Proyecto androide ("The questor Tapes") (1974) (VHS Rip)

sinopsis

En un laboratorio universitario, el Gobierno de USA está por concluir el secretísimo proyecto Questor, consistente en la creación de un androide casi perfecto, de acuerdo con las instrucciones y material dejados por el desaparecido profesor Vaslovik. Pero las cintas que debían activar al androide Questor fueron parcialmente borrados por los científicos que trataban de descifrarlas. Tras "despertar", Questor escapará del laboratorio y, tras adquirir una apariencia humana normal, secuestrará al científico Jerry Robinson y partirá a busca a su creador, el Dr. Vaslovik, el único que podrá aclarar los vacíos de Questor en su cerebro electrónico... y con qué oculto propósito él diseñó a este androide inteligente.

Ficha Técnica

Director: Richard A. Colla / Productor: Howie Horwitz / Guion: Gene Roddenberry y Gene L. Coon / Fotografía: Michael D. Margulies / Montaje: Robert L. Kimble y J. Terry Williams / Efectos Especiales: Albert Whitlock / Música: Gil Melle / Intérpretes: Robert Foxworth (Questor ), Mike Farrell (Jerry Robinson ), John Vernon (Geoffrey Darro ), Lew Ayres (Vaslovik ), James Shigeta ( Dr. Chen ), Robert Douglas ( Dr. Michaels), Dana Wynter (Lady Helena Trimble ), Ellen Weston (Allison Sample), etc. Nacionalidad y año: USA. 1974. Duración y datos técnicos: 100 min. Technicolor.  1.33 : 1. (Doblada)

Comentario

“The Questor Tapes” es un producto televisivo. Un piloto ideado en los 70 por Gene Roddenberry como base para una potencial serie de televisión. Realizado entre la cancelación de la serie Star Trek y su primera película, esta aspirante a serie televisiva sigue los pasos de Questor, un androide que trata de buscar a su creador. Actualmente este piloto es famoso sobre todo por que Questor inspiró al simpático “Data” de “Star Trek: The Next Generation”, y por poco más.
Porque aunque es una historia más que interesante, ya que en definitivas cuentas se trata de un viaje existencial y filosófico, una búsqueda del propio yo y un análisis de la humanidad, hecho piloto, y si hubiera cuajado, hecho serie, no es un producto redondo. Ya que este telefilm fue creado como introducción a una serie (estaban ya escritos 13 episodios) y eso se nota a la hora de desarrollar la trama. Quedan muchos flecos sueltos. No existe un desarrollo complejo y completo de los personajes. Las tramas secundarias quedan colgadas. Y la moralina… porque a pesar de que existe un mensaje crítico hacia la humanidad industralizada/tecnológica del siglo XX y sus consecuencias (luchas, miseria, codicia,…). Este mensaje es muy descafeinado y lleno de clichés. La condena hacia el hombre del siglo XX es moderada y equilibrada por la presencia de un singular optimismo basado en la esencia de la naturaleza humana (que no es mala del todo, dicen). Esto se ve especialmente cuando Questor habla de que el mayor logro de la humanidad es “la capacidad de amarnos unos a otros”.
Ciertamente tiene seguidores. Se ha convertido en una película de culto. Pero a mí no me convence. Me parece ñoña y empalagosa. Y no soporto a Robert Foxworth. Siempre lo veré como el pringado de “Falcon Crest”, Chase Gioberti.
O sea, para acérrimos de Gene Roddenberry y la sci-fi con mensaje.

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Pass: robotico

El regreso del Doctor X (The Return of Doctor X) (1939) (V.O.S.E.)

sinopsis

Una actriz teatral es "asesinada", y un reportero da la primicia a su periódico. Sin embargo, al día siguiente aparece con vida para desmentirlo. El extraño hecho despierta la curiosidad del periodista que, junto con un joven médico amigo, se pone a investigar. La casualidad quiere que uno de los implicados sea el reputado Dr. Flegg, cuyo asistente es el extraño y frío Quesne, que no es otro que el temible Doctor "X", que necesita frecuentes dosis de cierto tipo de sangre...

Ficha Técnica

Director: Vincent Sherman / Guion: Lee Katz, basado en una historia de William J. Makin / Fotografía: Sidney Hickox / Montaje: Thomas Pratt / Música: Bernhard Kaun / Intérpretes: Humphrey Bogart (Marshall Quesne/ Profesor Xavier), Rosemary Lane (Joan Vance), Wayne Morris ( Walter Garrett ), Dennis Morgan (Michael Rhodes), John Litel (Dr. Francis Flegg), Lya Lys (Angela Merrova),  Huntz Hall (Pinky), Charles C. Wilson (Detective Roy Kincaid), Vera Lewis (Señora Sweetman).  Nacionalidad y año: USA. 1939. Duración y datos técnicos: 62 min. B/N.  1.37 : 1. (Inglés + Subs)

Comentario

“The Return of Doctor X” es una rareza, sólo recordada como curiosa, por ser la única incursión de Humphrey Bogart en el mundo del terror. En el film Bogart (atrapado por la Warner Bros en un contrato sangrante) es el Doctor Xavier, retornado a la vida después de haber sido electrocutado por sus horribles crímenes, y reconvertido en un especie de vampiro. Personaje del cual el notable actor no tardaría en renegar.
A pesar de que es una especie de secuela de “Doctor X”, nada tiene que ver con ésta, salvo la aparición de Mad professors desbocados y un periodista payaso. Por lo que es nuestro deber intentar analizarla por sus méritos propios, olvidándonos de su antecesora… Pero eso es imposible.

