones y supersticiones. La propia Valerie, con su instintivo rechazo a la iglesia y al rito católico, parece tener resabios paganos (el viejo paganismo eslavo) al rezar a las figuras de madera que sirven de panal a las abejas.
El propio vampiro, cuya imagen se inspira sobre todo en el Nosferatu de Murnau (la vieja tradición centroeuropea otra vez) y que en ningún momento sabemos muy bien quién es en realidad (El verdadero padre de Valerie, el antiguo amante de la abuela, el predicador en la iglesia, el hurón voraz que adquiere forma humana…).
Y luego está la música. El leit motiv de la película es una curiosa mezcla de clasicismo y folclore que a mí (que estoy medio enfermo… no puedo evitarlo) me recuerda, en cierto modo, al psych-folk británico de aquella época. Escuchadlo y ya me diréis.
Al final, a película concluye como una especie de musical extraño, inquietante, como si David Hamilton (aquel fotógrafo obsesionado con las adolescentes de aspecto prepúber al que le dio por torturarnos con su cine esteticista y huero a finales de los 70’s) hubiese intentado rodar un viejo libreto de Gilbert y O’Sullivan. Es una cosa sorprendente y rara. Difícil de explicar.
Antes he aludido al carácter psicodélico de la película. De eso se trata. Porque, a fe mía, la cinta es pura psicodelia sesentera. Pero no de la ácida, eléctrica y americana, sino de la británica, victoriana (en este caso sería mejor hablar, como hacía Berlanga, de “austrohúngara”, jejeje) y decimonónica. No la de Jefferson Airplane o los 13th Floor Elevators, no… Sino de la de Syd Barret, el primer Kevin Ayers o los Kaleidoscope británicos.
Sí, eso es… Psicodelia Austrohúngara.
Me gusta cómo suena.
Nada más, mes amis. Perdonadme el tocho y la dispersión. No puedo evitarlo.
Disfrutad la peli como lo he hecho yo. Y no os olvidéis de que, a pesar de todo, es (pero no sólo) una cinta de miedo.





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