El guión de Lee Katz es una libre adaptación de la historia de William J. Makin: “The Doctor’s Secret", que originalmente apareció en la publicación Detective Fiction Weekly. Guión que, partiendo de una buena historia, salvo en determinados momentos puntuales, hace agua por todos lados. Desapareciendo la intriga que reinaba en su antecesora “Doctor X”, siendo sustituida por una trama previsible y descafeinada que, si le buscamos cinco pies al gato, sólo tiene el mérito de combinar, por primera vez en la historia del cine, los temas del clásico Mad Professor con los vampiros.
La dirección (su primera vez) es encargada a Vincent Sherman, que tenía experiencia previa como actor y guionista, pero que fue aprendiendo todos los aspectos técnicos que un director de cine debe dominar, mientras rodaba el film. Pero a pesar de su bisoñez, no lo hace del todo mal. Esos ramalazos al expresionismo alemán (especialmente con el uso de las sombras en los momentos más terribles de la cinta) le dan cierto caché a esta mediocre película.
Bogart, a pesar de ese look más cercano al de la novia de Frankenstein que al de un honrado científico psicópata que se precie, no lo borda. Pero coño, es Bogart. Y yo, aunque sobreactúe, lo querré siempre.
En fin, otra película para ver, disfrutar y olvidar. Evidentemente nos quedamos con la de Michael Curtiz (posteada antes que ésta en Plan 9), pero sería capaz de hacer un programa doble con ambas… Y creo que lo haré: este sábado!!! Las disfruten…

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Pass: doctorx2

Doctor X (1932) (V.O.S.E.)

sinopsis

Seis personas han sido asesinadas en la calle Mott muy cerca de la Morgue donde funciona la peculiar academia de medicina del Doctor Xavier. Todos los crímenes han sido cometidos, en noches de luna llena, por una suerte de caníbal que asesina con un bisturí y luego desolla a sus víctimas. Con la venia de la policía, el doctor Xavier procurará averiguar si el asesino está entre sus colaboradores, mientras un periodista husmea cuanto puede y trata de enamorar a la hija del científico. 

Ficha Técnica


Director: Michael Curtiz / Producción: First National Pictures, Warner Bros. / Productores ejecutivos: Hal B. Wallis, Darryl F. Zanuck / Guión: Earl Baldwin, Robert Tasker, [George Rosener], según la obra teatral de Howard W. Comstock y Allen C. Miller / Fotografía: Ray Rennahan [versión color], Richard Towers [versión B/N] / Música: Bernhard Kaun / Efectos especiales: Percy Westmore, Max Factor Co. (maquillajes), Fred Jackman Jr. (efectos visuales) / Montaje: George Amy / Intérpretes: Lionel Atwill (Dr. Jerry Xavier), Lee Tracy (Lee Taylor), Fay Wray (Joanne 'Joan' Xavier), Preston Foster (Dr. Wells), John Wray (Dr. Haines), George Rosener (Otto), Leila Bennett (Mamie), Arthur Edmund Carewe (Dr. Rowitz), Harry Beresford, Tom Dugan, Robert Warwick, Willard Robertson, Thomas E. Jackson, Harry Holman, Mae Busch, Tom Dugan... / Nacionalidad y año: Estados Unidos 1932 / Duración y datos técnicos: 76' C y B/N 1.37:1 (Inglés + Subs)

Comentario

Fay Wray (la chica de King Kong), indiscutible heroína de los años treinta que hizo de los chillidos surgidos de su laringe la marca definitoria del cine de miedo de esa década, y el inolvidable Lionel Atwill, que un año más tarde participarían, otra vez junto a Michael Curtiz, en la fabulosa “Los Crímenes del Museo” (1933), pusieron su maña al servicio del director de “Casablanca” (1942) en esta sobrecogedora cinta protagonizada por un asesino de tendencias caníbales que actúa influido por la luna llena.
La cinta, tras mostrar con inusitada explicitud los actos criminales, va adquiriendo progresivamente un tono de thriller lleno de intriga, pero sin perder, como no, ese toque sci-fi de mad doctor.
El film va de menos a más, hasta llegar al climax final, en el que se desata el argumento con la aparición del asesino, en una suerte de apoteosis surrealista y enloquecida. Por cierto, un pedazo de final!!
Michael Curtiz y Anton Grot (disenador de producción) supieron situar a “El Doctor X”, gracias a una calculada iluminación y a un enjundioso uso del encuadre, en un registro estético próximo al expresionismo cinematográfico alemán. Ese rastro expresionista desaparecería casi por completo en la presunta secuela que la Warner Bros produjo en 1939: “The Return of Dr. X”, en la que un hierático Humphrey Bogart daba vida al malvado mad doctor revivido.

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Pass: doctorx

El Primer Hombre en el Espacio ("First Man Into Space") (1959) (V.O.S.E.)

sinopsis

 Durante un vuelo experimental en el espacio, un astronauta desobedece las órdenes de su base. Sufre un desmayo, pierde el control de la nave, y es a duras penas rescatado. En un segundo vuelo, vuelve a incumplir las instrucciones recibidas… y esta vez las consecuencias serán más graves. De hecho, serán “monstruosamente ” graves… 

Ficha Técnica

Director: Robert Day / Productor: John Croydon y Charles F. Vetter / Guion: John Croydon y Charles F. Vetter, basado en una historia de Wyott Ordung / Fotografía: Geoffrey Faithfull / Montaje: Peter Mayhew  / Música: Buxton Orr / Intérpretes: Marshall Thompson (Comandante Charles Ernest Prescott), Marla Landi (Tia Francesca), Bill Edwards (Teniente Dan Milton Prescott), Robert Ayres (Capitán Ben Richards), Bill Nagy (Jefe de policía Wilson), Carl Jaffe (Dr. Paul von Essen), etc.  Nacionalidad y año: GB. 1959. Duración y datos técnicos: 77 min. B/N.  1.66 : 1. (Inglés + Subs)

Comentario

De todos es bien sabido que el cine, antes que otra cosa, es una industria dedicada a hacer dólares a mansalva. Así que cuando algo funciona, comienzan las imitaciones que, por lo general, no suelen llegar a la altura del original (aunque ésta no es una ley absoluta). En este caso siguiendo una descarada estela temática que nos traslada directamente a la simpar "El Experimento del Doctor Quatermass" (1955), el film que nos ocupa nos narra las tristes peripecias de un piloto de pruebas en un vuelo experimental que se verá atacado por "algo" (lo llamo así porque no lo explican muy bien), transformándose poco a poco en un monstruo sediento de sangre.
Mientras que en la película de Val Guest el punto de atención era científico, serio, épico... a pesar del carácter agrio del amigo Quatermass, en este caso nos presenta una "monster movie" atípica en su desarrollo. Podríamos dividirla en tres partes: una primera en la que se desarrollan los personajes y sus relaciones entre ellos (el piloto de pruebas y su jefe son dos hermanos que se llevan francamente mal). Vamos, un tostón.
El segundo bloque es la historia propiamente dicha donde por un lado el monstruo va mutando poco a poco, a la par que hace destrozos por doquier (aunque se le ve poco, la verdad); por otro el protagonista, hermano del piloto, que se dedica a investigar (con bastante más efectividad que la policía) y a hacer conjeturas a espuertas, con la inestimable ayuda de un científico especialista en medicina espacial, en astronomía y en todo lo que le echen, que se tira media película dando la brasa con unos dichosos rayos cósmicos, consigue esclarecer todo el misterio a la vez que le quita la novia a su hermano desaparecido.

Para rematar, la película da un vuelco y en vez de un apoteósico final repleto de sangre (con destrucción del engendro incluída), nos muestra un ser monstruoso que necesita ayuda y regresa a pedirla. Se ahonda en la soledad y la tragedia personal de ese piloto convertido en horror andante. Y es eso lo que la hace atípica de cualquier "monster movie", ese enfoque más psicológico. Obviando claro está la ridícula torpeza del monstruo (fijaos como mientras baja unas escaleras, resbala y casi se mata) que mientras se desplaza abre y cierra las manos como los niños cuando dicen adiós. 

Serie B muy modesta (rodada con cuatro duros) para aficionado al género. Por cierto, el traje del monstruo está curioso. 

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Pass: elprimero

The Lost Skeleton Of Cadavra (2001) (VOSE)

sinopsis

Un científico, ayudado por su torpe esposa, intentará salvar a la humanidad de las garras de un monstruo radioactivo, unos curiosos extraterrestres del espacio exterior, un malvado científico y un esqueleto refunfuñón en esta película homenaje al cine de serie B de los años 50. 

Ficha Técnica

Director: Larry Blamire / Productor: F. Miguel Valenti / Guion: Larry Blamire / Fotografía: Kevin F. Jones / Montaje: Bill Bryn Russell / Intérpretes: Fay Masterson (Betty Armstrong), Andrew Parks (Kro-Bar), Susan McConnell (Lattis), Brian Howe (Dr. Roger Fleming), Jennifer Blaire (Animala), Larry Blamire (Dr. Paul Armstrong), Dan Conroy (Ranger Brad), Robert Deveau (granjero),  Darrin Reed (El Mutante). Nacionalidad y año: USA. 2001. Duración y datos técnicos: 90 min. B/N.  1.85 : 1. (Inglés + Subs)

Comentario

Bueno, mis queridos amigos. Para comenzar, espero, la nueva etapa de éste, vuestro blog "Plan 9", he querido postear una cinta del año 2001, saltándome las normas del blog que pone como tope cronológico a la hora de subir películas,  los felices años 80. Hablo del film "The Lost Skeleton Of Cadavra". Un producto de serie B, Z que en realidad es una pequeña broma-homenaje a los clásicos de la sci-fi de los años 50.

“The Lost Skeleton…” es una película mala, tonta, llena de diálogos absurdos, con unos decorados más que cutres y unos efectos especiales de risa … En fin, como esos clásicos que a todos tanto nos gustan (aunque ellos lo hacían en serio y no en forma de broma filmada como el que nos ocupa). Como en muchos de los filmes que hemos posteado en “Plan 9” nos encontramos ante otro de los llamados "buenos malos". Es decir, que es mala con avaricia, pero nos entretiene de tal manera que pasa a ser buena, claro está, entre comillas. Y como en muchos de los comentarios que he hecho en estos años se podría acabar diciendo: “ideal para ver con los amigos con unas cervezas y echarse unas risas”.

Porque “Lost Skeleton” es un homenaje a las películas de serie B de ciencia ficción de la década de los 50, en las que los cineastas trataron de sacar provecho de los temas relacionados con lo desconocido, y las dudas sobre los que nos rodea. Como resultado, se hicieron muchas películas de bajo presupuesto con alienígenas, monstruos mutantes, científicos locos, etc... Muchos de estas filmes resultaron ser clásicos maravillosos como “La invasión de los ladrones de cuerpos” (1956), “La guerra de los mundos” (1953)  o “Ultimátum a la Tierra” (1951). Desafortunadamente (o no), la mayoría de las películas resultaron ser terriblemente malas, al más puro estilo Ed Wood. Y como debe ser, cautivaron a un buen puñado de frikis (entre los que me encuentro) y se convirtieron el películas de culto. Larry Blamire, el director de “Lost Skeleton” evidentemente es otro de esos frikis, ya que la película picotea entre todos los subgéneros de la sci-fi recogiendo lo que le apetece: mutantes, meteoritos, extraterrestres, científicos locos, científicos buenos, etc… en forma de comedia. Pero eso sí, a pesar de parodiarlos sin piedad, lo hace con muchísimo cariño. Y eso se nota.

Hablar del argumento de la película es casi innecesario, porque la historia es tan inverosímil y absurda, que no tiene desperdicio. El guión recoge, como hemos dicho lo que le apetece del género, lo mezcla sin compasión y eso se traduce en una historia sin pies ni cabeza, llena de humor y consigue que en cada fotograma nos venga a la cabeza un título distinto de los clásicos de antaño. Algo que hace con brillantez.

Pero no sólo la trama es un remedo de los clásicos de antaño, sino que todo lo demás: decorados, efectos, etc. La ambientación en general, nos retrotrae a dicha época. Es un típico producto de serie B hecho con cuatro dólares que cae en los errores propios del amateurismo y la falta de presupuesto tan habituales en las películas de los años 50. Un ejemplo muy claro es un momento en el que un personaje se ve caminando a un lado de una habitación con una chaqueta oscura, y a continuación, en el siguiente fotograma aparece con una camisa blanca. Pero eso está hecho, evidentemente, de forma deliberada. Porque, con esta película, Larry Blamire ha llevado a cabo un estilo de hacer cine que se hizo evidente en los años 50. Pero a pesar de que parodia esas pequeñas joyitas que tanto nos gustan, no lo hace con inquina, sino que se refleja que está hecho con el cariño de alguien que ama el género y que ha devorado cientos de película de la más mala serie B de ciencia ficción. Algo que se percibe a lo largo de todo el visionado del film.

En definitivas cuentas, una broma cinematográfica ideal para ver con los amigos con unas cervezas y echarse unas risas.

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Pass: esqueleto

Gorgo (1961)

sinopsis

Cazadores de tesoros exploran las aguas cerca de Irlanda, pero la súbita aparición de un volcán submarino cancela sus planes. Con el navío dañado a causa de la tormenta generada por el fenómeno, los buscadores desembarcan en una pequeña isla cercana para realizar reparaciones. La irrupción de un monstruo atrae el terror del poblado, y los líderes de la expedición - Joe Ryan y Sam Slade - deciden matar a la criatura, a cambio de un pago por parte de los aldeanos. Pero a último momento Joe y Sam deciden capturar y exhibirla en Londres, en donde un circo les hace una generosa oferta. Es en ese momento cuando comienza el desastre.

Ficha Técnica

Director: Eugène Lourié / Productor: Wilfred Eades / Guion: Robert L. Richards y Daniel James / Fotografía: Freddie Young / Música: Angelo Francesco Lavagnino / Montaje: Eric Boyd-Perkins / Efectos especiales: Tom Howard / Intérpretes: Bill Travers (Joe Ryan), William Sylvester (Sam Slade), Vincent Winter (Sean), Christopher Rhodes (McCartin), Joseph O'Conor (Prof. Hendricks), Bruce Seton (Prof. Flaherty); Martin Benson (Dorkin), Maurice Kaufmann (locator), ... Nacionalidad y año: Reino Unido, 1961. Duración y datos técnicos: 78 min. technicolor  1.85 : 1. (Doblada al español.)

Comentario

El argumento no podría estar más visto: una expedición científica captura un monstruo antediluviano y lo lleva a Londres para exhibirlo. A partir de ese momento (tras una simpática sorpresa familiar que no revelaremos) nos encontramos con lo de siempre en las películas del género: destrucción, caos y transparencias de masas chillonas y asustadizas. Lo curioso del caso es que, para variar, no es Tokio sino Londres la urbe en sufrir los brutales ataques del gigantesco monstruo. Cosa que alegra. Siempre es entretenido ver como el Puente de Londres cae al río.

Eugene Lourié fue el autor de “El monstruo de los tiempos remotos” (1953), una libérrima adaptación de un cuento de Ray Bradbury con la que se inició el "boom” de los filmes con saurios prehistóricos y compañía en ciudades modernas. La respuesta japonesa fue la serie sobre Godzilla y, paradójicamente, en un momento en el que ese personaje de la Toho era una estrella, Lourié volvió con “Gorgo” a su tema preferido  -ya que dirigió también “The Giant Behemoth” (1959), y “The Colossus of New York” (1958). O sea, que sólo rodó películas de monstruos gigantescos-, convirtiéndose ahora en deudor de influencias orientales.

Porque una cosa es más que evidente. Y es que “Gorgo” recuerda demasiado a dos de los grandes del cine “monstruoso”. Por supuesto hablamos de King Kong y Godzilla. Pero es un leve recuerdo porque esta película no está dotada con la grandiosidad del colosal Kong, ni la simpatía y ese afán por entretener (y lo consiguen) de los “kaiju-eiga” nipones. Es un lejano remedo que no llega a cuajar del todo. Con un guión prototípico a la par que demencial (por lo bodrioso), unos efectos de risa (al estilo nipón: hombre dentro del traje de monstruo) y muchas imágenes de relleno (exhasperante). Vamos, que te ríes por no llorar. En fin, un pelín floja.

Una curiosidad: en 1973, los imaginativos distribuidores hispanos rebautizaron a Godzilla como Gorgo en “Gorgo y Supermán se citan enTokyo” (aka “Godzilla vs. Megalon” o “Gojira Tai Megalon)”

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El sonido va un pelín descompasado. Unas décimas de segundo. pero no es molesto. 

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Pass: dinosaurio

Batalla Más Allá del Sol (1962) ("Battle Beyond the Sun") (V.O.S.E.)

sinopsis

1997. Tras una guerra atómica la Tierra se ha dividido en dos ejes, Hemis Norte y Hemis Sur, que siguen un feroz enfrentamiento ideológico. Un equipo de científicos del Hemis Sur, establecidos en una base espacial, tiene la misión de un próximo viaje a Marte. Cuando un grupo de astronautas del Hemis Norte llega a la base y se entera del proyecto deciden que ellos han de ser los primeros..

Ficha Técnica

Francis Ford Coppola [con el seudónimo de Thomas Colchart], [sin acreditar: Mikhail Karzhukov, Aleksandr Kozyr]. Productor: Roger Corman para American International Pictures. Guion: Francis Ford Coppola [con el seudónimo de Thomas Colchart], Nicholas Colbert, Edwin Palmer [i.e.: Mikhail Karzhukov, Yevgeni Pomeshchikov, Aleksei Sazanov]. Fotografía: Jan Oneidas [Nikolai Kulchitsky]. Música: Yuli Meitus, Carmine Coppola [música especial], Les Baxter [música de stock], Ronald Stein [música de stock]. especiales: Al Locatelli. Intérpretes: Edd Perry [Ivan Pereverzev] (Dr. Albert Gordon), Arla Powell [Alla Popova] (Nancy Matthews), Kirk Barton [Konstantin Bartashevich] (Dr. Martin), Linda Barrett [L. Borisenko] (Ruth Gordon), Andy Stewart [Aleksandr Shvorin] (Craig Matthews), Gene Tonner [Gurgen Tonunts] (Herman Berst), Barry Chertok [V. Chernyak] (Gregori Vasilivich Somov), y las voces de Frederick Farley, Mary Kannon, Lawrence Loben, Edd Perry, Arla Powell, Andy Stewart, Gene Tonner... Nacionalidad y año: Estados Unidos, [URSS] 1962 [/1959]. Duración y datos técnicos: 64 min. color 1.37:1. (V.O.S.E.)

Comentario

Con la falta de escrúpulos que le caracteriza, Roger Corman se hizo con un filme Soviético, “Niebo Zowiet” dirigido por por Alexander Zoryr y Mikhail Karyurov en 1959, y lo convirtió, a través de un nuevo montaje y el añadido de algunas escenas, en una película americana de intenciones más lúdicas y menos políticas. Toda una operación de piratería cinematográfica que ya había sido emprendida en España por Tono y Mihura (quienes transformaron una película nazi en una comedia) y, más tarde, por Woody Allen a partir de un filme japonés. Y que Corman lo convertiría en algo más que habitual. Recordad que ya nos referimos a esta especial habilidad de corta/pega con imágenes de diversos filmes en “El Planeta sangriento”, en1966 (que recoge algunas imágenes de la película a la que nos referimos hoy) o, el colmo del descaro, las películas “Viaje Al Planeta Prehistórico” (“Voyage to the Prehistoric Planet, 1965) y Voyage to the Planet of Prehistoric Women (1968) que recogen prácticamente todo el metraje de la soviética “Planeta Bur”, de 1962, con algunos añadidos. 
Así nos encontramos con tres películas casi exactamente iguales pero con guiones diferentes… Aunque en realidad eran más que comprensible esos saqueos de la filmografía sci-fi soviética, ya que sus efectos especiales eran impecable, superiores incluso a los de las películas americanas.
En esta ocasión la cinta original de los rusos explicaba morosamente cómo unos cosmonautas soviéticos conseguían triunfar sobre las añagazas de los cobardes astronautas americanos. Mientras en la renacida historia yanqui se elimina todo mensaje político, situando la acción en un futuro imaginario en el que el mundo está dividido en dos grandes países, los Hemis del Norte y del Sur. A los soviéticos les toca quedarse con el Norte. El motivo de la disputa entre ambos es ahora la carrera por llegar los primeros a Marte. Corman, hábil estratega comercial, viendo que esto no iba a interesar demasiado al público norteamericano, encargó al jovenzuelo Francis Ford Coppola, uno de sus directores a sueldo por entonces, que añadiera algunas gotas de sabor a ese guiso un tanto soso. El Italoamericano, que para la ocasión se escondió bajo el nombre de Thomas Colchar, rodó unas escenas adicionales de batallas de monstruos al más puro estilo nipón, lo que constituye el principal atractivo del filme.
Uno de los momentos de mayor impacto se centra en la lucha a muerte entre dos impresionantes saurios que simbolizan de manera directa y poco sutil la batalla entre los sexos. Así, el monstruo masculino es poco menos que un símbolo fálico con patas agrediendo a un monstruo-hembra peligrosamente parecido a una vagina de varios metros de altura. Todo un prodigio de desatada imaginería pornógrafa que, por motivos obvios, no fue estrenado en su momento, en su versión norteamericana, en la Unión Soviética.

Curiosa, vive Dios.

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Pass: caprisolete

Contaminación (1970) ("No Blade Of Grass") (Versión Doblada)

sinopsis

En un futuro próximo, la polución ha llegado a tal extremo que se ha desarrollado un virus letal que está acabando con la humanidad. Algunos países bombardean las ciudades más pobladas para acabar con el foco de infección. Ante esta situación, dos familias huyen hacia lugares más saludables.

Ficha Técnica

Dirección: Cornel Wilde / Producción: Cornel Wilde / Guión: Sean Forestal, Cornel Wilde, sobre la novela de John Christopher / Música: Burnell Whibley / Fotografía: H.A.R. Thomson / Montaje: Eric Boyd-Perkins y Frank Clarke / Intérpretes: Nigel Davenport (John Custance), Jean Wallace (Ann Custance), John Hamill (Roger Burnham), Lynne Frederick (Mary Custance), Patrick Holt (David Custance), M.J. Matthews (George), Tex Fuller (Señor Beaseley),... Nacionalidad y año: EE.UU., 1963. Duración y datos técnicos: 96' Color 2.35 : 1. (Doblada)

Comentario

La película comienza con los relajantes acordes de la guitarra de Roger Whittaker que interpreta una triste canción (de esas con mensaje) durante los títulos de crédito iniciales. Al igual que el bardo a quien la historia ha sido confiada, Whittaker nos muestra no sólo el desastre ambiental que pone en marcha la historia, sino que también nos presenta el paisaje post-apocalíptico al que se enfrentarán los protagonistas de “No Blade Of Grass”.
                                           “Ni una brizna de hierba crece, y los pájaros no cantan,
                                            No hay alegría ni risa donde las olas acarician la orilla.
                                            Atrás han quedado todas las respuestas,
                                            hemos perdido todo lo ganado
                                            y la esperanza de que la vida siga adelante”

“No Blade of Grass” fue dirigida por el norteamericano de origen húngaro Cornel Wilde. Un actor venido a menos que viendo como su carrera Interpretativa palidecía de forma inexorable, decidiría pasarse a la realización, abriendo así una segunda (aunque igualmente mediocre) vía profesional salpicada de títulos grisáceos como “Storm Fear” (1956), “la presa desnuda” (1965) o “la playa roja” (1968).
Utilizando como soporte literario la apocalíptica novela “The Death of Grass” de John Christopher, Wilde abordaría. Con su habitual atonía expresiva, el género fantacientifico en “Contaminación”, un Ingenuo alegato ecológico adornado con la suficiente violencia como para (en teoría) atraer al público menos reflexivo. La historia, emplazada en un dantesco futuro próximo donde la polución ha arruinado la mayoría de las cosechas planetarias, narra las penalidades sufridas por un par de familias en busca de un lugar fértil donde sobrevivir. En su periplo a través de ciudades asoladas y terrenos baldíos sembrados de cadáveres, el grupo será asaltado pandilleros, psicópatas y motoristas errantes (una especie de vikingos en moto), los cuales parece ser que forman el grueso de la población superviviente al desastre medioambiental.
Ajustadas interpretaciones de Nigel Davenport y Jean Wallace (esposa de Wilde y habitual protagonista de las películas por él dirigidas), y breve papel secundario para el siempre convincente Donald Pleasence.
En definitivas cuentas, un film digno de ver (por su rareza) que entremezcla la distopía más inocente y descafeinada con la serie B post-apocalíptica más cetrina. Siendo en realidad, al final, más una película de acción que otra cosa. 

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Pass: tuerto

Matango (1963) (V.O.S.E.)

sinopsis
Siete turistas naufragan en una extraña isla tropical. No se detectan animales, no hay comida y casi no hay agua potable. Los siete supervivientes encuentran pronto restos de otros muchos naufragios, pero ningún alma viva. Debido a sus condiciones empiezan a surgir disputas por casi todo, hasta que el hambre lleva a algunos de ellos a comer los hongos que parecen plagar parte de la isla y los restos de los naufragios.




Ficha Técnica

Dirección: Ishirô Honda / Producción: Tomoyuki Tanaka / Guión: Takeshi Kimura, basado en el relato “The Voice In The Night”, de William Hope Hodgson / Música: Sadao Bekku / Fotografía: Hajime Koizumi / Montaje: Reiko Kaneko / Efectos especiales: Eiji Tsuburaya / Akira Kubo (Kenji Murai – Profesor), Kumi Mizuno (Mami Sekiguchi – cantante), Hiroshi Koizumi (Naoyuki Sakuta – patrón), Kenji Sahara (Senzô Koyama – marinero), Hiroshi Tachikawa (Etsurô Yoshida – Escritor), Yoshio Tsuchiya (Masafumi Kasai – millonario), Miki Yashiro (Akiko Sôma – estudiante)... Nacionalidad y año: Japón, 1963. Duración y datos técnicos: 90' C 2.55 : 1. (V.O.S.E.)



Comentario
Película de culto del amigo Ishiro Honda. Comentario, en breve




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Pass: hongos

Zombi / El amanecer de los muertos (1978) (Dual Esp/Inglés + Subs) ("Dawn Of The Dead")

sinopsis
Después del escenario establecido en la película anterior, "La noche de los muertos vivientes", la película nos presenta unos Estados Unidos abatidos por una plaga de muertos vivientes guiados por un deseo de comer carne humana. La causa de este mal no es explicada. A pesar de los esfuerzos de las autoridades, la sociedad se ha derrumbado y los que aún siguen vivos buscan cualquier refugio que puedan encontrar. La trama se centra en un grupo de supervivientes que se refugia en un centro comercial para escapar de las garras de los muy hambrientos, aunque torpes, zombies.




Ficha Técnica

Dirección: George A. Romero / Producción: Richard P. Rubinstein / Guión: George A. Romero / Música: Dario Argento y Goblin / Fotografía: Michael Gornick / Montaje: George A. Romero / Efectos especiales: Don Berry, Tom Savini y Gary Zeller / David Emge (Stephen), Ken Foree (Peter),Scott H. Reiniger (Roger), Gaylen Ross (Francine), David Crawford (Dr. Foster), David Early (Mr. Berman), Richard France (científico), ... Nacionalidad y año: Italia-Estados Unidos 1978. Duración y datos técnicos: 126' C 1.85:1. (Dual Español/Inglés + Subs)



Comentario
De nuevo nos encontramos con el rey del imperio zombie: George A. Romero, artífice de “La Noche de los muertos vivientes” (1968). Esa magnífica película que marca un antes y un después en el mundo de los muertos vivientes en el cine. Tras su estreno se convirtió en un film de culto y una de las películas de terror más aclamadas de la década de los 60, especialmente en el circuito independiente, y que ha acabado siendo uno de los filmes más imitados (o que ha servido como referente para cientos de películas) a lo largo de estos últimos 40 años.
En los 70 realizará un par de películas más, siendo ambas muy interesantes: “The Crazies” (1973), ya posteada aquí, y “Martin” (1976). Dos buenos filmes que aunque no fueron grandes éxitos de taquilla, se presentaban como algo diferente, innovador y transgresor en el mundo de la sci-fi y el terror.
Será a finales de la década cuando Romero se puso manos a la obra para realizar “Dawn of the Dead”, que suponía su regreso a ese universo lleno de zombies que tanto gusta al amigo George, que ha dirigido unas cuantas historias sobre el tema, creando un mundo apocalíptico que ha durado hasta nuestros días.
Romero siempre ha dicho que había esperado 10 años para rodar la secuela de “La Noche de los Muertos Vivientes” ya que su intención era reflejar otra época distinta, los 70. Tenía en mente una trilogía y “Dawn Of the dead” era la segunda de ésta. La completaría con la aburrida (salvo la trepidante última media hora) “Day Of The Dead”, en 1985.
“Dawn Of the Dead” supone un cambio, una evolución, tanto a nivel artístico como de guión. Para empezar, está rodada en color (fotografía excesivamente brillante que parece un telefilm) lo que le hace perder ese dramatismo casi con aires de documental de su predecesora de 1968.
En segundo lugar, varía la esencia global del film. “La Noche de los Muertos Vivientes” venía a ser una historia angustiosa de la lucha por la supervivencia de un grupo de personas ante una amenaza desconocida y terrorífica. Aquí el tono es muy diferente: los zombies son especialmente torpes y se les retrata con cierto aire de comicidad que va acorde con la intención del film. Ya que el guión de George A. Romero supura ironía, cinismo y un delicioso humor negro que no deja impávido a nadie. Y los muertos vivientes dan menos miedo (la escena de las tartas refleja muy bien esto). A pesar de que hay bastante más gore (y más explícito) que en su predecesora. Porque la intención de este film no se centra en ese clima de amenaza y terror que puede suponer el hecho de que los muertos se levanten de sus tumbas buscando carne fresca (y viva) para almorzar, sino que lo que busca es analizar la conducta de los supervivientes, como un reflejo de la sociedad de la época, creando una metáfora en la que se refleja ese materialismo exacerbado que nos invade, la sociedad de consumo y la irracionalidad de los actos del ser humano, individualista e interesado a más no poder.
Ya que los supervivientes se encierran en un centro comercial para poder sobrevivir. Un lugar donde pueden encontrar de todo para asegurar su supervivencia. Tienen para comer, para divertirse… Pero están encerrados y, al final, las posesiones materiales no conseguirán mitigar su aburrimiento y su depresión. También es el sitio que deberán defender ante la amenaza que suponen otros humanos, saqueadores, que procurarán quitarles todo aquello que poseen y por lo que han luchado muy duro.
También se dice que es una metáfora del comunismo por varias razones: Por un lado, los zombies regresan "por instinto" a los lugares que le dieron placer y que aún permanecen como recuerdo en los restos de su memoria (después de muerto, el lugar más satisfactorio que ha visitado el finado ha sido... un centro comercial). Por otro, representan a una masa de "pobres" que pretende acceder a los lujos que los "ricos" (los supervivientes) poseen.
Para concluir, Romero también arremete contra los medios de comunicación de los que se mofa sin ningún pudor.
Pero si pensáis tras leer este análisis que “Dawn Of The Dead” es un tostón, os equivocáis. La película se desarrolla muy inteligentemente y poco a poco va “in crescendo” hasta un apoteósico final lleno de acción trepidante repleta de explosiones, mutilaciones, violencia y gore a mansalva. ¡Fantástico! Con deciros que a lo largo de toda la película se producen más de 200 asesinatos... ¡Ahí va eso!


A continuación os dejo como se hizo el rodaje, el estreno y las repercusiones que este gran film ha tenido en la historia del cine. Gracias, como no, a la Wikipedia:
El rodaje duró aproximadamente cuatro meses, entre finales de 1977 y principios de 1978, y tuvo lugar en las ciudades de Pittsburgh y Monroeville en el estado de Pensilvania.2 La cinta tuvo un presupuesto aproximado de 1,5 millones de dólares y recaudó un total de 55 millones a lo largo del mundo.1 A pesar del gore presente en sus escenas, la película posee una sátira social, principalmente contra el consumismo.
La historia de “Dawn of the Dead” comenzó en 1974, cuando George A. Romero fue invitado al centro comercial Monroeville Mall por un amigo que trabajaba en Oxford Development Company, compañía administradora del edificio. Tras mostrarle algunas partes, su amigo le comentó en tono de broma que alguien podría sobrevivir algún desastre refugiándose en el centro comercial. Tras este episodio, Romero comenzó a escribir el guion.
Al principio, Romero y el productor Richard P. Rubinstein no pudieron encontrar inversionistas para el proyecto. Por casualidad, el director italiano Dario Argento supo de esto y decidió ayudarlos. Se reunió con Romero y Rubinstein, comprometiéndose a financiar la película a cambio de los derechos de distribución internacional. Comentaron además algunos elementos de la historia. Romero consiguió el centro de comercial de Monroeville como lugar de filmación, además de financiamiento adicional, gracias a sus contactos con los dueños del centro comercial.

El rodaje de la cinta comenzó el 13 de noviembre de 1977, en el centro comercial Monroeville Mall. El trabajo comenzaba en la noche, una vez que el centro comercial cerraba sus tiendas, y terminaba en las madrugadas, antes que abriera. El rodaje fue interrumpido en diciembre, debido a las decoraciones navideñas que había en el centro comercial y a la dificultad de quitarlas todos los días antes de filmar. Durante este periodo, Romero comenzó a editar algunas de las escenas. La filmación fue reanudada en enero de 1978. Las escenas aéreas de la película fueron filmadas en el Harold W. Brown Memorial Field, un aeropuerto de Monroeville ubicado cerca del centro comercial. Las escenas que mostraban el escondite de los protagonistas en el centro comercial fueron filmadas en un plató creado por la compañía “The Latent Image”.
El maquillaje y los efectos especiales de la película estuvieron a cargo de Tom Savini, quien no había podido trabajar en la cinta “La noche de los muertos vivientes” de 1968 debido a que estaba en Vietnam. Su experiencia en la guerra fue una influencia al momento de crear efectos especiales para películas de terror. Savini trabajó con un equipo de ocho personas, quienes le ayudaron a maquillar a los cerca de doscientos extras. Uno de sus asistentes fue Joseph Pilato, quien participó posteriormente en la película “Day of the Dead”. El maquillaje de los extras de la película consistió en una base simple de color azul grisáceo. Para el caso de los zombis que estarían más tiempo en pantalla el maquillaje fue más elaborado.
Una réplica de la cabeza de Gaylen Ross, que iba a ser usada en el final original de la película, terminó siendo utilizada en una de las escenas del edificio de apartamentos. La cabeza fue llenada con restos de comida, y su explosión se logró disparándole con una escopeta. La sangre falsa utilizada en la cinta fue creada por la compañía 3M.
Dawn of the Dead fue estrenada el 2 de septiembre de 1978 en Italia, y el 20 de abril de 1979 en Estados Unidos.12 La película ha recibido una serie de reediciones debido principalmente a los derechos de Dario Argento de editar el filme para su estreno en el mercado internacional. Romero estuvo a cargo del montaje de la versión en inglés de la película, que tiene una duración de 139 minutos. Dicha versión fue reducida a 126 minutos para su estreno en Estados Unidos.La película fue rechazada para su clasificación en Australia dos veces: en 1978 para su estreno en cines, y posteriormente en 1979. Las versiones presentadas al Australian Classification Board fueron las de Argento y Romero, respectivamente. La cinta fue finalmente aceptada en aquel país en febrero de 1980, con una clasificación para mayores de 18 años.
En los afiches de la película se agregó la frase "la experiencia cinematográfica más espeluznante de todos los tiempos" ("the most intensely shocking motion picture experience for all times"). El título de la película fue traducido en España como “Zombi” y en Hispanoamérica como “El amanecer de los muertos”.La cinta recaudó más de 5 millones de dólares en Estados Unidos, y un total de 55 millones a lo largo del mundo.
“Dawn of the Dead” obtuvo una buena respuesta por parte de la crítica cinematográfica. En el sitio web “Rotten Tomatoes” posee un 94% de comentarios "frescos", basado en un total de 36 críticas, y Filmsite.org la incluyó entre las mejores películas de 1978. Roger Ebert del periódico Chicago Sun-Times se refirió a ella como "una de las mejores películas de terror jamás hechas", y destacó la sátira que hace de la sociedad estadounidense.Steve Biodrowski de la revista Cinefantastique la comparó con la cinta “La noche de los muertos vivientes” (1968), agregando que en la película de 1978 "las actuaciones son uniformemente poderosas; y el guión desarrolla sus temas de manera más explícita, con evidentes golpes satíricos a la sociedad moderna de consumo". Elogió además la forma en que Romero utilizó el gore como "una forma de arte".
Los detractores de la cinta criticaron principalmente su violencia gráfica. Janet Maslin de The New York Times escribió que solo pudo resistir los primeros quince minutos del filme antes de salir de la sala.La revista Variety criticó el guión, describiéndolo como banal e incoherente.
En 2005, la revista británica Total Film la ubicó en el cuarto puesto de las 50 mejores películas de terror de la historia. Por su parte, la Chicago Film Critics Association la ubicó en el puesto número 9 de las películas más terroríficas de la historia. En 2008, la revista Empire llevó a cabo una encuesta entre lectores y críticos de cine para seleccionar las 500 mejores películas de todos los tiempos, y “Dawn of the Dead” fue ubicada en el puesto 415.Dos años más tarde, la revista Wired la incluyó entre las 25 mejores películas de terror de todos los tiempos.

En el año 2004, Zack Snyder realizaría un remake de "El Amanecer de los Muertos" bastante digno.

En definitivas cuentas, una espléndida cinta que nos presenta a un George A. Romero satírico, ingenioso y que consigue crear un producto lleno de acción, humor y zombies a patadas. De esas películas que se te pasan volando. "Plan 9" te invita a un entrecot poco hecho. Recomendada





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